Já vamos partir de um principio básico: "Apenas uma Vez" é imperdível - daqueles filmes gostosos de assistir e que mesmo soando "meio água com açúcar", nos conquista pela sua capacidade de nos emocionar com uma premissa simples, mas muito eficaz: a de que mesmo nas dificuldades, a vida está sempre pronta para nos mostrar que podemos ser felizes! Sim, se você está em busca de um filme descomplicado e ao mesmo tempo muito surpreendente, "Once" (no original) é perfeito - para assistir várias vezes! O filme dirigidopelo John Carney, de fato, oferece uma experiência profundamente cativante e envolvente que combina uma narrativa simples e bem desenvolvida, performances excepcionais de um elenco muito bem escalado (com alma) e uma trilha sonora que olha, é de tirar o fôlego. Não é de surpreender que "Apenas uma Vez" tenha conquistado tantos elogios e prêmios no cenário independente até chegar no Oscar de 2008, para faturar a estatueta de "Melhor Canção Original" - e na minha opinião, foi pouco!
Na trama, somos jogados em meio às ruas movimentadas de Dublin, na Irlanda, onde um músico talentoso de rua e sem nome (Glen Hansard) encontra uma imigrante tcheca (Markéta Irglová) que toca piano. O destino que os uniu através da música faz com que eles compartilhem histórias pessoais, esperanças e sonhos, construindo uma conexão profunda, única e apaixonante. Confira o trailer (em inglês):
"Apenas uma Vez" é uma verdadeira joia do cinema indie que explora a alma humana através de sua sensibilidade e delicadeza. A beleza do filme reside muito na sua autenticidade e na forma como os personagens, interpretados de maneira magnífica por Glen Hansard e Markéta Irglová, transmitem emoções cruas e genuínas - eles são tão reais que parecem ter saído de um documentário. Hansard e Irglová não são apenas atores talentosos, mas também músicos excepcionais que oferecem performances deslumbrantes que evocam sensações que transitam entre a melancolia e a esperança. Hansard é vocalista da banda dublinense The Frames, onde, não por acaso, Carney participou como contrabaixista até 1993. Já Irglova trabalhou com Hansard no álbum folk, The Swell Season.
A direção talentosa de Carney é evidente na escolha do elenco, mas também na construção do tom da narrativa - reparem nas pausas dramáticas que ele estimula entre um diálogo e outro. As belíssimas locações de Dublin se conectam perfeitamente com a fotografia do grande Tim Fleming (de "Citadel") - a maneira como ele captura a atmosfera da cidade, tornando-a quase um personagem em si mesma, lembra muito o trabalho de Sean Price Williams em "Amor, Drogas e Nova York".A fotografia contrastada e uma montagem extremamente cuidadosa do Paul Mullen aprofundam a imersão na história de um maneira arrebatadora - e é aí que entra a estrela do filme: a trilha sonora! Composta principalmente por canções originais escritas pelos próprios protagonistas, posso te garantir que é uma das mais marcantes da história do cinema independente - daquelas onde as músicas continuam ecoando na sua mente muito tempo após o término do filme e que passam a fazer parte da nossa playlist com muita naturalidade.
"Apenas uma Vez" é uma homenagem à beleza da música como uma forma de comunicação universal que transcende as barreiras linguísticas e culturais. O filme é uma jornada emocional que vai tocar seu coração e que alimentará sua alma pelo que ele é na sua essência - e isso é tão raro. Não hesite em dar o play para um filme que se destacou nos festivais independentes do mundo inteiro e se consolidou como um dos melhores exemplos do poder transformador que cinema pode proporcionar. Seja você um amante da boa música ou simplesmente alguém que busca uma história emocionalmente rica e muito sensível, "Once" é uma escolha inigualável que você não pode perder. É sério!
Já vamos partir de um principio básico: "Apenas uma Vez" é imperdível - daqueles filmes gostosos de assistir e que mesmo soando "meio água com açúcar", nos conquista pela sua capacidade de nos emocionar com uma premissa simples, mas muito eficaz: a de que mesmo nas dificuldades, a vida está sempre pronta para nos mostrar que podemos ser felizes! Sim, se você está em busca de um filme descomplicado e ao mesmo tempo muito surpreendente, "Once" (no original) é perfeito - para assistir várias vezes! O filme dirigidopelo John Carney, de fato, oferece uma experiência profundamente cativante e envolvente que combina uma narrativa simples e bem desenvolvida, performances excepcionais de um elenco muito bem escalado (com alma) e uma trilha sonora que olha, é de tirar o fôlego. Não é de surpreender que "Apenas uma Vez" tenha conquistado tantos elogios e prêmios no cenário independente até chegar no Oscar de 2008, para faturar a estatueta de "Melhor Canção Original" - e na minha opinião, foi pouco!
Na trama, somos jogados em meio às ruas movimentadas de Dublin, na Irlanda, onde um músico talentoso de rua e sem nome (Glen Hansard) encontra uma imigrante tcheca (Markéta Irglová) que toca piano. O destino que os uniu através da música faz com que eles compartilhem histórias pessoais, esperanças e sonhos, construindo uma conexão profunda, única e apaixonante. Confira o trailer (em inglês):
"Apenas uma Vez" é uma verdadeira joia do cinema indie que explora a alma humana através de sua sensibilidade e delicadeza. A beleza do filme reside muito na sua autenticidade e na forma como os personagens, interpretados de maneira magnífica por Glen Hansard e Markéta Irglová, transmitem emoções cruas e genuínas - eles são tão reais que parecem ter saído de um documentário. Hansard e Irglová não são apenas atores talentosos, mas também músicos excepcionais que oferecem performances deslumbrantes que evocam sensações que transitam entre a melancolia e a esperança. Hansard é vocalista da banda dublinense The Frames, onde, não por acaso, Carney participou como contrabaixista até 1993. Já Irglova trabalhou com Hansard no álbum folk, The Swell Season.
A direção talentosa de Carney é evidente na escolha do elenco, mas também na construção do tom da narrativa - reparem nas pausas dramáticas que ele estimula entre um diálogo e outro. As belíssimas locações de Dublin se conectam perfeitamente com a fotografia do grande Tim Fleming (de "Citadel") - a maneira como ele captura a atmosfera da cidade, tornando-a quase um personagem em si mesma, lembra muito o trabalho de Sean Price Williams em "Amor, Drogas e Nova York".A fotografia contrastada e uma montagem extremamente cuidadosa do Paul Mullen aprofundam a imersão na história de um maneira arrebatadora - e é aí que entra a estrela do filme: a trilha sonora! Composta principalmente por canções originais escritas pelos próprios protagonistas, posso te garantir que é uma das mais marcantes da história do cinema independente - daquelas onde as músicas continuam ecoando na sua mente muito tempo após o término do filme e que passam a fazer parte da nossa playlist com muita naturalidade.
"Apenas uma Vez" é uma homenagem à beleza da música como uma forma de comunicação universal que transcende as barreiras linguísticas e culturais. O filme é uma jornada emocional que vai tocar seu coração e que alimentará sua alma pelo que ele é na sua essência - e isso é tão raro. Não hesite em dar o play para um filme que se destacou nos festivais independentes do mundo inteiro e se consolidou como um dos melhores exemplos do poder transformador que cinema pode proporcionar. Seja você um amante da boa música ou simplesmente alguém que busca uma história emocionalmente rica e muito sensível, "Once" é uma escolha inigualável que você não pode perder. É sério!
A parceira Adam Sandler e Netflix quase colocou o ator, com toda justiça, na disputa do Oscar com "Jóias Brutas". Em "Arremessando Alto", tenho a impressão, que a performance não esteja no mesmo nível do filme anterior, porém é inegável a capacidade que Sandler tem de se reinventar e aqui, mais uma vez, ele entrega um personagem cheio de camadas, com uma profundidade emocional bastante interessante e, principalmente, com o um range de interpretação que coloca seu Stanley Sugerman como um dos seus melhores trabalhos.
Sugerman é um olheiro que trabalha para uma das franquias mais famosas do basquete americano, o 76ers da Filadélfia. Com a proposta de se tornar assistente técnico do lendário coach Doc Rivers, Sugerman precisa encontrar um jogador com potencial de sucesso para mudar os rumos do time na próxima temporada, porém seu superior não acredita que isso seja possível, é quando o olheiro e seu pupilo, o espanhol Bo Cruz (Juancho Hernangomez), passam a se esforçar ao máximo para provar que ambos merecem uma chance real na NBA. Confira o trailer:
Todo review que faço, onde o esporte é o pano de fundo, eu procuro pontuar o quanto conhecer sobre determinada modalidade vai impactar na experiência de quem assiste o filme. Alguns filmes usam do basquete, do futebol americano e até do futebol para contar uma história de superação, seja social ou até mesmo esportiva, traduzindo a premissa em uma jornada muito mais universal do que de nicho. Em "Arremessando Alto" a questão é um pouco diferente, pois mesmo trazendo elementos mais dramáticos para a narrativa, é o basquete que pauta 90% do roteiro escrito pelo Will Fetters (de "Nasce Uma Estrela ") e pelo Taylor Materne (responsável pelo projeto, olha que curioso, de um dos jogos mais incríveis de basquete da atualidade e que cobre, justamente, a jornada de descoberta e ascensão de um atleta, o NBA 2K20).
Mesmo com um roteiro cheio de clichês, "Arremessando Alto" entrega uma narrativa coerente com a proposta e, eu diria, despreocupada com a história - se na série "Swagger" da AppleTV+ encontramos uma discussão de ideais de superação, autoestima e resiliência, até temas mais delicados como o abandono parental e tensão racial impregnada na sociedade americana, aqui o que vemos é muito mais simples e direto: um ex-jogador que virou olheiro tentando provar o seu valor através do talento acima da média de um atleta europeu que, não fosse ele, não teria chance alguma de chegar no topo da NBA. Dito isso, se você está familiarizado com os astros da Liga, você vai se divertir ainda mais, pois são tantas participações especiais (e muitas delas bem relevantes para a história) que até perdi a conta.
Dirigido pelo estreante Jeremiah Zagar, "Hustle" (no original) foi feito para o fã de basquete que talvez nem esteja preocupado em se aprofundar na história, mas sim em se divertir com ela. São muitas curiosidades de bastidores orquestradas para um ator que vem mostrando seu valor dramático e que com isso cria um certo layer especial para o filme - de fato Sandler brilha! A curiosidade fica pelos 86% de aprovação da crítica e pelos 94% do público no Rotten Tomatoes, o que prova que a produção da Netflix foi muito feliz em equilibrar o drama de personagem com o entretenimento despretensioso de um filme sobre... basquete!
Vale muito seu play!
A parceira Adam Sandler e Netflix quase colocou o ator, com toda justiça, na disputa do Oscar com "Jóias Brutas". Em "Arremessando Alto", tenho a impressão, que a performance não esteja no mesmo nível do filme anterior, porém é inegável a capacidade que Sandler tem de se reinventar e aqui, mais uma vez, ele entrega um personagem cheio de camadas, com uma profundidade emocional bastante interessante e, principalmente, com o um range de interpretação que coloca seu Stanley Sugerman como um dos seus melhores trabalhos.
Sugerman é um olheiro que trabalha para uma das franquias mais famosas do basquete americano, o 76ers da Filadélfia. Com a proposta de se tornar assistente técnico do lendário coach Doc Rivers, Sugerman precisa encontrar um jogador com potencial de sucesso para mudar os rumos do time na próxima temporada, porém seu superior não acredita que isso seja possível, é quando o olheiro e seu pupilo, o espanhol Bo Cruz (Juancho Hernangomez), passam a se esforçar ao máximo para provar que ambos merecem uma chance real na NBA. Confira o trailer:
Todo review que faço, onde o esporte é o pano de fundo, eu procuro pontuar o quanto conhecer sobre determinada modalidade vai impactar na experiência de quem assiste o filme. Alguns filmes usam do basquete, do futebol americano e até do futebol para contar uma história de superação, seja social ou até mesmo esportiva, traduzindo a premissa em uma jornada muito mais universal do que de nicho. Em "Arremessando Alto" a questão é um pouco diferente, pois mesmo trazendo elementos mais dramáticos para a narrativa, é o basquete que pauta 90% do roteiro escrito pelo Will Fetters (de "Nasce Uma Estrela ") e pelo Taylor Materne (responsável pelo projeto, olha que curioso, de um dos jogos mais incríveis de basquete da atualidade e que cobre, justamente, a jornada de descoberta e ascensão de um atleta, o NBA 2K20).
Mesmo com um roteiro cheio de clichês, "Arremessando Alto" entrega uma narrativa coerente com a proposta e, eu diria, despreocupada com a história - se na série "Swagger" da AppleTV+ encontramos uma discussão de ideais de superação, autoestima e resiliência, até temas mais delicados como o abandono parental e tensão racial impregnada na sociedade americana, aqui o que vemos é muito mais simples e direto: um ex-jogador que virou olheiro tentando provar o seu valor através do talento acima da média de um atleta europeu que, não fosse ele, não teria chance alguma de chegar no topo da NBA. Dito isso, se você está familiarizado com os astros da Liga, você vai se divertir ainda mais, pois são tantas participações especiais (e muitas delas bem relevantes para a história) que até perdi a conta.
Dirigido pelo estreante Jeremiah Zagar, "Hustle" (no original) foi feito para o fã de basquete que talvez nem esteja preocupado em se aprofundar na história, mas sim em se divertir com ela. São muitas curiosidades de bastidores orquestradas para um ator que vem mostrando seu valor dramático e que com isso cria um certo layer especial para o filme - de fato Sandler brilha! A curiosidade fica pelos 86% de aprovação da crítica e pelos 94% do público no Rotten Tomatoes, o que prova que a produção da Netflix foi muito feliz em equilibrar o drama de personagem com o entretenimento despretensioso de um filme sobre... basquete!
Vale muito seu play!
Tão sensacional quanto "Formula 1: Dirigir para Sobreviver", "Arremesso Final" tem dois diferenciais que precisam ser destacados, o primeiro é para o lado bom: dentro de uma história narrativamente muito bem construída temos um personagem que é simplesmente único e certamente está entre os três maiores gênios de todos os esportes em todos os tempos - Michael Jordan. Já o segundo não é tão bom assim: o projeto se trata de uma minissérie de apenas 10 episódios - é impossível não querer saber mais de todas aquelas histórias, seja você um amante de basquete ou só um curioso em conhecer os bastidores da criação de um mito! Confira o trailer:
"Last Dance", título original e infinitamente mais coerente que "Arremesso Final", é um registro imperdível de um dos períodos mais importantes da história do basquete americano e da NBA, onde o Chicago Bulls (saco de pancadas da Liga) vai se transformando em no time quase imbatível que alcançou a incrível marca de seis títulos em oito anos, depois da chegada de Jordan, um atleta que além de fenômeno no esporte, alcançou patamares inimagináveis até aquele momento no que diz respeito a influência cultural e poder de marketing! O mais sensacional disso tudo é que o diretor Jason Hehir conseguiu construir uma narrativa tão dinâmica e coerente para contar essa história que temos a sensação de estar revivendo aqueles momentos como se fosse hoje!
Embora seja impossível desassociar o sucesso dos Bulls com a ascensão esportiva de Michael Jordan, "Arremesso Final" vai muito além ao contar histórias bastante peculiares tanto dos bastidores do time (nas temporadas que ganharam e que perderam), quanto das pessoas que rodeavam o grande astro. Rodman, Kerr, Paxton, Pippen e até Phil Jackson foram de extrema importância em momentos-chaves de toda essa jornada que começou em 1985 com a terceira escolha no draft. O bacana é que são tantas curiosidades, muitas delas contadas pela primeira vez e pelos próprios personagens, que não conseguimos parar de assistir os episódios - mesmo sofrendo por saber que são apenas 10!
Esse projeto começou durante a temporada 1997/98 daNBA, quando uma equipe de filmagem ganhou total acesso aos bastidores do Chicago Bulls para registrar as coletivas de imprensa, as conversas de vestiários e todo o cotidiano de treinos e viagens do time. O material de mais de um ano de gravações ficou guardado por duas décadas, até que produtores da NBA em parceria com a ESPN entraram em contato com o próprio Jordan, dono dos direitos, e prometeram um verdadeiro tratado sobre sua carreira para que as novas gerações pudessem conhecer o seu legado no esporte e na cultura pop.
Um dos (vários) postos-altos da minissérie é a forma como Hehir equilibra a construção da jornada esportiva de MJ com a transformação cultural dos anos 90 - sempre pontuada por uma trilha sonora nostálgica! A edição tem um papel fundamental nesse trabalho - ela usa dos noticiários da época para ilustrar algumas passagens como o atentado terrorista que matou o pai de Steve Kerr ou os possíveis indícios da relação de Jordan com o vício em jogos de azar que poderiam, inclusive, ter sido a razão da sua primeira aposentadoria e, para quem gosta de teorias da conspiração, a causa da morte de seu pai. Já pelo lado esportivo, o diretor se baseia no sexto (e último) título dos Bulls para desconstruir todas as demais campanhas até ali, indo e voltando na linha do tempo, para justificar algumas dificuldades pontais, aumentar a força dramática e relacionar causas com efeitos para que a audiência entenda perfeitamente o valor de cada conquista.
"Arremesso Final" é uma daquelas relíquias que, graças a Deus, foram produzidas e democratizadas pelo streaming! Uma aula de história esportiva e um mergulho no dia a dia de um atleta que para muitos pertencia a um outro planeta, mas que na verdade foi uma pessoa como nós, com todas as imperfeições e angustias, mas que se dedicou e buscou seus objetivos com muita resiliência, treinamento e talento. Olha, a minissérie é, de fato, imperdível! Play now!!!!
