"My Son" é mais um caso de um filme bom que poderia ter sido uma minissérie espetacular - e talvez dizer isso sem contextualizar possa parecer até injusto porque esse drama policial é realmente envolvente, mas falta tempo de tela para desenvolver algumas subtramas que são apenas pinceladas no roteiro e que teriam um potencial enorme de enriquecer toda a jornada. O fato é que temos a impressão que o mistério é resolvido rápido demais, sem muitos obstáculos e isso, embora entretenha, soa um pouco frustrante.
Na história conhecemos Edmond Murray (James McAvoy), um pai que viaja muito a trabalho para fora do país, até que descobre que seu filho de sete anos, Ethan (Max Wilson) está desaparecido. Dominado pela culpa por ter negligenciado seus deveres como pai e pela pressão de sua ex-mulher Joan (Claire Foy), ele faz de tudo para encontrar o filho, descobrindo um lado seu que ele mesmo desconhecia. Confira o trailer:
Para os mais atentos, "My Son" vai parecer familiar, já que é a refilmagem feita pelo mesmo diretor, o francês Christian Carion, de seu grande sucesso "Mon Garçon", de apenas quatro anos atrás e estrelado por Melanie Laurent e Guillaume Canet. Isso é um problema? Não, desde que você não tenha assistido a versão original, pois os filmes são praticamente idênticos - na forma e no conteúdo.
Veja, talvez essa versão mais gourmet seja realmente melhor produzida e o fato dos atores serem conhecidos nos dá a real sensação de conforto ao assistir o filme, mas o detalhe que salta aos olhos, sem dúvida, é a atmosfera gélida ao melhor estilo "The Killing" (o original). O diretor de fotografia Eric Dumont traz para seu quadro um visual quase nórdico, aprimorando o seu trabalho na versão original - o filme é muito lindo, alguns planos poderiam ser, tranquilamente, o plano de fundo da tela do seu computador.
Outro detalhe que também foi amplamente divulgado durante a promoção de "My Son", diz repito a técnica que Carion escolheu para dirigir McAvoy - o ator não teve contato com o roteiro, improvisando em todas as suas cenas, tendo apenas a orientação do diretor. Não posso garantir que a dinâmica de filmagem tenha sido exatamente essa, pois não estava no set, porém é perceptível um certo desconforto em McAvoy que contribui muito para a construção do seu personagem. Seu Edmond Murray exige certa sensibilidade e muitas sutilezas, ao mesmo tempo em que precisa transparecer um senso de urgência e até mesmo alguma força física para alcançar o seu objetivo dramático - e funciona!
"My Son" não é uma obra-prima, mas não pode ser descartado por ser um filme e não uma minissérie. Sua narrativa é envolvente, os elementos de suspense e mistério se sustentam até o final e a direção é realmente impecável - se eu fosse a HBO, contrataria Carion e daria uma minissérie policial na mão dele tranquilamente (principalmente agora que, infelizmente, não temos mais o talento do inesquecível Jean-Marc Vallée).
Vale seu play!
"My Son" é mais um caso de um filme bom que poderia ter sido uma minissérie espetacular - e talvez dizer isso sem contextualizar possa parecer até injusto porque esse drama policial é realmente envolvente, mas falta tempo de tela para desenvolver algumas subtramas que são apenas pinceladas no roteiro e que teriam um potencial enorme de enriquecer toda a jornada. O fato é que temos a impressão que o mistério é resolvido rápido demais, sem muitos obstáculos e isso, embora entretenha, soa um pouco frustrante.
Na história conhecemos Edmond Murray (James McAvoy), um pai que viaja muito a trabalho para fora do país, até que descobre que seu filho de sete anos, Ethan (Max Wilson) está desaparecido. Dominado pela culpa por ter negligenciado seus deveres como pai e pela pressão de sua ex-mulher Joan (Claire Foy), ele faz de tudo para encontrar o filho, descobrindo um lado seu que ele mesmo desconhecia. Confira o trailer:
Para os mais atentos, "My Son" vai parecer familiar, já que é a refilmagem feita pelo mesmo diretor, o francês Christian Carion, de seu grande sucesso "Mon Garçon", de apenas quatro anos atrás e estrelado por Melanie Laurent e Guillaume Canet. Isso é um problema? Não, desde que você não tenha assistido a versão original, pois os filmes são praticamente idênticos - na forma e no conteúdo.
Veja, talvez essa versão mais gourmet seja realmente melhor produzida e o fato dos atores serem conhecidos nos dá a real sensação de conforto ao assistir o filme, mas o detalhe que salta aos olhos, sem dúvida, é a atmosfera gélida ao melhor estilo "The Killing" (o original). O diretor de fotografia Eric Dumont traz para seu quadro um visual quase nórdico, aprimorando o seu trabalho na versão original - o filme é muito lindo, alguns planos poderiam ser, tranquilamente, o plano de fundo da tela do seu computador.
Outro detalhe que também foi amplamente divulgado durante a promoção de "My Son", diz repito a técnica que Carion escolheu para dirigir McAvoy - o ator não teve contato com o roteiro, improvisando em todas as suas cenas, tendo apenas a orientação do diretor. Não posso garantir que a dinâmica de filmagem tenha sido exatamente essa, pois não estava no set, porém é perceptível um certo desconforto em McAvoy que contribui muito para a construção do seu personagem. Seu Edmond Murray exige certa sensibilidade e muitas sutilezas, ao mesmo tempo em que precisa transparecer um senso de urgência e até mesmo alguma força física para alcançar o seu objetivo dramático - e funciona!
"My Son" não é uma obra-prima, mas não pode ser descartado por ser um filme e não uma minissérie. Sua narrativa é envolvente, os elementos de suspense e mistério se sustentam até o final e a direção é realmente impecável - se eu fosse a HBO, contrataria Carion e daria uma minissérie policial na mão dele tranquilamente (principalmente agora que, infelizmente, não temos mais o talento do inesquecível Jean-Marc Vallée).
Vale seu play!
"Não Fale com Estranhos", é uma minissérie da Netflix que chamou a atenção de muitos assinantes e que, surpreendentemente, recebeu muitos elogios da crítica especializada. Mas, antes de mais nada, em respeito aos nossos usuários, eu preciso ser muito sincero: achei a história um pouco previsível e a minissérie muito mal dirigida (e explicarei melhor meu ponto de vista logo abaixo), mas admito que o projeto tem alguns bons elementos: os ganchos entre os episódios são excelentes (razão que me fez continuar assistindo, inclusive) e um final bastante corajoso e que, além de me agradar, me surpreendeu!
Dito isso, "Não Fale com Estranhos" é baseada no best-seller ("Stranger") de Harlan Coben (o mesmo de "Safe") e conta a história de Adam Price (Richard Armitage) um pai de uma família da classe média/alta britânica que, aparentemente, tem uma vida perfeita: é casado com uma linda e talentosa esposa que o ama, é bem-sucedido como advogado em seu escritório e tem um excelente relacionamento com os filhos; até que uma jovem desconhecida (Hannah John-Kamen) se aproxima de Price e revela que sua mulher mentiu sobre uma recente gravidez e sugere que ele pode não ser o pai biológico dos seus dois filhos. Confrontada, Corrine Price (Dervla Kirwan) nega tais acusações, mas promete se explicar assim que se sentir confortável, porém, no dia seguinte, ela simplesmente desaparece deixando apenas um recado no celular para o marido!
Aparentemente "Não Fale com Estranhos" tem muitos elementos que me chamaram atenção em "The Undoing", só que bastou eu assistir alguns episódios da minissérie da Netflix para perceber que se tratava de um novelão, tamanho era a quantidade de subtramas que, mesmo tendo alguma relação com o arco principal, serviram muito mais de "distração" do que como elementos dramáticos essenciais para o desenvolvimento da história que realmente interessava - isso sem falar na sensível diferença de qualidade estética entre os dois projetos! Mesmo assim, é bem provável que "Não Fale com Estranhos" agrade ao assinante da Netflix que seguiu todas as temporadas de "Revenge" ou "Orphan Black" e que se divertiu com "Safe". Para os mais exigentes, sugiro outras opções!
É claro que o livro de Coben deve ter uma história mais fluída que sua adaptação para Netflix, pois o roteiro (mesmo com a supervisão do próprio autor) ficou cheio de furos, com uma narrativa, ao meu ver, preguiçosa e muito mais preocupada em distrair quem assistia a minissérie do que nos convidando a montar um enorme e intrigante quebra-cabeça (como "The Sinner" fez tão bem) - pelo simples fato de que muitas daquelas peças não serviram para nada! É claro que não sabemos disso logo de cara - a minissérie começa muito bem por sinal e vai nos enchendo de perguntas com o roteiro lançando diversos núcleos (assim como uma novela, por isso a comparação), cada qual com um drama bem particular, nos prendendo em um emaranhado de situações misteriosas. Imagine: a mulher que desaparece após um confronto com o marido que pode acabar com uma história de "contos de fadas", um estudante é encontrado nu após uma festa escolar que mais parece um ritual, um alpaca decapitada no meio de Manchester, um empreiteiro querendo destruir um bairro tradicional enquanto um dos moradores procura resistir à desapropriação e o assassinato da melhor amiga da detetive que investiga tudo isso - sem falar, claro, na jovem desconhecida e misteriosa que costura várias dessas situações! Aliás, as situações são tão distantes uma das outras que se unidas com um propósito narrativo mais inteligente, poderiam transformar a história em algo incrível! Esquece! Existem conexões sim, mas a grande maioria delas são mais superficiais, eu diria mal desenvolvidas, e ainda extremamente forçadas ao melhor estilo novelão - e, mais uma vez, se você gosta da dinâmica de novela, você provavelmente vai gostar de "Não Fale com Estranhos", mas é um outro produto audiovisual com suas forças, mas também com suas fraquezas.
"Não Fale com Estranhos" vai agradar mais uns do que outros - esses 8 episódios podem ser um bom entretenimento, sim, se você estiver buscando algo menos profundo e menos elaborado, mas mesmo assim com algum mistério - só não espere algo como "Big Little Lies" ou "Sharp Objects" por exemplo!
"Não Fale com Estranhos", é uma minissérie da Netflix que chamou a atenção de muitos assinantes e que, surpreendentemente, recebeu muitos elogios da crítica especializada. Mas, antes de mais nada, em respeito aos nossos usuários, eu preciso ser muito sincero: achei a história um pouco previsível e a minissérie muito mal dirigida (e explicarei melhor meu ponto de vista logo abaixo), mas admito que o projeto tem alguns bons elementos: os ganchos entre os episódios são excelentes (razão que me fez continuar assistindo, inclusive) e um final bastante corajoso e que, além de me agradar, me surpreendeu!
Dito isso, "Não Fale com Estranhos" é baseada no best-seller ("Stranger") de Harlan Coben (o mesmo de "Safe") e conta a história de Adam Price (Richard Armitage) um pai de uma família da classe média/alta britânica que, aparentemente, tem uma vida perfeita: é casado com uma linda e talentosa esposa que o ama, é bem-sucedido como advogado em seu escritório e tem um excelente relacionamento com os filhos; até que uma jovem desconhecida (Hannah John-Kamen) se aproxima de Price e revela que sua mulher mentiu sobre uma recente gravidez e sugere que ele pode não ser o pai biológico dos seus dois filhos. Confrontada, Corrine Price (Dervla Kirwan) nega tais acusações, mas promete se explicar assim que se sentir confortável, porém, no dia seguinte, ela simplesmente desaparece deixando apenas um recado no celular para o marido!
Aparentemente "Não Fale com Estranhos" tem muitos elementos que me chamaram atenção em "The Undoing", só que bastou eu assistir alguns episódios da minissérie da Netflix para perceber que se tratava de um novelão, tamanho era a quantidade de subtramas que, mesmo tendo alguma relação com o arco principal, serviram muito mais de "distração" do que como elementos dramáticos essenciais para o desenvolvimento da história que realmente interessava - isso sem falar na sensível diferença de qualidade estética entre os dois projetos! Mesmo assim, é bem provável que "Não Fale com Estranhos" agrade ao assinante da Netflix que seguiu todas as temporadas de "Revenge" ou "Orphan Black" e que se divertiu com "Safe". Para os mais exigentes, sugiro outras opções!
É claro que o livro de Coben deve ter uma história mais fluída que sua adaptação para Netflix, pois o roteiro (mesmo com a supervisão do próprio autor) ficou cheio de furos, com uma narrativa, ao meu ver, preguiçosa e muito mais preocupada em distrair quem assistia a minissérie do que nos convidando a montar um enorme e intrigante quebra-cabeça (como "The Sinner" fez tão bem) - pelo simples fato de que muitas daquelas peças não serviram para nada! É claro que não sabemos disso logo de cara - a minissérie começa muito bem por sinal e vai nos enchendo de perguntas com o roteiro lançando diversos núcleos (assim como uma novela, por isso a comparação), cada qual com um drama bem particular, nos prendendo em um emaranhado de situações misteriosas. Imagine: a mulher que desaparece após um confronto com o marido que pode acabar com uma história de "contos de fadas", um estudante é encontrado nu após uma festa escolar que mais parece um ritual, um alpaca decapitada no meio de Manchester, um empreiteiro querendo destruir um bairro tradicional enquanto um dos moradores procura resistir à desapropriação e o assassinato da melhor amiga da detetive que investiga tudo isso - sem falar, claro, na jovem desconhecida e misteriosa que costura várias dessas situações! Aliás, as situações são tão distantes uma das outras que se unidas com um propósito narrativo mais inteligente, poderiam transformar a história em algo incrível! Esquece! Existem conexões sim, mas a grande maioria delas são mais superficiais, eu diria mal desenvolvidas, e ainda extremamente forçadas ao melhor estilo novelão - e, mais uma vez, se você gosta da dinâmica de novela, você provavelmente vai gostar de "Não Fale com Estranhos", mas é um outro produto audiovisual com suas forças, mas também com suas fraquezas.
"Não Fale com Estranhos" vai agradar mais uns do que outros - esses 8 episódios podem ser um bom entretenimento, sim, se você estiver buscando algo menos profundo e menos elaborado, mas mesmo assim com algum mistério - só não espere algo como "Big Little Lies" ou "Sharp Objects" por exemplo!
Esse filme é simplesmente genial! Bem na linha do premiado filme austríaco "Goodnight Mommy", "Não Fale o Mal" é o que existe de melhor na cinematografia de M. Night Shyamalan (de "A Visita"), Ari Aster (de "Hereditário") e da dupla Severin Fiala e Veronika Franz (de o "Chalé")! Angustiante, corajoso e impactante! Lançado em 2022 e dirigido pelo dinamarquês Christian Tafdrup (olho nesse diretor), essa é a versão original do remake hollywoodiano que tem James McAvoy como protagonista. "Speak No Evil" (no original) é um suspense psicológico perturbador que explora os limites do desconforto em uma relação social e as consequências sombrias por ignorar todos os sinais de perigo - chega a ser impressionante como o filme utiliza a tensão psicológica e a dissonância cultural para criar um horror realmente inquietante que, olha, permanece com a audiência muito tempo depois dos créditos subirem!
A trama segue Bjørn (Morten Burian) e Louise (Sidsel Siem Koch), um casal dinamarquês que, durante férias na Itália, conhece Patrick (Fedja van Huêt) e Karin (Karina Smulders), um casal holandês aparentemente acolhedor e simpático. Após a viagem, Bjørn e Louise recebem um convite para visitar esse casal em sua casa no interior remoto da Holanda, e, apesar de hesitantes, decidem aceitar. À medida que a estadia avança, no entanto, comportamentos cada vez mais bizarros começam a surgir, gerando tensão entre os anfitriões e os visitantes, que se veem presos em uma situação bastante ameaçadora. Confira o trailer (em inglês):
O roteiro co-escrito pelo diretor Christian Tafdrup e pelo seu irmão Mads, é uma crítica assustadora aos códigos de cortesia social que muitas vezes nos levam a ignorar comportamentos alarmantes pelo simples intuito de evitar conflitos. Obviamente que em "Não Fale o Mal" essa premissa é elevada até níveis extsratostfericos, mas chega a ser impressionante como a história revela o medo de parecer rude ou ofensivo e como isso pode se tornar um instrumento de manipulação e violência, ultrapassando os limites entre confiança e submissão que podem ser explorados de uma maneira muito cruel - para não dizer doentia. A narrativa dos Tafdrup não se preocupa em explicar as motivações dos antagonistas de forma óbvia, isso nem importa na verdade, mas sim em manter um nível de ambiguidade que só aumenta a sensação de que algo terrível está prestes a acontecer a todo momento.
A direção de Christian é eficaz em criar essa atmosfera angustiante de desconforto crescente. Desde o início, o diretor constrói uma tensão sutil, utilizando diálogos aparentemente inofensivos e interações que soam inocentes para gerar uma sensação de mal-estar suportável. Ao explorar algumas dinâmicas de poder e certas pressões sociais que levam os personagens a ignorar sinais de alerta, questionando até que ponto somos levados a priorizar a polidez e a acomodação em situações desconfortáveis, o diretor manipula nossas sensações e nos entrega uma experiência rara - pela força e pela originalidade. Repare como a escolha de uma abordagem mais minimalista e focada na psicologia dos personagens só intensifica a sensação de impotência que vemos na tela. O trabalho de Morten Burian e Sidsel Siem Koch transmitem esse desconforto gradual de uma forma muito realista. Fedja van Huêt e Karina Smulders, por sua vez, entregam performances mais intensas, alternando entre a simpatia desconcertante e hostilidade velada, contribuindo para uma relação verdadeiramente sinistra.
A fotografia aqui, é quase um personagem: o uso de espaços mais apertados e planos mais fechados reforça o caráter opressor do filme, enquanto as paisagens isoladas da Holanda contribuem para o sentimento de vulnerabilidade dos personagens. A paleta de cores fria e os enquadramentos cuidadosamente compostos intensificam a sensação de angústia, transformando cenas simples em momentos de grande tensão - mérito de Erik Molberg Hansen (de "Industry"). Tecnicamente perfeito e artisticamente irretocável, "Não Fale o Mal" entrou para o ranking dos melhores filmes que já recomendei - por ser eficiente em seu propósito de gerar constrangimento e tensão, pela intensidade de sua trama e por transitar no limite do doentio e do perturbador com tanta sabedoria. Antes do play saiba que o filme não recorre aos sustos tradicionais do suspense, mas se apropria de uma abordagem psicológica profunda que culmina em um desfecho brutal e inquietante.
Não espere respostas, mergulhe na experiência. Vale demais o seu play!
