Nada será tão tranquilo ao apertar o play! Sério, na linha do inesquecível "Olhos que Condenam", "Seven Seconds" é realmente visceral ao oferecer uma exploração corajosa e emocionalmente intensa sobre as tensões raciais nos EUA pela perspectiva da corrupção policial e das falhas do sistema de justiça do país. Inspirada no filme russo "Major", de Yuriy Bykov, essa minissérie lançada em 2018 e criada por Veena Sud, adapta com muita inteligência e sensibilidade a narrativa original, porém dentro de um contexto americano, abordando temas que são tanto oportunos quanto atemporais. Com performances de fato poderosas (que garantiu até um Emmy para Regina King), uma narrativa angustiante na sua essência e uma crítica social bastante incisiva, "Seven Seconds", é possível dizer, se estabelece como uma das minisséries mais impactantes dos últimos anos e que, sem dúvida, vai fazer você se perguntar "por que raios eu não assisti essa maravilha antes?".
A trama é desencadeada por um incidente trágico: um jovem afro-americano, Brenton Butler (Daykwon Gaines), é atropelado por um policial branco, Pete Jablonski (Beau Knapp), em Jersey City. O policial, em pânico, decide encobrir o acidente com a ajuda de seus colegas, desencadeando uma série de eventos que expõem as fissuras profundas no sistema de justiça e nas relações raciais. A minissérie acompanha a luta da família Butler, especialmente da mãe de Brenton, Latrice (Regina King), por justiça, enquanto a promotora pública KJ Harper (Clare-Hope Ashitey) tenta navegar pelos obstáculos institucionais que dificultam a busca pela verdade. Confira o trailer:
Veena Sud, conhecida por seu magistral trabalho como showrunner em "The Killing", traz para Netflix sua habilidade em construir mistérios complexos e dramas emocionais. "Seven Seconds", na realidade, não se limita a ser um simples drama policial, muito pelo contrário, ela é uma minissérie que se aprofunda nas questões sociais e raciais com muito tato, apresentando uma narrativa que funciona tanto como um thriller jurídico quanto como um recorte importante de uma sociedade doente. Sud sabe abordar a corrupção policial, o preconceito e a dor da perda com uma elegância que faz com que narrativa fuja do sensacionalismo e provoque discussões, sempre focando na humanidade dos personagens e na complexidade moral das situações que coda uma deles enfrentam. A direção, que envolve vários profissionais ao longo da minissérie, é igualmente eficaz ao criar uma atmosfera de tensão e desespero constantes. A fotografia do Yaron Orbach (de "Paixão Obsessiva") é um primor! Sombria e realista, Orbach utiliza cores frias e uma iluminação 100% naturalista, para acentuar a densidade da narrativa. Repare como as cenas são frequentemente filmadas de maneira a enfatizar o isolamento dos personagens, reforçando a sensação de alienação e da desconexão em uma sociedade marcada pela injustiça.
O roteiro, co-escrito por Sud e sua equipe, é bem estruturado e equilibrado, mesclando a dor do drama pessoal com a dinâmica mais envolvente de uma investigação criminal - nesse sentido, a minissérie faz um excelente trabalho ao capturar a frustração e a raiva de uma comunidade que se sente repetidamente traída por aqueles que deveriam protegê-la. Olha, é de embrulhar o estômago! O ritmo da narrativa é excelente, permitindo que as emoções dos personagens e as implicações de suas ações se desenrolem de maneira orgânica e impactante. Regina King é o coração pulsante dessa proposta - ela captura a dor crua de uma mãe que perde seu filho de forma brutal e injusta. King traz uma intensidade emocional devastadora e poderosa, tornando sua Latrice uma personagem profundamente humana e de fácil conexão. Clare-Hope Ashitey também se destaca retratando uma promotora pública que luta com seus próprios demônios enquanto tenta fazer o que é certo em um sistema corrupto e por isso muito traiçoeiro!
"Seven Seconds" traz temas pesados em um ritmo deliberado que pode ser emocionalmente exaustivo para muitos. No entanto, é justamente essa proposta que aumenta o impacto da minissérie, deixando a audiência de olhos vidrados de um lado e tocada na alma de outro! Poderosa e necessária, a trama oferece uma crítica incisiva sobre as falhas sistêmicas e da injustiça racial. Sem levantar bandeiras desnecessárias, a narrativa deixa a mensagem de uma exploração corajosa sobre as complexidades morais e emocionais envolvidas em casos de brutalidade policial com suas consequências devastadoras. Olha, essa jornada é um desafio que vai te provocar uma reflexão intensa sobre questões essenciais, especialmente sobre o valor da verdade e da humanidade.
Vale muito!
Nada será tão tranquilo ao apertar o play! Sério, na linha do inesquecível "Olhos que Condenam", "Seven Seconds" é realmente visceral ao oferecer uma exploração corajosa e emocionalmente intensa sobre as tensões raciais nos EUA pela perspectiva da corrupção policial e das falhas do sistema de justiça do país. Inspirada no filme russo "Major", de Yuriy Bykov, essa minissérie lançada em 2018 e criada por Veena Sud, adapta com muita inteligência e sensibilidade a narrativa original, porém dentro de um contexto americano, abordando temas que são tanto oportunos quanto atemporais. Com performances de fato poderosas (que garantiu até um Emmy para Regina King), uma narrativa angustiante na sua essência e uma crítica social bastante incisiva, "Seven Seconds", é possível dizer, se estabelece como uma das minisséries mais impactantes dos últimos anos e que, sem dúvida, vai fazer você se perguntar "por que raios eu não assisti essa maravilha antes?".