Tão sensacional quanto "Formula 1: Dirigir para Sobreviver", "Arremesso Final" tem dois diferenciais que precisam ser destacados, o primeiro é para o lado bom: dentro de uma história narrativamente muito bem construída temos um personagem que é simplesmente único e certamente está entre os três maiores gênios de todos os esportes em todos os tempos - Michael Jordan. Já o segundo não é tão bom assim: o projeto se trata de uma minissérie de apenas 10 episódios - é impossível não querer saber mais de todas aquelas histórias, seja você um amante de basquete ou só um curioso em conhecer os bastidores da criação de um mito! Confira o trailer:
"Last Dance", título original e infinitamente mais coerente que "Arremesso Final", é um registro imperdível de um dos períodos mais importantes da história do basquete americano e da NBA, onde o Chicago Bulls (saco de pancadas da Liga) vai se transformando em no time quase imbatível que alcançou a incrível marca de seis títulos em oito anos, depois da chegada de Jordan, um atleta que além de fenômeno no esporte, alcançou patamares inimagináveis até aquele momento no que diz respeito a influência cultural e poder de marketing! O mais sensacional disso tudo é que o diretor Jason Hehir conseguiu construir uma narrativa tão dinâmica e coerente para contar essa história que temos a sensação de estar revivendo aqueles momentos como se fosse hoje!
Embora seja impossível desassociar o sucesso dos Bulls com a ascensão esportiva de Michael Jordan, "Arremesso Final" vai muito além ao contar histórias bastante peculiares tanto dos bastidores do time (nas temporadas que ganharam e que perderam), quanto das pessoas que rodeavam o grande astro. Rodman, Kerr, Paxton, Pippen e até Phil Jackson foram de extrema importância em momentos-chaves de toda essa jornada que começou em 1985 com a terceira escolha no draft. O bacana é que são tantas curiosidades, muitas delas contadas pela primeira vez e pelos próprios personagens, que não conseguimos parar de assistir os episódios - mesmo sofrendo por saber que são apenas 10!
Esse projeto começou durante a temporada 1997/98 daNBA, quando uma equipe de filmagem ganhou total acesso aos bastidores do Chicago Bulls para registrar as coletivas de imprensa, as conversas de vestiários e todo o cotidiano de treinos e viagens do time. O material de mais de um ano de gravações ficou guardado por duas décadas, até que produtores da NBA em parceria com a ESPN entraram em contato com o próprio Jordan, dono dos direitos, e prometeram um verdadeiro tratado sobre sua carreira para que as novas gerações pudessem conhecer o seu legado no esporte e na cultura pop.
Um dos (vários) postos-altos da minissérie é a forma como Hehir equilibra a construção da jornada esportiva de MJ com a transformação cultural dos anos 90 - sempre pontuada por uma trilha sonora nostálgica! A edição tem um papel fundamental nesse trabalho - ela usa dos noticiários da época para ilustrar algumas passagens como o atentado terrorista que matou o pai de Steve Kerr ou os possíveis indícios da relação de Jordan com o vício em jogos de azar que poderiam, inclusive, ter sido a razão da sua primeira aposentadoria e, para quem gosta de teorias da conspiração, a causa da morte de seu pai. Já pelo lado esportivo, o diretor se baseia no sexto (e último) título dos Bulls para desconstruir todas as demais campanhas até ali, indo e voltando na linha do tempo, para justificar algumas dificuldades pontais, aumentar a força dramática e relacionar causas com efeitos para que a audiência entenda perfeitamente o valor de cada conquista.
"Arremesso Final" é uma daquelas relíquias que, graças a Deus, foram produzidas e democratizadas pelo streaming! Uma aula de história esportiva e um mergulho no dia a dia de um atleta que para muitos pertencia a um outro planeta, mas que na verdade foi uma pessoa como nós, com todas as imperfeições e angustias, mas que se dedicou e buscou seus objetivos com muita resiliência, treinamento e talento. Olha, a minissérie é, de fato, imperdível! Play now!!!!
"As Faces da Marca", ou no original "LuLaRich", mostra a jornada de ascensão e queda de um dos maiores fenômenos da moda feminina nos EUA nos últimos tempos: aquelas calças leggings chamativas, e de gosto bem duvidoso, da LuLaRoe. Na verdade, o interessante dessa minissérie em 4 episódios, Original Prime Vídeo, é justamente entender como algumas estratégias da empresa faziam muito sentido e outras foram completamente amadoras, para não dizer gananciosas, e que praticamente transformaram uma marca que era idolatrada por suas consumidoras (fiéis) em sinônimo de arrogância, mal cartismo e péssima qualidade produto.
A produção desvenda o segredo do sucesso LuLaRoe, mas da pior forma possível. Conhecida por suas leggings, a infame empresa de marketing multi-nível viralizou prometendo para jovens mães, uma salvação financeira, trabalhando de casa, em meio período, mas ganhando muito dinheiro. Os excêntricos fundadores da LuLaRoe, DeAnne Brady e Mark Stidham, recrutaram um exército de vendedoras independentes para vender suas roupas cada vez mais bizarras e defeituosas, até que tudo começou a dar errado. Confira o trailer (em inglês):
Os diretores Jenner Furst e Julia Willoughby Nason (do ótimo "Prescrição Fatal") constroem uma narrativa bastante tradicional para esse documentário, porém com uma dinâmica brilhantemente pontuada por uma trilha sonora que define exatamente o sentimento que temos ao assistir os depoimentos de DeAnne e Mark, de seus antigos funcionários e, especialmente, de suas vendedoras mais relevantes e que um dia foram embaixadoras da marca. Apoiada em imagens de arquivo, algumas extremamente constrangedoras, "LuLaRich" tem muito mais a nos ensinar do que podemos imaginar.
Para aqueles envolvidos com empreendedorismo eu destaco dois pontos: a importância de encontrar o público ideal que vai consumir seu produto (a famosa "persona") e a estratégia de comunicação para construção de uma comunidade fiel, defensora da marca e de todos seus produtos. Por outro lado, e aqui aprender com os erros dos outros deixa a experiência ainda mais completa, a forma como os fundadores da LuLaRoe constituíram suas lideranças dentro da empresa soa patético - que transformou uma cultura que parecia ser bastante saudável em uma postura tão tóxica, onde suas práticas lembravam (e muito) algumas seitas abusivas que já vimos em outros documentários como "The Vow", por exemplo.
Impressiona o fato de que DeAnne e Mark parecem não entender as consequências de suas péssimas atitudes como empresários - a não ser que eles sejam atores incríveis, parece que eles realmente acreditam que convidar as próprias clientes como vendedoras oficiais da marca, oferecendo comissões apenas quando outras mulheres são recrutadas por elas, para aí sim vender LuLaRoe, com custo fixo de aquisição de produto garantido; não seja uma pirâmide!
"As Faces da Marca" é muito feliz em discutir os limites éticos de um negócio de família que deu certo muito rápido. A linha tênue entre uma cultura corporativa marcada pela informalidade e um ambiente de trabalho abusivo pode ser até sutil, mas em escala acaba destruindo algo que tinha, de fato, muito potencial. O problema é que o preço foi caro, principalmente para aquele lado da corda mais fraco, que enxergavam na LuLaRoe uma oportunidade de mudar de vida, de ascensão social, mas que na verdade não passava de uma grande fantasia (para não dizer "furada").
Vale muito seu play!
"As Faces da Marca", ou no original "LuLaRich", mostra a jornada de ascensão e queda de um dos maiores fenômenos da moda feminina nos EUA nos últimos tempos: aquelas calças leggings chamativas, e de gosto bem duvidoso, da LuLaRoe. Na verdade, o interessante dessa minissérie em 4 episódios, Original Prime Vídeo, é justamente entender como algumas estratégias da empresa faziam muito sentido e outras foram completamente amadoras, para não dizer gananciosas, e que praticamente transformaram uma marca que era idolatrada por suas consumidoras (fiéis) em sinônimo de arrogância, mal cartismo e péssima qualidade produto.
A produção desvenda o segredo do sucesso LuLaRoe, mas da pior forma possível. Conhecida por suas leggings, a infame empresa de marketing multi-nível viralizou prometendo para jovens mães, uma salvação financeira, trabalhando de casa, em meio período, mas ganhando muito dinheiro. Os excêntricos fundadores da LuLaRoe, DeAnne Brady e Mark Stidham, recrutaram um exército de vendedoras independentes para vender suas roupas cada vez mais bizarras e defeituosas, até que tudo começou a dar errado. Confira o trailer (em inglês):
Os diretores Jenner Furst e Julia Willoughby Nason (do ótimo "Prescrição Fatal") constroem uma narrativa bastante tradicional para esse documentário, porém com uma dinâmica brilhantemente pontuada por uma trilha sonora que define exatamente o sentimento que temos ao assistir os depoimentos de DeAnne e Mark, de seus antigos funcionários e, especialmente, de suas vendedoras mais relevantes e que um dia foram embaixadoras da marca. Apoiada em imagens de arquivo, algumas extremamente constrangedoras, "LuLaRich" tem muito mais a nos ensinar do que podemos imaginar.
Para aqueles envolvidos com empreendedorismo eu destaco dois pontos: a importância de encontrar o público ideal que vai consumir seu produto (a famosa "persona") e a estratégia de comunicação para construção de uma comunidade fiel, defensora da marca e de todos seus produtos. Por outro lado, e aqui aprender com os erros dos outros deixa a experiência ainda mais completa, a forma como os fundadores da LuLaRoe constituíram suas lideranças dentro da empresa soa patético - que transformou uma cultura que parecia ser bastante saudável em uma postura tão tóxica, onde suas práticas lembravam (e muito) algumas seitas abusivas que já vimos em outros documentários como "The Vow", por exemplo.
Impressiona o fato de que DeAnne e Mark parecem não entender as consequências de suas péssimas atitudes como empresários - a não ser que eles sejam atores incríveis, parece que eles realmente acreditam que convidar as próprias clientes como vendedoras oficiais da marca, oferecendo comissões apenas quando outras mulheres são recrutadas por elas, para aí sim vender LuLaRoe, com custo fixo de aquisição de produto garantido; não seja uma pirâmide!
"As Faces da Marca" é muito feliz em discutir os limites éticos de um negócio de família que deu certo muito rápido. A linha tênue entre uma cultura corporativa marcada pela informalidade e um ambiente de trabalho abusivo pode ser até sutil, mas em escala acaba destruindo algo que tinha, de fato, muito potencial. O problema é que o preço foi caro, principalmente para aquele lado da corda mais fraco, que enxergavam na LuLaRoe uma oportunidade de mudar de vida, de ascensão social, mas que na verdade não passava de uma grande fantasia (para não dizer "furada").
Vale muito seu play!
"Augustine" é um filme denso na sua forma e no seu conteúdo. No seu "conteúdo" por se tratar de um assunto extremamente delicado e que levanta muitas questões, inclusive éticas, até hoje: a histeria. Já olhando pelo prisma da "forma", a então diretora estreante Alice Winocour (que depois veio dirigir o ótimo "A Jornada") impõe um conceito visual cheio de metáforas, usando e abusando das sombras e de um mood completamente opressor, depressivo - o que diga-se de passagem, se encaixa perfeitamente naquele universo empírico do século XIX.
Inverno de 1885, Paris. O professor e brilhante neurologista francês Jean-Martin Charcot (Vincent Lindon), do Hospital Pitié-Salpêtriere, está estudando uma doença misteriosa que passou a ser conhecida como histeria. A jovem Augustine (Soko), de 19 anos, torna-se uma espécie de "material de estudos" e para comprovar suas teses, o professor passa usar a paciente para angariar recursos de pesquisa através de demonstrações por hipnose. Aos poucos, no entanto, Augustine passa de objeto de estudo para objeto do desejo de Charcot. Confira o trailer:
Antes de mais nada, vale ressaltar o contexto em que a trama está inserida: durante o século XIX a palavra “histeria” praticamente definia todas as atitudes (femininas) que, aparentemente, o bom sendo não podia explicar. Carregada de mística (e o sinal da cruz que uma senhora faz quando Augustine tem seu primeiro surto, ainda no prólogo, diz muito sobre o assunto), a complexidade dessa neurose sempre foi um dos maiores mistérios científicos da época e responsável por levar inúmeras mulheres a serem acusadas de bruxaria na Idade Média. Para o médico Jean-Martin Charcot essas atitudes eram um desafio - foi ele que iniciou os estudos sobre a doença, que iriam ser futuramente aprimorados por seu mais famoso aluno: Sigmund Freud, culminando no desenvolvimento da psicanálise - histeria, aliás, vem do grego “histeros”, que significa "útero".
Em "Augustine" temos um recorte real bastante interessante sobre esse processo iniciado por Charcot - embora impactante visualmente, a busca pelo desconhecido fazia parte daquela sociedade. Olhando em retrospectiva, e aí está o grande mérito de Winocour, a história da protagonista não tem nada de romance (distanciando essa produção francesa de outros títulos que seguem a mesma linha como "Um Método Perigoso", dirigido por David Cronenberg e lançado em 2011). Aqui a realidade é mais crua, a relação médico/paciente é mais visceral e a tensão sexual que vai se criando conforme a história vai progredindo está no detalhe, nas pausas, nos olhares e no receio brilhantemente criado pelos atores, deixando uma expectativa que beira a confusão entre convicção e desejo - Lindon e Soko dão uma aula!
Partindo do princípio que a histeria é um distúrbio mental específico que apresenta sintomas físicos reais, que na maioria das vezes parecem exagerados e fingidos, mas que não são; o roteiro da própria Winocour sabe usar dessa dualidade perceptiva para construir um elo entre os protagonistas - a submissão regida pelo conhecimento até uma quase dependência, também potencializa essa aproximação de Charcot e Augustine e ajuda a estabelecer o ápice da narrativa. Dito isso, é de se considerar que o filme sabe onde provocar reflexões e mesmo com uma levada mais cadenciada, nos posiciona perfeitamente perante uma realidade que deixou marcas, tanto para o bem quanto para o mal. Então se você gosta de um estudo menos superficial sobre a condição humana, pode dar o play que a "reflexão" está garantida!
"Augustine" é um filme denso na sua forma e no seu conteúdo. No seu "conteúdo" por se tratar de um assunto extremamente delicado e que levanta muitas questões, inclusive éticas, até hoje: a histeria. Já olhando pelo prisma da "forma", a então diretora estreante Alice Winocour (que depois veio dirigir o ótimo "A Jornada") impõe um conceito visual cheio de metáforas, usando e abusando das sombras e de um mood completamente opressor, depressivo - o que diga-se de passagem, se encaixa perfeitamente naquele universo empírico do século XIX.
Inverno de 1885, Paris. O professor e brilhante neurologista francês Jean-Martin Charcot (Vincent Lindon), do Hospital Pitié-Salpêtriere, está estudando uma doença misteriosa que passou a ser conhecida como histeria. A jovem Augustine (Soko), de 19 anos, torna-se uma espécie de "material de estudos" e para comprovar suas teses, o professor passa usar a paciente para angariar recursos de pesquisa através de demonstrações por hipnose. Aos poucos, no entanto, Augustine passa de objeto de estudo para objeto do desejo de Charcot. Confira o trailer:
Antes de mais nada, vale ressaltar o contexto em que a trama está inserida: durante o século XIX a palavra “histeria” praticamente definia todas as atitudes (femininas) que, aparentemente, o bom sendo não podia explicar. Carregada de mística (e o sinal da cruz que uma senhora faz quando Augustine tem seu primeiro surto, ainda no prólogo, diz muito sobre o assunto), a complexidade dessa neurose sempre foi um dos maiores mistérios científicos da época e responsável por levar inúmeras mulheres a serem acusadas de bruxaria na Idade Média. Para o médico Jean-Martin Charcot essas atitudes eram um desafio - foi ele que iniciou os estudos sobre a doença, que iriam ser futuramente aprimorados por seu mais famoso aluno: Sigmund Freud, culminando no desenvolvimento da psicanálise - histeria, aliás, vem do grego “histeros”, que significa "útero".
Em "Augustine" temos um recorte real bastante interessante sobre esse processo iniciado por Charcot - embora impactante visualmente, a busca pelo desconhecido fazia parte daquela sociedade. Olhando em retrospectiva, e aí está o grande mérito de Winocour, a história da protagonista não tem nada de romance (distanciando essa produção francesa de outros títulos que seguem a mesma linha como "Um Método Perigoso", dirigido por David Cronenberg e lançado em 2011). Aqui a realidade é mais crua, a relação médico/paciente é mais visceral e a tensão sexual que vai se criando conforme a história vai progredindo está no detalhe, nas pausas, nos olhares e no receio brilhantemente criado pelos atores, deixando uma expectativa que beira a confusão entre convicção e desejo - Lindon e Soko dão uma aula!
Partindo do princípio que a histeria é um distúrbio mental específico que apresenta sintomas físicos reais, que na maioria das vezes parecem exagerados e fingidos, mas que não são; o roteiro da própria Winocour sabe usar dessa dualidade perceptiva para construir um elo entre os protagonistas - a submissão regida pelo conhecimento até uma quase dependência, também potencializa essa aproximação de Charcot e Augustine e ajuda a estabelecer o ápice da narrativa. Dito isso, é de se considerar que o filme sabe onde provocar reflexões e mesmo com uma levada mais cadenciada, nos posiciona perfeitamente perante uma realidade que deixou marcas, tanto para o bem quanto para o mal. Então se você gosta de um estudo menos superficial sobre a condição humana, pode dar o play que a "reflexão" está garantida!
"Bar Doce Lar" (ou de "The Tender Bar" no original) é o belíssimo novo filme dirigido por George Clooney que trata, com muita sensibilidade, as marcas que a ausência de um pai pode deixar no seu filho - mesmo que esse espaço seja preenchido com muito amor, atenção e dedicação pela mãe e por outra referência masculina. Para quem gosta de filmes sobre relações familiares, reflexivos e nada superficiais, "Bar Doce Lar" é um convite para quase 120 minutos de uma história interessante, cheia de camadas, mas principalmente, contada com honestidade e sem romantismo.