Esse filme é simplesmente genial! Bem na linha do premiado filme austríaco "Goodnight Mommy", "Não Fale o Mal" é o que existe de melhor na cinematografia de M. Night Shyamalan (de "A Visita"), Ari Aster (de "Hereditário") e da dupla Severin Fiala e Veronika Franz (de o "Chalé")! Angustiante, corajoso e impactante! Lançado em 2022 e dirigido pelo dinamarquês Christian Tafdrup (olho nesse diretor), essa é a versão original do remake hollywoodiano que tem James McAvoy como protagonista. "Speak No Evil" (no original) é um suspense psicológico perturbador que explora os limites do desconforto em uma relação social e as consequências sombrias por ignorar todos os sinais de perigo - chega a ser impressionante como o filme utiliza a tensão psicológica e a dissonância cultural para criar um horror realmente inquietante que, olha, permanece com a audiência muito tempo depois dos créditos subirem!
A trama segue Bjørn (Morten Burian) e Louise (Sidsel Siem Koch), um casal dinamarquês que, durante férias na Itália, conhece Patrick (Fedja van Huêt) e Karin (Karina Smulders), um casal holandês aparentemente acolhedor e simpático. Após a viagem, Bjørn e Louise recebem um convite para visitar esse casal em sua casa no interior remoto da Holanda, e, apesar de hesitantes, decidem aceitar. À medida que a estadia avança, no entanto, comportamentos cada vez mais bizarros começam a surgir, gerando tensão entre os anfitriões e os visitantes, que se veem presos em uma situação bastante ameaçadora. Confira o trailer (em inglês):
O roteiro co-escrito pelo diretor Christian Tafdrup e pelo seu irmão Mads, é uma crítica assustadora aos códigos de cortesia social que muitas vezes nos levam a ignorar comportamentos alarmantes pelo simples intuito de evitar conflitos. Obviamente que em "Não Fale o Mal" essa premissa é elevada até níveis extsratostfericos, mas chega a ser impressionante como a história revela o medo de parecer rude ou ofensivo e como isso pode se tornar um instrumento de manipulação e violência, ultrapassando os limites entre confiança e submissão que podem ser explorados de uma maneira muito cruel - para não dizer doentia. A narrativa dos Tafdrup não se preocupa em explicar as motivações dos antagonistas de forma óbvia, isso nem importa na verdade, mas sim em manter um nível de ambiguidade que só aumenta a sensação de que algo terrível está prestes a acontecer a todo momento.
A direção de Christian é eficaz em criar essa atmosfera angustiante de desconforto crescente. Desde o início, o diretor constrói uma tensão sutil, utilizando diálogos aparentemente inofensivos e interações que soam inocentes para gerar uma sensação de mal-estar suportável. Ao explorar algumas dinâmicas de poder e certas pressões sociais que levam os personagens a ignorar sinais de alerta, questionando até que ponto somos levados a priorizar a polidez e a acomodação em situações desconfortáveis, o diretor manipula nossas sensações e nos entrega uma experiência rara - pela força e pela originalidade. Repare como a escolha de uma abordagem mais minimalista e focada na psicologia dos personagens só intensifica a sensação de impotência que vemos na tela. O trabalho de Morten Burian e Sidsel Siem Koch transmitem esse desconforto gradual de uma forma muito realista. Fedja van Huêt e Karina Smulders, por sua vez, entregam performances mais intensas, alternando entre a simpatia desconcertante e hostilidade velada, contribuindo para uma relação verdadeiramente sinistra.
A fotografia aqui, é quase um personagem: o uso de espaços mais apertados e planos mais fechados reforça o caráter opressor do filme, enquanto as paisagens isoladas da Holanda contribuem para o sentimento de vulnerabilidade dos personagens. A paleta de cores fria e os enquadramentos cuidadosamente compostos intensificam a sensação de angústia, transformando cenas simples em momentos de grande tensão - mérito de Erik Molberg Hansen (de "Industry"). Tecnicamente perfeito e artisticamente irretocável, "Não Fale o Mal" entrou para o ranking dos melhores filmes que já recomendei - por ser eficiente em seu propósito de gerar constrangimento e tensão, pela intensidade de sua trama e por transitar no limite do doentio e do perturbador com tanta sabedoria. Antes do play saiba que o filme não recorre aos sustos tradicionais do suspense, mas se apropria de uma abordagem psicológica profunda que culmina em um desfecho brutal e inquietante.
Não espere respostas, mergulhe na experiência. Vale demais o seu play!
"Não se preocupe, querida" vai dividir opniões, pois não se trata de um filme de "jornada" e sim de "respostas". Para você que gosta de séries como "Ruptura" ou "Black Mirror", certamente sua conexão será imediata; e talvez se buscarmos referências de narrativas pautadas na semiótica - até mesmo "WandaVision" poderá te ajudar a entender como o roteiro tenta construir inúmeras camadas de interpretação, em vez de se apoiar em um caminho mais fácil e assim ser considerado só um filme de gênero.
Em meio a década de 1950, Alice (Florence Pugh) é uma jovem dona de casa que, aparentemente, tem uma vida perfeita. Ela e o marido, Jack (Harry Styles), moram em uma comunidade em algum lugar do deserto da Califórnia. No entanto, com o passar do tempo, ela começa a desconfiar de toda aquela realidade. A partir de alguns estranhos eventos, Alice vai atrás de respostas até ter certeza que a empresa que seu marido trabalha, esconde, de fato, segredos perturbadores. Confira o trailer:
É inegável que por ser um filme de 120 minutos, "Não se preocupe, querida" não tem o tempo para trabalhar as nuances do mistério que pautam sua narrativa como as séries citadas acima. Comparar, em termos de detalhes e complexidade, "Ruptura" com o filme de Olivia Wilde é até injusto, mas natural. Veja, como na série da Apple, desde o primeiro minuto sabemos que algo está errado - que aquela atmosfera de perfeição quase utópica parece ter sido construída, justamente, para nos provocar desconfiança. Não acho que nem seja esse o problema do roteiro de Katie Silberman (de "Fora de Série"), e de Carey e Shane Van Dyke (de "O Silêncio") - na verdade a grande questão que pode ser levantada é que mesmo com o esforço da narrativa para entregar "pistas" pouco a pouco, no final o que vemos são resoluções atropeladas e pouco desenvolvidas (embora boas, diga-se de passagem).
Por outro lado, o que faz de "Não se preocupe, querida" um bom entretenimento, é que toda história criada dentro daquele contexto surreal bem apresentado no primeiro ato, tem uma resolução de mistério que faz total sentido no terceiro - o que dói um pouco é ter em mente que essa "jornada" (do segundo ato) tinha potencial para ser melhor explorada. Em uma era "pós-Lost", se apropriar de uma narrativa cercada de mistérios onde o impacto do plot twist se torna o diferencial da experiência, em um longa-metragem é quase um suicídio. Simplesmente não dá tempo! É até um pecado atribuir ao formato uma responsabilidade tão grande, até porquê o que assistimos aqui é uma produção extremamente cuidadosa e bem realizada - o desenho de produção, figurino, fotografia e trilha sonora estão muito bem alinhados com a proposta de Wilde (uma mistura de Ari Aster com Jordan Peele).
Sem dúvida que o grande mérito do filme vem da performance de Florence Pugh - é possível sentir na pele seu desespero e ansiedade para entender o que, de fato, está acontecendo ali. Por isso um detalhe importante precisa ser citado: Olivia Wilde é uma jovem diretora, mas já muito competente ao equilibrar o requinte de sua visão estética com sua inerente capacidade de dirigir atores - reparem nas cenas onde Alice parece surtar e como as inserções de imagens (e de som) mais abstratas ajudam a criar uma forte sensação de vazio e caos interno.
Pois bem, por tudo isso, "Não se preocupe, querida" vale como entretenimento desde que todas as expectativas estejam alinhadas. Cobrar da história mais do que o tempo lhe permitiria contar, não vai mudar sua percepção sobre o filme - as repostas que você normalmente buscaria em um filme de mistério e as reflexões sobre alguns assuntos delicados, como machismo, relacionamentos tóxicos, ganância e submissão, também vão estar lá, então "não se preocupe" e divirta-se!
"Não se preocupe, querida" vai dividir opniões, pois não se trata de um filme de "jornada" e sim de "respostas". Para você que gosta de séries como "Ruptura" ou "Black Mirror", certamente sua conexão será imediata; e talvez se buscarmos referências de narrativas pautadas na semiótica - até mesmo "WandaVision" poderá te ajudar a entender como o roteiro tenta construir inúmeras camadas de interpretação, em vez de se apoiar em um caminho mais fácil e assim ser considerado só um filme de gênero.
Em meio a década de 1950, Alice (Florence Pugh) é uma jovem dona de casa que, aparentemente, tem uma vida perfeita. Ela e o marido, Jack (Harry Styles), moram em uma comunidade em algum lugar do deserto da Califórnia. No entanto, com o passar do tempo, ela começa a desconfiar de toda aquela realidade. A partir de alguns estranhos eventos, Alice vai atrás de respostas até ter certeza que a empresa que seu marido trabalha, esconde, de fato, segredos perturbadores. Confira o trailer:
É inegável que por ser um filme de 120 minutos, "Não se preocupe, querida" não tem o tempo para trabalhar as nuances do mistério que pautam sua narrativa como as séries citadas acima. Comparar, em termos de detalhes e complexidade, "Ruptura" com o filme de Olivia Wilde é até injusto, mas natural. Veja, como na série da Apple, desde o primeiro minuto sabemos que algo está errado - que aquela atmosfera de perfeição quase utópica parece ter sido construída, justamente, para nos provocar desconfiança. Não acho que nem seja esse o problema do roteiro de Katie Silberman (de "Fora de Série"), e de Carey e Shane Van Dyke (de "O Silêncio") - na verdade a grande questão que pode ser levantada é que mesmo com o esforço da narrativa para entregar "pistas" pouco a pouco, no final o que vemos são resoluções atropeladas e pouco desenvolvidas (embora boas, diga-se de passagem).
Por outro lado, o que faz de "Não se preocupe, querida" um bom entretenimento, é que toda história criada dentro daquele contexto surreal bem apresentado no primeiro ato, tem uma resolução de mistério que faz total sentido no terceiro - o que dói um pouco é ter em mente que essa "jornada" (do segundo ato) tinha potencial para ser melhor explorada. Em uma era "pós-Lost", se apropriar de uma narrativa cercada de mistérios onde o impacto do plot twist se torna o diferencial da experiência, em um longa-metragem é quase um suicídio. Simplesmente não dá tempo! É até um pecado atribuir ao formato uma responsabilidade tão grande, até porquê o que assistimos aqui é uma produção extremamente cuidadosa e bem realizada - o desenho de produção, figurino, fotografia e trilha sonora estão muito bem alinhados com a proposta de Wilde (uma mistura de Ari Aster com Jordan Peele).
Sem dúvida que o grande mérito do filme vem da performance de Florence Pugh - é possível sentir na pele seu desespero e ansiedade para entender o que, de fato, está acontecendo ali. Por isso um detalhe importante precisa ser citado: Olivia Wilde é uma jovem diretora, mas já muito competente ao equilibrar o requinte de sua visão estética com sua inerente capacidade de dirigir atores - reparem nas cenas onde Alice parece surtar e como as inserções de imagens (e de som) mais abstratas ajudam a criar uma forte sensação de vazio e caos interno.
Pois bem, por tudo isso, "Não se preocupe, querida" vale como entretenimento desde que todas as expectativas estejam alinhadas. Cobrar da história mais do que o tempo lhe permitiria contar, não vai mudar sua percepção sobre o filme - as repostas que você normalmente buscaria em um filme de mistério e as reflexões sobre alguns assuntos delicados, como machismo, relacionamentos tóxicos, ganância e submissão, também vão estar lá, então "não se preocupe" e divirta-se!
Na linha do "ame ou odeie", "Não! Não Olhe!", dirigido por Jordan Peele e lançado em 2022, é uma obra que de fato desafia aquele tipo de categorização fácil já que seu roteiro mistura elementos de suspense, ficção científica e, claro, crítica social em uma narrativa dinâmica e singular. Peele, conhecido por seus trabalhos anteriores como "Corra!" e "Nós", mais uma vez demonstra sua habilidade em criar histórias que são tanto provocativas quanto profundamente envolventes e "Não! Não Olhe!" segue essa identidade, oferecendo uma experiência visualmente deslumbrante e intelectualmente estimulante - porém sem tanto impacto da violência como vimos anteriormente.
A trama segue os irmãos OJ (Daniel Kaluuya) e Emerald Haywood (Keke Palmer), que administram um rancho de cavalos em uma área rural da Califórnia. Após a morte misteriosa de seu pai, os irmãos começam a notar atividades estranhas no céu acima de sua propriedade. Decididos a descobrir a verdade e capturar evidências da presença de OVNIs, eles se envolvem em uma série de eventos cada vez mais inquietantes. Confira o trailer:
"Nope" (no original) é muito inteligente ao explorar o desejo humano de controlar o desconhecido (e de como se dar bem com isso). Baseado nessa premissa, o roteiro de Peele acaba sendo uma ótima combinação de mistério e crítica social capaz de abordar temas mais sensíveis como a exploração da dor e do trauma como forma de entretenimento - a mercantilização do medo e o impacto do espetáculo na sociedade contemporânea, mais uma vez, provocam ótimas discussões. Peele, conhecido por suas incisivas observações comportamentais, utiliza de uma inofensiva trama de ficção científica para comentar sobre a obsessão humana em diferentes níveis. Repare como os diálogos afiados e cheios de subtexto incentivam a audiência a refletir sobre as camadas mais profundas da história. Já sua direção é, como sempre, meticulosa e inventiva. Peele utiliza uma paleta de cores contrastante e uma cinematografia de grande escala para capturar a beleza e a ameaça daquele cenário desértico. A escolha de locações com grande amplitude pontua ainda mais a sensação claustrofóbica de saber que existe uma força invisível que nos observa e quer nos fazer mal (a qualquer momento).
Daniel Kaluuya oferece uma performance introspectiva, capturando a dor de um homem assombrado pela perda do pai e pelo dever de proteger o legado de sua família. Kaluuya, com seu olhar penetrante e presença reservada, traz uma profundidade emocional ao papel, tornando OJ um personagem cativante e empático - sempre no tom certo. Já Keke Palmer é um contraponto energético e carismático, imbuindo sua personagem com uma mistura de ambição, coragem e vulnerabilidade. No entanto é a química entre os dois que torna essa maluquice de Peele palpável, fundamentando a narrativa em uma relação fraternal convincente e marcante.
"Não! Não Olhe!" é visualmente impressionante e desafiador, mas não esteve isento de críticas - com momentos de introspecção que interrompem a construção do suspense, muito se falou sobre "quebra de expectativas" como algo ruim. Eu discordo, mas entendo que a natureza abstrata de algumas das metáforas e mensagens do diretor podem não ressoar com todos os públicos, deixando algumas interpretações muito abertas. O fato é que, como M. Night Shyamalan, Jordan Peele não se faz de desentendido ao trazer o mistério como sua arma de marketing, mesmo que com isso se torne refém de seus mecanismos de plot twist! Se "Sinais" de Shyamalan era um filme sobre fé, saiba que "Não! Não Olhe!" é um filme sobre evidências para aqueles que apreciam histórias que são ao mesmo tempo entretenimento e reflexão!
Vale seu play!
Na linha do "ame ou odeie", "Não! Não Olhe!", dirigido por Jordan Peele e lançado em 2022, é uma obra que de fato desafia aquele tipo de categorização fácil já que seu roteiro mistura elementos de suspense, ficção científica e, claro, crítica social em uma narrativa dinâmica e singular. Peele, conhecido por seus trabalhos anteriores como "Corra!" e "Nós", mais uma vez demonstra sua habilidade em criar histórias que são tanto provocativas quanto profundamente envolventes e "Não! Não Olhe!" segue essa identidade, oferecendo uma experiência visualmente deslumbrante e intelectualmente estimulante - porém sem tanto impacto da violência como vimos anteriormente.
A trama segue os irmãos OJ (Daniel Kaluuya) e Emerald Haywood (Keke Palmer), que administram um rancho de cavalos em uma área rural da Califórnia. Após a morte misteriosa de seu pai, os irmãos começam a notar atividades estranhas no céu acima de sua propriedade. Decididos a descobrir a verdade e capturar evidências da presença de OVNIs, eles se envolvem em uma série de eventos cada vez mais inquietantes. Confira o trailer:
"Nope" (no original) é muito inteligente ao explorar o desejo humano de controlar o desconhecido (e de como se dar bem com isso). Baseado nessa premissa, o roteiro de Peele acaba sendo uma ótima combinação de mistério e crítica social capaz de abordar temas mais sensíveis como a exploração da dor e do trauma como forma de entretenimento - a mercantilização do medo e o impacto do espetáculo na sociedade contemporânea, mais uma vez, provocam ótimas discussões. Peele, conhecido por suas incisivas observações comportamentais, utiliza de uma inofensiva trama de ficção científica para comentar sobre a obsessão humana em diferentes níveis. Repare como os diálogos afiados e cheios de subtexto incentivam a audiência a refletir sobre as camadas mais profundas da história. Já sua direção é, como sempre, meticulosa e inventiva. Peele utiliza uma paleta de cores contrastante e uma cinematografia de grande escala para capturar a beleza e a ameaça daquele cenário desértico. A escolha de locações com grande amplitude pontua ainda mais a sensação claustrofóbica de saber que existe uma força invisível que nos observa e quer nos fazer mal (a qualquer momento).
Daniel Kaluuya oferece uma performance introspectiva, capturando a dor de um homem assombrado pela perda do pai e pelo dever de proteger o legado de sua família. Kaluuya, com seu olhar penetrante e presença reservada, traz uma profundidade emocional ao papel, tornando OJ um personagem cativante e empático - sempre no tom certo. Já Keke Palmer é um contraponto energético e carismático, imbuindo sua personagem com uma mistura de ambição, coragem e vulnerabilidade. No entanto é a química entre os dois que torna essa maluquice de Peele palpável, fundamentando a narrativa em uma relação fraternal convincente e marcante.
"Não! Não Olhe!" é visualmente impressionante e desafiador, mas não esteve isento de críticas - com momentos de introspecção que interrompem a construção do suspense, muito se falou sobre "quebra de expectativas" como algo ruim. Eu discordo, mas entendo que a natureza abstrata de algumas das metáforas e mensagens do diretor podem não ressoar com todos os públicos, deixando algumas interpretações muito abertas. O fato é que, como M. Night Shyamalan, Jordan Peele não se faz de desentendido ao trazer o mistério como sua arma de marketing, mesmo que com isso se torne refém de seus mecanismos de plot twist! Se "Sinais" de Shyamalan era um filme sobre fé, saiba que "Não! Não Olhe!" é um filme sobre evidências para aqueles que apreciam histórias que são ao mesmo tempo entretenimento e reflexão!
Vale seu play!