A trama é desencadeada por um incidente trágico: um jovem afro-americano, Brenton Butler (Daykwon Gaines), é atropelado por um policial branco, Pete Jablonski (Beau Knapp), em Jersey City. O policial, em pânico, decide encobrir o acidente com a ajuda de seus colegas, desencadeando uma série de eventos que expõem as fissuras profundas no sistema de justiça e nas relações raciais. A minissérie acompanha a luta da família Butler, especialmente da mãe de Brenton, Latrice (Regina King), por justiça, enquanto a promotora pública KJ Harper (Clare-Hope Ashitey) tenta navegar pelos obstáculos institucionais que dificultam a busca pela verdade. Confira o trailer:
Veena Sud, conhecida por seu magistral trabalho como showrunner em "The Killing", traz para Netflix sua habilidade em construir mistérios complexos e dramas emocionais. "Seven Seconds", na realidade, não se limita a ser um simples drama policial, muito pelo contrário, ela é uma minissérie que se aprofunda nas questões sociais e raciais com muito tato, apresentando uma narrativa que funciona tanto como um thriller jurídico quanto como um recorte importante de uma sociedade doente. Sud sabe abordar a corrupção policial, o preconceito e a dor da perda com uma elegância que faz com que narrativa fuja do sensacionalismo e provoque discussões, sempre focando na humanidade dos personagens e na complexidade moral das situações que coda uma deles enfrentam. A direção, que envolve vários profissionais ao longo da minissérie, é igualmente eficaz ao criar uma atmosfera de tensão e desespero constantes. A fotografia do Yaron Orbach (de "Paixão Obsessiva") é um primor! Sombria e realista, Orbach utiliza cores frias e uma iluminação 100% naturalista, para acentuar a densidade da narrativa. Repare como as cenas são frequentemente filmadas de maneira a enfatizar o isolamento dos personagens, reforçando a sensação de alienação e da desconexão em uma sociedade marcada pela injustiça.
O roteiro, co-escrito por Sud e sua equipe, é bem estruturado e equilibrado, mesclando a dor do drama pessoal com a dinâmica mais envolvente de uma investigação criminal - nesse sentido, a minissérie faz um excelente trabalho ao capturar a frustração e a raiva de uma comunidade que se sente repetidamente traída por aqueles que deveriam protegê-la. Olha, é de embrulhar o estômago! O ritmo da narrativa é excelente, permitindo que as emoções dos personagens e as implicações de suas ações se desenrolem de maneira orgânica e impactante. Regina King é o coração pulsante dessa proposta - ela captura a dor crua de uma mãe que perde seu filho de forma brutal e injusta. King traz uma intensidade emocional devastadora e poderosa, tornando sua Latrice uma personagem profundamente humana e de fácil conexão. Clare-Hope Ashitey também se destaca retratando uma promotora pública que luta com seus próprios demônios enquanto tenta fazer o que é certo em um sistema corrupto e por isso muito traiçoeiro!
"Seven Seconds" traz temas pesados em um ritmo deliberado que pode ser emocionalmente exaustivo para muitos. No entanto, é justamente essa proposta que aumenta o impacto da minissérie, deixando a audiência de olhos vidrados de um lado e tocada na alma de outro! Poderosa e necessária, a trama oferece uma crítica incisiva sobre as falhas sistêmicas e da injustiça racial. Sem levantar bandeiras desnecessárias, a narrativa deixa a mensagem de uma exploração corajosa sobre as complexidades morais e emocionais envolvidas em casos de brutalidade policial com suas consequências devastadoras. Olha, essa jornada é um desafio que vai te provocar uma reflexão intensa sobre questões essenciais, especialmente sobre o valor da verdade e da humanidade.
Vale muito!
Antes de mais nada, é preciso alinhar as expectativas para que o documentário da Netflix, "Sexo Bilionário", não seja uma experiência menos marcante. Se você está esperando um interessante estudo de caso de como o PornHub se tornou um dos dez sites mais visitados no planeta, transformando todo um mercado e por isso faturando bilhões de dólares em publicidade, esquece - você vai se decepcionar. Não que o filme dirigido pela veterana Suzanne Hillinger (de "American Masters") não faça um rápido recorte dessa timeline de sucesso como negócio, mas o que ela quer mesmo (e por isso fique a vontade em julgar essa escolha), é colocar gasolina na fogueira - o roteiro claramente prefere discutir as polêmicas ao redor do site, do que só conectar os pontos sensíveis de toda jornada e deixar que a audiência tire suas próprias conclusões.
Para quem não conhece, o Pornhub é o mais famoso site de conteúdo adulto da internet. Ele não só revolucionou a maneira como as pessoas consomem pornografia, como mudou drasticamente todo seu mercado. No entanto, ao deixar o seu conteúdo mais acessível aos usuários, a empresa que fatura bilhões por ano, se envolveu em grandes polêmicas e sérias alegações, incluindo tráfico sexual e disseminação de conteúdo não consensual. Em meio a isso tudo, se abre o debate sob a proteção dos profissionais da pornografia, enquanto se tenta eliminar qualquer resquício de imagens proibidas por lei. Confira o trailer (em inglês):
Obviamente que os assuntos levantados no documentário são muito sérios, merecem uma discussão mais profunda e uma reflexão extremamente ampla, principalmente pela forma como esse tipo de conteúdo é destruído na internet e como isso pode impactar na vida de qualquer pessoa que tenha sua privacidade exposta sem sua autorização. Vincular a dor de uma pessoa ao prazer de outra, de fato, não faz o menor sentido. A grande questão é que aqui, o valor dado ao "polêmico" praticamente encobre o que de bom a plataforma tecnológica construiu ao longo dos anos - me refiro aos resultados como negócio e como beneficio no processo de independência de atores e atrizes que disruptou a indústria pornográfica no mundo.