Baseado no livro de memórias de sucesso deJ. R. Moehringer, "Bar Doce Lar" segue um aspirante a escritor (Tye Sheridan) na busca pelos seus sonhos profissionais enquanto precisa lidar com sua insegurança perante uma vida que insiste em dificultar as coisas para ele. A partir de uma relação carinhosa (e de muito significado) com seu tio Charlie (Ben Affleck), J.R. se conecta com um mundo novo, cheio de possibilidades, de personagens e de histórias, onde ele aprende o real significado do amadurecimento e entende que para crescer será preciso enfrentar as angustias e as decepções sob uma outra perspectiva. Confira o trailer em inglês:
Talvez "Bar Doce Lar" não seja tão impactante quanto "Era uma vez um sonho" ou "O Castelo de Vidro", mas os elementos narrativos que guiam esses dois outros filmes imperdíveis, são basicamente os mesmos aqui. Isso traz uma certa sensação de falta de originalidade, mas ao mesmo tempo nos coloca diante de outra história que tende a nos provocar um olhar para dentro e discutir um assunto tão sensível como as dores que a ausência pode nos causar.
Clooney, em seu oitavo trabalho na direção, foi muito feliz em trabalhar as dualidades da história de uma forma quase imperceptível, mas completamente analítica do ponto de vista psicológico do protagonista. Vamos citar alguns signos para que você se atente e reflita durante o filme: quando criança J.R. se relaciona com o pai ausente apenas pelo rádio, chegando a nomina-lo como "A Voz", ao mesmo tempo, ele tem enorme dificuldade de se expressar pela fala, se apoiando na escrita para construir sua relação com o mundo. Sua mãe (Lily Rabe) sofre por ter que voltar a viver com os pais, mas J.R. não vê a menor dificuldade em chamar aquele ambiente caótico (pelo número de pessoas que moram ali) de lar. A história discute a ausência, enquanto J.R. insiste em dizer que gosta de estar com pessoas. Enquanto estuda em YALE onde adquire conhecimento acadêmico, o protagonista percebe que é no Bar do Tio, o "The Dickens", que ele realmente aprende a enfrentar as dificuldades da vida, e por aí vai...
O roteiro de William Monahan (vencedor do Oscar em 2006 com "Os Infiltrados") teve a difícil tarefa de adaptar uma longa biografia, mas foi cirúrgico em focar no processo de reencontro do protagonista com sua história de vida, mesmo que para isso tivesse que enfrentar seu maior fantasma: a já citada "ausência". Essa escolha conceitual, de fato, deixa o filme lento, bastante cadenciado, pontuando algumas passagens de forma até superficial para priorizar como isso refletiu no desafio interno de J. R. Moehringer e assim entender como essas situações serviram de combustível para ele encontrar seu caminho.
Veja, "Bar Doce Lar" não é um entretenimento usual, mas também não é um filme difícil ou denso demais como o assunto parece sugerir. Existe um tom de leveza, até por uma identificação imediata com o protagonista, nos dois períodos de sua vida (interpretados por Daniel Ranieri e depois por Tye Sheridan), e sua simpática relação com o tio Charlie de Affleck - mostrando mais uma vez que quando está com vontade, ele realmente é um ótimo ator (e que pode surpreender com uma indicação ao Oscar). Essas performances trazem para história uma certa atmosfera de nostalgia e isso nos ajuda a embarcar nas descobertas de J.R., transformando uma história de vida como muitas que conhecemos em uma jornada sensível, emocionante e muito honesta.
Vale seu play!
"Bar Doce Lar" (ou de "The Tender Bar" no original) é o belíssimo novo filme dirigido por George Clooney que trata, com muita sensibilidade, as marcas que a ausência de um pai pode deixar no seu filho - mesmo que esse espaço seja preenchido com muito amor, atenção e dedicação pela mãe e por outra referência masculina. Para quem gosta de filmes sobre relações familiares, reflexivos e nada superficiais, "Bar Doce Lar" é um convite para quase 120 minutos de uma história interessante, cheia de camadas, mas principalmente, contada com honestidade e sem romantismo.
Baseado no livro de memórias de sucesso deJ. R. Moehringer, "Bar Doce Lar" segue um aspirante a escritor (Tye Sheridan) na busca pelos seus sonhos profissionais enquanto precisa lidar com sua insegurança perante uma vida que insiste em dificultar as coisas para ele. A partir de uma relação carinhosa (e de muito significado) com seu tio Charlie (Ben Affleck), J.R. se conecta com um mundo novo, cheio de possibilidades, de personagens e de histórias, onde ele aprende o real significado do amadurecimento e entende que para crescer será preciso enfrentar as angustias e as decepções sob uma outra perspectiva. Confira o trailer em inglês:
Talvez "Bar Doce Lar" não seja tão impactante quanto "Era uma vez um sonho" ou "O Castelo de Vidro", mas os elementos narrativos que guiam esses dois outros filmes imperdíveis, são basicamente os mesmos aqui. Isso traz uma certa sensação de falta de originalidade, mas ao mesmo tempo nos coloca diante de outra história que tende a nos provocar um olhar para dentro e discutir um assunto tão sensível como as dores que a ausência pode nos causar.
Clooney, em seu oitavo trabalho na direção, foi muito feliz em trabalhar as dualidades da história de uma forma quase imperceptível, mas completamente analítica do ponto de vista psicológico do protagonista. Vamos citar alguns signos para que você se atente e reflita durante o filme: quando criança J.R. se relaciona com o pai ausente apenas pelo rádio, chegando a nomina-lo como "A Voz", ao mesmo tempo, ele tem enorme dificuldade de se expressar pela fala, se apoiando na escrita para construir sua relação com o mundo. Sua mãe (Lily Rabe) sofre por ter que voltar a viver com os pais, mas J.R. não vê a menor dificuldade em chamar aquele ambiente caótico (pelo número de pessoas que moram ali) de lar. A história discute a ausência, enquanto J.R. insiste em dizer que gosta de estar com pessoas. Enquanto estuda em YALE onde adquire conhecimento acadêmico, o protagonista percebe que é no Bar do Tio, o "The Dickens", que ele realmente aprende a enfrentar as dificuldades da vida, e por aí vai...
O roteiro de William Monahan (vencedor do Oscar em 2006 com "Os Infiltrados") teve a difícil tarefa de adaptar uma longa biografia, mas foi cirúrgico em focar no processo de reencontro do protagonista com sua história de vida, mesmo que para isso tivesse que enfrentar seu maior fantasma: a já citada "ausência". Essa escolha conceitual, de fato, deixa o filme lento, bastante cadenciado, pontuando algumas passagens de forma até superficial para priorizar como isso refletiu no desafio interno de J. R. Moehringer e assim entender como essas situações serviram de combustível para ele encontrar seu caminho.
Veja, "Bar Doce Lar" não é um entretenimento usual, mas também não é um filme difícil ou denso demais como o assunto parece sugerir. Existe um tom de leveza, até por uma identificação imediata com o protagonista, nos dois períodos de sua vida (interpretados por Daniel Ranieri e depois por Tye Sheridan), e sua simpática relação com o tio Charlie de Affleck - mostrando mais uma vez que quando está com vontade, ele realmente é um ótimo ator (e que pode surpreender com uma indicação ao Oscar). Essas performances trazem para história uma certa atmosfera de nostalgia e isso nos ajuda a embarcar nas descobertas de J.R., transformando uma história de vida como muitas que conhecemos em uma jornada sensível, emocionante e muito honesta.
Vale seu play!
"Barry" é muito bom, interessante, mas sem um conflito que nos provoque! Aqui, temos um filme de personagem, mas antes dele se transformar no protagonista, na personalidade, no homem admirado: estou falando de Barack Obama.
O filme se passa no início da década de 80, quando o jovem Barry era um dos poucos estudantes negros na Universidade de Columbia, em Nova York. Enquanto namora uma jovem branca e rica, Charlotte (Anya Taylor-Joy), ele começa a questionar o racismo estrutural nos EUA, passando por várias experiências e dificuldades de adaptação, não só como universitário, mas também em relação aos seus colegas onde o senso de não-pertencimento o incomodava mais do que sua própria incapacidade de mudar o mundo. Confira o trailer (em inglês):
Embora a produção tenha sido encabeçada por dois estreantes: o diretor Vikram Gandhi e o roteirista Adam Mansbach; "Barry" é muito competente em mostrar um recorte importante da vida de Obama sem cair na armadilha de querer evidenciar a todo momento sua enorme capacidade intelectual e de comunicação. Na verdade, o filme mostra muito mais suas fraquezas do que suas qualidades. Um dos elementos narrativos que mais me chamou a atenção foi a falta de pertencimento que ele sentia por estar rodeado de brancos - inclusive esse é um ponto que dificultava o relacionamento com sua mãe, Stanley Ann Dunham (Ashley Judd) - uma americana especializada em antropologia econômica e desenvolvimento rural que vivia há algum tempo na Indonésia. Aliás, o filme bate muito na tecla de como uma estrutura familiar frágil impactou tanto na vida do futuro presidente dos EUA - talvez isso explique muito de sua relação com Michelle e suas duas filhas.
Pois bem, outro assunto muito discutido no roteiro diz respeito ao racismo e aqui eu acho que Mansbach perdeu um pouco a mão, pois ele não soube se aproveitar das situações absurdas que Obama passou para levantar questões tão importantes sobre o assunto - a impressão que dá é que o roteiro quer aproveitar de uma discussão legítima para categorizar quem é do bem e quem é do mal pela cor de pele. Quando o roteiro aproveita da fragilidade de Obama para discutir suas inseguranças, a história ganha força, mas isso oscila muito - não que atrapalhe a experiência de quem assiste, mas é um fato.
O jovem Devon Terrell não compromete, mas ele não está no nível de Anya Taylor-Joy. Eu diria que o personagem merecia um ator mais experiente - ainda mais pelo estilo narrativo muito focado na performance do elenco. Aliás, existe um senso de inquietação durante todo filme, como se esperássemos uma bomba explodir a qualquer momento e é isso que nos move durante essa jornada. Nem de longe será um filme inesquecível, mas admito que foi muito curioso conhecer um lado de Barack Obama que nem imaginava se encaixar na sua personalidade.
Por isso, vale o play!
"Barry" é muito bom, interessante, mas sem um conflito que nos provoque! Aqui, temos um filme de personagem, mas antes dele se transformar no protagonista, na personalidade, no homem admirado: estou falando de Barack Obama.
O filme se passa no início da década de 80, quando o jovem Barry era um dos poucos estudantes negros na Universidade de Columbia, em Nova York. Enquanto namora uma jovem branca e rica, Charlotte (Anya Taylor-Joy), ele começa a questionar o racismo estrutural nos EUA, passando por várias experiências e dificuldades de adaptação, não só como universitário, mas também em relação aos seus colegas onde o senso de não-pertencimento o incomodava mais do que sua própria incapacidade de mudar o mundo. Confira o trailer (em inglês):
Embora a produção tenha sido encabeçada por dois estreantes: o diretor Vikram Gandhi e o roteirista Adam Mansbach; "Barry" é muito competente em mostrar um recorte importante da vida de Obama sem cair na armadilha de querer evidenciar a todo momento sua enorme capacidade intelectual e de comunicação. Na verdade, o filme mostra muito mais suas fraquezas do que suas qualidades. Um dos elementos narrativos que mais me chamou a atenção foi a falta de pertencimento que ele sentia por estar rodeado de brancos - inclusive esse é um ponto que dificultava o relacionamento com sua mãe, Stanley Ann Dunham (Ashley Judd) - uma americana especializada em antropologia econômica e desenvolvimento rural que vivia há algum tempo na Indonésia. Aliás, o filme bate muito na tecla de como uma estrutura familiar frágil impactou tanto na vida do futuro presidente dos EUA - talvez isso explique muito de sua relação com Michelle e suas duas filhas.
Pois bem, outro assunto muito discutido no roteiro diz respeito ao racismo e aqui eu acho que Mansbach perdeu um pouco a mão, pois ele não soube se aproveitar das situações absurdas que Obama passou para levantar questões tão importantes sobre o assunto - a impressão que dá é que o roteiro quer aproveitar de uma discussão legítima para categorizar quem é do bem e quem é do mal pela cor de pele. Quando o roteiro aproveita da fragilidade de Obama para discutir suas inseguranças, a história ganha força, mas isso oscila muito - não que atrapalhe a experiência de quem assiste, mas é um fato.
O jovem Devon Terrell não compromete, mas ele não está no nível de Anya Taylor-Joy. Eu diria que o personagem merecia um ator mais experiente - ainda mais pelo estilo narrativo muito focado na performance do elenco. Aliás, existe um senso de inquietação durante todo filme, como se esperássemos uma bomba explodir a qualquer momento e é isso que nos move durante essa jornada. Nem de longe será um filme inesquecível, mas admito que foi muito curioso conhecer um lado de Barack Obama que nem imaginava se encaixar na sua personalidade.
Por isso, vale o play!
"Bastidores do Pop" é um mistura de "Fyre Festival", "Menudo: Sempre Jovens" e "Bernie Madoff"! É sério, essa minissérie documental da Netflix oferece uma visão reveladora e chocante sobre a ascensão e queda de Lou Pearlman, o magnata da música responsável por criar algumas das maiores boy-bands dos anos 90, incluindo Backstreet Boys, *NSYNC e O-Town. Em apenas três episódios somos convidados a mergulhar fundo nos bastidores da indústria musical, expondo os esquemas e as fraudes que Pearlman arquitetou, ao mesmo tempo em que explora o impacto devastador de suas ações sobre os artistas e milhares de pessoas que caíram em seus golpes.
"Dirty Pop: The Boy Band Scam" (no original) é estruturada de maneira cronológica, apresentando Lou Pearlman como empresário da aviação, depois mostrando sua entrada na indústria musical através de sua habilidade inegável para descobrir e promover jovens talentos, até a descoberta de um dos maiores esquemas Ponzi da história dos EUA. Pearlman, em entrevistas e imagens de arquivo, é apresentado como um empresário carismático e visionário, mas também como um manipulador astuto e sem escrúpulos. A minissérie documenta a formação e o sucesso meteórico das boy-bands sob sua tutela, ao mesmo tempo em que revela os contratos draconianos e os golpes financeiros que acabaram por destruir sua carreira e a confiança de seus jovens artistas. Confira o trailer (em inglês):
Como não poderia deixar de ser, são os depoimentos dos membros das boy-bands que Pearlman empresariou que, de fato, causam impacto. Artistas como Lance Bass (*NSYNC) e AJ McLean (Backstreet Boys) compartilham suas experiências pessoais, desde o entusiasmo inicial de serem descobertos até a amarga desilusão ao perceberem a extensão da exploração que sofriam - esses relatos adicionam uma camada de profundidade emocional à narrativa impressionante. Nesse sentido o roteiro de "Bastidores do Pop" é cuidadosamente escrito para capturar tanto a grandiosidade de se criar fenômenos da música jovem quanto uma certa sordidez da trajetória de Pearlman. O documentário equilibra habilmente o glamour e o brilho da indústria musical, com a realidade sombria dos esquemas e manipulações financeiras que o empresário conduzia debaixo dos panos.
David Terry Fine (do excelente "Untold - a namorada que não existiu") dirige a minissérie com uma abordagem honesta e direta, combinando entrevistas com os membros das bandas, executivos da indústria musical, jornalistas especializados e outras pessoas próximas ao escândalo - alguns amigos e parceiros de Pearlman, inclusive, não economizam em suas duras opiniões. As entrevistas são realmente sinceras por um lado e emocionantes por outro, oferecendo um recorte bem provocador sobre os efeitos de todas as ações do empresário em diversos níveis de relacionamentos - do profissional ao pessoal. Nesse sentido a direção de Fine é sensível e meticulosa, capaz de entregar uma narrativa tão coesa e envolvente como todas as referências que citei acima, mas sem impor qualquer tipo de julgamento prévio.
"Bastidores do Pop" também aborda temas como a exploração, a ganância e a busca pelo sucesso a qualquer custo, pautado em uma crítica incisiva da indústria musical e dos mecanismos que permitiram que Pearlman operasse impunemente por tanto tempo. Ao som de músicas icônicas das boy-bands dos anos 90, a minissérie brinca com nossa percepção de "certo e errado" ao trazer uma sensação de nostalgia e contraste sobre os eventos sombrios da história, intensificando esse impacto emocional e nos envolvendo por toda jornada.
Antes de finalizar, um registro importante: uma decisão conceitual do diretor pode incomodar alguns já que ele usa inteligência artificial para criar um “Pearlman digital” narrando trechos de seu livro - embora os produtores sejam transparentes sobre o uso da tecnologia, essa escolha me pareceu duvidosa, mas fique tranquilo, não ao ponto de impactar nossa experiência como audiência.
Vale seu play!
"Bastidores do Pop" é um mistura de "Fyre Festival", "Menudo: Sempre Jovens" e "Bernie Madoff"! É sério, essa minissérie documental da Netflix oferece uma visão reveladora e chocante sobre a ascensão e queda de Lou Pearlman, o magnata da música responsável por criar algumas das maiores boy-bands dos anos 90, incluindo Backstreet Boys, *NSYNC e O-Town. Em apenas três episódios somos convidados a mergulhar fundo nos bastidores da indústria musical, expondo os esquemas e as fraudes que Pearlman arquitetou, ao mesmo tempo em que explora o impacto devastador de suas ações sobre os artistas e milhares de pessoas que caíram em seus golpes.
"Dirty Pop: The Boy Band Scam" (no original) é estruturada de maneira cronológica, apresentando Lou Pearlman como empresário da aviação, depois mostrando sua entrada na indústria musical através de sua habilidade inegável para descobrir e promover jovens talentos, até a descoberta de um dos maiores esquemas Ponzi da história dos EUA. Pearlman, em entrevistas e imagens de arquivo, é apresentado como um empresário carismático e visionário, mas também como um manipulador astuto e sem escrúpulos. A minissérie documenta a formação e o sucesso meteórico das boy-bands sob sua tutela, ao mesmo tempo em que revela os contratos draconianos e os golpes financeiros que acabaram por destruir sua carreira e a confiança de seus jovens artistas. Confira o trailer (em inglês):
Como não poderia deixar de ser, são os depoimentos dos membros das boy-bands que Pearlman empresariou que, de fato, causam impacto. Artistas como Lance Bass (*NSYNC) e AJ McLean (Backstreet Boys) compartilham suas experiências pessoais, desde o entusiasmo inicial de serem descobertos até a amarga desilusão ao perceberem a extensão da exploração que sofriam - esses relatos adicionam uma camada de profundidade emocional à narrativa impressionante. Nesse sentido o roteiro de "Bastidores do Pop" é cuidadosamente escrito para capturar tanto a grandiosidade de se criar fenômenos da música jovem quanto uma certa sordidez da trajetória de Pearlman. O documentário equilibra habilmente o glamour e o brilho da indústria musical, com a realidade sombria dos esquemas e manipulações financeiras que o empresário conduzia debaixo dos panos.