"Ninguém Vai te Salvar" é mais um que entra naquela prateleira do "ame ou odeie" e a razão é muito simples - existe uma quebra de expectativa após o segundo ato que, mesmo inteligente (e muito interpretativo), subverte o estilo narrativo proposto no inicio e impacta diretamente na experiência emocional daquela audiência que até ali sofreu com seus medos e, claro, com muitos sustos junto com a protagonista. O que eu quero dizer, é que o filme escrito e dirigido pelo Brian Duffield (roteirista de "Amor e Monstros") é muito mais do que um suspense sobre extraterrestres que chegam no meio da noite para te abduzir - ainda que esse elemento fantástico (e nostálgico) esteja presente, é o horror da culpa e a perda das conexões humanas que realmente assustam a protagonista e nem todo mundo vai comprar isso!
"No One Will Save You" (título original) acompanha a vida da jovem e reclusa Brynn Adams (Kaitlyn Dever) quando, em uma certa noite, criaturas extraterrestres inexplicavelmente invadem sua casa, forçando ela a lutar por sua sobrevivência ao mesmo tempo em que precisa lidar com seus traumas do passado. Confira o trailer:
Se você está em busca de um filme que sabe exatamente despertar alguns "medos" que intimamente sabemos ter sido construídos muito mais pela própria cultura cinematográfica que vem da nossa infância do que por experiências evidentemente reais, pode dar o play em "Ninguém Vai te Salvar" que seu entretenimento está garantido. No entanto, preciso alinhar alguns pontos com você: o que faz desse filme algo, de fato, singular é a dose generosa de drama psicológico que a história carrega, equilibrando perfeitamente aquele tom de ficção cientifica mais independente de "A Vastidão da Noite" com a gramática angustiante e requintada conceitualmente de uma grande produção como "Sinais" do Shyamalan.
Mais até do que a competente direção de Duffield., é no seu texto que a verdadeira magia de "Ninguém Vai te Salvar" reside - a sua capacidade de nos fazer questionar a natureza daquela realidade em várias sequências onde qualquer tipo de diálogo é completamente descartável (por mais paradoxal que possa parecer) e a tensão é representada apenas pelos olhos da protagonista que enxerga seu inimigo sem ao menos entender a razão pela qual tudo aquilo está acontecendo, olha, eu diria que é um mergulho emocional e sensorial na trama. São tantas sensações que em pouco mais de 90 minutos, dificilmente encontramos tempo para respirar ou refletir sobre o que realmente causa mais terror em Adams: um extraterrestre ou os fantasmas que voltam à tona pelo contato com eles. E aqui cabe um comentário: Kaitlyn Dever é peça fundamental para que esse complicado quebra-cabeça funcione - sozinha, ela leva o filme nas costas e mesmo quando o diretor abre mão daquela estratégia de manter o "monstro" em segredo para estabelecer o terror e só depois impactar a audiência visualmente, é mesmo pelo seu drama mais pessoal que criamos a conexão direta com ela - a cena que ela entra na delegacia após a primeira noite de invasão, é um ótimo exemplo disso!
Antes de finalizar, é importante destacar a inteligência do roteiro em brincar com as nossas expectativas - é o que nos mantém constantemente intrigados. Os sustos com as criaturas existem, mas a necessidade de entender tudo aquilo que está acontecendo (e seus reflexos na protagonista) é muito mais envolvente. Cada cena é uma pista, e cada elemento cênico, uma revelação - isso exige muita atenção aos detalhes e alguma capacidade interpretativa já que o filme não entrega todas as respostas e por isso muitos vão odiar seu final (já adianto). Agora, tudo vai fazer muito mais sentido se você embarcar na maneira inteligente como "Ninguém Vai te Salvar" aborda temas como identidade e trauma - essa abordagem profundamente tocante cria uma camada extra para a narrativa, mais subjetiva, até reflexiva eu diria, e mesmo assim não exclui alguns bons sustos, perseguições, e toda angústia sobre aquela relação assustadora com o desconhecido que carregamos desde "Contatos Imediatos do Terceiro Grau"!
Vale seu play, desde que você seja capaz de enxergar além de um garota fugindo de um monstro de outro planeta!
"Ninguém Vai te Salvar" é mais um que entra naquela prateleira do "ame ou odeie" e a razão é muito simples - existe uma quebra de expectativa após o segundo ato que, mesmo inteligente (e muito interpretativo), subverte o estilo narrativo proposto no inicio e impacta diretamente na experiência emocional daquela audiência que até ali sofreu com seus medos e, claro, com muitos sustos junto com a protagonista. O que eu quero dizer, é que o filme escrito e dirigido pelo Brian Duffield (roteirista de "Amor e Monstros") é muito mais do que um suspense sobre extraterrestres que chegam no meio da noite para te abduzir - ainda que esse elemento fantástico (e nostálgico) esteja presente, é o horror da culpa e a perda das conexões humanas que realmente assustam a protagonista e nem todo mundo vai comprar isso!
"No One Will Save You" (título original) acompanha a vida da jovem e reclusa Brynn Adams (Kaitlyn Dever) quando, em uma certa noite, criaturas extraterrestres inexplicavelmente invadem sua casa, forçando ela a lutar por sua sobrevivência ao mesmo tempo em que precisa lidar com seus traumas do passado. Confira o trailer:
Se você está em busca de um filme que sabe exatamente despertar alguns "medos" que intimamente sabemos ter sido construídos muito mais pela própria cultura cinematográfica que vem da nossa infância do que por experiências evidentemente reais, pode dar o play em "Ninguém Vai te Salvar" que seu entretenimento está garantido. No entanto, preciso alinhar alguns pontos com você: o que faz desse filme algo, de fato, singular é a dose generosa de drama psicológico que a história carrega, equilibrando perfeitamente aquele tom de ficção cientifica mais independente de "A Vastidão da Noite" com a gramática angustiante e requintada conceitualmente de uma grande produção como "Sinais" do Shyamalan.
Mais até do que a competente direção de Duffield., é no seu texto que a verdadeira magia de "Ninguém Vai te Salvar" reside - a sua capacidade de nos fazer questionar a natureza daquela realidade em várias sequências onde qualquer tipo de diálogo é completamente descartável (por mais paradoxal que possa parecer) e a tensão é representada apenas pelos olhos da protagonista que enxerga seu inimigo sem ao menos entender a razão pela qual tudo aquilo está acontecendo, olha, eu diria que é um mergulho emocional e sensorial na trama. São tantas sensações que em pouco mais de 90 minutos, dificilmente encontramos tempo para respirar ou refletir sobre o que realmente causa mais terror em Adams: um extraterrestre ou os fantasmas que voltam à tona pelo contato com eles. E aqui cabe um comentário: Kaitlyn Dever é peça fundamental para que esse complicado quebra-cabeça funcione - sozinha, ela leva o filme nas costas e mesmo quando o diretor abre mão daquela estratégia de manter o "monstro" em segredo para estabelecer o terror e só depois impactar a audiência visualmente, é mesmo pelo seu drama mais pessoal que criamos a conexão direta com ela - a cena que ela entra na delegacia após a primeira noite de invasão, é um ótimo exemplo disso!
Antes de finalizar, é importante destacar a inteligência do roteiro em brincar com as nossas expectativas - é o que nos mantém constantemente intrigados. Os sustos com as criaturas existem, mas a necessidade de entender tudo aquilo que está acontecendo (e seus reflexos na protagonista) é muito mais envolvente. Cada cena é uma pista, e cada elemento cênico, uma revelação - isso exige muita atenção aos detalhes e alguma capacidade interpretativa já que o filme não entrega todas as respostas e por isso muitos vão odiar seu final (já adianto). Agora, tudo vai fazer muito mais sentido se você embarcar na maneira inteligente como "Ninguém Vai te Salvar" aborda temas como identidade e trauma - essa abordagem profundamente tocante cria uma camada extra para a narrativa, mais subjetiva, até reflexiva eu diria, e mesmo assim não exclui alguns bons sustos, perseguições, e toda angústia sobre aquela relação assustadora com o desconhecido que carregamos desde "Contatos Imediatos do Terceiro Grau"!
Vale seu play, desde que você seja capaz de enxergar além de um garota fugindo de um monstro de outro planeta!
"Noite Passada em Soho" é um filme extremamente envolvente - pela história e pelo visual! Esse suspense que transita entre o psicológico e o sobrenatural é quase uma mistura do coreano "A Ligação" com o clássico de Darren Aronofsky, "Cisne Negro".
No filme acompanhamos Eloise (Thomasin Mckenzie) quando ela decide deixar a sua pequena cidade natal para estudar moda em Londres. Obcecada pelos anos 60, ela se depara com uma vida dinâmica e moderna onde nem tudo parece corresponder às suas românticas expectativas. O impacto dessa mudança tão radical gera uma série de frustrações para Eloise - que leva ela se mudar para um antigo apartamento no centro do Soho, administrado pela curiosa Ms. Collins (Diana Rigg). A situação se complica ainda mais quando a protagonista passa a ter sonhos extremamente realistas com a misteriosa Sandie (Anya Taylor-Joy), uma aspirante a cantora cujas atitudes e escolhas passam a interferir fortemente na vida da própria Eloise. Confira o trailer:
A primeira vista, "Noite Passada em Soho" impacta pela perfeita combinação entre um filme esteticamente impecável, muito mérito do diretor Edgar Wright, com uma trilha sonora fantástica, assinada por Steven Price (vencedor do Oscar por "Gravidade"). Mas também temos um outro lado, e é quando entra em cena o roteiro da Krysty Wilson-Cairns (indicada ao Oscar por "1917") baseado em uma história que o próprio Wright trouxe para o desenvolvimento ao se propor resgatar suas fantasias de adolescente e sua relação mais íntima com o Soho londrino. Veja, o filme não tem a menor pretensão de transformar sua narrativa em uma experiência empírica comprovada por qualquer que seja a linha cientifica ou espiritual de sua interpretação - as coisas simplesmente acontecem, dentro de uma dinâmica particular do diretor e suficiente para nos fazer ficar de olhos grudados na tela por quase duas horas.
Cheio de referências conceituais, as escolhas de Wright direcionam a audiência para uma jornada única, uma linha tênue entre o surreal e o patológico, entre o sonho e a experiência mediúnica - tudo isso sendo construído por duas protagonistas cheias de camadas, brilhantemente conduzidas por uma trama que traz muitos signos, como se o filme fosse um "Alice no País das Maravilhas" de Eloise. Reparem como o uso dos espelhos, por exemplo, cria uma sensação de incerteza e mistério impressionantes. É, de fato, um trabalho fenomenal de direção, fotografia e montagem - além de ter um suporte de efeitos especiais bastante competente e nada invasivo.
Obviamente que ter Anya Taylor-Joy, Thomasin Mckenzie, Diana Rigg e Matt Smith só ajuda, mas é preciso dizer que "Noite Passada em Soho" é o resultado do seu diretor como maestro - um filme maduro, divertido, inteligente, bonito e ainda dinâmico. Se não tem a profundidade de "Cisne Negro", posso garantir que é um entretenimento de primeira; que, mesmo com algumas soluções até que previsíveis, muito desse quebra-cabeça vai se resolvendo sem roubar no jogo e acaba entregando um final bastante correto.
Vale a pena!
"Noite Passada em Soho" é um filme extremamente envolvente - pela história e pelo visual! Esse suspense que transita entre o psicológico e o sobrenatural é quase uma mistura do coreano "A Ligação" com o clássico de Darren Aronofsky, "Cisne Negro".
No filme acompanhamos Eloise (Thomasin Mckenzie) quando ela decide deixar a sua pequena cidade natal para estudar moda em Londres. Obcecada pelos anos 60, ela se depara com uma vida dinâmica e moderna onde nem tudo parece corresponder às suas românticas expectativas. O impacto dessa mudança tão radical gera uma série de frustrações para Eloise - que leva ela se mudar para um antigo apartamento no centro do Soho, administrado pela curiosa Ms. Collins (Diana Rigg). A situação se complica ainda mais quando a protagonista passa a ter sonhos extremamente realistas com a misteriosa Sandie (Anya Taylor-Joy), uma aspirante a cantora cujas atitudes e escolhas passam a interferir fortemente na vida da própria Eloise. Confira o trailer:
A primeira vista, "Noite Passada em Soho" impacta pela perfeita combinação entre um filme esteticamente impecável, muito mérito do diretor Edgar Wright, com uma trilha sonora fantástica, assinada por Steven Price (vencedor do Oscar por "Gravidade"). Mas também temos um outro lado, e é quando entra em cena o roteiro da Krysty Wilson-Cairns (indicada ao Oscar por "1917") baseado em uma história que o próprio Wright trouxe para o desenvolvimento ao se propor resgatar suas fantasias de adolescente e sua relação mais íntima com o Soho londrino. Veja, o filme não tem a menor pretensão de transformar sua narrativa em uma experiência empírica comprovada por qualquer que seja a linha cientifica ou espiritual de sua interpretação - as coisas simplesmente acontecem, dentro de uma dinâmica particular do diretor e suficiente para nos fazer ficar de olhos grudados na tela por quase duas horas.
Cheio de referências conceituais, as escolhas de Wright direcionam a audiência para uma jornada única, uma linha tênue entre o surreal e o patológico, entre o sonho e a experiência mediúnica - tudo isso sendo construído por duas protagonistas cheias de camadas, brilhantemente conduzidas por uma trama que traz muitos signos, como se o filme fosse um "Alice no País das Maravilhas" de Eloise. Reparem como o uso dos espelhos, por exemplo, cria uma sensação de incerteza e mistério impressionantes. É, de fato, um trabalho fenomenal de direção, fotografia e montagem - além de ter um suporte de efeitos especiais bastante competente e nada invasivo.
Obviamente que ter Anya Taylor-Joy, Thomasin Mckenzie, Diana Rigg e Matt Smith só ajuda, mas é preciso dizer que "Noite Passada em Soho" é o resultado do seu diretor como maestro - um filme maduro, divertido, inteligente, bonito e ainda dinâmico. Se não tem a profundidade de "Cisne Negro", posso garantir que é um entretenimento de primeira; que, mesmo com algumas soluções até que previsíveis, muito desse quebra-cabeça vai se resolvendo sem roubar no jogo e acaba entregando um final bastante correto.
Vale a pena!
"Nove Desconhecidos" chegou com status de "minissérie premium da HBO" na Prime Vídeo, principalmente por todos os nomes envolvidos, como o showrunner David E. Kelley de “The Undoing” e a autora australiana Liane Moriarty de “Big Little Lies”, sem falar, obviamente, de Nicole Kidman como protagonista, apoiada em um elenco com Melissa McCarthy, Regina Hall, Luke Evans, Michael Shannon e Bobby Cannavale. Como comentamos no Blog da Viu Review, "Nove Desconhecidos" foi cercada de muita expectativa e após a exibição de 3 episódios muitas incertezas começaram aparecer (e com razão), mas só no final do episódio 8 que foi possível cravar que a minissérie estava longe de ser um decepção como muitos previam - muito pelo contrário, eu diria que vale muito a pena, desde que você embarque no conceito narrativo, digamos, psicodélico!
Frustrados com suas vidas, nove estranhos embarcam em um programa de relaxamento e espiritualidade criado por um SPA de luxo liderado por Marsha (Nicole Kidman), mas ao longo dos dias eles percebem que a experiência pode acabar colocando suas vidas e sanidade em perigo, confira o trailer:
Talvez a o grande problema de "Nove Desconhecidos" seja a falta de identidade - mas não pela história não se posicionar perante um gênero especifico ou um conceito narrativo e estético inovador, e sim pela própria expectativa que nós mesmos criamos. É claro que o roteiro colabora para essa sensação de que algo extraordinário está prestes a acontecer a todo momento e que a trama vem repleta de reviravoltas surpreendentes, mas a fato é que isso tem mais a ver com quem assiste do que com a minissérie em si. Embora seja necessário uma boa dose de suspensão da realidade e mesmo sabendo que muitos personagens são completamente estereotipados, em nenhum momento o roteiro rouba no jogo - ele só demora para mostrar as peças certas que, juntas, entregam um final bem satisfatório.
No fundo, "Nove Desconhecidos" é um recorte de uma era onde os programas de auto-conhecimento e os coachings de terapias holísticas se tornaram sinônimos de superficialidade e oportunismo - por isso sempre esperamos o pior da protagonista, afinal acreditamos nesse estereótipo, mesmo que inconscientemente. Veja, enquanto a narrativa demonstra elementos que facilmente nos remetem as conexões com a espiritualidade, temos a impressão de que se trata de uma história cheia de mistérios, mas quando os psicotrópicos vão ganhando força de uma maneira muito natural dentro da trama, somos transportados para situações mais palpáveis e é quando começamos a reconhecer o valor da história - e isso não quer dizer que o mistério desaparece, ele só se transforma. Diferente do livro, não se tem tempo suficiente para desenvolver cada um dos personagens com deveria e é por isso que alguns se sobressaem: a história da família Marconi formada por Napoleon (Michael Shannon), Heather (Asher Keddie) e Zoe (Grace Van Patten) é um caso e a forte relação entre Frances (Melissa McCarthy) e Tony (Bobby Cannavale), é outro destaque - se a série chamasse "Cinco Desconhecidos" teríamos o mesmo resultado, acreditem!
A atmosfera poética criada ao redor de Masha, criadora da Tranquillum House, vai se dissipar com o passar dos episódios e sua motivação se tornará cada vez mais clara. A questão dos métodos ou da ilegalidade de suas ações também geram boas discussões. Com isso temos bons conflitos e outros nem tanto, mas quando nos apegarmos na real proposta de "Nove Desconhecidos", passamos a entender que o processo de "perdão" e a "cura emocional" de cada um dos personagens guiam uma crítica velada sobre a ética, a legalidade e o real benefício de alguns, digamos, treinamentos de reprogramação.
Vale o play!
"Nove Desconhecidos" chegou com status de "minissérie premium da HBO" na Prime Vídeo, principalmente por todos os nomes envolvidos, como o showrunner David E. Kelley de “The Undoing” e a autora australiana Liane Moriarty de “Big Little Lies”, sem falar, obviamente, de Nicole Kidman como protagonista, apoiada em um elenco com Melissa McCarthy, Regina Hall, Luke Evans, Michael Shannon e Bobby Cannavale. Como comentamos no Blog da Viu Review, "Nove Desconhecidos" foi cercada de muita expectativa e após a exibição de 3 episódios muitas incertezas começaram aparecer (e com razão), mas só no final do episódio 8 que foi possível cravar que a minissérie estava longe de ser um decepção como muitos previam - muito pelo contrário, eu diria que vale muito a pena, desde que você embarque no conceito narrativo, digamos, psicodélico!