Claro que Hillinger faz um esforço tremendo para mostrar todos os lados da mesma história, porém ela naturalmente acaba levantando uma bandeira que desequilibra a sua narrativa. Ao expor com muita habilidade os problemas das contas não verificadas que postavam vídeos com teor inapropriado (como tráfico sexual, pedofilia e estupros), ela praticamente nos obriga a concordar que o site não trouxe nada de bom para a sociedade - afinal tudo faz sentido em seu discurso. Mesmo quando ela sugere ampliar alguns pontos sobre o tema, trazendo para a conversa quem vive dessa indústria, nós já estamos pré dispostos a nem dar mais ouvidos. Acontece que no final do filme, fica fácil perceber esse tom de manipulação e é por isso que "Money Shot: The Pornhub Story" (no original) pode te fisgar com mais força - abra os olhos (e a mente), pois perceber a complexidade do negócio só vai enriquecer sua experiência.
"Sexo Bilionário" é mais complexo do que parece e certamente vai provocar longas discussões dependendo do prisma que você enxergar a história. Seja a partir de entrevistas interessantes com atrizes do cinema pornô (como Siri Dahl, Asa Akira e Gwen Adora) ou pelos depoimentos de ex-funcionárias que conheciam os bastidores do Pornhub (como Noelle Perdue), é inegável que o tema vai prender sua atenção do início ao fim, te tirar da zona de conforto e, principalmente, te convidar para ótimas reflexões - só não espere uma narrativa 100% isenta.
Vale muito o seu play!
Antes de mais nada, é preciso alinhar as expectativas para que o documentário da Netflix, "Sexo Bilionário", não seja uma experiência menos marcante. Se você está esperando um interessante estudo de caso de como o PornHub se tornou um dos dez sites mais visitados no planeta, transformando todo um mercado e por isso faturando bilhões de dólares em publicidade, esquece - você vai se decepcionar. Não que o filme dirigido pela veterana Suzanne Hillinger (de "American Masters") não faça um rápido recorte dessa timeline de sucesso como negócio, mas o que ela quer mesmo (e por isso fique a vontade em julgar essa escolha), é colocar gasolina na fogueira - o roteiro claramente prefere discutir as polêmicas ao redor do site, do que só conectar os pontos sensíveis de toda jornada e deixar que a audiência tire suas próprias conclusões.
Para quem não conhece, o Pornhub é o mais famoso site de conteúdo adulto da internet. Ele não só revolucionou a maneira como as pessoas consomem pornografia, como mudou drasticamente todo seu mercado. No entanto, ao deixar o seu conteúdo mais acessível aos usuários, a empresa que fatura bilhões por ano, se envolveu em grandes polêmicas e sérias alegações, incluindo tráfico sexual e disseminação de conteúdo não consensual. Em meio a isso tudo, se abre o debate sob a proteção dos profissionais da pornografia, enquanto se tenta eliminar qualquer resquício de imagens proibidas por lei. Confira o trailer (em inglês):
Obviamente que os assuntos levantados no documentário são muito sérios, merecem uma discussão mais profunda e uma reflexão extremamente ampla, principalmente pela forma como esse tipo de conteúdo é destruído na internet e como isso pode impactar na vida de qualquer pessoa que tenha sua privacidade exposta sem sua autorização. Vincular a dor de uma pessoa ao prazer de outra, de fato, não faz o menor sentido. A grande questão é que aqui, o valor dado ao "polêmico" praticamente encobre o que de bom a plataforma tecnológica construiu ao longo dos anos - me refiro aos resultados como negócio e como beneficio no processo de independência de atores e atrizes que disruptou a indústria pornográfica no mundo.
Claro que Hillinger faz um esforço tremendo para mostrar todos os lados da mesma história, porém ela naturalmente acaba levantando uma bandeira que desequilibra a sua narrativa. Ao expor com muita habilidade os problemas das contas não verificadas que postavam vídeos com teor inapropriado (como tráfico sexual, pedofilia e estupros), ela praticamente nos obriga a concordar que o site não trouxe nada de bom para a sociedade - afinal tudo faz sentido em seu discurso. Mesmo quando ela sugere ampliar alguns pontos sobre o tema, trazendo para a conversa quem vive dessa indústria, nós já estamos pré dispostos a nem dar mais ouvidos. Acontece que no final do filme, fica fácil perceber esse tom de manipulação e é por isso que "Money Shot: The Pornhub Story" (no original) pode te fisgar com mais força - abra os olhos (e a mente), pois perceber a complexidade do negócio só vai enriquecer sua experiência.
"Sexo Bilionário" é mais complexo do que parece e certamente vai provocar longas discussões dependendo do prisma que você enxergar a história. Seja a partir de entrevistas interessantes com atrizes do cinema pornô (como Siri Dahl, Asa Akira e Gwen Adora) ou pelos depoimentos de ex-funcionárias que conheciam os bastidores do Pornhub (como Noelle Perdue), é inegável que o tema vai prender sua atenção do início ao fim, te tirar da zona de conforto e, principalmente, te convidar para ótimas reflexões - só não espere uma narrativa 100% isenta.
Vale muito o seu play!
Gostei muito de "Sharp Objects" da HBO, mas com alguns "poréns"! Mas antes de seguir, é preciso fazer um parênteses: existe um cuidado em alguns projetos da HBO, que dificilmente vejo em outro serviço de streaming. São projetos premium, claro, um ou dois por ano (e isso é importante), normalmente minisséries: são tão bem produzidas, bem dirigidas e com roteiros extremamente complexos que o resultado salta aos olhos. Vejam "The Night of", "Big Little Lies"e agora "Sharp Objects", como exemplos! São impecáveis e isso é mérito de muito planejamento e, imagino, uma certa liberdade no desenvolvimento!!! Dá a impressão que, no conteúdo, a HBO está sempre um passo a frente... Para se pensar!!!