David Terry Fine (do excelente "Untold - a namorada que não existiu") dirige a minissérie com uma abordagem honesta e direta, combinando entrevistas com os membros das bandas, executivos da indústria musical, jornalistas especializados e outras pessoas próximas ao escândalo - alguns amigos e parceiros de Pearlman, inclusive, não economizam em suas duras opiniões. As entrevistas são realmente sinceras por um lado e emocionantes por outro, oferecendo um recorte bem provocador sobre os efeitos de todas as ações do empresário em diversos níveis de relacionamentos - do profissional ao pessoal. Nesse sentido a direção de Fine é sensível e meticulosa, capaz de entregar uma narrativa tão coesa e envolvente como todas as referências que citei acima, mas sem impor qualquer tipo de julgamento prévio.
"Bastidores do Pop" também aborda temas como a exploração, a ganância e a busca pelo sucesso a qualquer custo, pautado em uma crítica incisiva da indústria musical e dos mecanismos que permitiram que Pearlman operasse impunemente por tanto tempo. Ao som de músicas icônicas das boy-bands dos anos 90, a minissérie brinca com nossa percepção de "certo e errado" ao trazer uma sensação de nostalgia e contraste sobre os eventos sombrios da história, intensificando esse impacto emocional e nos envolvendo por toda jornada.
Antes de finalizar, um registro importante: uma decisão conceitual do diretor pode incomodar alguns já que ele usa inteligência artificial para criar um “Pearlman digital” narrando trechos de seu livro - embora os produtores sejam transparentes sobre o uso da tecnologia, essa escolha me pareceu duvidosa, mas fique tranquilo, não ao ponto de impactar nossa experiência como audiência.
Vale seu play!
"Batalha Bilionária: O Caso Google Earth" é um verdadeiro estudo de caso para empreendedores e suas startups - são tantas lições inseridas em um ótimo roteiro que fica até difícil classificar a minissérie de 4 episódios da Netflix em "apenas" um excelente entretenimento - embora o seja! A título de referência, ele segue bem a linha de "A Rede Social", filme de 2010, dirigido por David Fincher.
Baseada em fatos reais, "Batalha Bilionária: O Caso Google Earth" conta a história de dois jovens empreendedores, Juri Müller (Marius Ahrendt/Misel Maticevic) e Carsten Schlüter (Leonard Scheicher/Mark Waschke), criadores da startup "ART + COM", com sede em Berlim, que foram buscar na justiça seus direitos para serem reconhecidos como os verdadeiros inventores do algoritmo que deu origem ao Google Earth após uma violação de patente há mais de 25 anos atrás. Confira o trailer:
Criada por Oliver Ziegenbalg e Robert Thalheim, essa produção alemã fez uma escolha muito interessante ao priorizar o lado mais fraco da disputa. Se em "A Rede Social" a trama trouxe a perspectiva do vencedor, no caso Mark Zuckerberg, em "Batalha Bilionária" é como se o foco fosse os irmãos Winklevoss.
Veja, embora o roteiro tenha sido muito feliz ao trazer para a tela muitos diálogos fiéis aos testemunhos judiciais, os protagonistas em si, Juri Müller e Carsten Schlüter, são apenas personagens fictícios - na verdade eles servem como representação dos quatro desenvolvedores alemães reais que criaram o "TerraVision" (base do Google Earth). Outro personagem importante, Brian Anderson (Lukas Loughran), a pessoa que supostamente copiou o algoritmo dos alemães antes de se tornar funcionário Google, também só existe na ficção, mesmo sendo fielmente baseado em uma pessoa real. O fato é que essas escolhas tinham tudo para desqualificar a sensação de veracidade da minissérie, mas o diretor Robert Thalheim conseguiu justamente o contrário - brilhantemente, ele criou uma dinâmica narrativa que absorve o lado humano da jornada, gerando uma identificação imediata com os protagonistas e uma relação de empatia muito profunda para depois, pouco a pouco, ir inserindo as discussões técnicas em si.
As sacadas do roteiro são ótimas - mas aqueles que estão mais envolvidos com empreendedorismo certamente vão aproveitar melhor dessa particularidade. Da idéia, passando pelo sonho, a luta por investimento, inúmeras apresentações, o medo do fracasso, a busca por mais investimentos, outro sonho - agora da venda da empresa; enfim, tudo está em "Batalha Bilionária: O Caso Google Earth" que ainda chega embalada por uma competente reconstrução de época de uma Berlin underground do inicio dos anos 90, do surgimento do Vale do Silício nos EUA e de sua cativante atmosfera empreendedora. Aqui cabe uma observação: apesar da Netflix ter apresentado a minissérie como um drama de tribunal, é apenas no último episódio que esse subgênero ganha força. Ele vai servir como aquele grande final que todos estão esperando: o embate decisivo entre David e Golias - mas a verdade é que toda a jornada vale a pena.
"Batalha Bilionária: O Caso Google Earth" vai te surpreender!
"Batalha Bilionária: O Caso Google Earth" é um verdadeiro estudo de caso para empreendedores e suas startups - são tantas lições inseridas em um ótimo roteiro que fica até difícil classificar a minissérie de 4 episódios da Netflix em "apenas" um excelente entretenimento - embora o seja! A título de referência, ele segue bem a linha de "A Rede Social", filme de 2010, dirigido por David Fincher.
Baseada em fatos reais, "Batalha Bilionária: O Caso Google Earth" conta a história de dois jovens empreendedores, Juri Müller (Marius Ahrendt/Misel Maticevic) e Carsten Schlüter (Leonard Scheicher/Mark Waschke), criadores da startup "ART + COM", com sede em Berlim, que foram buscar na justiça seus direitos para serem reconhecidos como os verdadeiros inventores do algoritmo que deu origem ao Google Earth após uma violação de patente há mais de 25 anos atrás. Confira o trailer:
Criada por Oliver Ziegenbalg e Robert Thalheim, essa produção alemã fez uma escolha muito interessante ao priorizar o lado mais fraco da disputa. Se em "A Rede Social" a trama trouxe a perspectiva do vencedor, no caso Mark Zuckerberg, em "Batalha Bilionária" é como se o foco fosse os irmãos Winklevoss.
Veja, embora o roteiro tenha sido muito feliz ao trazer para a tela muitos diálogos fiéis aos testemunhos judiciais, os protagonistas em si, Juri Müller e Carsten Schlüter, são apenas personagens fictícios - na verdade eles servem como representação dos quatro desenvolvedores alemães reais que criaram o "TerraVision" (base do Google Earth). Outro personagem importante, Brian Anderson (Lukas Loughran), a pessoa que supostamente copiou o algoritmo dos alemães antes de se tornar funcionário Google, também só existe na ficção, mesmo sendo fielmente baseado em uma pessoa real. O fato é que essas escolhas tinham tudo para desqualificar a sensação de veracidade da minissérie, mas o diretor Robert Thalheim conseguiu justamente o contrário - brilhantemente, ele criou uma dinâmica narrativa que absorve o lado humano da jornada, gerando uma identificação imediata com os protagonistas e uma relação de empatia muito profunda para depois, pouco a pouco, ir inserindo as discussões técnicas em si.
As sacadas do roteiro são ótimas - mas aqueles que estão mais envolvidos com empreendedorismo certamente vão aproveitar melhor dessa particularidade. Da idéia, passando pelo sonho, a luta por investimento, inúmeras apresentações, o medo do fracasso, a busca por mais investimentos, outro sonho - agora da venda da empresa; enfim, tudo está em "Batalha Bilionária: O Caso Google Earth" que ainda chega embalada por uma competente reconstrução de época de uma Berlin underground do inicio dos anos 90, do surgimento do Vale do Silício nos EUA e de sua cativante atmosfera empreendedora. Aqui cabe uma observação: apesar da Netflix ter apresentado a minissérie como um drama de tribunal, é apenas no último episódio que esse subgênero ganha força. Ele vai servir como aquele grande final que todos estão esperando: o embate decisivo entre David e Golias - mas a verdade é que toda a jornada vale a pena.
"Batalha Bilionária: O Caso Google Earth" vai te surpreender!
Recomendado pela crítica e pela audiência, "Bebê Rena" é realmente uma jornada singular sobre temas nada tranquilos que vão mexer com você - e não se engane, a minissérie de 7 episódios da Netflix não tem absolutamente nada de comédia, ou pelo menos, não em sua essência dramática. Basicamente, esse projeto encabeçado pelo até então desconhecido Richard Gadd é uma mistura de "I May Destroy You"com "Amante, Stalker e Mortal" e certamente vai te levar por a uma jornada pelos cantos mais obscuros da mente humana, explorando temas delicados como trauma, abuso, obsessão e vingança, mas de uma forma extremamente angustiante! Sim, se você realmente está disposto a enfrentar uma experiência tão imersiva quanto perturbadora, você está no "play"certo!
"Bebê Rena" acompanha a história verídica do comediante, barman e escritor Donny Dunn (versão ficcional de Richard Gadd, vivido por ele mesmo), que se envolve com a desconhecida Martha (Jessica Gunning), uma mulher vulnerável que está passando por seus próprios (e sérios) problemas pessoais. Esse rápido e distorcido encontro acaba seguindo para uma estranha obsessão, que acaba impactando a vida dos dois, provocando Donny a enfrentar um trauma profundo e sombrio de seu passado. Confira o trailer (em inglês):
Mesmo que em um primeiro olhar a minissérie tenha um leve tom de comédia, daquelas irônicas e bem construídas que estamos acostumados encontrar entre as produções britânicas, posso te garantir que "Bebê Rena" é mesmo um profundo thriller psicológico com fortes influências dos melhores (e patológicos) dramas de relações. É justamente por essa quebra de expectativas que somos sugados pela história de Gadd - chega ser surpreendente, ao nos darmos conta, como ficamos imersos em uma profunda reflexão sobre a natureza humana e os efeitos devastadores de um trauma. E aqui não estamos relativizando os contextos, já que o roteiro nos convida a questionar os limites da obsessão, da vingança e do perdão a todo momento e de uma maneira muito inteligente.
Essa conexão com o protagonista nos remete aos tempos de "Breaking Bad" e de como nos sentíamos angustiados com Walter White, Jesse Pinkman e até com Jane Margolis. O que eu quero dizer é que temos a exata noção do que é certo e o que é errado nessa história, mas mesmo assim nos empatizamos com Gadd e entendemos perfeitamente suas motivações para agir e ser quem ele é - aliás a estratégia narrativa do roteiro, entregando uma peça por vez e nos provocando criar nossa própria "big picture" da história, é simplesmente genial. Richard Gadd, como ator, entrega uma performance magistral, capturando com perfeição a fragilidade e o medo do seu personagem - o fato dele ser inseguro vai se justificando de acordo com sua desconstrução e esse processo é tão cheio de camadas que Vince Gilligan deve estar orgulhoso. Já Jessica Gunning é brilhante ao transitar entre a obsessão, a imaturidade, a sensibilidade e o desequilíbrio da sua personagem de um jeito, olha, perturbador - as explosões de sua personagem chega a dar medo!
"Bebê Rena" se destaca pela originalidade com que apresenta uma atmosfera sombria e claustrofóbica mesmo que fantasiada de mais uma caso improvável de perseguição! Saiba que essa história não é exatamente sobre a relação doentia entre Donny e Martha, mas sim sobre o que essa estranha conexão desperta em Donny - essa não é uma peça tão fácil de encaixar, mas será essencial para que você entenda onde Gadd quis chegar.
Prepare-se para uma jornada perturbadora, pesada (na forma e no conteúdo) e inesquecível, digna de muito prêmios!
Recomendado pela crítica e pela audiência, "Bebê Rena" é realmente uma jornada singular sobre temas nada tranquilos que vão mexer com você - e não se engane, a minissérie de 7 episódios da Netflix não tem absolutamente nada de comédia, ou pelo menos, não em sua essência dramática. Basicamente, esse projeto encabeçado pelo até então desconhecido Richard Gadd é uma mistura de "I May Destroy You"com "Amante, Stalker e Mortal" e certamente vai te levar por a uma jornada pelos cantos mais obscuros da mente humana, explorando temas delicados como trauma, abuso, obsessão e vingança, mas de uma forma extremamente angustiante! Sim, se você realmente está disposto a enfrentar uma experiência tão imersiva quanto perturbadora, você está no "play"certo!
"Bebê Rena" acompanha a história verídica do comediante, barman e escritor Donny Dunn (versão ficcional de Richard Gadd, vivido por ele mesmo), que se envolve com a desconhecida Martha (Jessica Gunning), uma mulher vulnerável que está passando por seus próprios (e sérios) problemas pessoais. Esse rápido e distorcido encontro acaba seguindo para uma estranha obsessão, que acaba impactando a vida dos dois, provocando Donny a enfrentar um trauma profundo e sombrio de seu passado. Confira o trailer (em inglês):
Mesmo que em um primeiro olhar a minissérie tenha um leve tom de comédia, daquelas irônicas e bem construídas que estamos acostumados encontrar entre as produções britânicas, posso te garantir que "Bebê Rena" é mesmo um profundo thriller psicológico com fortes influências dos melhores (e patológicos) dramas de relações. É justamente por essa quebra de expectativas que somos sugados pela história de Gadd - chega ser surpreendente, ao nos darmos conta, como ficamos imersos em uma profunda reflexão sobre a natureza humana e os efeitos devastadores de um trauma. E aqui não estamos relativizando os contextos, já que o roteiro nos convida a questionar os limites da obsessão, da vingança e do perdão a todo momento e de uma maneira muito inteligente.
Essa conexão com o protagonista nos remete aos tempos de "Breaking Bad" e de como nos sentíamos angustiados com Walter White, Jesse Pinkman e até com Jane Margolis. O que eu quero dizer é que temos a exata noção do que é certo e o que é errado nessa história, mas mesmo assim nos empatizamos com Gadd e entendemos perfeitamente suas motivações para agir e ser quem ele é - aliás a estratégia narrativa do roteiro, entregando uma peça por vez e nos provocando criar nossa própria "big picture" da história, é simplesmente genial. Richard Gadd, como ator, entrega uma performance magistral, capturando com perfeição a fragilidade e o medo do seu personagem - o fato dele ser inseguro vai se justificando de acordo com sua desconstrução e esse processo é tão cheio de camadas que Vince Gilligan deve estar orgulhoso. Já Jessica Gunning é brilhante ao transitar entre a obsessão, a imaturidade, a sensibilidade e o desequilíbrio da sua personagem de um jeito, olha, perturbador - as explosões de sua personagem chega a dar medo!
"Bebê Rena" se destaca pela originalidade com que apresenta uma atmosfera sombria e claustrofóbica mesmo que fantasiada de mais uma caso improvável de perseguição! Saiba que essa história não é exatamente sobre a relação doentia entre Donny e Martha, mas sim sobre o que essa estranha conexão desperta em Donny - essa não é uma peça tão fácil de encaixar, mas será essencial para que você entenda onde Gadd quis chegar.
Prepare-se para uma jornada perturbadora, pesada (na forma e no conteúdo) e inesquecível, digna de muito prêmios!
Nesse vasto universo do entretenimento, existem histórias que realmente transcendem o nicho ao qual pertencem e é aqui, mais uma vez, que a vida imita a arte! "Beckham", minissérie de 4 episódios sobre a vida e carreira do astro David Beckham, é uma dessas pérolas imperdíveis para quem gosta e para quem não gosta de futebol. Com o propósito de responder intermináveis questionamentos sobre sua capacidade como atleta ou seu valor como produto construído pela mídia para gerar mais dinheiro do que títulos nos clubes que jogou, essa produção dirigida pelo renomado Fisher Stevens (vencedor do Oscar por "A Enseada") é um verdadeiro estudo de caso sobre uma das maiores referências do esporte inglês de todos os tempos - e olha, ele pagou um preço bem caro para alcançar esse status.
A minissérie narra a jornada extraordinária de David Beckham, desde seu humilde começo com 12, 13 anos no Manchester United até se tornar um ícone global do esporte e do marketing. O roteiro apresenta um David Beckham autêntico e emocional, sem filtros, que explora não apenas os altos e baixos de sua carreira esportiva, mas também a influência de sua família, com destaque para sua esposa e ex-Spice Girls, Victoria Beckham. Confira o trailer:
Com uma abordagem extremamente íntima e cativante, "Beckham" é um mergulho na psique do atleta como poucas vezes vimos - até se compararmos com outros documentários do gênero, é de se elogiar a capacidade Stevens em alcançar tantas respostas sinceras de vários personagens que deram seu depoimento. Ao buscar uma certa originalidade conceitual para a narrativa, o diretor equilibra esses depoimentos com os fatos mais marcantes da história do atleta e um vasto material de arquivos da época para ilustrar tudo isso - muito em ordem cronológica, aliás. Dito isso, é impossível não destacar a presença de nomes como Alex Ferguson (seu treinador no Manchester United), Fabio Capello (seu treinador no Real Madrid), Ronaldo, Roberto Carlos, Roy Keane, Paul Scholes, Simeone, Landon Donovan, entre outros.
Essa combinação de elementos narrativos se encaixa perfeitamente em uma edição realmente primorosa que prioriza seu protagonista sem se esquecer do esmero visual como obra cinematográfica - isso torna a minissérie uma experiência única, muito agradável de acompanhar. Ao oferecer uma análise critica sobre os feitos esportivos de David Beckham, durante quase 5 horas de material, a produção não deixa de convidar o próprio atleta a fazer um olhar retrospectivo sobre os impasses que viveu com a imprensa, com a família (leia-se Victoria) e com os colegas de equipe (principalmente com alguns de seus treinadores). O bacana disso tudo é que Beckham não se esquiva dessas polêmicas e mesmo soando "chapa branca", a minissérie se esforça para mostrar sempre os dois lados da história.