Frustrados com suas vidas, nove estranhos embarcam em um programa de relaxamento e espiritualidade criado por um SPA de luxo liderado por Marsha (Nicole Kidman), mas ao longo dos dias eles percebem que a experiência pode acabar colocando suas vidas e sanidade em perigo, confira o trailer:
Talvez a o grande problema de "Nove Desconhecidos" seja a falta de identidade - mas não pela história não se posicionar perante um gênero especifico ou um conceito narrativo e estético inovador, e sim pela própria expectativa que nós mesmos criamos. É claro que o roteiro colabora para essa sensação de que algo extraordinário está prestes a acontecer a todo momento e que a trama vem repleta de reviravoltas surpreendentes, mas a fato é que isso tem mais a ver com quem assiste do que com a minissérie em si. Embora seja necessário uma boa dose de suspensão da realidade e mesmo sabendo que muitos personagens são completamente estereotipados, em nenhum momento o roteiro rouba no jogo - ele só demora para mostrar as peças certas que, juntas, entregam um final bem satisfatório.
No fundo, "Nove Desconhecidos" é um recorte de uma era onde os programas de auto-conhecimento e os coachings de terapias holísticas se tornaram sinônimos de superficialidade e oportunismo - por isso sempre esperamos o pior da protagonista, afinal acreditamos nesse estereótipo, mesmo que inconscientemente. Veja, enquanto a narrativa demonstra elementos que facilmente nos remetem as conexões com a espiritualidade, temos a impressão de que se trata de uma história cheia de mistérios, mas quando os psicotrópicos vão ganhando força de uma maneira muito natural dentro da trama, somos transportados para situações mais palpáveis e é quando começamos a reconhecer o valor da história - e isso não quer dizer que o mistério desaparece, ele só se transforma. Diferente do livro, não se tem tempo suficiente para desenvolver cada um dos personagens com deveria e é por isso que alguns se sobressaem: a história da família Marconi formada por Napoleon (Michael Shannon), Heather (Asher Keddie) e Zoe (Grace Van Patten) é um caso e a forte relação entre Frances (Melissa McCarthy) e Tony (Bobby Cannavale), é outro destaque - se a série chamasse "Cinco Desconhecidos" teríamos o mesmo resultado, acreditem!
A atmosfera poética criada ao redor de Masha, criadora da Tranquillum House, vai se dissipar com o passar dos episódios e sua motivação se tornará cada vez mais clara. A questão dos métodos ou da ilegalidade de suas ações também geram boas discussões. Com isso temos bons conflitos e outros nem tanto, mas quando nos apegarmos na real proposta de "Nove Desconhecidos", passamos a entender que o processo de "perdão" e a "cura emocional" de cada um dos personagens guiam uma crítica velada sobre a ética, a legalidade e o real benefício de alguns, digamos, treinamentos de reprogramação.
Vale o play!
Noventa minutos de muita tensão e angústia, é isso que você vai encontrar no ótimo "O Acusado". Na linha tênue entre "Zona de Confronto", "O Homem nas Trevas" e "Bata Antes de Entrar", o novo filme do talentoso diretor inglês Philip Barantini (o mesmo do sucesso, "O Chef") surpreende tanto pela dinâmica claustrofóbica de sua narrativa quanto pela critica extremamente atual contra uma geração "rede social" que se coloca em uma posição de superioridade ao achar que sua opinião é de fato uma verdade universal sem pensar nas consequências que ela pode representar para o ser humano, ainda mais se esse se encaixar no estereótipo de quem sofre algum tipo de discriminação. Disseminar "incertezas" pode ser muito mais perigoso em tempos de "justiça digital".
Aqui acompanhamos a história de terror vivida por Harri Bhavsar (Chaneil Kular), um jovem paquistanês que precisa lidar com uma injustiça brutal: ele é apontado como o responsável por uma atentado a bomba no metrô de Londres, simplesmente por parecer com um possível suspeito - sim, eu disse "possível" suspeito. De uma hora para a outra o jovem passa a ser perseguido e ameaçado pela internet até que justiceiros começam a caça-lo-lo em busca de vingança. Confira o trailer (em inglês):
É de se elogiar a capacidade que o roteiro, escrito pela dupla de novatos Barnaby Boulton e James Cummings, tem de retratar o lado ruim das relações digitais, principalmente quando pautadas por "fake news". Reparem como antes mesmo da chegada de um clímax simplesmente aterrorizante no segundo ato, o diretor já parece antecipar o real poder de sua trama sem deixar de provocar uma reflexão audiência: o que acontece com Harri Bhavsar poderia acontecer com qualquer um (dada, obviamente, toda a suspensão de uma realidade muito particular da história) e isso, basicamente, eleva nossa ansiedade para o que vem pela frente. Se apropriando dessa angustia crescente, o filme vai apresentando camadas emocionais de seu protagonista ao mesmo tempo em que assistimos de camarote (leia-se pelos olhos dele) todo aquele circo que vai se construindo com o único e claro objetivo de "caça às bruxas" - algo, aliás, bem comum na internet.
Barantini sabe que essa situação especifica pode se transformar na pior experiência da vida de um jovem e ao alinhar o tema com uma gramática cinematográfica mais próxima do suspense do que do drama em si, vivenciamos em "O Acusado" exatamente aquilo que mais tememos. O tribunal virtual, que efetivamente analisa, julga e condena sem chance de um mero desconhecido se defender, é o mesmo que dá o direito para pessoas completamente sem noção resolver os problemas com as próprias mãos. Quando o fotógrafo Matthew Lewis (também de "O Chef") limita seus enquadramentos respeitando a geografia daquele cenário, seja com um jogo de luz e sombra ou com as trocas de perspectiva pelo movimento óptico do foco, temos a exata noção do que é estar preso onde, teoricamente, deveríamos estar seguros e como o ser humano poder sim ser doentio - e aqui cabem mais dois elogios: o filme é muito bem montado, com cortes precisos que ajudam a criar todo esse mood de tensão constante e o desenho de som, delicado, orgânico e muito pontual, coloca um elemento de realismo que é impressionante.
"O Acusado" mesmo curto, parece interminável - graças a capacidade de Barantini (e de seu time) em adequar o tempo de cada cena, da forma mais meticulosa possível, com a ação essencial que o talentoso Chaneil Kular precisa experienciar para mexer com nossas sensações - aliás, me lembrou muito o trabalho de Riz Ahmed em "The Night Of". Enfim, mesmo que tímido em sua campanha de marketing dentro da Netflix, esse é o tipo do filme que merece muita atenção pelo que assistimos na tela e pelo que deve ser discutido assim que os créditos sobem!
Um filme que vai te surpreender de verdade e que faz valer muito a pena o seu play!
Noventa minutos de muita tensão e angústia, é isso que você vai encontrar no ótimo "O Acusado". Na linha tênue entre "Zona de Confronto", "O Homem nas Trevas" e "Bata Antes de Entrar", o novo filme do talentoso diretor inglês Philip Barantini (o mesmo do sucesso, "O Chef") surpreende tanto pela dinâmica claustrofóbica de sua narrativa quanto pela critica extremamente atual contra uma geração "rede social" que se coloca em uma posição de superioridade ao achar que sua opinião é de fato uma verdade universal sem pensar nas consequências que ela pode representar para o ser humano, ainda mais se esse se encaixar no estereótipo de quem sofre algum tipo de discriminação. Disseminar "incertezas" pode ser muito mais perigoso em tempos de "justiça digital".
Aqui acompanhamos a história de terror vivida por Harri Bhavsar (Chaneil Kular), um jovem paquistanês que precisa lidar com uma injustiça brutal: ele é apontado como o responsável por uma atentado a bomba no metrô de Londres, simplesmente por parecer com um possível suspeito - sim, eu disse "possível" suspeito. De uma hora para a outra o jovem passa a ser perseguido e ameaçado pela internet até que justiceiros começam a caça-lo-lo em busca de vingança. Confira o trailer (em inglês):
É de se elogiar a capacidade que o roteiro, escrito pela dupla de novatos Barnaby Boulton e James Cummings, tem de retratar o lado ruim das relações digitais, principalmente quando pautadas por "fake news". Reparem como antes mesmo da chegada de um clímax simplesmente aterrorizante no segundo ato, o diretor já parece antecipar o real poder de sua trama sem deixar de provocar uma reflexão audiência: o que acontece com Harri Bhavsar poderia acontecer com qualquer um (dada, obviamente, toda a suspensão de uma realidade muito particular da história) e isso, basicamente, eleva nossa ansiedade para o que vem pela frente. Se apropriando dessa angustia crescente, o filme vai apresentando camadas emocionais de seu protagonista ao mesmo tempo em que assistimos de camarote (leia-se pelos olhos dele) todo aquele circo que vai se construindo com o único e claro objetivo de "caça às bruxas" - algo, aliás, bem comum na internet.
Barantini sabe que essa situação especifica pode se transformar na pior experiência da vida de um jovem e ao alinhar o tema com uma gramática cinematográfica mais próxima do suspense do que do drama em si, vivenciamos em "O Acusado" exatamente aquilo que mais tememos. O tribunal virtual, que efetivamente analisa, julga e condena sem chance de um mero desconhecido se defender, é o mesmo que dá o direito para pessoas completamente sem noção resolver os problemas com as próprias mãos. Quando o fotógrafo Matthew Lewis (também de "O Chef") limita seus enquadramentos respeitando a geografia daquele cenário, seja com um jogo de luz e sombra ou com as trocas de perspectiva pelo movimento óptico do foco, temos a exata noção do que é estar preso onde, teoricamente, deveríamos estar seguros e como o ser humano poder sim ser doentio - e aqui cabem mais dois elogios: o filme é muito bem montado, com cortes precisos que ajudam a criar todo esse mood de tensão constante e o desenho de som, delicado, orgânico e muito pontual, coloca um elemento de realismo que é impressionante.
"O Acusado" mesmo curto, parece interminável - graças a capacidade de Barantini (e de seu time) em adequar o tempo de cada cena, da forma mais meticulosa possível, com a ação essencial que o talentoso Chaneil Kular precisa experienciar para mexer com nossas sensações - aliás, me lembrou muito o trabalho de Riz Ahmed em "The Night Of". Enfim, mesmo que tímido em sua campanha de marketing dentro da Netflix, esse é o tipo do filme que merece muita atenção pelo que assistimos na tela e pelo que deve ser discutido assim que os créditos sobem!
Um filme que vai te surpreender de verdade e que faz valer muito a pena o seu play!
Antes de mais nada é preciso atestar que "O Amante Duplo" não será das jornadas mais tranquilas, pois esse suspense psicológico francês usa e abusa de cenas bem desconfortáveis para colocar a audiência dentro de um universo que pode até soar inverossímil, mas ao embarcar com uma certa descrença da realidade, fica impossível não ser impactado pela forma como o diretor François Ozon nos conduz pela história.
Chloé (Marine Vacth) é uma mulher reprimida sexualmente que, constantemente, sente dores na altura do estômago. Acreditando que seu problema seja psicológico, ela busca a ajuda profissional de Paul (Jérémie Renier), um psicólogo indicado por sua ginecologista. Porém, conforme as sessões vão evoluindo, eles acabam se apaixonando. Diante da situação, Paul resolve encerrar a terapia e indica uma colega para tratar sua futura esposa. Acontece que Chloé, enciumada por uma situação bem particular, resolve se consultar com outro psicólogo e acaba conhecendo o irmão gêmeo de Paul, criando um triângulo amoroso perigoso e cheio de segredos. Confira o trailer:
O plano-detalhe inicial de "O Amante Duplo" já vai te dizer exatamente o que vem pela frente - e é essa postura honesta de Ozon que você precisa levar em consideração ao decidir se continua ou não o filme. Posso te adiantar que outras cenas impactantes ou apelativas (como queiram) vão acontecer! Essa escolha do diretor não é por acaso: se o desconforto não está nos diálogos bem trabalhados do roteiro, fatalmente se aplica em algumas cenas que acabam justificando a complexidade dos personagens e a dinâmica narrativa da história. O que inicialmente parece um drama ao melhor estilo "Sessão de Terapia", logo se transforma em suspense psicológico com várias referências de "O Homem Duplicado", mas com toques de Roman Polanski e Brian De Palma.
É inegável a qualidade estética do filme. François Ozonfaz um belo trabalho com seus enquadramentos, criando planos muito bem desenhados tecnicamente, para dar a sensação de um desconforto completamente fora da realidade ao mesmo tempo que ele aproveita para internalizar muitas questões que estão sendo discutidas nos próprios diálogos entre paciente e terapeuta - repare, por exemplo, como ele prioriza os personagens em primeiro plano e imediatamente usa o foco para enquadrar suas imagens nos espelhos. A montagem valoriza esse distanciamento da realidade, mas a conexão imediata entre pensamentos, olhares e discurso, são completamente desconstruídos a cada cena - essa manipulação aumenta a sensação de mistério, de caos psicológico, de vazio e ainda traz um enorme impacto visual para a narrativa - as cenas no museu são lindas.
Vacth está excelente: seus olhares, sua dor e sua insegurança estão tatuadas no seu corpo - é impressionante como ela transita entre a retração e a liberação sexual em todo momento. Renier também está muito bem: a dualidade entre um homem misterioso e o outro transparente, ou ainda um passivo e o outro ativo, com fraquezas e fortalezas, funciona perfeitamente na proposta visual do filme e nos deixa cheio de dúvidas que se sustentam até o inicio do terceiro ato. O fato é que "O Amante Duplo" tem tudo que um bom suspense psicológico precisa, inclusive uma enorme facilidade para chocar e fazer nossa mente explodir - se normalmente o final decepciona a audiência menos ligada em filmes autorais e independentes, aqui não será o caso!
Em tempo: para quem conhece a essência das teorias psicanalíticas freudianas, fica fácil reconhecer a maravilhosa metáfora visual que o diretor imprime em vários momentos dessa surpreendente adaptação do livro "Lives of the Twins" de Joyce Carol Oates. Vale muito seu play, mas esteja preparado!
Antes de mais nada é preciso atestar que "O Amante Duplo" não será das jornadas mais tranquilas, pois esse suspense psicológico francês usa e abusa de cenas bem desconfortáveis para colocar a audiência dentro de um universo que pode até soar inverossímil, mas ao embarcar com uma certa descrença da realidade, fica impossível não ser impactado pela forma como o diretor François Ozon nos conduz pela história.
Chloé (Marine Vacth) é uma mulher reprimida sexualmente que, constantemente, sente dores na altura do estômago. Acreditando que seu problema seja psicológico, ela busca a ajuda profissional de Paul (Jérémie Renier), um psicólogo indicado por sua ginecologista. Porém, conforme as sessões vão evoluindo, eles acabam se apaixonando. Diante da situação, Paul resolve encerrar a terapia e indica uma colega para tratar sua futura esposa. Acontece que Chloé, enciumada por uma situação bem particular, resolve se consultar com outro psicólogo e acaba conhecendo o irmão gêmeo de Paul, criando um triângulo amoroso perigoso e cheio de segredos. Confira o trailer:
O plano-detalhe inicial de "O Amante Duplo" já vai te dizer exatamente o que vem pela frente - e é essa postura honesta de Ozon que você precisa levar em consideração ao decidir se continua ou não o filme. Posso te adiantar que outras cenas impactantes ou apelativas (como queiram) vão acontecer! Essa escolha do diretor não é por acaso: se o desconforto não está nos diálogos bem trabalhados do roteiro, fatalmente se aplica em algumas cenas que acabam justificando a complexidade dos personagens e a dinâmica narrativa da história. O que inicialmente parece um drama ao melhor estilo "Sessão de Terapia", logo se transforma em suspense psicológico com várias referências de "O Homem Duplicado", mas com toques de Roman Polanski e Brian De Palma.
É inegável a qualidade estética do filme. François Ozonfaz um belo trabalho com seus enquadramentos, criando planos muito bem desenhados tecnicamente, para dar a sensação de um desconforto completamente fora da realidade ao mesmo tempo que ele aproveita para internalizar muitas questões que estão sendo discutidas nos próprios diálogos entre paciente e terapeuta - repare, por exemplo, como ele prioriza os personagens em primeiro plano e imediatamente usa o foco para enquadrar suas imagens nos espelhos. A montagem valoriza esse distanciamento da realidade, mas a conexão imediata entre pensamentos, olhares e discurso, são completamente desconstruídos a cada cena - essa manipulação aumenta a sensação de mistério, de caos psicológico, de vazio e ainda traz um enorme impacto visual para a narrativa - as cenas no museu são lindas.
Vacth está excelente: seus olhares, sua dor e sua insegurança estão tatuadas no seu corpo - é impressionante como ela transita entre a retração e a liberação sexual em todo momento. Renier também está muito bem: a dualidade entre um homem misterioso e o outro transparente, ou ainda um passivo e o outro ativo, com fraquezas e fortalezas, funciona perfeitamente na proposta visual do filme e nos deixa cheio de dúvidas que se sustentam até o inicio do terceiro ato. O fato é que "O Amante Duplo" tem tudo que um bom suspense psicológico precisa, inclusive uma enorme facilidade para chocar e fazer nossa mente explodir - se normalmente o final decepciona a audiência menos ligada em filmes autorais e independentes, aqui não será o caso!
Em tempo: para quem conhece a essência das teorias psicanalíticas freudianas, fica fácil reconhecer a maravilhosa metáfora visual que o diretor imprime em vários momentos dessa surpreendente adaptação do livro "Lives of the Twins" de Joyce Carol Oates. Vale muito seu play, mas esteja preparado!
"O Aviso" é mais um daqueles suspenses psicológicos intrigantes, muito bem realizado e com um roteiro interessante, mas por conta de uma pequena solução narrativa, certamente, vai dividir opiniões. Esse filme espanhol, produzido pela Netflix se baseia no livro de Paul Pen e conta a história de Jon (Raúl Arévalo) que ao ver seu melhor amigo, David (Sergio Mur), ser baleado enquanto estavam em um posto de gasolina, começa investigar o crime até que percebe um estranho padrão matemático entre vários incidentes que ocorreram no mesmo local durante anos. Ao mesmo tempo, mas dez anos a frente, acompanhamos Nico (Hugo Arbúes), uma criança de nove anos que certo dia recebe um bilhete dizendo que sua vida pode estar em risco se ele for nesse posto de gasolina no dia do seu aniversário. É, eu sei que pode parecer confuso, mas o filme contorna muito bem essa premissa com inteligência. Confira o trailer, dublado:
"O Aviso", na minha opinião, tem mais acertos do que erros - principalmente se você assistir sem muita expectativa e mergulhar na paranóia do protagonista na busca alucinada para entender os padrões que construíram todos os crimes que ocorreram naquele local. Não espere explicações lógicas, por mais controversa que possa parecer a frase já que os números "não mentem" - o fato é que a trama vai fazer algum sentido se você não se preocupar com as respostas e sim com as suposições que o roteiro vai inserindo na história pouco a pouco... e isso é muito divertido!