"Sharp Objects" é uma adaptação de um livro da autora Gillian Flynn que, inclusive, colabora no roteiro ao lado da Marti Noxon (do ótimo UnReal). Digo isso, pois a minissérie trás toda complexidade do livro, mas, ao mesmo tempo, deixa algumas pontas soltas que, na minha opinião, atrapalham a experiência de quem assiste a história na tela - a impressão que dá é que foi um cabo de guerra entre autora e roteirista! A história de uma jornalista que volta para sua cidade natal com a missão de fazer uma matéria sobre a morte e o desaparecimento de duas adolescentes é só o pano de fundo para uma trama muito mais profunda.
A minissérie fala das relações familiares, de machismo, de superficialidade social, de traumas, de solidão, de isolamento, de transtornos mentais, de luto; enfim, são tantas camadas que as vezes nem sabemos exatamente qual é a trama principal!!! É ai que o roteiro (ou quem escreveu) entra em conflito - parece que falta foco (engraçado que o trailer já passava essa sensação)! Isso poderia ser um grande problema, mas aí entra a genialidade do canadense Jean-Marc Vallée na direção. Ele conduz esse emaranhado de assuntos com muita maestria, criando uma dinâmica de montagem que transformam essas camadas em um fio condutor de uma maneira muito orgânica, natural! As vezes é só um frame rápido, quase imperceptível; as vezes é uma simples ação e muitas vezes é um olhar, uma mão passando no corpo, um ventilador girando, enfim, esses flashbacks transmitem tantos sentimentos que tudo (ou quase tudo) vai se encaixando com o passar dos episódios e passa a fazer sentido. Vale lembrar que ele já havia usado muito dessa técnica em "Big Little Lies", mas agora em "Sharp Objects" ele elevou o nível - é uma aula de construção narrativa em camadas!!!
Mais dois fatores também merecem destaque: o elenco feminino, principalmente a Amy Adams e a Patricia Clarkson (essa, inclusive, vem ganhando um prêmio atrás do outro na temporada - já levou Globo de Ouro e o Critic Choice Awards). Elas estão impecáveis nos papéis de filha e mãe - ambas perturbadas por uma história quase sobrenatural - vale reparar. E o outro destaque é o final de "Sharp Objects" - surpreendente pela maneira como é mostrado e inteligente no modo como foi construído! Surpreende mesmo e é isso que quem assiste quer ver, por isso acho que a minissérie entrega o que promete, mesmo derrapando em uma ou outra passagem do roteiro.
PS: Uma rápida cena pós crédito pode validar seu entendimento ou teoria - fica a dica!!!!
Gostei muito de "Sharp Objects" da HBO, mas com alguns "poréns"! Mas antes de seguir, é preciso fazer um parênteses: existe um cuidado em alguns projetos da HBO, que dificilmente vejo em outro serviço de streaming. São projetos premium, claro, um ou dois por ano (e isso é importante), normalmente minisséries: são tão bem produzidas, bem dirigidas e com roteiros extremamente complexos que o resultado salta aos olhos. Vejam "The Night of", "Big Little Lies"e agora "Sharp Objects", como exemplos! São impecáveis e isso é mérito de muito planejamento e, imagino, uma certa liberdade no desenvolvimento!!! Dá a impressão que, no conteúdo, a HBO está sempre um passo a frente... Para se pensar!!!
"Sharp Objects" é uma adaptação de um livro da autora Gillian Flynn que, inclusive, colabora no roteiro ao lado da Marti Noxon (do ótimo UnReal). Digo isso, pois a minissérie trás toda complexidade do livro, mas, ao mesmo tempo, deixa algumas pontas soltas que, na minha opinião, atrapalham a experiência de quem assiste a história na tela - a impressão que dá é que foi um cabo de guerra entre autora e roteirista! A história de uma jornalista que volta para sua cidade natal com a missão de fazer uma matéria sobre a morte e o desaparecimento de duas adolescentes é só o pano de fundo para uma trama muito mais profunda.
A minissérie fala das relações familiares, de machismo, de superficialidade social, de traumas, de solidão, de isolamento, de transtornos mentais, de luto; enfim, são tantas camadas que as vezes nem sabemos exatamente qual é a trama principal!!! É ai que o roteiro (ou quem escreveu) entra em conflito - parece que falta foco (engraçado que o trailer já passava essa sensação)! Isso poderia ser um grande problema, mas aí entra a genialidade do canadense Jean-Marc Vallée na direção. Ele conduz esse emaranhado de assuntos com muita maestria, criando uma dinâmica de montagem que transformam essas camadas em um fio condutor de uma maneira muito orgânica, natural! As vezes é só um frame rápido, quase imperceptível; as vezes é uma simples ação e muitas vezes é um olhar, uma mão passando no corpo, um ventilador girando, enfim, esses flashbacks transmitem tantos sentimentos que tudo (ou quase tudo) vai se encaixando com o passar dos episódios e passa a fazer sentido. Vale lembrar que ele já havia usado muito dessa técnica em "Big Little Lies", mas agora em "Sharp Objects" ele elevou o nível - é uma aula de construção narrativa em camadas!!!
Mais dois fatores também merecem destaque: o elenco feminino, principalmente a Amy Adams e a Patricia Clarkson (essa, inclusive, vem ganhando um prêmio atrás do outro na temporada - já levou Globo de Ouro e o Critic Choice Awards). Elas estão impecáveis nos papéis de filha e mãe - ambas perturbadas por uma história quase sobrenatural - vale reparar. E o outro destaque é o final de "Sharp Objects" - surpreendente pela maneira como é mostrado e inteligente no modo como foi construído! Surpreende mesmo e é isso que quem assiste quer ver, por isso acho que a minissérie entrega o que promete, mesmo derrapando em uma ou outra passagem do roteiro.
PS: Uma rápida cena pós crédito pode validar seu entendimento ou teoria - fica a dica!!!!