A grande verdade é que, ao lado de "Arremesso Final" e "Man in the Arena", "Beckham" é um dos melhores documentários biográficos sobre um atleta produzidos até aqui! Bem dirigido por Stevens, eu diria que esse é daqueles projetos que transcendem nossas expectativas como audiência. Com uma narrativa envolvente e depoimentos incríveis, oferece uma visão profunda da vida de um verdadeiro ícone. Seja você um fã de esportes ou alguém que aprecia apenas uma boa história, esta minissérie encapsula a essência do sucesso, perseverança e autenticidade, fazendo jus à grandiosidade de David Beckham e de sua enorme influência global além dos gramados, até hoje.
Imperdível!
Nesse vasto universo do entretenimento, existem histórias que realmente transcendem o nicho ao qual pertencem e é aqui, mais uma vez, que a vida imita a arte! "Beckham", minissérie de 4 episódios sobre a vida e carreira do astro David Beckham, é uma dessas pérolas imperdíveis para quem gosta e para quem não gosta de futebol. Com o propósito de responder intermináveis questionamentos sobre sua capacidade como atleta ou seu valor como produto construído pela mídia para gerar mais dinheiro do que títulos nos clubes que jogou, essa produção dirigida pelo renomado Fisher Stevens (vencedor do Oscar por "A Enseada") é um verdadeiro estudo de caso sobre uma das maiores referências do esporte inglês de todos os tempos - e olha, ele pagou um preço bem caro para alcançar esse status.
A minissérie narra a jornada extraordinária de David Beckham, desde seu humilde começo com 12, 13 anos no Manchester United até se tornar um ícone global do esporte e do marketing. O roteiro apresenta um David Beckham autêntico e emocional, sem filtros, que explora não apenas os altos e baixos de sua carreira esportiva, mas também a influência de sua família, com destaque para sua esposa e ex-Spice Girls, Victoria Beckham. Confira o trailer:
Com uma abordagem extremamente íntima e cativante, "Beckham" é um mergulho na psique do atleta como poucas vezes vimos - até se compararmos com outros documentários do gênero, é de se elogiar a capacidade Stevens em alcançar tantas respostas sinceras de vários personagens que deram seu depoimento. Ao buscar uma certa originalidade conceitual para a narrativa, o diretor equilibra esses depoimentos com os fatos mais marcantes da história do atleta e um vasto material de arquivos da época para ilustrar tudo isso - muito em ordem cronológica, aliás. Dito isso, é impossível não destacar a presença de nomes como Alex Ferguson (seu treinador no Manchester United), Fabio Capello (seu treinador no Real Madrid), Ronaldo, Roberto Carlos, Roy Keane, Paul Scholes, Simeone, Landon Donovan, entre outros.
Essa combinação de elementos narrativos se encaixa perfeitamente em uma edição realmente primorosa que prioriza seu protagonista sem se esquecer do esmero visual como obra cinematográfica - isso torna a minissérie uma experiência única, muito agradável de acompanhar. Ao oferecer uma análise critica sobre os feitos esportivos de David Beckham, durante quase 5 horas de material, a produção não deixa de convidar o próprio atleta a fazer um olhar retrospectivo sobre os impasses que viveu com a imprensa, com a família (leia-se Victoria) e com os colegas de equipe (principalmente com alguns de seus treinadores). O bacana disso tudo é que Beckham não se esquiva dessas polêmicas e mesmo soando "chapa branca", a minissérie se esforça para mostrar sempre os dois lados da história.
A grande verdade é que, ao lado de "Arremesso Final" e "Man in the Arena", "Beckham" é um dos melhores documentários biográficos sobre um atleta produzidos até aqui! Bem dirigido por Stevens, eu diria que esse é daqueles projetos que transcendem nossas expectativas como audiência. Com uma narrativa envolvente e depoimentos incríveis, oferece uma visão profunda da vida de um verdadeiro ícone. Seja você um fã de esportes ou alguém que aprecia apenas uma boa história, esta minissérie encapsula a essência do sucesso, perseverança e autenticidade, fazendo jus à grandiosidade de David Beckham e de sua enorme influência global além dos gramados, até hoje.
Imperdível!
“Being the Ricardos” é muito bacana - e certamente vai se conectar melhor com aqueles, digamos, um pouco mais velhos e que se lembram (mesmo que vagamente) o que representou o show “I Love Lucy” na história da TV. Obviamente que o filme chega chancelado pelo selo de qualidade do diretor e roteirista Aaron Sorkin que, mesmo tendo como sua característica narrativa a verborragia desde os tempos onde a escrita era seu único expediente, entrega um pouco mais de duas horas de um ótimo entretenimento, equilibrando uma dinâmica visual simples com uma história que, aí sim, vai além das piadas que deram fama para a sua protagonista.
Lucille Ball (Nicole Kidman, mais uma vez brilhante) e Desi Arnaz (Javier Bardem) se casaram em 1940 e viram sua fama decolar após estrearem uma das mais memoráveis sitcoms americanas, “I Love Lucy”. Entretanto, quando tudo parecia estar indo bem, os dois se veem envolvidos em uma trama de acusações chocantes que ameaçam sua vida pessoal e profissional. Ao longo da semana mais tensa de gravações do show, o relacionamento complexo dos dois é posto à prova, enquanto algumas verdades vêm à tona. Confira o trailer:
Essa biografia produzida pela Amazon para o seu Prime Vídeo apresenta uma personagem que se encaixa perfeitamente na maior habilidade de Sorkin como roteirista: construir diálogos. Desde o primeiro momento, se estabelece um conceito narrativo documental onde a radiografia que vai sendo construída para Lucille Ball se apoia, justamente, em como ela se comunica - o que eu quero dizer é que os diálogos de “Being the Ricardos” são intensos, mas afiadíssimos. O problema é que a capacidade de Sorkin como diretor não é a mesma que escrevendo - não que seja ruim, até existe algum vislumbre criativo no filme (mas é pouco), principalmente quando Lucy visualiza as cenas que serão filmadas de acordo com sua imaginação e que nos remete ao material original do show (mesmo não sendo). O ponto fraco da sua direção está na forma como ele cuida do elenco coadjuvante, pois ele não respeita a individualidade dos personagens - reparem como todos se expressam com vocabulários, ritmos e tiques exatamente da mesma forma. É como se cada diálogo tivesse que ser carregado com um tom de ironia e uma pitada sarcasmo!
Esse ponto fraco não atrapalha nossa jornada como audiência porque Nicole Kidman está simplesmente fantástica no papel de protagonista. Quatro vezes indicadas ao Oscar e com uma vitória em "As Horas", Kidman está impecável nos gestos, na fala e no visual - me surpreendeu que “Being the Ricardos” não tenha sido nem pré-selecionado para concorrer na categoria "Cabelo e Maquiagem" do Oscar 2022. Javier Bardem, mesmo sendo espanhol, interpreta um cubano - sinceramente não acho isso um grande problema, embora o esteriótipo de Latin Loveresteja muito presente na sua performance. Quando Bardem tira essa máscara (que pediram para ele colocar), ele brilha - e não falo isso com demérito, já que seu personagem pede essa dualidade, mas é nítido como nas cenas mais profundas, ele vai muito além.
“Being the Ricardos” se baseia na genialidade de uma artista que fazia dos seus instintos sua diferença - e é na constatação dessa densidade como ser humano que o filme cresce. Saiba que Lucy, diferente de Judy (por exemplo), foi uma artista que precisou se provar de tantas formas ao longo de tantos anos que soa improvável que, a cada episódio, seu show alcançasse 60 milhões de americanos todas as segundas - hoje um show de muito sucesso talvez alcance 1/4 disso. O filme mostra algumas passagens onde discutiam sobre seu talento, sobre sua capacidade dramática, sobre sua aparência e até sobre sua relação com o comunismo; mas “Being the Ricardos” é bom mesmo quando mostra a força e a capacidade de uma mulher que, desacreditada, fez de tudo para vencer na vida!
Vale muito a pena!
“Being the Ricardos” é muito bacana - e certamente vai se conectar melhor com aqueles, digamos, um pouco mais velhos e que se lembram (mesmo que vagamente) o que representou o show “I Love Lucy” na história da TV. Obviamente que o filme chega chancelado pelo selo de qualidade do diretor e roteirista Aaron Sorkin que, mesmo tendo como sua característica narrativa a verborragia desde os tempos onde a escrita era seu único expediente, entrega um pouco mais de duas horas de um ótimo entretenimento, equilibrando uma dinâmica visual simples com uma história que, aí sim, vai além das piadas que deram fama para a sua protagonista.
Lucille Ball (Nicole Kidman, mais uma vez brilhante) e Desi Arnaz (Javier Bardem) se casaram em 1940 e viram sua fama decolar após estrearem uma das mais memoráveis sitcoms americanas, “I Love Lucy”. Entretanto, quando tudo parecia estar indo bem, os dois se veem envolvidos em uma trama de acusações chocantes que ameaçam sua vida pessoal e profissional. Ao longo da semana mais tensa de gravações do show, o relacionamento complexo dos dois é posto à prova, enquanto algumas verdades vêm à tona. Confira o trailer:
Essa biografia produzida pela Amazon para o seu Prime Vídeo apresenta uma personagem que se encaixa perfeitamente na maior habilidade de Sorkin como roteirista: construir diálogos. Desde o primeiro momento, se estabelece um conceito narrativo documental onde a radiografia que vai sendo construída para Lucille Ball se apoia, justamente, em como ela se comunica - o que eu quero dizer é que os diálogos de “Being the Ricardos” são intensos, mas afiadíssimos. O problema é que a capacidade de Sorkin como diretor não é a mesma que escrevendo - não que seja ruim, até existe algum vislumbre criativo no filme (mas é pouco), principalmente quando Lucy visualiza as cenas que serão filmadas de acordo com sua imaginação e que nos remete ao material original do show (mesmo não sendo). O ponto fraco da sua direção está na forma como ele cuida do elenco coadjuvante, pois ele não respeita a individualidade dos personagens - reparem como todos se expressam com vocabulários, ritmos e tiques exatamente da mesma forma. É como se cada diálogo tivesse que ser carregado com um tom de ironia e uma pitada sarcasmo!
Esse ponto fraco não atrapalha nossa jornada como audiência porque Nicole Kidman está simplesmente fantástica no papel de protagonista. Quatro vezes indicadas ao Oscar e com uma vitória em "As Horas", Kidman está impecável nos gestos, na fala e no visual - me surpreendeu que “Being the Ricardos” não tenha sido nem pré-selecionado para concorrer na categoria "Cabelo e Maquiagem" do Oscar 2022. Javier Bardem, mesmo sendo espanhol, interpreta um cubano - sinceramente não acho isso um grande problema, embora o esteriótipo de Latin Loveresteja muito presente na sua performance. Quando Bardem tira essa máscara (que pediram para ele colocar), ele brilha - e não falo isso com demérito, já que seu personagem pede essa dualidade, mas é nítido como nas cenas mais profundas, ele vai muito além.
“Being the Ricardos” se baseia na genialidade de uma artista que fazia dos seus instintos sua diferença - e é na constatação dessa densidade como ser humano que o filme cresce. Saiba que Lucy, diferente de Judy (por exemplo), foi uma artista que precisou se provar de tantas formas ao longo de tantos anos que soa improvável que, a cada episódio, seu show alcançasse 60 milhões de americanos todas as segundas - hoje um show de muito sucesso talvez alcance 1/4 disso. O filme mostra algumas passagens onde discutiam sobre seu talento, sobre sua capacidade dramática, sobre sua aparência e até sobre sua relação com o comunismo; mas “Being the Ricardos” é bom mesmo quando mostra a força e a capacidade de uma mulher que, desacreditada, fez de tudo para vencer na vida!
Vale muito a pena!
"Bem-Vindos ao Clube da Sedução" é tão excelente que chega a ser inacreditável que o Star+ não tenha dado mais atenção ao marketing dessa minissérie baseada em fatos reais que além de te surpreender, vai te prender durante os 8 episódios de uma forma impressionante. Veja, se inicialmente temos a leve impressão de estarmos diante de uma narrativa que nos remete àquela história de um pacato cidadão que vê uma oportunidade de se dar muito bem na vida mesmo que para isso ele tenha que sujar as mãos, ao melhor estilo "anti-herói" de Walter White em "Breaking Bad"; imediatamente depois somos jogados ao mundo do empreendedorismo com fortes gatilhos emocionais como em "O Urso" ou "Physical", mas que na verdade tudo não passa de uma jornada de vaidade, crime e dinheiro como em "The Thing About Pam" ou “Halston”, por exemplo.
Somen “Steve” Banerjee (Kumail Nanjiani) é um empreendedor indiano-americano que criou o Chippendales - conhecido na década de 70 como o primeiro show de strip-tease apenas com modelos masculinos. Depois de imigrar para Playa del Rey, na Califórnia, Steve vê uma oportunidade única de transformar um bar de gamão em algo único, inédito e muito rentável. Sua ambição o leva ao sucesso, com decisões firmes, criativas e visionárias, com a mesma velocidade com que sua vaidade e insegurança emocional começa destrui-lo. Confira o trailer:
Eu dei o play sem muito saber sobre a história - mal sabia, inclusive, que ela era real; porém acho necessário dizer que o clube Chippendales (de onde vem o título original "Welcome to Chippendales"), de fato, marcou uma geração de mulheres que buscavam liberdade e diversão no final dos anos 70, com a mesma veemência com que figurou nos noticiários americanos pelos consecutivos casos de assassinato e suicídio que envolveram funcionários que ali trabalharam. Por isso que a minissérie se apoia em elementos de true crime, mas 90% do seu tempo ela é muito mais sobre negócios, sucesso, dinheiro e vaidade do que qualquer outra coisa - eu diria que são ”os bastidores de showbiz" que nos guiam durante toda a jornada
Criada por Robert Siegel (o mesmo de "Pam & Tommy"), "Bem-Vindos ao Clube da Sedução" nos envolve de tal maneira que naturalmente emendamos um episódio no outro - e aqui cabe um aviso: como em “Halston” e em "Hollywood", algumas cenas que recriam o cenário gay da época, podem chocar parte da audiência. Por outro lado, o trabalho do departamento de Arte é fenomenal - dos cabelos aos figurinos, até mesmo passando pelos cenários cuidadosamente recriados, temos um projeto tecnicamente impecável e visualmente muito caprichado. O elenco encabeçado pelo talentoso Kumail Nanjiani também merece destaque. Todo núcleo principal que conta com Murray Bartlett (o Nick De Noia), Annaleigh Ashford (como Irene) e a impagável Juliette Lewis (como Denise), é digno de prêmios pela performance e pela capacidade de equilibrar a dor mais íntima com o estereótipo mais despojado típico daquele universo.
"Bem-Vindos ao Clube da Sedução" é uma jóia que pode até incomodar os mais preconceituosos, mas que encanta pela veracidade de sua jornada e nos provoca inúmeras reflexões sobre o poder que o sucesso e o dinheiro tem de transformar até quem são, como a própria Irene definiu, "pessoas boas". Com um roteiro de muita profundidade, que discute assuntos espinhosos e marcantes para toda uma sociedade, ao mesmo tempo em que nos maravilha com uma qualidade artística acima da média, fica fácil afirmar que estamos diante de um dos títulos mais subestimados de 2022 e que merece (e muito) o seu play!
"Bem-Vindos ao Clube da Sedução" é tão excelente que chega a ser inacreditável que o Star+ não tenha dado mais atenção ao marketing dessa minissérie baseada em fatos reais que além de te surpreender, vai te prender durante os 8 episódios de uma forma impressionante. Veja, se inicialmente temos a leve impressão de estarmos diante de uma narrativa que nos remete àquela história de um pacato cidadão que vê uma oportunidade de se dar muito bem na vida mesmo que para isso ele tenha que sujar as mãos, ao melhor estilo "anti-herói" de Walter White em "Breaking Bad"; imediatamente depois somos jogados ao mundo do empreendedorismo com fortes gatilhos emocionais como em "O Urso" ou "Physical", mas que na verdade tudo não passa de uma jornada de vaidade, crime e dinheiro como em "The Thing About Pam" ou “Halston”, por exemplo.
Somen “Steve” Banerjee (Kumail Nanjiani) é um empreendedor indiano-americano que criou o Chippendales - conhecido na década de 70 como o primeiro show de strip-tease apenas com modelos masculinos. Depois de imigrar para Playa del Rey, na Califórnia, Steve vê uma oportunidade única de transformar um bar de gamão em algo único, inédito e muito rentável. Sua ambição o leva ao sucesso, com decisões firmes, criativas e visionárias, com a mesma velocidade com que sua vaidade e insegurança emocional começa destrui-lo. Confira o trailer:
Eu dei o play sem muito saber sobre a história - mal sabia, inclusive, que ela era real; porém acho necessário dizer que o clube Chippendales (de onde vem o título original "Welcome to Chippendales"), de fato, marcou uma geração de mulheres que buscavam liberdade e diversão no final dos anos 70, com a mesma veemência com que figurou nos noticiários americanos pelos consecutivos casos de assassinato e suicídio que envolveram funcionários que ali trabalharam. Por isso que a minissérie se apoia em elementos de true crime, mas 90% do seu tempo ela é muito mais sobre negócios, sucesso, dinheiro e vaidade do que qualquer outra coisa - eu diria que são ”os bastidores de showbiz" que nos guiam durante toda a jornada
Criada por Robert Siegel (o mesmo de "Pam & Tommy"), "Bem-Vindos ao Clube da Sedução" nos envolve de tal maneira que naturalmente emendamos um episódio no outro - e aqui cabe um aviso: como em “Halston” e em "Hollywood", algumas cenas que recriam o cenário gay da época, podem chocar parte da audiência. Por outro lado, o trabalho do departamento de Arte é fenomenal - dos cabelos aos figurinos, até mesmo passando pelos cenários cuidadosamente recriados, temos um projeto tecnicamente impecável e visualmente muito caprichado. O elenco encabeçado pelo talentoso Kumail Nanjiani também merece destaque. Todo núcleo principal que conta com Murray Bartlett (o Nick De Noia), Annaleigh Ashford (como Irene) e a impagável Juliette Lewis (como Denise), é digno de prêmios pela performance e pela capacidade de equilibrar a dor mais íntima com o estereótipo mais despojado típico daquele universo.