O diretor Daniel Calparsoro (de "Tormenta" e o "O Silêncio da Cidade Branca") acertou ao brincar com a temporalidade do roteiro sem a necessidade de parecer didático com quem assiste. No início pode causar algum estranhamento, mas lentamente fica fácil entender exatamente quando cada linha narrativa acontece e, claro, nos provoca a imaginar como elas se encontrarão - apenas algumas cenas com um filtro sépia para invocar um passado distante, incomoda um pouco e embora a escolha visual seja justificável, faltou coragem para manter aquele conceito visual mais neutro! A partir do segundo ato, essa conjunção temporal vai ficando cada vez mais óbvia, mas o valor do roteiro de Chris Sparling ("Mercy") e Jorge Guerricaechevarría ("Quem com ferro fere") está em, justamente, não deixar o óbvio atrapalhar a experiência - eles vão nos apresentando outros elementos (inclusive sobrenaturais) com o objetivo de criar mais dúvidas do que repostas - da mesma forma como o grande M. Night Shyamalan nos presenteava em um passado distante.
O elenco merece destaque também: Raúl Arévalo entrega um personagem (Jon) bastante honesto - por sofrer de esquizofrenia e da culpa pelo acidente do amigo, a tendência óbvia era fugir do tom e super valorizar o drama ou o estereótipo; não foi o caso - nem mesmo as aplicações de insetos em um CG bem mequetrefe, atrapalharam seu trabalho! Aura Garrido, a Laura, mãe de Nico, também não cede a tentação do overacting e funciona bem ao equilibrar o fato de ser super protetora com a necessidade de preparar seu filho para enfrentar o mundo! Hugo Arbúes, o Nico, traduz exatamente o que representa uma infância insegura e ameaçada pelo bullying que pode viver um menino mais introvertido nos dias de hoje.
No geral, "O Aviso" funciona muito bem como um ótimo entretenimento que mistura mistério, investigação e suspense (com uma pitada de sobrenatural), que nos deixam intrigados e imersos em uma infinidade de possibilidades que nos movem até o final do filme. Talvez esse final possa decepcionar um pouco (foi o que aconteceu comigo), porém a jornada foi tão divertida que nem dei muita bola para esse vacilo do roteiro. Eu indico, mais pela diversão do que por ser um filme inesquecível!
"O Aviso" é mais um daqueles suspenses psicológicos intrigantes, muito bem realizado e com um roteiro interessante, mas por conta de uma pequena solução narrativa, certamente, vai dividir opiniões. Esse filme espanhol, produzido pela Netflix se baseia no livro de Paul Pen e conta a história de Jon (Raúl Arévalo) que ao ver seu melhor amigo, David (Sergio Mur), ser baleado enquanto estavam em um posto de gasolina, começa investigar o crime até que percebe um estranho padrão matemático entre vários incidentes que ocorreram no mesmo local durante anos. Ao mesmo tempo, mas dez anos a frente, acompanhamos Nico (Hugo Arbúes), uma criança de nove anos que certo dia recebe um bilhete dizendo que sua vida pode estar em risco se ele for nesse posto de gasolina no dia do seu aniversário. É, eu sei que pode parecer confuso, mas o filme contorna muito bem essa premissa com inteligência. Confira o trailer, dublado:
"O Aviso", na minha opinião, tem mais acertos do que erros - principalmente se você assistir sem muita expectativa e mergulhar na paranóia do protagonista na busca alucinada para entender os padrões que construíram todos os crimes que ocorreram naquele local. Não espere explicações lógicas, por mais controversa que possa parecer a frase já que os números "não mentem" - o fato é que a trama vai fazer algum sentido se você não se preocupar com as respostas e sim com as suposições que o roteiro vai inserindo na história pouco a pouco... e isso é muito divertido!
O diretor Daniel Calparsoro (de "Tormenta" e o "O Silêncio da Cidade Branca") acertou ao brincar com a temporalidade do roteiro sem a necessidade de parecer didático com quem assiste. No início pode causar algum estranhamento, mas lentamente fica fácil entender exatamente quando cada linha narrativa acontece e, claro, nos provoca a imaginar como elas se encontrarão - apenas algumas cenas com um filtro sépia para invocar um passado distante, incomoda um pouco e embora a escolha visual seja justificável, faltou coragem para manter aquele conceito visual mais neutro! A partir do segundo ato, essa conjunção temporal vai ficando cada vez mais óbvia, mas o valor do roteiro de Chris Sparling ("Mercy") e Jorge Guerricaechevarría ("Quem com ferro fere") está em, justamente, não deixar o óbvio atrapalhar a experiência - eles vão nos apresentando outros elementos (inclusive sobrenaturais) com o objetivo de criar mais dúvidas do que repostas - da mesma forma como o grande M. Night Shyamalan nos presenteava em um passado distante.
O elenco merece destaque também: Raúl Arévalo entrega um personagem (Jon) bastante honesto - por sofrer de esquizofrenia e da culpa pelo acidente do amigo, a tendência óbvia era fugir do tom e super valorizar o drama ou o estereótipo; não foi o caso - nem mesmo as aplicações de insetos em um CG bem mequetrefe, atrapalharam seu trabalho! Aura Garrido, a Laura, mãe de Nico, também não cede a tentação do overacting e funciona bem ao equilibrar o fato de ser super protetora com a necessidade de preparar seu filho para enfrentar o mundo! Hugo Arbúes, o Nico, traduz exatamente o que representa uma infância insegura e ameaçada pelo bullying que pode viver um menino mais introvertido nos dias de hoje.
No geral, "O Aviso" funciona muito bem como um ótimo entretenimento que mistura mistério, investigação e suspense (com uma pitada de sobrenatural), que nos deixam intrigados e imersos em uma infinidade de possibilidades que nos movem até o final do filme. Talvez esse final possa decepcionar um pouco (foi o que aconteceu comigo), porém a jornada foi tão divertida que nem dei muita bola para esse vacilo do roteiro. Eu indico, mais pela diversão do que por ser um filme inesquecível!
"O Canto do Cisne" é um filme sobre a "dor da despedida"! Mesmo fantasiada de ficção científica ao melhor estilo "Black Mirror", essa produção original da Apple é um drama dos mais profundos, onde uma trama aparentemente simples, vai se construindo em um complexo estudo de personagem, tocando em assuntos extremamente sensíveis e provocando discussões que vão da "ética" ao "perdão". Além de muito elegante cinematograficamente, estamos diante de mais uma aula de interpretação de Mahershala Ali!
Ambientado em um futuro próximo, "O Canto do Cisne" conta a história de uma jornada emocionante e poderosa pelo ponto de vista de Cameron (Mahershala Ali), um pai e marido amoroso que acaba de ser diagnosticado com uma doença terminal, mas que recebe de sua médica Dr. Jo Scott (Glenn Close) uma solução alternativapara proteger a família do luto. Enquanto Cam luta para decidir qual será o destino da família, ele aprende mais sobre a vida e o amor do que jamais havia imaginado. Confira o trailer (em inglês):
Existe uma sensibilidade em "O Canto do Cisne" que envolve a audiência sem precisar se apoiar em nenhum tipo de atalho para nos tocar fundo. As relações entre os personagens que o talentoso diretor Benjamin Cleary (vencedor do Oscar com seu curta-metragem "Stutterer" em 2016) vai estabelecendo, dita a cadência exata da narrativa com muita identidade e elegância. Se visualmente o filme chama atenção pela qualidade da fotografia do Masanobu Takayanagi (de "Spotlight: Segredos Revelados" e "O Lado bom da Vida") e pelo desenho de produção futurista da sempre incrível Annie Beauchamp (de "Moulin Rouge" e, claro, "Black Mirror"), é no roteiro do próprio Cleary e na montagem do Nathan Nugent (de "Normal People") que o filme sai do óbvio e brilha.
Lidar com uma decisão tão importante, que é fortemente acompanhada por inúmeras dúvidas existenciais, espirituais e, principalmente, pela difícil tarefa de redefinir a singularidade da essência do ser humano, faz de Cameron um personagem extremamente complexo, além de ser um presente para Mahershala Ali - já que o ator precisa se "duplicar" para servir de contraponto ético com o outro lado da história, a do seu clone Jack. Se a narrativa se apoia na ficção da transferência das memórias ou no aprendizado de uma inteligência artificial para discutir os principais elementos que definem o indivíduo, é no sentimento mais profundo de uma "saudade" que está por vir, que realmente nos conectamos com os dramas emocionais do personagem - e aqui cabe um comentário: mesmo com uma participação bem pontual, Awkwafina (e sua Kate) está perfeita. Ela funciona como uma espécie de catalisadora desse sentimento de vazio.
O fato é que "O Canto do Cisne" tem uma premissa muito parecida com um dos episódios da série "Solos"da Prime Vídeo, onde o ator Anthony Mackie também se relaciona com um novo produto tecnológico para evitar o sofrimento do "luto", porém aqui ampliamos as discussões trazendo ótimas referências na linha de "Ex-Machina" e "Black Mirror", mas sem esquecer da "alma" de "Tales from the Loop".
Vale muito a pena, mas saiba que estamos falando de um drama, sem nenhuma intenção de criar qualquer cena de ação - o que importa são as relações, com o outro e consigo mesmo!
"O Canto do Cisne" é um filme sobre a "dor da despedida"! Mesmo fantasiada de ficção científica ao melhor estilo "Black Mirror", essa produção original da Apple é um drama dos mais profundos, onde uma trama aparentemente simples, vai se construindo em um complexo estudo de personagem, tocando em assuntos extremamente sensíveis e provocando discussões que vão da "ética" ao "perdão". Além de muito elegante cinematograficamente, estamos diante de mais uma aula de interpretação de Mahershala Ali!
Ambientado em um futuro próximo, "O Canto do Cisne" conta a história de uma jornada emocionante e poderosa pelo ponto de vista de Cameron (Mahershala Ali), um pai e marido amoroso que acaba de ser diagnosticado com uma doença terminal, mas que recebe de sua médica Dr. Jo Scott (Glenn Close) uma solução alternativapara proteger a família do luto. Enquanto Cam luta para decidir qual será o destino da família, ele aprende mais sobre a vida e o amor do que jamais havia imaginado. Confira o trailer (em inglês):
Existe uma sensibilidade em "O Canto do Cisne" que envolve a audiência sem precisar se apoiar em nenhum tipo de atalho para nos tocar fundo. As relações entre os personagens que o talentoso diretor Benjamin Cleary (vencedor do Oscar com seu curta-metragem "Stutterer" em 2016) vai estabelecendo, dita a cadência exata da narrativa com muita identidade e elegância. Se visualmente o filme chama atenção pela qualidade da fotografia do Masanobu Takayanagi (de "Spotlight: Segredos Revelados" e "O Lado bom da Vida") e pelo desenho de produção futurista da sempre incrível Annie Beauchamp (de "Moulin Rouge" e, claro, "Black Mirror"), é no roteiro do próprio Cleary e na montagem do Nathan Nugent (de "Normal People") que o filme sai do óbvio e brilha.
Lidar com uma decisão tão importante, que é fortemente acompanhada por inúmeras dúvidas existenciais, espirituais e, principalmente, pela difícil tarefa de redefinir a singularidade da essência do ser humano, faz de Cameron um personagem extremamente complexo, além de ser um presente para Mahershala Ali - já que o ator precisa se "duplicar" para servir de contraponto ético com o outro lado da história, a do seu clone Jack. Se a narrativa se apoia na ficção da transferência das memórias ou no aprendizado de uma inteligência artificial para discutir os principais elementos que definem o indivíduo, é no sentimento mais profundo de uma "saudade" que está por vir, que realmente nos conectamos com os dramas emocionais do personagem - e aqui cabe um comentário: mesmo com uma participação bem pontual, Awkwafina (e sua Kate) está perfeita. Ela funciona como uma espécie de catalisadora desse sentimento de vazio.
O fato é que "O Canto do Cisne" tem uma premissa muito parecida com um dos episódios da série "Solos"da Prime Vídeo, onde o ator Anthony Mackie também se relaciona com um novo produto tecnológico para evitar o sofrimento do "luto", porém aqui ampliamos as discussões trazendo ótimas referências na linha de "Ex-Machina" e "Black Mirror", mas sem esquecer da "alma" de "Tales from the Loop".
Vale muito a pena, mas saiba que estamos falando de um drama, sem nenhuma intenção de criar qualquer cena de ação - o que importa são as relações, com o outro e consigo mesmo!
É impossível assistir "O Chalé" (ou "The Lodge", título original) e não lembrar de "Hereditário". De fato existem muitas semelhanças, principalmente por usar de alguns elementos visuais e até de um certo conceito narrativo para trazer o mesmo tom de suspense, porém se o filme do diretor Ari Aster se apoiava no sobrenatural, o da dupla Severin Fiala e Veronika Franz (a mesma do excelente "Boa Noite, Mamãe" de 2014) usa mais do psicológico (mesmo que flertando com o inexplicável).
"O Chalé" conta a história de Aidan (Jaeden Martell) e Mia (Lia McHugh) que após viverem um drama familiar, são levados pelo pai, Richard (Richard Armitage), até um chalé da família para passar o Natal com sua nova namorada, Grace (Riley Keough). O problema é que ele precisa se ausentar alguns uns dias para trabalhar e a única opção é deixar as crianças com Grace, que mal as conhecem e ainda é taxada como a culpada pela separação de Richard. O que poderia ser uma ótima oportunidade de aproximação entre eles, logo se transforma em um verdadeiro terror quando situações inexplicáveis começam acontecer. Confira o trailer:
Na verdade "O Chalé" não me pareceu um filme tão autoral quanto "Hereditário", embora conceitualmente, seja! Minha percepção foi que Severin Fiala e Veronika Franz entregam um filme não tão profundo, sem tantas camadas e que exige menos da interpretação. O que eu quero dizer é que, mesmo misterioso, "O Chalé" é um filme mais fácil de entender, onde as peças do quebra-cabeça vão se encaixando com o tempo e no final tudo faz sentido e pronto - não precisamos sair igual loucos buscando mais informações além do que acabamos de assistir! Sendo assim, é um filme que deve agradar mais pessoas: aquelas que gostam do gênero e pretendem se entreter com ele, sem a necessidade de depois ficar discutindo sobre os mínimos detalhes! Eu gostei e indico com mais tranquilidade que "Hereitário" ou que o próprio "Boa Noite, Mamãe", mas saiba que se você se envolve com esse tipo de narrativa, sua diversão está garantida!
O roteiro de Sergio Casci, Veronika Franz e Severin Fiala consegue criar aquela dúvida interminável desde o momento em que o filme mergulha na tensão entre as crianças e a futura madrasta. O mérito de carregar tantas perguntas sem respostas até o final do segundo ato, merece ser destacado - poucos filmes conseguem manter o nível de tensão, de abstração dos fatos e de mistério com tanta competência. O problema, ao meu ver, é justamente o terceiro ato: não pelo conteúdo, mas pela forma como tudo é resolvido - me pareceu rápido demais! Até a metade do segundo ato, mais ou menos, o roteiro chega a empolgar: ele transita entre uma boa atmosfera de suspense sobrenatural e uma excelente linha de terror psicológico. Não que o final não faça sentido ou que seja ruim, longe disso, ele só é resolvido sem muitos questionamentos, tudo fica muito claro e explicado demais - até alguns enquadramentos são didáticos além da conta.
"O Chalé" não se apoia em tantas alegorias como "Hereditário", embora use muitos elementos que parecem ser até uma cópia do filme de Aster (e lógico que não é); cito duas: a sensação angustiante de misturar planos do chalé com a de uma casa em miniatura, que nos faz perder completamente a noção de espaço e realidade, e as referências às seitas religiosas (ou satânicas, dependendo do ponto de vista) - aqui temos uma cena sensacional gravada em vídeo, bem documental, que é angustiante e que explica muito sobre Grace e seus fantasmas - reparem! Além disso existe um certo mergulho na psiquê dos personagens que também são similares, principalmente da própria Grace (Riley Keough) e de Laura (Alicia Silverstone, em uma participação curta, mas marcante) com relação à Annie de Toni Collette. Sobre o elenco, mais um excelente trabalho, comedido, no tom certo e ao mesmo tempo bastante convincente do Jaeden Martell ("Em defesa de Jacob") - esse menino é um fenômeno e logo será reconhecido por isso - podem me cobrar!
O diretores já haviam provado conhecer exatamente essa gramática cinematográfica do suspense e, mais uma vez, fazem uma leitura visual muito interessante ao fixar a câmera e deixar que os atores contem a história como se estivessem em um palco. Quando escolhem os planos mais fechados, normalmente no rosto dos atores e em momentos extremamente introspectivos, temos a impressão que somos capazes que compreender perfeitamente aquele olhar e ao escutar o silêncio de suas pausas, vem aquela sensação aterrorizante de desconhecido - Riley Keough usa e abusa dessas pausas com muita maestria! A fotografia do grego Thimios Bakatakis (de "O Sacrifício do Cervo Sagrado") é linda e o Desenho de Som do Sylvain Bellemare (vencedor do Oscar com "A Chegada") e Paul Lucien Col (responsável por grandes sucessos da HBO como "Sharp Objects" e "Big Little Lies") é digno de prêmios!
"O Chalé" não é um filme de "sustos", é um filme de personagens complexos em sentimentos que, mesmo sem um mergulho tão profundo, nos provocam a reinterpretar as situações de acordo com a nossa crença - e isso é um dos pontos altos do filme. Ele é angustiante, um pouco claustrofóbico, mas bastante honesto ao construir o suspense baseado em uma trama que não rouba no jogo, que entrega as pistas nos momentos certos e nos deixa viajar em várias teorias. Vale como entretenimento sem a menor dúvida!
É impossível assistir "O Chalé" (ou "The Lodge", título original) e não lembrar de "Hereditário". De fato existem muitas semelhanças, principalmente por usar de alguns elementos visuais e até de um certo conceito narrativo para trazer o mesmo tom de suspense, porém se o filme do diretor Ari Aster se apoiava no sobrenatural, o da dupla Severin Fiala e Veronika Franz (a mesma do excelente "Boa Noite, Mamãe" de 2014) usa mais do psicológico (mesmo que flertando com o inexplicável).