"Sharper" (que no Brasil chegou acompanhado do redundante subtítulo "Uma Vida de Trapaças") é um excelente entretenimento - daqueles que nem pensar muito é preciso! Divertido e envolvente, o filme do diretor Benjamin Caron (da série "Sherlock") usa e abusa dos "plot twists"(ou das reviravoltas, como preferir) para contar histórias de golpistas e, claro, dos seus golpes, pautado em fortes elementos dramáticos com um leve toque de suspense policial - e é justamente isso que o distancia do premiado "Trapaça" do David O. Russell e o aproxima de "A Grande Mentira" do Bill Condon.
Dividido em capítulos, onde um personagem está sempre em evidência, mas onde ninguém é quem diz ser, "Sharper: Uma Vida de Trapaças" pode ser definido como thriller neo-noir sobre os segredos e as mentiras de golpistas profissionais que transitam entre os apartamentos mais luxuosos e os bares mais decadentes da cidade de Nova York, disputando as maiores riquezas e o poder de controlar jogos de alto risco de ambição, ganância, luxúria e inveja. Assista o trailer (em inglês):
Muito bem montado pelo Yan Miles (vencedor de dois Emmys por "The Crown" e por "Sherlock"), eu diria que um dos maiores acertos do roteiro do Brian Gatewood e do Alessandro Tanaka é o de estabelecer seu propósito logo de cara: todos são suspeitos até que se prove o contrário. O interessante, no entanto, é que a trama não precisa se apoiar em um evento especifico (um grande assalto, por exemplo) para nos fisgar, já que são os personagens que vão se conectando com a história de acordo com as experiências que eles mesmos estão vivendo em determinado momento de suas vidas - essa estratégia narrativa é empolgante, pois nos faz sempre buscar um ponto de conexão para que tudo venha fazer sentido, mesmo que inicialmente pareça difícil de perceber que isso seja possível. A forma como as pistas são entregues, em doses bem homeopáticas e fantasiadas de relações humanas, ajuda muito na nossa experiência como audiência.
O elenco de peso que conta com Sebastian Stan, Justice Smith, Briana Middleton, Julianne Moore e até com uma participação muito especial de John Lithgow, só valoriza a dinâmica impressa pelo Benjamin Caron - reparem como tudo vai fazendo sentido, como os nós vão sendo desatados e como as performances dos atores nos conquistam, fazendo com que, mesmo quando o óbvio entra em cena, ainda assim tudo seja muito intrigante.
É fato que em "Sharper: Uma Vida de Trapaças" encontramos algumas passagens, digamos, não tão originais assim - como se ler um livro de mistério barato depois de devorar um clássico de Agatha Christie soe familiar demais! Mas te garanto: essa sensação não vai te impedir de curtir as inúmeras reviravoltas que a história oferece, muito menos diminuir sua ansiedade de chegar ao final e assim entender onde tudo isso começou - e aqui fica minha única critica ao roteiro: se ele terminasse 10 minutos antes, provavelmente, seria muito mais provocativo (e, obviamente, menos expositivo) do que pareceu.
Vale muito o seu play! Diversão (despretensiosa) garantida!
"Sharper" (que no Brasil chegou acompanhado do redundante subtítulo "Uma Vida de Trapaças") é um excelente entretenimento - daqueles que nem pensar muito é preciso! Divertido e envolvente, o filme do diretor Benjamin Caron (da série "Sherlock") usa e abusa dos "plot twists"(ou das reviravoltas, como preferir) para contar histórias de golpistas e, claro, dos seus golpes, pautado em fortes elementos dramáticos com um leve toque de suspense policial - e é justamente isso que o distancia do premiado "Trapaça" do David O. Russell e o aproxima de "A Grande Mentira" do Bill Condon.
Dividido em capítulos, onde um personagem está sempre em evidência, mas onde ninguém é quem diz ser, "Sharper: Uma Vida de Trapaças" pode ser definido como thriller neo-noir sobre os segredos e as mentiras de golpistas profissionais que transitam entre os apartamentos mais luxuosos e os bares mais decadentes da cidade de Nova York, disputando as maiores riquezas e o poder de controlar jogos de alto risco de ambição, ganância, luxúria e inveja. Assista o trailer (em inglês):
Muito bem montado pelo Yan Miles (vencedor de dois Emmys por "The Crown" e por "Sherlock"), eu diria que um dos maiores acertos do roteiro do Brian Gatewood e do Alessandro Tanaka é o de estabelecer seu propósito logo de cara: todos são suspeitos até que se prove o contrário. O interessante, no entanto, é que a trama não precisa se apoiar em um evento especifico (um grande assalto, por exemplo) para nos fisgar, já que são os personagens que vão se conectando com a história de acordo com as experiências que eles mesmos estão vivendo em determinado momento de suas vidas - essa estratégia narrativa é empolgante, pois nos faz sempre buscar um ponto de conexão para que tudo venha fazer sentido, mesmo que inicialmente pareça difícil de perceber que isso seja possível. A forma como as pistas são entregues, em doses bem homeopáticas e fantasiadas de relações humanas, ajuda muito na nossa experiência como audiência.
O elenco de peso que conta com Sebastian Stan, Justice Smith, Briana Middleton, Julianne Moore e até com uma participação muito especial de John Lithgow, só valoriza a dinâmica impressa pelo Benjamin Caron - reparem como tudo vai fazendo sentido, como os nós vão sendo desatados e como as performances dos atores nos conquistam, fazendo com que, mesmo quando o óbvio entra em cena, ainda assim tudo seja muito intrigante.
É fato que em "Sharper: Uma Vida de Trapaças" encontramos algumas passagens, digamos, não tão originais assim - como se ler um livro de mistério barato depois de devorar um clássico de Agatha Christie soe familiar demais! Mas te garanto: essa sensação não vai te impedir de curtir as inúmeras reviravoltas que a história oferece, muito menos diminuir sua ansiedade de chegar ao final e assim entender onde tudo isso começou - e aqui fica minha única critica ao roteiro: se ele terminasse 10 minutos antes, provavelmente, seria muito mais provocativo (e, obviamente, menos expositivo) do que pareceu.