"Bem-Vindos ao Clube da Sedução" é uma jóia que pode até incomodar os mais preconceituosos, mas que encanta pela veracidade de sua jornada e nos provoca inúmeras reflexões sobre o poder que o sucesso e o dinheiro tem de transformar até quem são, como a própria Irene definiu, "pessoas boas". Com um roteiro de muita profundidade, que discute assuntos espinhosos e marcantes para toda uma sociedade, ao mesmo tempo em que nos maravilha com uma qualidade artística acima da média, fica fácil afirmar que estamos diante de um dos títulos mais subestimados de 2022 e que merece (e muito) o seu play!
"Bernie Madoff" (que ganhou o subtítulo inspirado de "O golpista de Wall Street") talvez seja o maior e mais rentável "case" de marketing de percepção usado para o mal da história! E veja, a linha é muito tênue entre a fraude e a capacidade de criar uma atmosfera que vai além da realidade para atrair clientes e, nesse caso, Madoff desconstruiu as duas narrativas de uma forma tão alinhada que fez a Anna Sorokin, da série da Netflix "Inventando Anna", parecer uma personagem da Galinha Pintadinha!
Essa minissérie documental em 4 episódios mostra a ascensão e queda do mega-investidor Bernie Madoff, responsável por um dos maiores esquemas de pirâmide financeira na história de Wall Street. O cineasta Joe Berlinger, vencedor do Emmy por "Paradise Lost: The Child Murders at Robin Hood Hills" e "Ten Days That Unexpectedly Changed America", traz todos os detalhes sobre os bastidores do golpe de US$ 64 bilhões que quebrou centenas de pessoas. Confira o trailer (em inglês):
É inegável a capacidade de Joe Berlinger para construir uma narrativa dinâmica e coerente com a história que está contando - independente de sua complexidade. Em "Bernie Madoff: O Golpista de Wall Street", ele se distancia do conceito documental/jornalístico e se apropria de vários elementos da ficção que funcionam como pano de fundo para os inúmeros e surpreendentes depoimentos que o diretor foi capaz de copilar para contar as nuances de todo esquema fraudulento que Madoff conduziu durante décadas. Muito bem produzido, as entrevistas servem como condutor dos fatos, mas sem aquela densidade que o assunto certamente provocaria se a gramática cinematográfica fosse outra - aqui nos deparamos com inúmeras curiosidades contadas por pessoas que conviveram com Madoff em sua empresa (da secretária pessoal ao funcionário que não quis mostrar o rosto), que foram vítimas do golpe e que investigaram e/ou escreveram sobre o caso.
Até mesmo para quem conhece a história e seu personagem, algumas passagens são de fato bem interessantes: como a do analista financeiro Harry Markopolos que começou a desconfiar de Madoff e resolveu fazer um estudo detalhado do suposto fundo de cobertura que ele administrava, descobrindo assim o "Esquema Ponzi" do investidor. Outra passagem surpreendente diz respeito a maneira como a Comissão de Valores Imobiliários dos EUA tratou o caso mesmo depois de muitas denúncias e suspeitas de seus próprios agentes. Um detalhe que vale sua atenção, é a simplicidade como o roteiro vai nos apresentando as peças e como, pouco a pouco, ele vai encaixando organicamente, nos dando a exata impressão de que dominamos o assunto - olha, é de se aplaudir.
Diferente da excelente abordagem que (recomendo) assistimos em "O Mago das Mentiras", “Bernie Madoff: O Golpista de Wall Street” é um retrato menos familiar, impessoal e, talvez por isso, menos glamouroso, comprovando que, ao contrário do que muitos acreditaram por muito tempo, a fraude que o protagonista cometeu não foi obra de um único "gênio do mal" e sim de um grupo de cúmplices e de instituições que escolheram fechar os olhos para o comportamento suspeito de Madoff e para os resultados absurdos que seu fundo rendia aos clientes até o dia que a "bolha" estourou!
Se você gosta do assunto, essa minissérie é realmente imperdível! Belíssimo trabalho investigativo!
"Bernie Madoff" (que ganhou o subtítulo inspirado de "O golpista de Wall Street") talvez seja o maior e mais rentável "case" de marketing de percepção usado para o mal da história! E veja, a linha é muito tênue entre a fraude e a capacidade de criar uma atmosfera que vai além da realidade para atrair clientes e, nesse caso, Madoff desconstruiu as duas narrativas de uma forma tão alinhada que fez a Anna Sorokin, da série da Netflix "Inventando Anna", parecer uma personagem da Galinha Pintadinha!
Essa minissérie documental em 4 episódios mostra a ascensão e queda do mega-investidor Bernie Madoff, responsável por um dos maiores esquemas de pirâmide financeira na história de Wall Street. O cineasta Joe Berlinger, vencedor do Emmy por "Paradise Lost: The Child Murders at Robin Hood Hills" e "Ten Days That Unexpectedly Changed America", traz todos os detalhes sobre os bastidores do golpe de US$ 64 bilhões que quebrou centenas de pessoas. Confira o trailer (em inglês):
É inegável a capacidade de Joe Berlinger para construir uma narrativa dinâmica e coerente com a história que está contando - independente de sua complexidade. Em "Bernie Madoff: O Golpista de Wall Street", ele se distancia do conceito documental/jornalístico e se apropria de vários elementos da ficção que funcionam como pano de fundo para os inúmeros e surpreendentes depoimentos que o diretor foi capaz de copilar para contar as nuances de todo esquema fraudulento que Madoff conduziu durante décadas. Muito bem produzido, as entrevistas servem como condutor dos fatos, mas sem aquela densidade que o assunto certamente provocaria se a gramática cinematográfica fosse outra - aqui nos deparamos com inúmeras curiosidades contadas por pessoas que conviveram com Madoff em sua empresa (da secretária pessoal ao funcionário que não quis mostrar o rosto), que foram vítimas do golpe e que investigaram e/ou escreveram sobre o caso.
Até mesmo para quem conhece a história e seu personagem, algumas passagens são de fato bem interessantes: como a do analista financeiro Harry Markopolos que começou a desconfiar de Madoff e resolveu fazer um estudo detalhado do suposto fundo de cobertura que ele administrava, descobrindo assim o "Esquema Ponzi" do investidor. Outra passagem surpreendente diz respeito a maneira como a Comissão de Valores Imobiliários dos EUA tratou o caso mesmo depois de muitas denúncias e suspeitas de seus próprios agentes. Um detalhe que vale sua atenção, é a simplicidade como o roteiro vai nos apresentando as peças e como, pouco a pouco, ele vai encaixando organicamente, nos dando a exata impressão de que dominamos o assunto - olha, é de se aplaudir.
Diferente da excelente abordagem que (recomendo) assistimos em "O Mago das Mentiras", “Bernie Madoff: O Golpista de Wall Street” é um retrato menos familiar, impessoal e, talvez por isso, menos glamouroso, comprovando que, ao contrário do que muitos acreditaram por muito tempo, a fraude que o protagonista cometeu não foi obra de um único "gênio do mal" e sim de um grupo de cúmplices e de instituições que escolheram fechar os olhos para o comportamento suspeito de Madoff e para os resultados absurdos que seu fundo rendia aos clientes até o dia que a "bolha" estourou!
Se você gosta do assunto, essa minissérie é realmente imperdível! Belíssimo trabalho investigativo!
Um verdadeiro estudo de caso! Na verdade eu iria até mais longe, "Big Vape - A Ascensão e Queda da Juul" é de fato um playbook do que "se deve" e do que "não se deve" fazer no lançamento de um produto de tecnologia que tem no seu DNA um elemento muito sensível e que era sabido, geraria muita polêmica - o vício. Olha, dadas as devidas diferenças, é impossível não lembrar do caso da Theranos que conhecemos em "A Inventora"! Bom, para quem não conhece, o Juul é um cigarro eletrônico estiloso, parecido com um pen drive, que pode ser carregado em portas USB do computador. Ao conectar um pequeno cartucho, disponível em sabores como manga, menta e até crème brûlée, o device prometia as mesmas sensações de fumar um cigarro tradicional só que sem fazer o mal que a combustão do tabaco proporcionava para a saúde - leia-se câncer no pulmão, doença cardiovascular e enfisema pulmonar. Porém, o que parecia de fato revolucionário se mostrou um tanto perigoso quando adolescentes passaram a se viciar com a nicotina contida nos cartuchos, graças a uma campanha de marketing belíssima, mas completamente desastrosa na sua estratégia, que transformou o ato de "Juular" em um "estilo de vida instagramável" com sérias consequências morais.
Essa minissérie documental da Netflix oferece, em 4 episódios, uma análise profunda e bastante imparcial sobre essa história fascinante e controversa do Juul. Produzida pela Amblin de Steven Spielberg, ela traz uma visão multifacetada do que aconteceu nos bastidores da empresa que revolucionou o mercado de cigarros eletrônicos e que por um breve período preocupou a gigantesca e opressora indústria do tabaco, explorando não apenas o sucesso meteórico da startup, mas também os inúmeros desafios que a envolveram. Confira o trailer (em inglês):
A partir de uma narrativa extremamente fluida que mistura depoimento reveladores, animações muito bem produzidas e uma infinidade de imagens de arquivo, a minissérie dirigida pelo multi-premiado R.J. Cutler (de "Elton John Live: Farewell from Dodger Stadium") é muito inteligente ao analisar como James Monsees e Adam Bowen, dois ex-alunos da Universidade de Stanford, conseguiram criar um device de tabaco esteticamente atraente, bem no "estilo Apple" de design, que transformou uma startup duvidosa em uma empresa de mais de 40 bilhões do dólares e líder absoluta de mercado. A grande questão, no entanto, é que nem Monsees, nem Bowen, participam do documentário, deixando assim suas visões e ideias para quem, de alguma forma, via no Juul o real propósito de ser uma opção segura para quem queria parar de fumar cigarros tradicionais.
E é aí que talvez surja o ponto mais interessante de toda minissérie: como um propósito que conquistou inúmeros investidores no powerpoint se transformou em uma bomba relógio prestes a explodir ao se apoiar em uma estratégia de lançamento completamente desconectada de seu objetivo inicial. Veja, ao focar no jovem e não no fumante, o Juul conquistou rapidamente uma base de fãs absurda - seu design moderno, a variedade de sabores e uma fácil acessibilidade através de lojas de conveniência e vendas online atraiu uma nova geração de usuários de tabaco que a colocou como uma verdadeira sensação tecnológica e um ícone cultural, mas que também ligou um sinal de alerta nas autoridades - essa passagem é praticamente uma aula sobre branding e produto, mas ao mesmo tempo um convite para reflexões importantes sobre ICP (pu perfil de cliente ideal) e sobre o preço da pressa!
"Big Vape - A Ascensão e Queda da Juul" é baseada no livro de Jamie Ducharme, um renomado correspondente de saúde e ciência da Time - o que chancela sua narrativa autêntica e confiável, enquanto temos acesso à entrevistas com diversas partes envolvidas na jornada da Juul Lab. Eu diria que essa minissérie é um "prato cheio" se você está interessado em conhecer os bastidores do empreendedorismo no Vale do Silício, o desenvolvimento de tecnologias e produtos disruptivos, de negócios de impacto, de discussões sobre a saúde pública ou até se você simplesmente gosta de um história tão envolvente quanto intrigante, com um leve toque de hipocrisia.
Vale muito o seu play!
Um verdadeiro estudo de caso! Na verdade eu iria até mais longe, "Big Vape - A Ascensão e Queda da Juul" é de fato um playbook do que "se deve" e do que "não se deve" fazer no lançamento de um produto de tecnologia que tem no seu DNA um elemento muito sensível e que era sabido, geraria muita polêmica - o vício. Olha, dadas as devidas diferenças, é impossível não lembrar do caso da Theranos que conhecemos em "A Inventora"! Bom, para quem não conhece, o Juul é um cigarro eletrônico estiloso, parecido com um pen drive, que pode ser carregado em portas USB do computador. Ao conectar um pequeno cartucho, disponível em sabores como manga, menta e até crème brûlée, o device prometia as mesmas sensações de fumar um cigarro tradicional só que sem fazer o mal que a combustão do tabaco proporcionava para a saúde - leia-se câncer no pulmão, doença cardiovascular e enfisema pulmonar. Porém, o que parecia de fato revolucionário se mostrou um tanto perigoso quando adolescentes passaram a se viciar com a nicotina contida nos cartuchos, graças a uma campanha de marketing belíssima, mas completamente desastrosa na sua estratégia, que transformou o ato de "Juular" em um "estilo de vida instagramável" com sérias consequências morais.
Essa minissérie documental da Netflix oferece, em 4 episódios, uma análise profunda e bastante imparcial sobre essa história fascinante e controversa do Juul. Produzida pela Amblin de Steven Spielberg, ela traz uma visão multifacetada do que aconteceu nos bastidores da empresa que revolucionou o mercado de cigarros eletrônicos e que por um breve período preocupou a gigantesca e opressora indústria do tabaco, explorando não apenas o sucesso meteórico da startup, mas também os inúmeros desafios que a envolveram. Confira o trailer (em inglês):
A partir de uma narrativa extremamente fluida que mistura depoimento reveladores, animações muito bem produzidas e uma infinidade de imagens de arquivo, a minissérie dirigida pelo multi-premiado R.J. Cutler (de "Elton John Live: Farewell from Dodger Stadium") é muito inteligente ao analisar como James Monsees e Adam Bowen, dois ex-alunos da Universidade de Stanford, conseguiram criar um device de tabaco esteticamente atraente, bem no "estilo Apple" de design, que transformou uma startup duvidosa em uma empresa de mais de 40 bilhões do dólares e líder absoluta de mercado. A grande questão, no entanto, é que nem Monsees, nem Bowen, participam do documentário, deixando assim suas visões e ideias para quem, de alguma forma, via no Juul o real propósito de ser uma opção segura para quem queria parar de fumar cigarros tradicionais.
E é aí que talvez surja o ponto mais interessante de toda minissérie: como um propósito que conquistou inúmeros investidores no powerpoint se transformou em uma bomba relógio prestes a explodir ao se apoiar em uma estratégia de lançamento completamente desconectada de seu objetivo inicial. Veja, ao focar no jovem e não no fumante, o Juul conquistou rapidamente uma base de fãs absurda - seu design moderno, a variedade de sabores e uma fácil acessibilidade através de lojas de conveniência e vendas online atraiu uma nova geração de usuários de tabaco que a colocou como uma verdadeira sensação tecnológica e um ícone cultural, mas que também ligou um sinal de alerta nas autoridades - essa passagem é praticamente uma aula sobre branding e produto, mas ao mesmo tempo um convite para reflexões importantes sobre ICP (pu perfil de cliente ideal) e sobre o preço da pressa!
"Big Vape - A Ascensão e Queda da Juul" é baseada no livro de Jamie Ducharme, um renomado correspondente de saúde e ciência da Time - o que chancela sua narrativa autêntica e confiável, enquanto temos acesso à entrevistas com diversas partes envolvidas na jornada da Juul Lab. Eu diria que essa minissérie é um "prato cheio" se você está interessado em conhecer os bastidores do empreendedorismo no Vale do Silício, o desenvolvimento de tecnologias e produtos disruptivos, de negócios de impacto, de discussões sobre a saúde pública ou até se você simplesmente gosta de um história tão envolvente quanto intrigante, com um leve toque de hipocrisia.
Vale muito o seu play!
Não se engane pelo conceito narrativo mais satírico que "BlackBerry" passa em um primeiro olhar, pois, mesmo pontuado como uma comédia (até certo ponto escrachada que nos remete ao clássico "Silicon Valley"), sua jornada está mesmo mais para o drama do quepara qualquer outra coisa. Eu diria, inclusive, que o filme dirigido pelo ótimo Matt Johnson (de "Matt & Bird Break Loose") é uma verdadeira aula sobre o que se deve e, principalmente, o que não se deve fazer durante uma jornada empreendedora. E sim, se você gosta do tema, você será fisgado pela história real (e absurda) da RIM e da sua "galinha dos ovos de ouro", o "BlackBerry"- considerado por muitos o primeiro smartphone do mundo.
Em 1996, Mike Lazaridis (Jay Baruchel) e Douglas Fregin (Matt Johnson) estão prestes a criar o primeiro smartphone e revolucionar a forma como as pessoas trabalham e se comunicam via celular. Já em 2007, a Research In Motion (RIM), startup de Lazaridis e Fregin, domina o mercado, com 45% de market share, graças ao seu dispositivo inovador. Até que algumas decisões equivocadas, uma certa arrogância corporativa e a implacável ascensão do iPhone da Apple faz com que a RIM transforme uma ascensão meteórica em um desaparecimento catastrófico como poucas vezes se viu na história. Confira o trailer (em inglês):
Antes de mais nada é preciso dizer que "BlackBerry" é uma pancada, um turbilhão de adrenalina que nos leva do auge da inovação ao abismo da obsolescência da forma mais viceral e cruel que podemos testemunhar - o seu diferencial, no entanto, é a maneira como Johnson conduz sua narrativa. Com uma câmera mais solta e um misto de trocas de foco e de zoom manual (bem ao estilo "The Office"), ele se apropria de inúmeras pitadas de humor ácido e atuações impecáveis do seu elenco para estereotipar uma situação que, acreditem, é quase corriqueira dentro do universo da inovação. O filme tem uma dinâmica muito interessante, é eletrizante, seu discurso é ágil e com saltos temporais muito bem contextualizados dentro de um roteiro que conta a verdade, mas do seu jeito - roteiro, aliás, que foi baseado no livro "Losing the Signal" de Jacquie McNish e Sean Silcoff.