"O Chalé" conta a história de Aidan (Jaeden Martell) e Mia (Lia McHugh) que após viverem um drama familiar, são levados pelo pai, Richard (Richard Armitage), até um chalé da família para passar o Natal com sua nova namorada, Grace (Riley Keough). O problema é que ele precisa se ausentar alguns uns dias para trabalhar e a única opção é deixar as crianças com Grace, que mal as conhecem e ainda é taxada como a culpada pela separação de Richard. O que poderia ser uma ótima oportunidade de aproximação entre eles, logo se transforma em um verdadeiro terror quando situações inexplicáveis começam acontecer. Confira o trailer:
Na verdade "O Chalé" não me pareceu um filme tão autoral quanto "Hereditário", embora conceitualmente, seja! Minha percepção foi que Severin Fiala e Veronika Franz entregam um filme não tão profundo, sem tantas camadas e que exige menos da interpretação. O que eu quero dizer é que, mesmo misterioso, "O Chalé" é um filme mais fácil de entender, onde as peças do quebra-cabeça vão se encaixando com o tempo e no final tudo faz sentido e pronto - não precisamos sair igual loucos buscando mais informações além do que acabamos de assistir! Sendo assim, é um filme que deve agradar mais pessoas: aquelas que gostam do gênero e pretendem se entreter com ele, sem a necessidade de depois ficar discutindo sobre os mínimos detalhes! Eu gostei e indico com mais tranquilidade que "Hereitário" ou que o próprio "Boa Noite, Mamãe", mas saiba que se você se envolve com esse tipo de narrativa, sua diversão está garantida!
O roteiro de Sergio Casci, Veronika Franz e Severin Fiala consegue criar aquela dúvida interminável desde o momento em que o filme mergulha na tensão entre as crianças e a futura madrasta. O mérito de carregar tantas perguntas sem respostas até o final do segundo ato, merece ser destacado - poucos filmes conseguem manter o nível de tensão, de abstração dos fatos e de mistério com tanta competência. O problema, ao meu ver, é justamente o terceiro ato: não pelo conteúdo, mas pela forma como tudo é resolvido - me pareceu rápido demais! Até a metade do segundo ato, mais ou menos, o roteiro chega a empolgar: ele transita entre uma boa atmosfera de suspense sobrenatural e uma excelente linha de terror psicológico. Não que o final não faça sentido ou que seja ruim, longe disso, ele só é resolvido sem muitos questionamentos, tudo fica muito claro e explicado demais - até alguns enquadramentos são didáticos além da conta.
"O Chalé" não se apoia em tantas alegorias como "Hereditário", embora use muitos elementos que parecem ser até uma cópia do filme de Aster (e lógico que não é); cito duas: a sensação angustiante de misturar planos do chalé com a de uma casa em miniatura, que nos faz perder completamente a noção de espaço e realidade, e as referências às seitas religiosas (ou satânicas, dependendo do ponto de vista) - aqui temos uma cena sensacional gravada em vídeo, bem documental, que é angustiante e que explica muito sobre Grace e seus fantasmas - reparem! Além disso existe um certo mergulho na psiquê dos personagens que também são similares, principalmente da própria Grace (Riley Keough) e de Laura (Alicia Silverstone, em uma participação curta, mas marcante) com relação à Annie de Toni Collette. Sobre o elenco, mais um excelente trabalho, comedido, no tom certo e ao mesmo tempo bastante convincente do Jaeden Martell ("Em defesa de Jacob") - esse menino é um fenômeno e logo será reconhecido por isso - podem me cobrar!
O diretores já haviam provado conhecer exatamente essa gramática cinematográfica do suspense e, mais uma vez, fazem uma leitura visual muito interessante ao fixar a câmera e deixar que os atores contem a história como se estivessem em um palco. Quando escolhem os planos mais fechados, normalmente no rosto dos atores e em momentos extremamente introspectivos, temos a impressão que somos capazes que compreender perfeitamente aquele olhar e ao escutar o silêncio de suas pausas, vem aquela sensação aterrorizante de desconhecido - Riley Keough usa e abusa dessas pausas com muita maestria! A fotografia do grego Thimios Bakatakis (de "O Sacrifício do Cervo Sagrado") é linda e o Desenho de Som do Sylvain Bellemare (vencedor do Oscar com "A Chegada") e Paul Lucien Col (responsável por grandes sucessos da HBO como "Sharp Objects" e "Big Little Lies") é digno de prêmios!
"O Chalé" não é um filme de "sustos", é um filme de personagens complexos em sentimentos que, mesmo sem um mergulho tão profundo, nos provocam a reinterpretar as situações de acordo com a nossa crença - e isso é um dos pontos altos do filme. Ele é angustiante, um pouco claustrofóbico, mas bastante honesto ao construir o suspense baseado em uma trama que não rouba no jogo, que entrega as pistas nos momentos certos e nos deixa viajar em várias teorias. Vale como entretenimento sem a menor dúvida!
"O Clube" mostra o lado mais escuro do ser humano, onde a hipocrisia está enraizada em camadas tão profundas que a "culpa" fica praticamente adormecida e os atos para mante-la assim se justificam por si só, mesmo que para isso seja necessário punir o outro! Esse premiado filme do chileno Pablo Larraín (de "Spencer") expõe o que há de mais sujo na igreja católica, com o cuidado de não ofender (ou julgar) a religião em si. Essa habilidade de Larraín de discutir um assunto tão sensível transforma uma narrativa extremamente autoral, e polêmica, em um filme profundo, reflexivo e muito provocador - que não vai agradar a todos, mas que é muito marcante para quem assiste.
Após um suicídio, o conselheiro espiritual para crises envolvendo a Igreja Católica, Padre García (Marcelo Alonso), é enviado para uma pequena cidade na costa do Chile onde quatro padres e uma freira, desonrados por "suspeita" de crimes que vão de abuso infantil ao roubo de bebês de mães não casadas, vivem isolados em busca de redenção. Com a chegada de Garcia, padre mais progressista e que deseja melhorar a imagem da igreja, aquela dinâmica do local já estabelecida simplesmente desaba, mostrando que cada um dos personagens possuem marcas muito mais profundas do que um retiro seria capaz de curar. Confira o trailer:
Extremamente alinhado com um visual maravilhoso, mérito do fotógrafo Sergio Armstrong (de "Neruda"), e uma direção cadenciada, mas extremamente competente de Larraín, o roteiro de "O Clube" é, sem dúvida, o ponto alto do filme. Em colaboração comGuilhermo Calderón e Daniel Villalobos, Larraín cria uma dinâmica narrativa extremamente concisa desde o primeiro plano, apresentando uma atmosfera de mistério que prende a atenção da audiência de uma forma avassaladora - e digo isso pois o assunto que guia a história é denso, mas ao mesmo tempo provocador já que o diretor prefere sugerir pelo diálogo todas as atrocidades ao invés impactar pela imagem, passando a responsabilidade dessa construção mental exclusivamente para nós. De fato o roteiro é econômico em cenas pesadas, mas riquíssimo nas descrições, criando assim um desconforto impressionante.
Se para alguns o tema vinculado a religião pode parecer pesado demais, para outros o subtexto discutido vai além - a noção de arrependimento e de redenção, fundamentais no catolicismo, ganha contornos tão problemáticos quanto reais quando o foco passa a ser personagens que escolheram esse caminho por "vocação". A forma como Larraín discute a "culpa", humaniza as fraquezas do ser humano dando a palavra para o outro lado da história antes mesmo que nosso julgamento possa ser finalizado. A maneira como a trama vai se encaixando, onde essas fraquezas vão sendo mostradas e as soluções vão sendo propostas, é de embrulhar o estômago e de perder a fé na humanidade.
Veja, através dos depoimentos dos quatros padres, da freira e da presença misteriosa do forasteiro Sandokan (Roberto Farías - em uma performance digna de muito prêmios), somos jogados sem o menor cuidado para alguns dos fatos mais obscuros da história da nossa sociedade como a própria relação da igreja com a violenta ditadura de Pinochet e as inúmeras acusações de pedofilia tão presentes, em tantos países, e que assombram a instituição desde o Vaticano.
Grande vencedor do Grande Prêmio do Júri no Festival de Berlim em 2015, "O Clube" tem muito a dizer, a grande questão é se as pessoas que assistem essa obra-prima estarão dispostas a escutar.
Vale muito seu play!
"O Clube" mostra o lado mais escuro do ser humano, onde a hipocrisia está enraizada em camadas tão profundas que a "culpa" fica praticamente adormecida e os atos para mante-la assim se justificam por si só, mesmo que para isso seja necessário punir o outro! Esse premiado filme do chileno Pablo Larraín (de "Spencer") expõe o que há de mais sujo na igreja católica, com o cuidado de não ofender (ou julgar) a religião em si. Essa habilidade de Larraín de discutir um assunto tão sensível transforma uma narrativa extremamente autoral, e polêmica, em um filme profundo, reflexivo e muito provocador - que não vai agradar a todos, mas que é muito marcante para quem assiste.
Após um suicídio, o conselheiro espiritual para crises envolvendo a Igreja Católica, Padre García (Marcelo Alonso), é enviado para uma pequena cidade na costa do Chile onde quatro padres e uma freira, desonrados por "suspeita" de crimes que vão de abuso infantil ao roubo de bebês de mães não casadas, vivem isolados em busca de redenção. Com a chegada de Garcia, padre mais progressista e que deseja melhorar a imagem da igreja, aquela dinâmica do local já estabelecida simplesmente desaba, mostrando que cada um dos personagens possuem marcas muito mais profundas do que um retiro seria capaz de curar. Confira o trailer:
Extremamente alinhado com um visual maravilhoso, mérito do fotógrafo Sergio Armstrong (de "Neruda"), e uma direção cadenciada, mas extremamente competente de Larraín, o roteiro de "O Clube" é, sem dúvida, o ponto alto do filme. Em colaboração comGuilhermo Calderón e Daniel Villalobos, Larraín cria uma dinâmica narrativa extremamente concisa desde o primeiro plano, apresentando uma atmosfera de mistério que prende a atenção da audiência de uma forma avassaladora - e digo isso pois o assunto que guia a história é denso, mas ao mesmo tempo provocador já que o diretor prefere sugerir pelo diálogo todas as atrocidades ao invés impactar pela imagem, passando a responsabilidade dessa construção mental exclusivamente para nós. De fato o roteiro é econômico em cenas pesadas, mas riquíssimo nas descrições, criando assim um desconforto impressionante.
Se para alguns o tema vinculado a religião pode parecer pesado demais, para outros o subtexto discutido vai além - a noção de arrependimento e de redenção, fundamentais no catolicismo, ganha contornos tão problemáticos quanto reais quando o foco passa a ser personagens que escolheram esse caminho por "vocação". A forma como Larraín discute a "culpa", humaniza as fraquezas do ser humano dando a palavra para o outro lado da história antes mesmo que nosso julgamento possa ser finalizado. A maneira como a trama vai se encaixando, onde essas fraquezas vão sendo mostradas e as soluções vão sendo propostas, é de embrulhar o estômago e de perder a fé na humanidade.
Veja, através dos depoimentos dos quatros padres, da freira e da presença misteriosa do forasteiro Sandokan (Roberto Farías - em uma performance digna de muito prêmios), somos jogados sem o menor cuidado para alguns dos fatos mais obscuros da história da nossa sociedade como a própria relação da igreja com a violenta ditadura de Pinochet e as inúmeras acusações de pedofilia tão presentes, em tantos países, e que assombram a instituição desde o Vaticano.
Grande vencedor do Grande Prêmio do Júri no Festival de Berlim em 2015, "O Clube" tem muito a dizer, a grande questão é se as pessoas que assistem essa obra-prima estarão dispostas a escutar.
Vale muito seu play!
"O Consultor" vai dividir opiniões - principalmente pelas expectativas que ele cria (de uma forma genial) e a entrega que ele faz no final (embora mostre enorme potencial para uma sequência)! Veja, talvez o maior mérito da série, e que de fato chama atenção desde o inicio, no final se transforma em sua maior fraqueza e a razão pela qual vai te fazer questionar sobre a qualidade da história: a série da Prime Vídeo bebe de muitas referências que colocam o sarrafo lá em cima. Não é preciso ir muito fundo para perceber elementos conceituais usados em verdadeiros sucessos, mesmo que em tons diferentes, como "The Office", "Mythic Quest", "Ruptura" e até como "O Advogado do Diabo"- o grande problema é que aqui, propositalmente, o arco principal deixa muito mais um suspense, um mistério, e por isso um certo incômodo, do que se propõe a entregar respostas, por menor que sejam, para que tenhamos uma leve sensação de estarmos no caminho certo.
A questão é: existe um caminho?
Contratado como consultor para resgatar a CompWare da falência após um evento traumático para a startup especializada em games para celular, Regus Patoff (Christopher Waltz) gradualmente começa a colocar seu particular estilo de gestão, mesmo que isso não tenha absolutamente nada a ver com a cultura criada e estabelecida pelo seu fundador, o jovem Sang (Brian Yoon), o que cria uma verdadeira atmosfera de tensão e insegurança perante todos os colaboradores da empresa. Confira o trailer:
Se olharmos por um determinado ponto de vista, "O Consultor" é muito mais uma aula sobre cultura corporativado que propriamente um mero entretenimento, mas calma: é possível se divertir com a série criada pelo Tony Basgallop (de "Servant"). Inspirado no romance homônimo de Bentley Little, de 2015, "O Consultor" é uma espécie de sátira sobre a péssima relação entre umcolaborador e uma nova liderança desalinhada com a cultura da empresa, que acaba questionando o queseríamos capazes de fazer para sobreviverem um ambiente corporativo que da noite para o dia passa a ser tão tóxico quando volátil.
Christopher Waltz, de fato, constrói um protagonista brilhante, digno de prêmios! Mas a sensação é que, com o passar dos episódios, o "efeito Lost" parece fazer mais uma vitima, ou seja, mesmo com um personagem que nos provoca as mais diversas emoções, os mistérios inseridos no roteiro não entregam sequer uma resposta convincente - é como se todas as (interessantes) maluquices que vemos durante a temporada, simplesmente estão ali por estar. Diferente de "Ruptura" onde tudo parece ter algum sentido (mesmo que exija uma enorme suspensão da realidade), aqui as peças não se encaixam em nenhum momento - mesmo com um final conclusivo que, inclusive, coloca em dúvida a ideia de que uma continuidade para a história possa ter sido planejada.
"O Consultor" aposta suas fichas na sobriedade claustrofóbica de uma palheta de cores frias que contrasta com os neons que praticamente saltam ao olhos da audiência, como se precisassem pontuar um universo entre o tradicional e o moderno que não sabe muito bem o tamanho de sua importância - esse aspecto mais dúbio, envolvido por uma trilha sonora precisa e equilibrada, dá o tom do que o roteiro sugere, mas falha em validar qualquer que fosse a teoria que naturalmente levantamos desde o inicio da temporada. Entretanto, ainda que como entretenimento exista gaps narrativos imensos, é possível afirmar que algo bom pode estar por vir - a dúvida é se a audiência terá paciência e se o próprio Basgallop terá liberdade criativa para provar que tudo um dia fará sentido. Veremos!
"O Consultor" vai dividir opiniões - principalmente pelas expectativas que ele cria (de uma forma genial) e a entrega que ele faz no final (embora mostre enorme potencial para uma sequência)! Veja, talvez o maior mérito da série, e que de fato chama atenção desde o inicio, no final se transforma em sua maior fraqueza e a razão pela qual vai te fazer questionar sobre a qualidade da história: a série da Prime Vídeo bebe de muitas referências que colocam o sarrafo lá em cima. Não é preciso ir muito fundo para perceber elementos conceituais usados em verdadeiros sucessos, mesmo que em tons diferentes, como "The Office", "Mythic Quest", "Ruptura" e até como "O Advogado do Diabo"- o grande problema é que aqui, propositalmente, o arco principal deixa muito mais um suspense, um mistério, e por isso um certo incômodo, do que se propõe a entregar respostas, por menor que sejam, para que tenhamos uma leve sensação de estarmos no caminho certo.
A questão é: existe um caminho?
Contratado como consultor para resgatar a CompWare da falência após um evento traumático para a startup especializada em games para celular, Regus Patoff (Christopher Waltz) gradualmente começa a colocar seu particular estilo de gestão, mesmo que isso não tenha absolutamente nada a ver com a cultura criada e estabelecida pelo seu fundador, o jovem Sang (Brian Yoon), o que cria uma verdadeira atmosfera de tensão e insegurança perante todos os colaboradores da empresa. Confira o trailer:
Se olharmos por um determinado ponto de vista, "O Consultor" é muito mais uma aula sobre cultura corporativado que propriamente um mero entretenimento, mas calma: é possível se divertir com a série criada pelo Tony Basgallop (de "Servant"). Inspirado no romance homônimo de Bentley Little, de 2015, "O Consultor" é uma espécie de sátira sobre a péssima relação entre umcolaborador e uma nova liderança desalinhada com a cultura da empresa, que acaba questionando o queseríamos capazes de fazer para sobreviverem um ambiente corporativo que da noite para o dia passa a ser tão tóxico quando volátil.
Christopher Waltz, de fato, constrói um protagonista brilhante, digno de prêmios! Mas a sensação é que, com o passar dos episódios, o "efeito Lost" parece fazer mais uma vitima, ou seja, mesmo com um personagem que nos provoca as mais diversas emoções, os mistérios inseridos no roteiro não entregam sequer uma resposta convincente - é como se todas as (interessantes) maluquices que vemos durante a temporada, simplesmente estão ali por estar. Diferente de "Ruptura" onde tudo parece ter algum sentido (mesmo que exija uma enorme suspensão da realidade), aqui as peças não se encaixam em nenhum momento - mesmo com um final conclusivo que, inclusive, coloca em dúvida a ideia de que uma continuidade para a história possa ter sido planejada.
"O Consultor" aposta suas fichas na sobriedade claustrofóbica de uma palheta de cores frias que contrasta com os neons que praticamente saltam ao olhos da audiência, como se precisassem pontuar um universo entre o tradicional e o moderno que não sabe muito bem o tamanho de sua importância - esse aspecto mais dúbio, envolvido por uma trilha sonora precisa e equilibrada, dá o tom do que o roteiro sugere, mas falha em validar qualquer que fosse a teoria que naturalmente levantamos desde o inicio da temporada. Entretanto, ainda que como entretenimento exista gaps narrativos imensos, é possível afirmar que algo bom pode estar por vir - a dúvida é se a audiência terá paciência e se o próprio Basgallop terá liberdade criativa para provar que tudo um dia fará sentido. Veremos!
Você vai se surpreender com essa produção original da Netflix, "O Desconhecido". Sem exagero algum, mas se me dissessem que o filme havia sido dirigido pelo David Fincher ou até pelo Nolan, eu acreditaria tranquilamente. Até por isso eu preciso avisar que não se trata de uma jornada das mais fáceis, nem na "forma" e muito menos no seu "conteúdo". Na "forma", existe uma certa morosidade no primeiro ato (e talvez até o meio do segundo), o conceito narrativo também soa confuso em um primeiro olhar (embora com o tempo as peças se encaixem perfeitamente, mesmo que isso exija alguma paciência) e a fotografia, escura e densa, amplifica essa sensação de cansaço que a história possa oferecer até "pegar no tranco". Já no "conteúdo", posso antecipar que se trata de uma história pesada, cheia de nuances e detalhes muito bem desenvolvidos, mas olha, difíceis de digerir.