Vale muito o seu play! Diversão (despretensiosa) garantida!
"Sicario - Terra de Ninguém" é um filme de ação que não está apenas preocupado com a pancadaria ou com os tiroteios, ele é carregado de drama em um roteiro muito bem amarrado, com personagens extremamente complexos e uma direção, bem, aí é só carimbar o selo "Denis Villeneuve"!
No filme acompanhamos Kate Macer (Emily Blunt), uma agente idealista do FBI que está inscrita em uma força-tarefa de elite do governo para ajudar na crescente guerra contra as drogas na região da fronteira com o México. Essa equipe é liderada por Matt Graver (Josh Brolin), um agente da CIA com um passado questionável. Além disso, para traçar estratégias contra um poderoso cartel mexicano, Matt pede auxílio para outro homem com história dúbia, seu consultor Alejandro (Benício del Toro). Assim, a força-tarefa sai em uma jornada clandestina, forçando Kate a embarcar nessa perigosa missão que vai obriga-la questionar todas as suas crenças e percepções de mundo. Confira o trailer:
Sem a menor dúvida que um dos destaques do roteiro escrito pelo Taylor Sheridan (isso mesmo, o ator da série "Sons of Anarchy") é que ao apresentar sua visão da guerra contra as drogas, ele nos coloca em em uma situação extremamente desconfortável, pois não temos a menor ideia (como a protagonista, aliás) do que, de fato, vai acontecer. Ao não entregar os objetivos reais da força-tarefa liderada por Matt e muito menos os limites de seus métodos, ficamos em uma zona tão cinzenta que em nenhum momento, nas duas horas de filme, temos a certeza de que os mocinhos são mesmo os mocinhos.
A relação estabelecida entre Matt e Alejandro é de uma subjetividade impressionante - mesmo quando o agente clareia algumas motivações para Kate, já no terceiro ato. Obviamente que nada disso seria possível sem ótimas performances de Blunt, Brolin e Del Toro. Embora seja um filme de ação, os atores imprimem um peso dramático aos seus personagens que mesmo sem um desenvolvimento tão expositivo, nos explica muito de suas escolhas durante a trama - essa dinâmica é raríssima e é essa, sem dúvida, é uma das razões que coloco "Sicario" entre os melhores filmes de ação de todos os tempos!
Bom, falar de Villeneuve é quase que me tornar repetitivo - ele domina a gramática cinematográfica de um filme de ação da mesma forma que mergulha no drama existencial pesado como em "Homem Duplicado" ou até na mitologia de uma ficção científica como em "Duna". Ao seu lado, nada menos que o fotógrafo Roger Deakins (vencedor de 2 Oscars com "Blade Runner 2049" e "1917", e indicado 14 vezes ao prêmio). Soma-se a isso um filme tecnicamente perfeito e de uma beleza visual que é de cair o queixo - a sequência filmada dentro do carro, na primeira fase da missão e que apresenta o real impacto da guerra contra as drogas em Juárez, uma pequena cidade mexicana, com direito a corpos decepados expostos a luz do dia, é primorosa!
"Sicario - Terra de Ninguém" tem uma personagem que transita por um mundo tão opressivo quando agressivo e imoral, sem se dar conta que esse mundo só faz sentido por causa de pessoas como ela. Ao mostrar que os "meios" justificam os "fins", o filme nos provoca a rever nossas "certezas" e sobre nossas possíveis atitudes se estivéssemos na mesma situação - essa dinâmica se reflete em uma experiência incrível e imperdível!
Vale muito, mas muito mesmo, o seu play!
Up-date: "Sicario - Terra de Ninguém" foi indicado em três categorias no Oscar 2016: Melhor Edição de Som, Melhor Música e Melhor Fotografia!
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"Sicario - Terra de Ninguém" é um filme de ação que não está apenas preocupado com a pancadaria ou com os tiroteios, ele é carregado de drama em um roteiro muito bem amarrado, com personagens extremamente complexos e uma direção, bem, aí é só carimbar o selo "Denis Villeneuve"!
No filme acompanhamos Kate Macer (Emily Blunt), uma agente idealista do FBI que está inscrita em uma força-tarefa de elite do governo para ajudar na crescente guerra contra as drogas na região da fronteira com o México. Essa equipe é liderada por Matt Graver (Josh Brolin), um agente da CIA com um passado questionável. Além disso, para traçar estratégias contra um poderoso cartel mexicano, Matt pede auxílio para outro homem com história dúbia, seu consultor Alejandro (Benício del Toro). Assim, a força-tarefa sai em uma jornada clandestina, forçando Kate a embarcar nessa perigosa missão que vai obriga-la questionar todas as suas crenças e percepções de mundo. Confira o trailer:
Sem a menor dúvida que um dos destaques do roteiro escrito pelo Taylor Sheridan (isso mesmo, o ator da série "Sons of Anarchy") é que ao apresentar sua visão da guerra contra as drogas, ele nos coloca em em uma situação extremamente desconfortável, pois não temos a menor ideia (como a protagonista, aliás) do que, de fato, vai acontecer. Ao não entregar os objetivos reais da força-tarefa liderada por Matt e muito menos os limites de seus métodos, ficamos em uma zona tão cinzenta que em nenhum momento, nas duas horas de filme, temos a certeza de que os mocinhos são mesmo os mocinhos.
A relação estabelecida entre Matt e Alejandro é de uma subjetividade impressionante - mesmo quando o agente clareia algumas motivações para Kate, já no terceiro ato. Obviamente que nada disso seria possível sem ótimas performances de Blunt, Brolin e Del Toro. Embora seja um filme de ação, os atores imprimem um peso dramático aos seus personagens que mesmo sem um desenvolvimento tão expositivo, nos explica muito de suas escolhas durante a trama - essa dinâmica é raríssima e é essa, sem dúvida, é uma das razões que coloco "Sicario" entre os melhores filmes de ação de todos os tempos!