Tecnicamente o filme tem algumas particularidades que merecem ser comentadas. A fotografia do Jared Raab (de "VHS 94") é competente ao capturar a vibrante estética do final dos anos 1990 e início dos anos 2000, em um período onde o universo NERD ganhava força e o mundo se transformava na surdina para ganhar os holofotes logo em seguida - essa concepção temporal do filme é quase um personagem dada sua importância histórica na trama. A trilha sonora também - ela se aproveita desse contexto nostálgico e pulsa com hits da época, enquanto o texto em si, brinca com as referências da cultura pop a todo momento. Outro ponto de destaque: a performance de Baruchel é sensacional - ele transmite a insegurança, o sonho, a ambição e finalmente a frustração de Lazaridis de uma maneira elogiável. Já Glenn Howerton que brilha como o arrogante e egocêntrico Balsillie, eu tenho a impressão, é o nome do filme - ele é a personificação do líder babaca, símbolo de status e poder que se confunde com o produto que vendia.
A real é que "BlackBerry" não se limita a ser um mero retrato biográfico ou um estudo de caso corporativo, ele é um filme que oferece uma reflexão profunda sobre os perigos da complacência, sobre a importância da adaptação às mudanças e sobre a relação da obsolescência programada no mundo da tecnologia. É um conto de advertência para qualquer empreendedor que se acomoda no sucesso, ignorando as tendências do mercado ou as necessidades de seus clientes. Claro que é um filme sobre tecnologia, mas também é uma história sobre cultura e ambição. É um retrato humano e complexo dos bastidores de uma empresa que revolucionou a comunicação, mas sucumbiu à falta de visão de seus líderes.
Imperdível!
Não se engane pelo conceito narrativo mais satírico que "BlackBerry" passa em um primeiro olhar, pois, mesmo pontuado como uma comédia (até certo ponto escrachada que nos remete ao clássico "Silicon Valley"), sua jornada está mesmo mais para o drama do quepara qualquer outra coisa. Eu diria, inclusive, que o filme dirigido pelo ótimo Matt Johnson (de "Matt & Bird Break Loose") é uma verdadeira aula sobre o que se deve e, principalmente, o que não se deve fazer durante uma jornada empreendedora. E sim, se você gosta do tema, você será fisgado pela história real (e absurda) da RIM e da sua "galinha dos ovos de ouro", o "BlackBerry"- considerado por muitos o primeiro smartphone do mundo.
Em 1996, Mike Lazaridis (Jay Baruchel) e Douglas Fregin (Matt Johnson) estão prestes a criar o primeiro smartphone e revolucionar a forma como as pessoas trabalham e se comunicam via celular. Já em 2007, a Research In Motion (RIM), startup de Lazaridis e Fregin, domina o mercado, com 45% de market share, graças ao seu dispositivo inovador. Até que algumas decisões equivocadas, uma certa arrogância corporativa e a implacável ascensão do iPhone da Apple faz com que a RIM transforme uma ascensão meteórica em um desaparecimento catastrófico como poucas vezes se viu na história. Confira o trailer (em inglês):
Antes de mais nada é preciso dizer que "BlackBerry" é uma pancada, um turbilhão de adrenalina que nos leva do auge da inovação ao abismo da obsolescência da forma mais viceral e cruel que podemos testemunhar - o seu diferencial, no entanto, é a maneira como Johnson conduz sua narrativa. Com uma câmera mais solta e um misto de trocas de foco e de zoom manual (bem ao estilo "The Office"), ele se apropria de inúmeras pitadas de humor ácido e atuações impecáveis do seu elenco para estereotipar uma situação que, acreditem, é quase corriqueira dentro do universo da inovação. O filme tem uma dinâmica muito interessante, é eletrizante, seu discurso é ágil e com saltos temporais muito bem contextualizados dentro de um roteiro que conta a verdade, mas do seu jeito - roteiro, aliás, que foi baseado no livro "Losing the Signal" de Jacquie McNish e Sean Silcoff.
Tecnicamente o filme tem algumas particularidades que merecem ser comentadas. A fotografia do Jared Raab (de "VHS 94") é competente ao capturar a vibrante estética do final dos anos 1990 e início dos anos 2000, em um período onde o universo NERD ganhava força e o mundo se transformava na surdina para ganhar os holofotes logo em seguida - essa concepção temporal do filme é quase um personagem dada sua importância histórica na trama. A trilha sonora também - ela se aproveita desse contexto nostálgico e pulsa com hits da época, enquanto o texto em si, brinca com as referências da cultura pop a todo momento. Outro ponto de destaque: a performance de Baruchel é sensacional - ele transmite a insegurança, o sonho, a ambição e finalmente a frustração de Lazaridis de uma maneira elogiável. Já Glenn Howerton que brilha como o arrogante e egocêntrico Balsillie, eu tenho a impressão, é o nome do filme - ele é a personificação do líder babaca, símbolo de status e poder que se confunde com o produto que vendia.
A real é que "BlackBerry" não se limita a ser um mero retrato biográfico ou um estudo de caso corporativo, ele é um filme que oferece uma reflexão profunda sobre os perigos da complacência, sobre a importância da adaptação às mudanças e sobre a relação da obsolescência programada no mundo da tecnologia. É um conto de advertência para qualquer empreendedor que se acomoda no sucesso, ignorando as tendências do mercado ou as necessidades de seus clientes. Claro que é um filme sobre tecnologia, mas também é uma história sobre cultura e ambição. É um retrato humano e complexo dos bastidores de uma empresa que revolucionou a comunicação, mas sucumbiu à falta de visão de seus líderes.
Imperdível!
Uma cinebiografia diferente! Talvez essa seja a melhor forma de descrever "Bob Marley: One Love" do diretor Reinaldo Marcus Green - e basta lembrar do seu trabalho anterior, "King Richard", para entender que, como na história das tenistas Williams onde a perspectiva era de seu pai, sua proposta de humanizar o protagonista, focando muito mais em sua vulnerabilidade do que no ícone que ele se tornou, faz todo o sentido! É isso, essa é uma jornada que oferece uma visão íntima da vida e do legado de uma das maiores referências da música e da cultura mundial: Bob Marley. "One Love" busca capturar a essência do homem por trás da lenda, mostrando não apenas seu impacto na música e na luta pela paz dentro de um contexto sócio-político, mas também os desafios pessoais e os obstáculos que enfrentou ao longo de sua trajetória.
A narrativa se passa quase que inteiramente entre 1976 e 1978, período de conflitos armados na Jamaica onde os hits como "I Shot the Sheriff" ou "No Woman, No Cry" já existiam. Através das memórias de seu protagonista (interpretado pelo talentoso Kingsley Ben-Adir) o filme se concentra em momentos-chave da vida de Marley, desde suas origens humildes na Jamaica até sua ascensão como um fenômeno global, imortalizado pelas mensagens de amor e resistência que permeiam sua música. O roteiro não se limita a ser um tributo à sua carreira; ele também aprofunda as relações pessoais de Marley, como seu casamento com Rita Marley e a complexa dinâmica com seus filhos e outros parceiros musicais. Confira o trailer:
Não espere encontrar um pequeno Bob, triste pelo abandono do seu pai, sofrendo sob a dura realidade de uma Jamaica colonizada. Esquece! O filme de Reinaldo Marcus Green entrega uma direção sensível e cuidadosa, mas sem cair na tentação de transformar a vida de Marley em uma narrativa simplista de “ascensão e queda”. Em vez disso,o diretor se apropria de um recorte temporal para focar na essência espiritual e cultural do protagonista. Claro que o filme não se esquiva dos momentos difíceis - ele aborda as tensões políticas na Jamaica e até o atentado sofrido por Marley, mas sem dúvida alguma que é pela celebração da alegria e da transcendência de sua música que somos praticamente obrigados a não tirar os olhos da tela. Repare como a música de Marley é incorporada à narrativa - canções icônicas como “One Love”, “Redemption Song” e “No Woman, No Cry” são usadas de maneira orgânica, não apenas como pano de fundo, mas como elementos que impulsionam a história e refletem emoções e desafios. Aqui, a trilha sonora é tratada como um personagem em si, lembrando o impacto que essas músicas continuam a ter globalmente, décadas após sua criação.
Kingsley Ben-Adir, mais uma vez, oferece uma performance poderosa e envolvente. Ele traz para tela a presença carismática e a serenidade de Marley, bem como suas lutas mais internas e a intensidade de seu compromisso com a arte em sua proposta de usar a música como uma mensagem de paz. É importante dizer que Ben-Adir não se limita a "imitar" ou a se apoiar nos trejeitos de Marley, muito pelo contrário, ele incorpora sua alma, tornando seu personagem mais do que apenas um ícone distante. Seu desempenho é complementar ao de Lashana Lynch, que interpreta Rita Marley - ela traz a complexidade e a força para uma mulher que, além de ser esposa, foi uma parceira essencial na vida e na carreira do músico. A química entre os dois é impressionante, tão palpável quanto a beleza dessa fala de Rita: "As vezes o mensageiro tem que se tornar a mensagem!".
Sem a menor dúvida que "Bob Marley: One Love" é uma cinematografia vibrante que evoca desde as paisagens jamaicanas, que nos transporta para os bairros humildes de Kingston, como o brilho do sucesso, através dos palcos ao redor do mundo onde Marley se apresentou. O filme realmente sabe capturar a essência de uma época, criando uma atmosfera autêntica que celebra a cultura jamaicana e a universalidade de uma mensagem muito potente. E embora enfrente as limitações inerentes de um biografia, o filme consegue equilibrar momentos de alegria e dor, oferecendo ao público uma experiência imersiva e emocionante que reflete a atemporalidade da obra de Marley. Para os fãs e para aqueles que buscam entender o impacto duradouro de sua música, "One Love" é uma obra imperdível.
Vale muito o seu play!
Uma cinebiografia diferente! Talvez essa seja a melhor forma de descrever "Bob Marley: One Love" do diretor Reinaldo Marcus Green - e basta lembrar do seu trabalho anterior, "King Richard", para entender que, como na história das tenistas Williams onde a perspectiva era de seu pai, sua proposta de humanizar o protagonista, focando muito mais em sua vulnerabilidade do que no ícone que ele se tornou, faz todo o sentido! É isso, essa é uma jornada que oferece uma visão íntima da vida e do legado de uma das maiores referências da música e da cultura mundial: Bob Marley. "One Love" busca capturar a essência do homem por trás da lenda, mostrando não apenas seu impacto na música e na luta pela paz dentro de um contexto sócio-político, mas também os desafios pessoais e os obstáculos que enfrentou ao longo de sua trajetória.
A narrativa se passa quase que inteiramente entre 1976 e 1978, período de conflitos armados na Jamaica onde os hits como "I Shot the Sheriff" ou "No Woman, No Cry" já existiam. Através das memórias de seu protagonista (interpretado pelo talentoso Kingsley Ben-Adir) o filme se concentra em momentos-chave da vida de Marley, desde suas origens humildes na Jamaica até sua ascensão como um fenômeno global, imortalizado pelas mensagens de amor e resistência que permeiam sua música. O roteiro não se limita a ser um tributo à sua carreira; ele também aprofunda as relações pessoais de Marley, como seu casamento com Rita Marley e a complexa dinâmica com seus filhos e outros parceiros musicais. Confira o trailer:
Não espere encontrar um pequeno Bob, triste pelo abandono do seu pai, sofrendo sob a dura realidade de uma Jamaica colonizada. Esquece! O filme de Reinaldo Marcus Green entrega uma direção sensível e cuidadosa, mas sem cair na tentação de transformar a vida de Marley em uma narrativa simplista de “ascensão e queda”. Em vez disso,o diretor se apropria de um recorte temporal para focar na essência espiritual e cultural do protagonista. Claro que o filme não se esquiva dos momentos difíceis - ele aborda as tensões políticas na Jamaica e até o atentado sofrido por Marley, mas sem dúvida alguma que é pela celebração da alegria e da transcendência de sua música que somos praticamente obrigados a não tirar os olhos da tela. Repare como a música de Marley é incorporada à narrativa - canções icônicas como “One Love”, “Redemption Song” e “No Woman, No Cry” são usadas de maneira orgânica, não apenas como pano de fundo, mas como elementos que impulsionam a história e refletem emoções e desafios. Aqui, a trilha sonora é tratada como um personagem em si, lembrando o impacto que essas músicas continuam a ter globalmente, décadas após sua criação.
Kingsley Ben-Adir, mais uma vez, oferece uma performance poderosa e envolvente. Ele traz para tela a presença carismática e a serenidade de Marley, bem como suas lutas mais internas e a intensidade de seu compromisso com a arte em sua proposta de usar a música como uma mensagem de paz. É importante dizer que Ben-Adir não se limita a "imitar" ou a se apoiar nos trejeitos de Marley, muito pelo contrário, ele incorpora sua alma, tornando seu personagem mais do que apenas um ícone distante. Seu desempenho é complementar ao de Lashana Lynch, que interpreta Rita Marley - ela traz a complexidade e a força para uma mulher que, além de ser esposa, foi uma parceira essencial na vida e na carreira do músico. A química entre os dois é impressionante, tão palpável quanto a beleza dessa fala de Rita: "As vezes o mensageiro tem que se tornar a mensagem!".
Sem a menor dúvida que "Bob Marley: One Love" é uma cinematografia vibrante que evoca desde as paisagens jamaicanas, que nos transporta para os bairros humildes de Kingston, como o brilho do sucesso, através dos palcos ao redor do mundo onde Marley se apresentou. O filme realmente sabe capturar a essência de uma época, criando uma atmosfera autêntica que celebra a cultura jamaicana e a universalidade de uma mensagem muito potente. E embora enfrente as limitações inerentes de um biografia, o filme consegue equilibrar momentos de alegria e dor, oferecendo ao público uma experiência imersiva e emocionante que reflete a atemporalidade da obra de Marley. Para os fãs e para aqueles que buscam entender o impacto duradouro de sua música, "One Love" é uma obra imperdível.
Vale muito o seu play!
É incrível como a música ativa os gatilhos das lembranças e das emoções com tanta força!!! E como o cinema potencializa isso!!! Acho que um dos trunfos de "Bohemian Rhapsody" é justamente esse: nos levar para uma época que deixou muita saudade (se você tem mais de 35 anos), tendo como trilha sonora uma das maiores bandas de todos os tempos, o Queen!
"Bohemian Rhapsody" conta a história por trás da ascensão do Queen, através de seu estilo próprio, da sua música que oscilava entre o rock e o pop capaz, e dos enormes sucessos como a própria canção que da nome ao filme. "Bohemian Rhapsody" é inteligente ao relatar também as tensões da banda, o estilo de vida de Freddie Mercury e passagens emblemáticas como a reunião na véspera do festival Live Aid (organizado por Bob Geldof, em Wembley, no ano de 1985), onde cantor, compositor e pianista do Queen, já lidando com a realidade da sua doença, conduziu a sua banda em um dos concertos mais lendários da história da música!
De fato, a história do Freddie Mercury merecia ser contada, ele era um gênio, muito a frente do seu tempo e não consigo imaginar o tamanho que seria se ainda estivesse vivo; mas tenho que dizer que, como filme em si, o roteiro deixa um pouco a desejar. Ele nos passa a impressão de já termos assistido algo parecido, pois a estrutura narrativa segue a mesma fórmula de vários outros filmes biográficos de um Rock Star. Claro que isso não prejudica a experiência, mas também não coloca o filme como uma obra a ser referenciada ou inovadora. Faça o exercício de assistir "Cazuza" ou "Elis" antes de assistir "Bohemian Rhapsody" e você vai entender o que eu estou falando. O filme é grandioso sim, mas não é um grande filme! Ele tinha potencial para provocar mais, mas aliviaram!
Na minha opinião "Quase Famosos" e "Ray" são melhores como obras cinematográficas, mas isso pouco vai importar porque o diretor Bryan Singer (Os Suspeitos e X-men) entrega o que promete com muita maestria: um filme dinâmico, bem realizado e, principalmente, nostálgico! É impossível não destacar o 3º ato para ilustrar minha afirmação - ele é alucinante!!!! Singer trás a atmosfera grandiosa de um show histórico como nunca tinha visto; ele nos coloca no palco, junto com a banda, e no meio do publico em um Wembley lotado - tudo ao mesmo tempo! Ele mexe com nossa fantasia de subir no palco e ver um Estádio com mais de 100 mil pessoas esperando para cantar sua música - mais ou menos como o Aronofsky fez em Cisne Negro ou como o Oliver Stone fez em "Any Given Sunday". É muito bacana! Fiquei imaginando esse filme em Imax!!! A fotografia também merece um destaque especial. Belo trabalho do Newton Thomas Sigel (Tom Sigel). Rami Malek como Freddie Mercury tem seus bons momentos - tem uma cena que ele fala com os olhos que é sensacional!! É possível sentir sua dor sem ele dizer uma só palavra - digna de prêmios!!! A direção de arte e maquiagem eu achei mediana, não compromete, mas também não salta aos olhos.
O fato é que mesmo, com algumas limitações de roteiro, "Bohemian Rhapsody" merece ser visto, com o som lá no alto! É divertido, emocionante e justifica o Hype!!!!
Up-date: "Bohemian Rhapsody" ganhou em quatro categorias no Oscar 2019: Melhor Edição de Som, Melhor Mixagem, Melhor Montagem e Melhor Ator!
É incrível como a música ativa os gatilhos das lembranças e das emoções com tanta força!!! E como o cinema potencializa isso!!! Acho que um dos trunfos de "Bohemian Rhapsody" é justamente esse: nos levar para uma época que deixou muita saudade (se você tem mais de 35 anos), tendo como trilha sonora uma das maiores bandas de todos os tempos, o Queen!
"Bohemian Rhapsody" conta a história por trás da ascensão do Queen, através de seu estilo próprio, da sua música que oscilava entre o rock e o pop capaz, e dos enormes sucessos como a própria canção que da nome ao filme. "Bohemian Rhapsody" é inteligente ao relatar também as tensões da banda, o estilo de vida de Freddie Mercury e passagens emblemáticas como a reunião na véspera do festival Live Aid (organizado por Bob Geldof, em Wembley, no ano de 1985), onde cantor, compositor e pianista do Queen, já lidando com a realidade da sua doença, conduziu a sua banda em um dos concertos mais lendários da história da música!