Em "The Stranger" (no original), dois homens se encontram por acaso e iniciam uma parceria que se transforma em uma forte amizade. Para Henry Teague (Sean Harris), desgastado por uma vida inteira de trabalho físico e alguns crimes, essa conexão é um sonho realizado, uma oportunidade; seu novo amigo Mark (Joel Edgerton) pode ser seu salvador e aliado eterno. No entanto, nem tudo é o que parece ser e cada um carrega segredos que ameaçam arruiná-los a cada novo trabalho. Confira o trailer (em inglês):
Essa é uma das maiores operações policiais da história da Austrália e foi baseada no livro "The Sting" da jornalista e escritora Kate Kyriacou, no entanto o que mais impressiona desde o primeiro plano, é como o diretor Thomas M. Wright (de "Acute Misfortune") cria uma atmosfera de suspense e de muita tensão. Reparem como o diretor de fotografia, Sam Chiplin (da ótima minissérie "Em Prantos"), usa de uma paleta de cores sombria e com muito contrastante, juntamente com enquadramentos mais fechados, para enfatizar o clima opressivo e o desconforto emocional dos personagens - tudo se encaixa tão perfeitamente que parece se tratar de uma produção com muito mais grife do realmente é - e isso é um baita elogio!
O conceito narrativo de "O Desconhecido", de fato, é tão complexa quanto intrigante. O filme segue os dois protagonistas sem parecer querer entregar muitas informações, no entanto, conforme a trama vai se desenrolando, descobrimos lentamente os segredos ocultos, os medos, as inseguranças e até as conexões obscuras que eles vão criando. O roteiro habilmente estruturada pelo próprio Wright parece ganhar ainda mais potência (se é que isso é possível) com a notável qualidade da edição do Simon Njoo (de "The Nightingale"). Ela alterna entre o passado e o presente, criando uma sensação de angustia e mistério, impressionante.
No final das contas, "O Desconhecido" sabe muito bem trabalhar um abstrato (e difícil) componente narrativo com muita sabedoria: a antítese. Com performances brilhantes de Joel Edgerton e Sean Harris, temos a exata sensação de estarmos frente a frente em uma batalha onde um é o veneno mortal e o outro seu pior antídoto - essa análise comportamental e emocional dos protagonistas está em muitos detalhes, da relação de Mark com seu filho ao desejo de Henry pelo seu parceiro, criando assim camadas tão profundas que a própria investigação fica em segundo plano.
Olha, uma produção de se tirar o chapéu! Vale muito o seu play!
Você vai se surpreender com essa produção original da Netflix, "O Desconhecido". Sem exagero algum, mas se me dissessem que o filme havia sido dirigido pelo David Fincher ou até pelo Nolan, eu acreditaria tranquilamente. Até por isso eu preciso avisar que não se trata de uma jornada das mais fáceis, nem na "forma" e muito menos no seu "conteúdo". Na "forma", existe uma certa morosidade no primeiro ato (e talvez até o meio do segundo), o conceito narrativo também soa confuso em um primeiro olhar (embora com o tempo as peças se encaixem perfeitamente, mesmo que isso exija alguma paciência) e a fotografia, escura e densa, amplifica essa sensação de cansaço que a história possa oferecer até "pegar no tranco". Já no "conteúdo", posso antecipar que se trata de uma história pesada, cheia de nuances e detalhes muito bem desenvolvidos, mas olha, difíceis de digerir.
Em "The Stranger" (no original), dois homens se encontram por acaso e iniciam uma parceria que se transforma em uma forte amizade. Para Henry Teague (Sean Harris), desgastado por uma vida inteira de trabalho físico e alguns crimes, essa conexão é um sonho realizado, uma oportunidade; seu novo amigo Mark (Joel Edgerton) pode ser seu salvador e aliado eterno. No entanto, nem tudo é o que parece ser e cada um carrega segredos que ameaçam arruiná-los a cada novo trabalho. Confira o trailer (em inglês):
Essa é uma das maiores operações policiais da história da Austrália e foi baseada no livro "The Sting" da jornalista e escritora Kate Kyriacou, no entanto o que mais impressiona desde o primeiro plano, é como o diretor Thomas M. Wright (de "Acute Misfortune") cria uma atmosfera de suspense e de muita tensão. Reparem como o diretor de fotografia, Sam Chiplin (da ótima minissérie "Em Prantos"), usa de uma paleta de cores sombria e com muito contrastante, juntamente com enquadramentos mais fechados, para enfatizar o clima opressivo e o desconforto emocional dos personagens - tudo se encaixa tão perfeitamente que parece se tratar de uma produção com muito mais grife do realmente é - e isso é um baita elogio!
O conceito narrativo de "O Desconhecido", de fato, é tão complexa quanto intrigante. O filme segue os dois protagonistas sem parecer querer entregar muitas informações, no entanto, conforme a trama vai se desenrolando, descobrimos lentamente os segredos ocultos, os medos, as inseguranças e até as conexões obscuras que eles vão criando. O roteiro habilmente estruturada pelo próprio Wright parece ganhar ainda mais potência (se é que isso é possível) com a notável qualidade da edição do Simon Njoo (de "The Nightingale"). Ela alterna entre o passado e o presente, criando uma sensação de angustia e mistério, impressionante.
No final das contas, "O Desconhecido" sabe muito bem trabalhar um abstrato (e difícil) componente narrativo com muita sabedoria: a antítese. Com performances brilhantes de Joel Edgerton e Sean Harris, temos a exata sensação de estarmos frente a frente em uma batalha onde um é o veneno mortal e o outro seu pior antídoto - essa análise comportamental e emocional dos protagonistas está em muitos detalhes, da relação de Mark com seu filho ao desejo de Henry pelo seu parceiro, criando assim camadas tão profundas que a própria investigação fica em segundo plano.
Olha, uma produção de se tirar o chapéu! Vale muito o seu play!
"O Farol" ("The Lighthouse", título original) do diretor de "A Bruxa", Robert Eggers, é uma experiência sensorial incrível, porém se apoia em um tipo de narrativa pouco convencional e isso, certamente, vai dividir opiniões - eu diria que é uma experiência bem parecida com a de assistir "Pi" do Darren Aronofsky.
Na história, dois marinheiros: um veterano, Thomas Wake (Willem Dafoe) e um novato, Ephraim Winslow (Robert Pattinson); são enviados para uma ilha, aparentemente, remota, para cuidar da manutenção de um farol. Ambos precisam dividir algumas tarefas e conviver como "colegas de quarto" até que novos marinheiros possam substituí-los. Claro, não demora muito para que a diferença de hierarquia imposta pelo veterano Wake passe a incomodar Winslow tornando esse isolamento, o tédio do dia a dia e a própria convivência entre os dois, insuportável. Confira o trailer:
Como o já mencionado "Pi", "O Farol" é quase um tratado da loucura, ao analisar o comportamento humano quando levado aos extremos - e aqui cabe um observação interessante: existe uma espécie de mitologia entre marinheiros, com lendas e superstições que praticamente moldam o caráter e o respeito dessa classe perante o mar e é justamente a partir desse conceito que os personagens direcionam suas ações durante todo o filme. O grande problema é que a linha tênue entre a realidade e a imaginação vai praticamente se desfazendo conforme os dias vão passando naquele ambiente tão particular e a constante tensão entre Wake e Winslow apenas acelera esse movimento, ou seja, a partir do segundo ato, o filme nos provoca a esperar sempre o pior, já que os limites aceitáveis de uma relação entre duas pessoas simplesmente desaparece! Não espere sustos, o horror não está naquilo que vemos e sim no que sentimos - lembrem-se disso!
O diretor e seu irmão Max Eggers escreveram um roteiro primoroso, que pode até causar um certo estranhamento inicial, já que os diálogos foram construídos em cima de um inglês mais antigo, com linguajar próprio de "velhos homens do mar"! Esse toque conceitual está completamente alinhado com a estética visual do filme: branco e preto, filmado em um aspecto 1.19:1 (mais fechado que os 4:3 das TVs antigas), em 35mm e com lentes da década de 1930. A própria captação do som foi feita em "mono" o que nos provoca uma certa sensação claustrofóbica, de abafado, potencializando a angústia dos personagens, sempre espremidos em ambientes escuros, sujos, mal cuidados. O desenho de som e a trilha sonora do Mark Korven misturam elementos metálicos e graves, ensurdecedores, que dialogam perfeitamente com um certo zumbido do mau tempo constante da ilha!
A direção de Robert Eggers é espetacular, como em seu filme anterior, ele cuida de cada detalhe para que nossa experiência seja inesquecível - e de fato ele alcança esse objetivo. Se possível, assista esse filme com o som bem alto e perceba como até o silêncio atua como catalizador de emoções - veja, para muitos, o filme vai parecer muito mais um delírio autoral do que uma narrativa minimamente compreensível! Acontece que essa escolha conceitual serve justamente para construir uma tensão permanente e quando o diretor de fotografia, Jarin Blaschk (única indicação ao Oscar 2020), enquadra os atores, o que encontramos é uma aula de atuação - tanto de Willem Dafoe, quanto de Robert Pattinson - ambos inacreditavelmente esquecidos pela Academia!
O filme tem um estranho tipo de humor, irônico e sombrio, além disso trabalha o simbolismo como poucos - a referência de Aronofsky acaba fazendo muito sentido por esse ponto de vista! Saiba que se trata de uma história repleta de mistérios, tensão e suspense, pontuadas com ritmo cirúrgico da trilha sonora e com uma conclusão sem nenhuma explicação, mas que chega a nos causar um certo alívio. Como na filmografia de Ari Aster de "Hereditário" e "Midsommar" ou da dupla Severin Fiala e Veronika Franz de "O Chalé" e "Boa Noite, Mamãe", assistir o trabalho de Robert Eggers não deve agradar a todos, mas para quem está disposto a embarcar no "pouco convencional", certamente, o entretenimento de qualidade está garantido!
"O Farol" ("The Lighthouse", título original) do diretor de "A Bruxa", Robert Eggers, é uma experiência sensorial incrível, porém se apoia em um tipo de narrativa pouco convencional e isso, certamente, vai dividir opiniões - eu diria que é uma experiência bem parecida com a de assistir "Pi" do Darren Aronofsky.
Na história, dois marinheiros: um veterano, Thomas Wake (Willem Dafoe) e um novato, Ephraim Winslow (Robert Pattinson); são enviados para uma ilha, aparentemente, remota, para cuidar da manutenção de um farol. Ambos precisam dividir algumas tarefas e conviver como "colegas de quarto" até que novos marinheiros possam substituí-los. Claro, não demora muito para que a diferença de hierarquia imposta pelo veterano Wake passe a incomodar Winslow tornando esse isolamento, o tédio do dia a dia e a própria convivência entre os dois, insuportável. Confira o trailer:
Como o já mencionado "Pi", "O Farol" é quase um tratado da loucura, ao analisar o comportamento humano quando levado aos extremos - e aqui cabe um observação interessante: existe uma espécie de mitologia entre marinheiros, com lendas e superstições que praticamente moldam o caráter e o respeito dessa classe perante o mar e é justamente a partir desse conceito que os personagens direcionam suas ações durante todo o filme. O grande problema é que a linha tênue entre a realidade e a imaginação vai praticamente se desfazendo conforme os dias vão passando naquele ambiente tão particular e a constante tensão entre Wake e Winslow apenas acelera esse movimento, ou seja, a partir do segundo ato, o filme nos provoca a esperar sempre o pior, já que os limites aceitáveis de uma relação entre duas pessoas simplesmente desaparece! Não espere sustos, o horror não está naquilo que vemos e sim no que sentimos - lembrem-se disso!
O diretor e seu irmão Max Eggers escreveram um roteiro primoroso, que pode até causar um certo estranhamento inicial, já que os diálogos foram construídos em cima de um inglês mais antigo, com linguajar próprio de "velhos homens do mar"! Esse toque conceitual está completamente alinhado com a estética visual do filme: branco e preto, filmado em um aspecto 1.19:1 (mais fechado que os 4:3 das TVs antigas), em 35mm e com lentes da década de 1930. A própria captação do som foi feita em "mono" o que nos provoca uma certa sensação claustrofóbica, de abafado, potencializando a angústia dos personagens, sempre espremidos em ambientes escuros, sujos, mal cuidados. O desenho de som e a trilha sonora do Mark Korven misturam elementos metálicos e graves, ensurdecedores, que dialogam perfeitamente com um certo zumbido do mau tempo constante da ilha!
A direção de Robert Eggers é espetacular, como em seu filme anterior, ele cuida de cada detalhe para que nossa experiência seja inesquecível - e de fato ele alcança esse objetivo. Se possível, assista esse filme com o som bem alto e perceba como até o silêncio atua como catalizador de emoções - veja, para muitos, o filme vai parecer muito mais um delírio autoral do que uma narrativa minimamente compreensível! Acontece que essa escolha conceitual serve justamente para construir uma tensão permanente e quando o diretor de fotografia, Jarin Blaschk (única indicação ao Oscar 2020), enquadra os atores, o que encontramos é uma aula de atuação - tanto de Willem Dafoe, quanto de Robert Pattinson - ambos inacreditavelmente esquecidos pela Academia!
O filme tem um estranho tipo de humor, irônico e sombrio, além disso trabalha o simbolismo como poucos - a referência de Aronofsky acaba fazendo muito sentido por esse ponto de vista! Saiba que se trata de uma história repleta de mistérios, tensão e suspense, pontuadas com ritmo cirúrgico da trilha sonora e com uma conclusão sem nenhuma explicação, mas que chega a nos causar um certo alívio. Como na filmografia de Ari Aster de "Hereditário" e "Midsommar" ou da dupla Severin Fiala e Veronika Franz de "O Chalé" e "Boa Noite, Mamãe", assistir o trabalho de Robert Eggers não deve agradar a todos, mas para quem está disposto a embarcar no "pouco convencional", certamente, o entretenimento de qualidade está garantido!
Antes de mais nada é preciso dizer que "O Gambito da Rainha" não se trata de xadrez, da mesma forma que o filme "Rocky" não se tratava de boxe - o esporte, seja ele qual for, nos conta ótimas histórias, reais ou de ficção, mas serve apenas como pano de fundo para mover o que mais nos interessa: o personagem em busca de superação, a partir de resiliência, dedicação e, acredite, fé (seja ela qual for)!
Beth Harmon (Anya Taylor-Joy) é uma criança prodígio, com um passado conturbado, sem nenhuma referência familiar ou de afeto. Com a morte de sua mãe em um acidente de carro, ela é levada para um orfanato e é lá que acaba aprendendo e se apaixonando pelo xadrez. A partir daí acompanhamos sua jornada como enxadrista: dos primeiros campeonatos até a disputa do campeonato mundial, competindo com os melhores do mundo (leia-se, os soviéticos) em plena Moscou da Guerra-Fria. Confira o trailer:
Ambientada nos anos 60, em um cenário onde a tensão política entre EUA e URSS criava uma uma atmosfera competitiva entre os dois países, "O Gambito da Rainha" acerta na mosca ao usar o esporte como fio condutor para tocar em outros temas bastante relevantes atualmente, como o abandono parental, o abuso de substâncias químicas como o álcool e calmantes, o patriarcado e a até a desigualdade de gênero. Sem dúvida alguma, estamos falando de uma minissérie leve, então não espere diálogos marcantes ou cenas impactantes no desenvolvimentos desses assuntos mais espinhosos e talvez por esse motivo. tenha atraído tanta audiência e se transformado na minissérie mais assistida do serviço de streaming da história nos seus primeiros 28 dias de exibição!
"O Gambito da Rainha" é um movimento de abertura em uma partida de xadrez onde se oferece um peão para adquirir vantagem de posição, romper a posição central do adversário ou organizar um ataque mais rápido e eficiente. Você sabia disso? Pois é, eu também não! E aí talvez esteja a jogada mais genial do planejamento estratégico da Netflix: mesmo com um título tão especifico como esse (que em português é ainda mais duvidoso) e tendo um esporte pouco, digamos, emocionante em destaque; colocar Anya Taylor-Joy no papel de protagonista para gerar o mínimo de curiosidade sobre a história se mostrou um grande acerto! Taylor-Joy (de "A Bruxa", "Fragmentado" e "Os Novos Mutantes") está simplesmente sensacional - e pode separar o Emmy ou Globo de Ouro de 2021 para ela! Além de linda, ela tem um efeito que hipnotiza com seu carisma - ela fala com olhar, com a o silêncio, com a paixão! É realmente um presente de personagem!
O roteiro, baseado no livro homônimo de Walter Trevis (1983), é muito bem construído - se respeitarmos as limitações narrativas impostas pelo serviço de streaming para atingir uma maior audiência. Se pensarmos que o projeto inicialmente seria de um filme (com Ellen Page como Beth Harmon), posso garantir que saímos ganhando! Os 7 episódios cobrem muito bem o desenvolvimento da protagonista como esportista e pincela razoavelmente bem os temas que vão ajudar a compor sua personalidade - você não verá o processo de decadência de Beth Harmon, mesmo com o texto flertando em vários momentos com essa expectativa, porém a jornada é tão bem trabalhada que nem nos damos conta que para o herói conseguir seu objetivo, ele precisa cair, retornar e enfrentar seus maiores fantasmas até a vitória final!
A minissérie é muito bem dirigida pelo Scott Frank - um talento como roteirista, indicado duas vezes ao Oscar ("Logan" e "Irresistível Paixão"), e que vem se provando um promissor diretor desde "Godless". O Desenho de Produção faz uma reconstituição de época bem interessante também, embora algumas aplicações de cenários virtuais tenham ficado bem falsos, mas mesmo assim, tanto os figurinos, quanto a direção de arte em si, estão muito bonitos. Dois pontos merecem nossa atenção: a trilha sonora é cuidadosa, funciona como gatilhos emocionais em todo momento chave - da mesma forma como em "Rocky 4" para seguirmos com a comparação (mesmo que pareça esdrúxula). E a intervenções gráficas do tabuleiro de xadrez quando Harmon está sob o efeito dos calmantes, são muito legais!
Não poderia terminar essa análise sem deixar de citar Isla Johnston - a Beth Harmon criança do primeiro episódio. Essa menina é um fenômeno - guardem o nome dela! Pois bem, "O Gambito da Rainha" não é um sucesso por acaso, como fica fácil comprovar após esse texto. Tudo que é preciso para criar uma jornada emocionante de superação está na história. Procurei não entrar em tantos detalhes narrativos para não influenciar na sua experiência, mas pode embarcar tranquilamente que serão quase sete horas de um ótimo entretenimento, mas poucas surpresas! Vale a pena !