Bom, falar de Villeneuve é quase que me tornar repetitivo - ele domina a gramática cinematográfica de um filme de ação da mesma forma que mergulha no drama existencial pesado como em "Homem Duplicado" ou até na mitologia de uma ficção científica como em "Duna". Ao seu lado, nada menos que o fotógrafo Roger Deakins (vencedor de 2 Oscars com "Blade Runner 2049" e "1917", e indicado 14 vezes ao prêmio). Soma-se a isso um filme tecnicamente perfeito e de uma beleza visual que é de cair o queixo - a sequência filmada dentro do carro, na primeira fase da missão e que apresenta o real impacto da guerra contra as drogas em Juárez, uma pequena cidade mexicana, com direito a corpos decepados expostos a luz do dia, é primorosa!
"Sicario - Terra de Ninguém" tem uma personagem que transita por um mundo tão opressivo quando agressivo e imoral, sem se dar conta que esse mundo só faz sentido por causa de pessoas como ela. Ao mostrar que os "meios" justificam os "fins", o filme nos provoca a rever nossas "certezas" e sobre nossas possíveis atitudes se estivéssemos na mesma situação - essa dinâmica se reflete em uma experiência incrível e imperdível!
Vale muito, mas muito mesmo, o seu play!
Up-date: "Sicario - Terra de Ninguém" foi indicado em três categorias no Oscar 2016: Melhor Edição de Som, Melhor Música e Melhor Fotografia!
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Na Sicília, Giuseppe (Gaetano Fernandez), um garoto de 13 anos, desaparece de uma pequena Vila à beira de uma floresta. Sua amiga Luna (Julia Jedlikowska) recusa-se a aceitar seu desaparecimento e resolve se rebelar contra o silêncio e a cumplicidade do todos. Para encontrá-lo, Luna precisa de coragem para enfrentar o desconhecido - um lago que é uma espécie de entrada misteriosa para o mundo sombrio que provavelmente engoliu Giuseppe.
A base da história é inspirada em um caso real ocorrido em 1993: o sequestro de Giuseppe di Matteo, filho de um ex-chefe da Máfia que passou a ser um informante da policia, porém os diretores Fabio Grassadonia e Antonio Piazza usam da fantasia para fazer um paralelo entre a forma de uma pré-adolescente ver a realidade e estabelecer o universo violento da região.
O roteiro usa e abusa da construção de arquétipos vindos dos contos de fada para contar a história: enquanto a mãe de Luna soa como uma versão das “madrastas más”, o caráter íntegro de Giuseppe o aproxima dos príncipes encantados e a sensibilidade sonhadora de Luna das princesas à espera do final feliz! A própria fotografia do diretor Luca Bigazzi aproveita da belíssima paisagem mediterrânea para abusar dos longos planos-sequência, panorâmicas, cheia de planos abertos, além de alguns momentos onde a perspectiva parece distorcida como se alguém observasse toda a ação. Todo conceito estético é ainda mais valorizado pela linda trilha sonora de Anton Spielmann criando o universo que transita entre o encantamento e o sinistro, entre a fantasia e o real, trazendo muitas referências dos Irmãos Grimm.
É preciso dizer que "O Fantasma da Sicília" (título em português) é um pouco longo demais, reflexo desse estilo mais autoral e artístico dos diretores, o que dá a impressão de um filme que não evolui. O primeiro e o terceiro atos são excelentes, mas o ponto fraco é, sem dúvida, o segundo ato - eisso tende a cansar quem não está envolvido com o filme ou se identifica com esse tipo de cinema.
Não é um filme fácil, é lento, mas é muito bom! Eu gostei, mas sei que vai agradar um nicho bem pequeno de cinéfilos!!!
Na Sicília, Giuseppe (Gaetano Fernandez), um garoto de 13 anos, desaparece de uma pequena Vila à beira de uma floresta. Sua amiga Luna (Julia Jedlikowska) recusa-se a aceitar seu desaparecimento e resolve se rebelar contra o silêncio e a cumplicidade do todos. Para encontrá-lo, Luna precisa de coragem para enfrentar o desconhecido - um lago que é uma espécie de entrada misteriosa para o mundo sombrio que provavelmente engoliu Giuseppe.
A base da história é inspirada em um caso real ocorrido em 1993: o sequestro de Giuseppe di Matteo, filho de um ex-chefe da Máfia que passou a ser um informante da policia, porém os diretores Fabio Grassadonia e Antonio Piazza usam da fantasia para fazer um paralelo entre a forma de uma pré-adolescente ver a realidade e estabelecer o universo violento da região.
O roteiro usa e abusa da construção de arquétipos vindos dos contos de fada para contar a história: enquanto a mãe de Luna soa como uma versão das “madrastas más”, o caráter íntegro de Giuseppe o aproxima dos príncipes encantados e a sensibilidade sonhadora de Luna das princesas à espera do final feliz! A própria fotografia do diretor Luca Bigazzi aproveita da belíssima paisagem mediterrânea para abusar dos longos planos-sequência, panorâmicas, cheia de planos abertos, além de alguns momentos onde a perspectiva parece distorcida como se alguém observasse toda a ação. Todo conceito estético é ainda mais valorizado pela linda trilha sonora de Anton Spielmann criando o universo que transita entre o encantamento e o sinistro, entre a fantasia e o real, trazendo muitas referências dos Irmãos Grimm.
É preciso dizer que "O Fantasma da Sicília" (título em português) é um pouco longo demais, reflexo desse estilo mais autoral e artístico dos diretores, o que dá a impressão de um filme que não evolui. O primeiro e o terceiro atos são excelentes, mas o ponto fraco é, sem dúvida, o segundo ato - eisso tende a cansar quem não está envolvido com o filme ou se identifica com esse tipo de cinema.