De fato, a história do Freddie Mercury merecia ser contada, ele era um gênio, muito a frente do seu tempo e não consigo imaginar o tamanho que seria se ainda estivesse vivo; mas tenho que dizer que, como filme em si, o roteiro deixa um pouco a desejar. Ele nos passa a impressão de já termos assistido algo parecido, pois a estrutura narrativa segue a mesma fórmula de vários outros filmes biográficos de um Rock Star. Claro que isso não prejudica a experiência, mas também não coloca o filme como uma obra a ser referenciada ou inovadora. Faça o exercício de assistir "Cazuza" ou "Elis" antes de assistir "Bohemian Rhapsody" e você vai entender o que eu estou falando. O filme é grandioso sim, mas não é um grande filme! Ele tinha potencial para provocar mais, mas aliviaram!
Na minha opinião "Quase Famosos" e "Ray" são melhores como obras cinematográficas, mas isso pouco vai importar porque o diretor Bryan Singer (Os Suspeitos e X-men) entrega o que promete com muita maestria: um filme dinâmico, bem realizado e, principalmente, nostálgico! É impossível não destacar o 3º ato para ilustrar minha afirmação - ele é alucinante!!!! Singer trás a atmosfera grandiosa de um show histórico como nunca tinha visto; ele nos coloca no palco, junto com a banda, e no meio do publico em um Wembley lotado - tudo ao mesmo tempo! Ele mexe com nossa fantasia de subir no palco e ver um Estádio com mais de 100 mil pessoas esperando para cantar sua música - mais ou menos como o Aronofsky fez em Cisne Negro ou como o Oliver Stone fez em "Any Given Sunday". É muito bacana! Fiquei imaginando esse filme em Imax!!! A fotografia também merece um destaque especial. Belo trabalho do Newton Thomas Sigel (Tom Sigel). Rami Malek como Freddie Mercury tem seus bons momentos - tem uma cena que ele fala com os olhos que é sensacional!! É possível sentir sua dor sem ele dizer uma só palavra - digna de prêmios!!! A direção de arte e maquiagem eu achei mediana, não compromete, mas também não salta aos olhos.
O fato é que mesmo, com algumas limitações de roteiro, "Bohemian Rhapsody" merece ser visto, com o som lá no alto! É divertido, emocionante e justifica o Hype!!!!
Up-date: "Bohemian Rhapsody" ganhou em quatro categorias no Oscar 2019: Melhor Edição de Som, Melhor Mixagem, Melhor Montagem e Melhor Ator!
Se você gosta de futebol e também acordou cedo para acompanhar a Copa do Mundo do Japão e da Coréia, você vai me agradecer muito por essa recomendação: "Brasil 2002 - Bastidores do Penta" é um excelente documentário sobre todo o contexto que envolveu nosso último (até aqui) título mundial. Muito além do campo, o filme do diretor americano Luís Ara (de "Para Sempre Chape") se aproveita de inúmeras imagens de arquivo (inclusive pessoais dos próprios jogadores) e de entrevistas marcantes com quem participou da jornada, para desenvolver uma narrativa dinâmica, nostálgica e muito interessante sobre os bastidores dessa conquista.
Luis Ara, que apesar de nascido em Houston, Estados Unidos, fez toda sua carreira no Uruguai e talvez por isso seja um grande entusiasta de um esporte que, digamos, não está entre as prioridades dos americanos. Depois de retratar com muita competência a tragédia da Chapecoense, Lara resolveu mergulhar em um passado não tão distante para recontar como uma Seleção desacreditada, cheia de problemas e ainda marcada pela convulsão de Ronaldo em 98, venceu a desconfiança e se tornou a primeira (e única) Pentacampeã de futebol.
Além de construir uma linha do tempo extremamente coerente com os fatos, se apoiando em depoimentos muito interessantes, "Brasil 2002 - Bastidores do Penta" humaniza a conquista e estabelece uma comunicação tão informal que nos sentimos a vontade em ouvir novamente as mesmas histórias. Claro que algumas delas são inéditas, algumas imagens também, mas a maioria das passagens que vemos na tela, nós já conhecemos, porém o interessante dessa nova experiência não está necessariamente no "conteúdo" e sim na "forma" como tudo está sendo contado.
Ara foi muito feliz em trazer para seu filme os protagonistas da Seleção: Ronaldo, Ronaldinho, Roberto Carlos e Lúcio; mas também alguns coadjuvantes como Belletti, Vampeta, Gilberto Silva e Rogério Ceni, porém o gol de placa foi mesmo colocar os "antagonistas" para comentar cada momento marcante da Copa pelo olhar de quem perdeu: Oliver Kahn, goleiro e capitão da Alemanha, comenta sobre seu momento na final da Copa e como a seleção alemã entendia o favoritismo do Brasil; Marc Wilmots, capitão da Bélgica, fala sobre o gol anulado de seu time e a forma como o Brasil se impôs quando se sentiu em perigo; David Beckham, capitão da Inglaterra, e Michael Owen, pontuam detalhes sobre a virada que sofreram de uma forma muito curiosa - reparem na história de Beckham sobre o humor de Ronaldo e Roberto Carlos mesmo enquanto o Brasil perdia o jogo e como ele, ali, percebeu que algo muito ruim aconteceria para sua seleção.
Basturk, jogador da Turquia, diz no documentário algo como: "Poderíamos ter ganho aquela Copa, mas Ala não via dessa forma e resolveu colocar o Brasil duas vezes na nossa trajetória" - é com esse tipo de depoimento, intimo e descontraído, que "Brasil 2002 - Bastidores do Penta" nos conquista como torcedor e audiência. Além dos jogadores, o lado da imprensa também é mostrado graças aos depoimentos de Arnaldo Ribeiro e Juca Kfouri, além de uma curiosa passagem envolvendo Pierluigi Collina, ex-árbitro italiano e responsável por apitar a final.
"Brasil 2002 - Bastidores do Penta" não é um recorte sócio-político-esportivo de uma época, cheio de criticas ou que se propõe a mergulhar em tudo que acontecia no Brasil e no Mundo antes da Copa do Japão e da Coréia (talvez se fosse uma minissérie...). O documentário é muito mais uma celebração nostálgica que enaltece uma importante conquista esportiva que o mal humor de muita gente (principalmente críticos politizados) fazem questão de diminuir em pró de suas prioridades. Essa produção da Netflix não é para quem busca o embate, é para quem busca um outro olhar sobre o orgulho que sentimos em uma época onde até a Alemanha, Inglaterra e Bélgica nos aplaudiram de pé.
Vale o seu play, torcedor!
Se você gosta de futebol e também acordou cedo para acompanhar a Copa do Mundo do Japão e da Coréia, você vai me agradecer muito por essa recomendação: "Brasil 2002 - Bastidores do Penta" é um excelente documentário sobre todo o contexto que envolveu nosso último (até aqui) título mundial. Muito além do campo, o filme do diretor americano Luís Ara (de "Para Sempre Chape") se aproveita de inúmeras imagens de arquivo (inclusive pessoais dos próprios jogadores) e de entrevistas marcantes com quem participou da jornada, para desenvolver uma narrativa dinâmica, nostálgica e muito interessante sobre os bastidores dessa conquista.
Luis Ara, que apesar de nascido em Houston, Estados Unidos, fez toda sua carreira no Uruguai e talvez por isso seja um grande entusiasta de um esporte que, digamos, não está entre as prioridades dos americanos. Depois de retratar com muita competência a tragédia da Chapecoense, Lara resolveu mergulhar em um passado não tão distante para recontar como uma Seleção desacreditada, cheia de problemas e ainda marcada pela convulsão de Ronaldo em 98, venceu a desconfiança e se tornou a primeira (e única) Pentacampeã de futebol.
Além de construir uma linha do tempo extremamente coerente com os fatos, se apoiando em depoimentos muito interessantes, "Brasil 2002 - Bastidores do Penta" humaniza a conquista e estabelece uma comunicação tão informal que nos sentimos a vontade em ouvir novamente as mesmas histórias. Claro que algumas delas são inéditas, algumas imagens também, mas a maioria das passagens que vemos na tela, nós já conhecemos, porém o interessante dessa nova experiência não está necessariamente no "conteúdo" e sim na "forma" como tudo está sendo contado.
Ara foi muito feliz em trazer para seu filme os protagonistas da Seleção: Ronaldo, Ronaldinho, Roberto Carlos e Lúcio; mas também alguns coadjuvantes como Belletti, Vampeta, Gilberto Silva e Rogério Ceni, porém o gol de placa foi mesmo colocar os "antagonistas" para comentar cada momento marcante da Copa pelo olhar de quem perdeu: Oliver Kahn, goleiro e capitão da Alemanha, comenta sobre seu momento na final da Copa e como a seleção alemã entendia o favoritismo do Brasil; Marc Wilmots, capitão da Bélgica, fala sobre o gol anulado de seu time e a forma como o Brasil se impôs quando se sentiu em perigo; David Beckham, capitão da Inglaterra, e Michael Owen, pontuam detalhes sobre a virada que sofreram de uma forma muito curiosa - reparem na história de Beckham sobre o humor de Ronaldo e Roberto Carlos mesmo enquanto o Brasil perdia o jogo e como ele, ali, percebeu que algo muito ruim aconteceria para sua seleção.
Basturk, jogador da Turquia, diz no documentário algo como: "Poderíamos ter ganho aquela Copa, mas Ala não via dessa forma e resolveu colocar o Brasil duas vezes na nossa trajetória" - é com esse tipo de depoimento, intimo e descontraído, que "Brasil 2002 - Bastidores do Penta" nos conquista como torcedor e audiência. Além dos jogadores, o lado da imprensa também é mostrado graças aos depoimentos de Arnaldo Ribeiro e Juca Kfouri, além de uma curiosa passagem envolvendo Pierluigi Collina, ex-árbitro italiano e responsável por apitar a final.
"Brasil 2002 - Bastidores do Penta" não é um recorte sócio-político-esportivo de uma época, cheio de criticas ou que se propõe a mergulhar em tudo que acontecia no Brasil e no Mundo antes da Copa do Japão e da Coréia (talvez se fosse uma minissérie...). O documentário é muito mais uma celebração nostálgica que enaltece uma importante conquista esportiva que o mal humor de muita gente (principalmente críticos politizados) fazem questão de diminuir em pró de suas prioridades. Essa produção da Netflix não é para quem busca o embate, é para quem busca um outro olhar sobre o orgulho que sentimos em uma época onde até a Alemanha, Inglaterra e Bélgica nos aplaudiram de pé.
Vale o seu play, torcedor!
"Brawn: Uma História Incrível da Fórmula 1", minissérie do Hulu, é realmente imperdível para qualquer amante do automobilismo - especialmente para aqueles que contam os dias para a chegada de uma nova temporada de "Formula 1: Dirigir paraViver".Aqui, a produção dirigida por Daryl Goodrich (de "Ferrari: Rumo à Imortalidade") e produzida pelo astro do cinema, Keanu Reeves, conta a surpreendente história real da equipe Brawn GP, que conquistou o Campeonato Mundial de Pilotos e Construtores da Fórmula 1 na temporada de 2009, contra todas as probabilidades possíveis e imagináveis! Sério, para quem conhece os bastidores da F1, fica fácil afirmar que se trata de verdadeiro conto de fadas esportivo, com todos os ingredientes necessários para emocionar e inspirar a audiência como um bom drama de superação. Olha, "Brawn" é um ótimo exemplo do significado de ser resiliente. Vai por mim!
Quando a crise de 2008 chega na fórmula 1 e provoca a aquisição da Honda pelo então diretor técnico da equipe, Ross Brawn, a recém batizada Brawn GP precisa se virar com um orçamento limitado, um tempo curto para desenvolver um novo carro, arranjar patrocínios, um motor, e assim competir em todas as provas de 2009 - o que além de tudo garantiria o emprego de centenas de pessoas em pleno período de recessão. A grande verdade é que a Brawn precisaria mesmo era de um milagre para se mostrar competitiva... e esse milagre acontece quando um de seus engenheiros descobre uma brecha inesperada nas novas regras da modalidade e assim ajuda a transformar o BGP 001 em um dos carros mais inovadores da história. Confira o trailer (em inglês):
Se "Brawn: Uma História Incrível da Fórmula 1" não tem aquela narrativa dinâmica e aquele belíssimo conceito visual cinematográficos da série da Netflix, pode ter certeza que Goodrich se vale de outros elementos primordiais para nos envolver com essa história: um host e um protagonista carismático, no caso Keanu Reeves e Ross Brawn, respectivamente, além de uma dupla de pilotos que é quase uma unanimidade entre seus parceiros, Jenson Button e Rubens Barrichello. Claro que a premissa "David x Golias" é importante, que as cenas de arquivo e encenações estão ótimas, mas a forma como o diretor consegue criar um ritmo envolvente e emocionante, mesmo pontuando passagens complicadas dos bastidores da Fórmula 1, é impressionante - eu diria que ele foi capaz de criar uma trama que se apoia no fator humano da jornada, da criatividade, mas sem esquecer dos embates políticos e esportivos de uma das temporadas mais marcantes desse esporte.
2009 trouxe algumas subtramas para a temporada que ajudam a minissérie, isso é inegável. A perspectiva sobre o mundo da Fórmula 1, mostrando os bastidores da competição e as dificuldades que as equipes enfrentaram naquele ano para vencer o duplo difusor da Brawn é só o inicio da conversa. Foi em 2009 que a mola do carro do Rubinho quase matou Felipe Massa. Foi nesse ano também que a FIA quase viu todas as equipes criarem um campeonato independente graças a relação ditatorial que Bernie Ecclestone e Max Mosley tinham com a categoria. Enfim, além do conto de fadas da Brawn e da improvável briga pelo título de Button e Barrichello, todos esses fatos transformam a narrativa de Goodrich em algo ainda mais interessante.
A BrawnGP foi a primeira equipe a vencer o campeonato de construtores com um carro que não foi fabricado por uma das grandes montadoras. Tinha um carro que no começo da temporada nem motor possuía. Tinha pilotos contratados apenas até a quarta etapa. Um orçamento 90% menor que suas maiores concorrentes. Enfim, "Brawn: Uma História Incrível da Fórmula 1" pode e deve ser enxergada muito além do esporte - sem dúvida que você vai encontrar uma jornada inspiradora sobre determinação, superação e... trabalho, muito trabalho!
Vale muito o seu play
"Brawn: Uma História Incrível da Fórmula 1", minissérie do Hulu, é realmente imperdível para qualquer amante do automobilismo - especialmente para aqueles que contam os dias para a chegada de uma nova temporada de "Formula 1: Dirigir paraViver".Aqui, a produção dirigida por Daryl Goodrich (de "Ferrari: Rumo à Imortalidade") e produzida pelo astro do cinema, Keanu Reeves, conta a surpreendente história real da equipe Brawn GP, que conquistou o Campeonato Mundial de Pilotos e Construtores da Fórmula 1 na temporada de 2009, contra todas as probabilidades possíveis e imagináveis! Sério, para quem conhece os bastidores da F1, fica fácil afirmar que se trata de verdadeiro conto de fadas esportivo, com todos os ingredientes necessários para emocionar e inspirar a audiência como um bom drama de superação. Olha, "Brawn" é um ótimo exemplo do significado de ser resiliente. Vai por mim!
Quando a crise de 2008 chega na fórmula 1 e provoca a aquisição da Honda pelo então diretor técnico da equipe, Ross Brawn, a recém batizada Brawn GP precisa se virar com um orçamento limitado, um tempo curto para desenvolver um novo carro, arranjar patrocínios, um motor, e assim competir em todas as provas de 2009 - o que além de tudo garantiria o emprego de centenas de pessoas em pleno período de recessão. A grande verdade é que a Brawn precisaria mesmo era de um milagre para se mostrar competitiva... e esse milagre acontece quando um de seus engenheiros descobre uma brecha inesperada nas novas regras da modalidade e assim ajuda a transformar o BGP 001 em um dos carros mais inovadores da história. Confira o trailer (em inglês):
Se "Brawn: Uma História Incrível da Fórmula 1" não tem aquela narrativa dinâmica e aquele belíssimo conceito visual cinematográficos da série da Netflix, pode ter certeza que Goodrich se vale de outros elementos primordiais para nos envolver com essa história: um host e um protagonista carismático, no caso Keanu Reeves e Ross Brawn, respectivamente, além de uma dupla de pilotos que é quase uma unanimidade entre seus parceiros, Jenson Button e Rubens Barrichello. Claro que a premissa "David x Golias" é importante, que as cenas de arquivo e encenações estão ótimas, mas a forma como o diretor consegue criar um ritmo envolvente e emocionante, mesmo pontuando passagens complicadas dos bastidores da Fórmula 1, é impressionante - eu diria que ele foi capaz de criar uma trama que se apoia no fator humano da jornada, da criatividade, mas sem esquecer dos embates políticos e esportivos de uma das temporadas mais marcantes desse esporte.
2009 trouxe algumas subtramas para a temporada que ajudam a minissérie, isso é inegável. A perspectiva sobre o mundo da Fórmula 1, mostrando os bastidores da competição e as dificuldades que as equipes enfrentaram naquele ano para vencer o duplo difusor da Brawn é só o inicio da conversa. Foi em 2009 que a mola do carro do Rubinho quase matou Felipe Massa. Foi nesse ano também que a FIA quase viu todas as equipes criarem um campeonato independente graças a relação ditatorial que Bernie Ecclestone e Max Mosley tinham com a categoria. Enfim, além do conto de fadas da Brawn e da improvável briga pelo título de Button e Barrichello, todos esses fatos transformam a narrativa de Goodrich em algo ainda mais interessante.
A BrawnGP foi a primeira equipe a vencer o campeonato de construtores com um carro que não foi fabricado por uma das grandes montadoras. Tinha um carro que no começo da temporada nem motor possuía. Tinha pilotos contratados apenas até a quarta etapa. Um orçamento 90% menor que suas maiores concorrentes. Enfim, "Brawn: Uma História Incrível da Fórmula 1" pode e deve ser enxergada muito além do esporte - sem dúvida que você vai encontrar uma jornada inspiradora sobre determinação, superação e... trabalho, muito trabalho!
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