Antes de mais nada é preciso dizer que "O Gambito da Rainha" não se trata de xadrez, da mesma forma que o filme "Rocky" não se tratava de boxe - o esporte, seja ele qual for, nos conta ótimas histórias, reais ou de ficção, mas serve apenas como pano de fundo para mover o que mais nos interessa: o personagem em busca de superação, a partir de resiliência, dedicação e, acredite, fé (seja ela qual for)!
Beth Harmon (Anya Taylor-Joy) é uma criança prodígio, com um passado conturbado, sem nenhuma referência familiar ou de afeto. Com a morte de sua mãe em um acidente de carro, ela é levada para um orfanato e é lá que acaba aprendendo e se apaixonando pelo xadrez. A partir daí acompanhamos sua jornada como enxadrista: dos primeiros campeonatos até a disputa do campeonato mundial, competindo com os melhores do mundo (leia-se, os soviéticos) em plena Moscou da Guerra-Fria. Confira o trailer:
Ambientada nos anos 60, em um cenário onde a tensão política entre EUA e URSS criava uma uma atmosfera competitiva entre os dois países, "O Gambito da Rainha" acerta na mosca ao usar o esporte como fio condutor para tocar em outros temas bastante relevantes atualmente, como o abandono parental, o abuso de substâncias químicas como o álcool e calmantes, o patriarcado e a até a desigualdade de gênero. Sem dúvida alguma, estamos falando de uma minissérie leve, então não espere diálogos marcantes ou cenas impactantes no desenvolvimentos desses assuntos mais espinhosos e talvez por esse motivo. tenha atraído tanta audiência e se transformado na minissérie mais assistida do serviço de streaming da história nos seus primeiros 28 dias de exibição!
"O Gambito da Rainha" é um movimento de abertura em uma partida de xadrez onde se oferece um peão para adquirir vantagem de posição, romper a posição central do adversário ou organizar um ataque mais rápido e eficiente. Você sabia disso? Pois é, eu também não! E aí talvez esteja a jogada mais genial do planejamento estratégico da Netflix: mesmo com um título tão especifico como esse (que em português é ainda mais duvidoso) e tendo um esporte pouco, digamos, emocionante em destaque; colocar Anya Taylor-Joy no papel de protagonista para gerar o mínimo de curiosidade sobre a história se mostrou um grande acerto! Taylor-Joy (de "A Bruxa", "Fragmentado" e "Os Novos Mutantes") está simplesmente sensacional - e pode separar o Emmy ou Globo de Ouro de 2021 para ela! Além de linda, ela tem um efeito que hipnotiza com seu carisma - ela fala com olhar, com a o silêncio, com a paixão! É realmente um presente de personagem!
O roteiro, baseado no livro homônimo de Walter Trevis (1983), é muito bem construído - se respeitarmos as limitações narrativas impostas pelo serviço de streaming para atingir uma maior audiência. Se pensarmos que o projeto inicialmente seria de um filme (com Ellen Page como Beth Harmon), posso garantir que saímos ganhando! Os 7 episódios cobrem muito bem o desenvolvimento da protagonista como esportista e pincela razoavelmente bem os temas que vão ajudar a compor sua personalidade - você não verá o processo de decadência de Beth Harmon, mesmo com o texto flertando em vários momentos com essa expectativa, porém a jornada é tão bem trabalhada que nem nos damos conta que para o herói conseguir seu objetivo, ele precisa cair, retornar e enfrentar seus maiores fantasmas até a vitória final!
A minissérie é muito bem dirigida pelo Scott Frank - um talento como roteirista, indicado duas vezes ao Oscar ("Logan" e "Irresistível Paixão"), e que vem se provando um promissor diretor desde "Godless". O Desenho de Produção faz uma reconstituição de época bem interessante também, embora algumas aplicações de cenários virtuais tenham ficado bem falsos, mas mesmo assim, tanto os figurinos, quanto a direção de arte em si, estão muito bonitos. Dois pontos merecem nossa atenção: a trilha sonora é cuidadosa, funciona como gatilhos emocionais em todo momento chave - da mesma forma como em "Rocky 4" para seguirmos com a comparação (mesmo que pareça esdrúxula). E a intervenções gráficas do tabuleiro de xadrez quando Harmon está sob o efeito dos calmantes, são muito legais!
Não poderia terminar essa análise sem deixar de citar Isla Johnston - a Beth Harmon criança do primeiro episódio. Essa menina é um fenômeno - guardem o nome dela! Pois bem, "O Gambito da Rainha" não é um sucesso por acaso, como fica fácil comprovar após esse texto. Tudo que é preciso para criar uma jornada emocionante de superação está na história. Procurei não entrar em tantos detalhes narrativos para não influenciar na sua experiência, mas pode embarcar tranquilamente que serão quase sete horas de um ótimo entretenimento, mas poucas surpresas! Vale a pena !
"Enemy" (título original) é simplesmente sensacional, mas já aviso: é uma loucura, daqueles de dar nó na cabeça ao melhor estilo Nolan - e por isso pode decepcionar quem busca algo mais, digamos, tradicional!
O filme narra a história de Adam Bell (Jake Gyllenhaal), professor universitário preso a uma monótona rotina diária, que descobre um sósia famoso enquanto assiste a um filme. Intrigado, ele passa a seguir este homem, transformando a vida de ambos em uma loucura. Baseado no livro "O Homem Duplicado" de José Saramago, o filme vai te provocar e fazer com que você busque muitas respostas fora do filme - sim, esse é daqueles que nos faz pensar, discutir, pesquisar por horas!
A força de "O Homem Duplicado" reside justamente em sua habilidade de criar uma atmosfera de tensão e paranoia, alimentada pela atuação magistral de Gyllenhaal. Sua interpretação de dois personagens aparentemente idênticos, mas com nuances distintas, é verdadeiramente impressionante e cativante. Villeneuve, conhecido por sua habilidade em construir tramas cheias de suspense, utiliza cenários sombrios e uma trilha sonora inquietante para mergulhar a audiência na mente perturbada de Adam.
O roteiro de Javier Gullón (de "Invasor") é de uma complexidade e profundidade absurdos. Ao explorar temas como identidade, alienação e desejo, o filme desafia as nossas expectativas a cada nova descoberta e nos convida à reflexão sobre a natureza da realidade e da individualidade sem pedir permissão. A escolha de Villeneuve em manter o mistério e a ambiguidade ao longo da narrativa eleva o filme a um nível absurdo de excelência artística, deixando espaço para interpretações diversas e debates profundos após os créditos.
Além da performance estelar de Gyllenhaal, o elenco de apoio também merece destaque, com atuações sólidas de Mélanie Laurent, Sarah Gadon e Isabella Rossellini. Cada personagem adiciona uma camada adicional à complexidade da trama, contribuindo para a riqueza emocional e intelectual do filme. Dito isso, recomendar "O Homem Duplicado" acaba se tornando fácil, já que é considerada por muitos uma obra-prima do cinema moderno, que combina uma narrativa envolvente, performances excepcionais e uma profundidade temática incomparável.
"Enemy" (título original) é simplesmente sensacional, mas já aviso: é uma loucura, daqueles de dar nó na cabeça ao melhor estilo Nolan - e por isso pode decepcionar quem busca algo mais, digamos, tradicional!
O filme narra a história de Adam Bell (Jake Gyllenhaal), professor universitário preso a uma monótona rotina diária, que descobre um sósia famoso enquanto assiste a um filme. Intrigado, ele passa a seguir este homem, transformando a vida de ambos em uma loucura. Baseado no livro "O Homem Duplicado" de José Saramago, o filme vai te provocar e fazer com que você busque muitas respostas fora do filme - sim, esse é daqueles que nos faz pensar, discutir, pesquisar por horas!
A força de "O Homem Duplicado" reside justamente em sua habilidade de criar uma atmosfera de tensão e paranoia, alimentada pela atuação magistral de Gyllenhaal. Sua interpretação de dois personagens aparentemente idênticos, mas com nuances distintas, é verdadeiramente impressionante e cativante. Villeneuve, conhecido por sua habilidade em construir tramas cheias de suspense, utiliza cenários sombrios e uma trilha sonora inquietante para mergulhar a audiência na mente perturbada de Adam.
O roteiro de Javier Gullón (de "Invasor") é de uma complexidade e profundidade absurdos. Ao explorar temas como identidade, alienação e desejo, o filme desafia as nossas expectativas a cada nova descoberta e nos convida à reflexão sobre a natureza da realidade e da individualidade sem pedir permissão. A escolha de Villeneuve em manter o mistério e a ambiguidade ao longo da narrativa eleva o filme a um nível absurdo de excelência artística, deixando espaço para interpretações diversas e debates profundos após os créditos.
Além da performance estelar de Gyllenhaal, o elenco de apoio também merece destaque, com atuações sólidas de Mélanie Laurent, Sarah Gadon e Isabella Rossellini. Cada personagem adiciona uma camada adicional à complexidade da trama, contribuindo para a riqueza emocional e intelectual do filme. Dito isso, recomendar "O Homem Duplicado" acaba se tornando fácil, já que é considerada por muitos uma obra-prima do cinema moderno, que combina uma narrativa envolvente, performances excepcionais e uma profundidade temática incomparável.
Se você assistiu "O Homem sem Sombra", com Kevin Bacon e Elisabeth Shue, eu já te adianto: "O Homem Invisível" é muito (mas muito) melhor - eu diria que é outro nível de filme! Se em 2000 o filme trouxe avanços incríveis em efeitos especiais, o que acabou lhe garantindo uma indicação ao Oscar na categoria em 2001, a sua versão mais recente se apoia muito mais no roteiro e no excelente trabalho de Elisabeth Moss (a June de The Handmaid's Tale) - ela está tão incrível que não vou me surpreender se for indicada ao Oscar por esse trabalho!
A história acompanha Cecilia (Moss), uma mulher atormentada por um relacionamento abusivo com o milionário Adrian (Oliver Jackson-Cohen), um renomado especialista em óptica. Desesperada com sua situação, Cecília resolve fugir certa noite, porém as marcas dessa relação deixaram traumas profundos até que um dia ela recebe a notícia que seu ex cometeu um suicídio. Com o passar do tempo, porém, Cecilia passa a testemunhar alguns fenômenos bastante sinistros, o que a fazem suspeitar que Adrian não está morto, e sim que descobriu uma maneira de se tornar invisível para poder se vingar dela. Confira o trailer a seguir:
"O Homem Invisível" (The Invisible Man, título original) é um suspense de prato cheio, daqueles que nos gera a tensão só por imaginarmos o que pode acontecer e, claro, muitos sustos, já que o "silêncio" é muito bem trabalhado e o "vazio" é explorado com inteligência, graças ao ótimo trabalho do diretor Leigh Whannell. O filme, de fato, me surpreendeu, eu sinceramente não esperava que ele fosse tão bom e tão bem desenvolvido - ele entrega uma experiência de entretenimento ideal para quem gosta do gênero. Vale muito a pena e mais abaixo vou explicar a razão em detalhes!
Embora o filme seja baseado no personagem criado por H.G. Wells, Whannello (que também escreveu o roteiro) se apropriou apenas do fato de existir um personagem que descobre uma maneira de ficar invisível. A escolha de mostrar o ponto de vista da vítima, e não do "homem invisível", me pareceu muito acertada e ao usar uma temática extremamente atual, onde observamos os reflexos de uma relação abusiva sob olhar de quem viveu (e vive) um trauma tão marcante, é sensacional porque, de cara, já se cria uma identificação imediata com a protagonista, mesmo sem saber muito bem o que acontecia ao certo - e aqui o roteiro dá um show ao expôr toda essa relação conturbada e a motivação de Cecília logo no prólogo, com uma sequência inicial de tirar o fôlego!
Na direção, fica claro, com poucos minutos de filme, que Whannello domina a gramática cinematográfica do suspense. Certamente sua experiência anterior em títulos como Jogos Mortais, que roteirizou, e Sobrenatural, que dirigiu, serviram para entregar um filme interessante sem a necessidade de tantos efeitos especiais, afinal o detalhe do movimento era o suficiente. O fato dele usar o travelling (aquele movimento lateral da câmera) ou takes com uma lente "grande angular" para estabelecer o vazio da cena, por si só, já criam um clima de tensão absurdo. O detalhe do botão do fogão virando para aumentar a chama ou a respiração de uma noite de frio são só a cereja do bolo para uma angustia ou ansiedade que já foi construída segundos antes!
Outro elemento que te convido a observar é o desenho do som: como muitas vezes Cecilia está sozinha em cena, é preciso aumentar um pouco a relação do som (ou dos ruídos) com o ambiente para compensar esse vazio - o que é lindo de ver e ouvir, pois nossa sensibilidade auditiva é provocada a cada momento, como se estivéssemos tentando encontrar alguém que não podemos enxergar, junto com a protagonista. Se existe algo que poderia, talvez, ser melhor desenvolvido, acho que seria o drama mais intimo de Cecilia antes da certeza de que Adrian ainda estava vivo - acho que Whannello perdeu uma grande chance de discutir ainda mais a sanidade de Cecilia, bem como sua própria dúvida sobre o eventos (sobrenaturais) que ela vivenciou sozinha! Por outro lado, o roteiro é muito competente em nos surpreender - em pelo menos duas situações, ficamos de queixo caído, enquanto no final, embora interessante, a sensação de obviedade surge com força..
"O Homem Invisível" é o primeiro projeto da Universal com um selo que pretende produzir apenas remakes de monstros clássicos do cinema, mas com o foco no desenvolvimento das histórias e com uma levada mais autoral e independente dos seus roteiristas e diretores. Nesse caso, funcionou! "O Homem Invisível" custou pouco mais de 7 milhões de dólares e rendeu mais de 130 milhões - um sucesso absoluto de público e crítica e não se surpreendam se for bastante premiado na próxima temporada de festivais de gênero e se abocanhar umas 2 ou 3 indicações ao Oscar de 2021.
Sem exageros, vale muito seu play!
Se você assistiu "O Homem sem Sombra", com Kevin Bacon e Elisabeth Shue, eu já te adianto: "O Homem Invisível" é muito (mas muito) melhor - eu diria que é outro nível de filme! Se em 2000 o filme trouxe avanços incríveis em efeitos especiais, o que acabou lhe garantindo uma indicação ao Oscar na categoria em 2001, a sua versão mais recente se apoia muito mais no roteiro e no excelente trabalho de Elisabeth Moss (a June de The Handmaid's Tale) - ela está tão incrível que não vou me surpreender se for indicada ao Oscar por esse trabalho!
A história acompanha Cecilia (Moss), uma mulher atormentada por um relacionamento abusivo com o milionário Adrian (Oliver Jackson-Cohen), um renomado especialista em óptica. Desesperada com sua situação, Cecília resolve fugir certa noite, porém as marcas dessa relação deixaram traumas profundos até que um dia ela recebe a notícia que seu ex cometeu um suicídio. Com o passar do tempo, porém, Cecilia passa a testemunhar alguns fenômenos bastante sinistros, o que a fazem suspeitar que Adrian não está morto, e sim que descobriu uma maneira de se tornar invisível para poder se vingar dela. Confira o trailer a seguir:
"O Homem Invisível" (The Invisible Man, título original) é um suspense de prato cheio, daqueles que nos gera a tensão só por imaginarmos o que pode acontecer e, claro, muitos sustos, já que o "silêncio" é muito bem trabalhado e o "vazio" é explorado com inteligência, graças ao ótimo trabalho do diretor Leigh Whannell. O filme, de fato, me surpreendeu, eu sinceramente não esperava que ele fosse tão bom e tão bem desenvolvido - ele entrega uma experiência de entretenimento ideal para quem gosta do gênero. Vale muito a pena e mais abaixo vou explicar a razão em detalhes!
Embora o filme seja baseado no personagem criado por H.G. Wells, Whannello (que também escreveu o roteiro) se apropriou apenas do fato de existir um personagem que descobre uma maneira de ficar invisível. A escolha de mostrar o ponto de vista da vítima, e não do "homem invisível", me pareceu muito acertada e ao usar uma temática extremamente atual, onde observamos os reflexos de uma relação abusiva sob olhar de quem viveu (e vive) um trauma tão marcante, é sensacional porque, de cara, já se cria uma identificação imediata com a protagonista, mesmo sem saber muito bem o que acontecia ao certo - e aqui o roteiro dá um show ao expôr toda essa relação conturbada e a motivação de Cecília logo no prólogo, com uma sequência inicial de tirar o fôlego!
Na direção, fica claro, com poucos minutos de filme, que Whannello domina a gramática cinematográfica do suspense. Certamente sua experiência anterior em títulos como Jogos Mortais, que roteirizou, e Sobrenatural, que dirigiu, serviram para entregar um filme interessante sem a necessidade de tantos efeitos especiais, afinal o detalhe do movimento era o suficiente. O fato dele usar o travelling (aquele movimento lateral da câmera) ou takes com uma lente "grande angular" para estabelecer o vazio da cena, por si só, já criam um clima de tensão absurdo. O detalhe do botão do fogão virando para aumentar a chama ou a respiração de uma noite de frio são só a cereja do bolo para uma angustia ou ansiedade que já foi construída segundos antes!
Outro elemento que te convido a observar é o desenho do som: como muitas vezes Cecilia está sozinha em cena, é preciso aumentar um pouco a relação do som (ou dos ruídos) com o ambiente para compensar esse vazio - o que é lindo de ver e ouvir, pois nossa sensibilidade auditiva é provocada a cada momento, como se estivéssemos tentando encontrar alguém que não podemos enxergar, junto com a protagonista. Se existe algo que poderia, talvez, ser melhor desenvolvido, acho que seria o drama mais intimo de Cecilia antes da certeza de que Adrian ainda estava vivo - acho que Whannello perdeu uma grande chance de discutir ainda mais a sanidade de Cecilia, bem como sua própria dúvida sobre o eventos (sobrenaturais) que ela vivenciou sozinha! Por outro lado, o roteiro é muito competente em nos surpreender - em pelo menos duas situações, ficamos de queixo caído, enquanto no final, embora interessante, a sensação de obviedade surge com força..
"O Homem Invisível" é o primeiro projeto da Universal com um selo que pretende produzir apenas remakes de monstros clássicos do cinema, mas com o foco no desenvolvimento das histórias e com uma levada mais autoral e independente dos seus roteiristas e diretores. Nesse caso, funcionou! "O Homem Invisível" custou pouco mais de 7 milhões de dólares e rendeu mais de 130 milhões - um sucesso absoluto de público e crítica e não se surpreendam se for bastante premiado na próxima temporada de festivais de gênero e se abocanhar umas 2 ou 3 indicações ao Oscar de 2021.
Sem exageros, vale muito seu play!
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