Não é um filme fácil, é lento, mas é muito bom! Eu gostei, mas sei que vai agradar um nicho bem pequeno de cinéfilos!!!
A Netflix continua apostando em séries documentais que abordam histórias de crimes reais. Se você gostou de "The Jinx", “The Staircase”, “Cenas de um Homicídio: Uma Família Vizinha” e “Amanda Knox”, não deixe de assistir “Sob Suspeita: O Caso Wesphael”. Em cinco episódios de pouco mais de 30 minutos, o diretor Alain Brunard se aproveita de um ótimo roteiro de Georges Huercano, Yann Le Gal e Pascal Vrebos para mostrar o polêmico caso do político belga Bernard Wesphael, acusado de assassinar a esposa Véronique Pirotton, em 2013.
O crime chamou a atenção da mídia na época pelo fato de que, embora as investigações e todas as evidências o apontassem como culpado, Wesphael sustentou até o fim seu argumento de inocência, apesar de ter sido a única pessoa que esteve com Véronique naquela noite e de haver relatos de testemunhas que afirmaram ter escutado sons suspeitos vindos do quarto deles.
O casal, que estava recém-separado, estaria tentando uma reconciliação num hotel em Ostende, cidade turística belga, quando Véronique foi encontrada morta no banheiro, com um saco plástico na cabeça e vários hematomas pelo corpo. Mesmo que parecendo impossível, a tese sustentada por Wesphael foi a de que ela havia cometido suicídio.
A série, como todos já devem saber, não traz soluções para o crime e isso não é exatamente um problema, já que, como muitas de suas antecessoras, a narrativa acaba focando em um dos personagens, no caso o político, que insiste na versão de um possível comportamento autodestrutivo da ex-mulher, que envolvia desde a infidelidade, tendências suicidas até o consumo excessivo de álcool e medicamentos - os depoimentos Wesphael para o documentário são impressionantes.
Infelizmente Véronique não tem voz, apenas sua irmã, um primo e alguns jornalistas tentam mostrar um outro lado da personalidade da vitima e sua relação conflituosa com o acusado. O fato é que ficamos sem uma conclusão sobre o que de fato aconteceu, porém a produção tem o mérito de prender a atenção da audiência desde o primeiro minuto da narrativa e a todo momento, provocando cada um de nós a tirar nossas próprias conclusões, independente do veredito ou de todas as evidências apresentadas.
Vale muito a pena, mas será preciso ter estômago ou, no mínimo, uma boa dose de isenção para traçar mentalmente todas as possibilidades - e posso garantir, não são muitas!
Escrito por Ana Cristina Paixão com Edição de André Siqueira
A Netflix continua apostando em séries documentais que abordam histórias de crimes reais. Se você gostou de "The Jinx", “The Staircase”, “Cenas de um Homicídio: Uma Família Vizinha” e “Amanda Knox”, não deixe de assistir “Sob Suspeita: O Caso Wesphael”. Em cinco episódios de pouco mais de 30 minutos, o diretor Alain Brunard se aproveita de um ótimo roteiro de Georges Huercano, Yann Le Gal e Pascal Vrebos para mostrar o polêmico caso do político belga Bernard Wesphael, acusado de assassinar a esposa Véronique Pirotton, em 2013.
O crime chamou a atenção da mídia na época pelo fato de que, embora as investigações e todas as evidências o apontassem como culpado, Wesphael sustentou até o fim seu argumento de inocência, apesar de ter sido a única pessoa que esteve com Véronique naquela noite e de haver relatos de testemunhas que afirmaram ter escutado sons suspeitos vindos do quarto deles.
O casal, que estava recém-separado, estaria tentando uma reconciliação num hotel em Ostende, cidade turística belga, quando Véronique foi encontrada morta no banheiro, com um saco plástico na cabeça e vários hematomas pelo corpo. Mesmo que parecendo impossível, a tese sustentada por Wesphael foi a de que ela havia cometido suicídio.
A série, como todos já devem saber, não traz soluções para o crime e isso não é exatamente um problema, já que, como muitas de suas antecessoras, a narrativa acaba focando em um dos personagens, no caso o político, que insiste na versão de um possível comportamento autodestrutivo da ex-mulher, que envolvia desde a infidelidade, tendências suicidas até o consumo excessivo de álcool e medicamentos - os depoimentos Wesphael para o documentário são impressionantes.
Infelizmente Véronique não tem voz, apenas sua irmã, um primo e alguns jornalistas tentam mostrar um outro lado da personalidade da vitima e sua relação conflituosa com o acusado. O fato é que ficamos sem uma conclusão sobre o que de fato aconteceu, porém a produção tem o mérito de prender a atenção da audiência desde o primeiro minuto da narrativa e a todo momento, provocando cada um de nós a tirar nossas próprias conclusões, independente do veredito ou de todas as evidências apresentadas.
Vale muito a pena, mas será preciso ter estômago ou, no mínimo, uma boa dose de isenção para traçar mentalmente todas as possibilidades - e posso garantir, não são muitas!
Escrito por Ana Cristina Paixão com Edição de André Siqueira
"As crianças de Deus não estão a venda!" - é com essa frase de impacto e emocionalmente difícil de digerir, já sabendo da realidade que "Som da Liberdade" retrata, que te garanto: esse filme é imperdível! Dirigido pelo talentoso Alejandro Monteverde (de "Little Boy - Além do Impossível"), o filme é muito mais do que um simples relato de eventos reais; é uma jornada emocional que transcende as telas, deixando uma marca profunda em quem a assiste (especialmente para quem tem filhos), mesmo que o roteiro, em vários momentos, pese um pouco na mão ao colocar seu protagonista na condição divina de "grande salvador". Na realidade essa escolha narrativa do roteirista Rod Barr (do premiado "Is That You?") e do próprio Monteverde, nem seria um problema se o foco fosse a ação, mas por se tratar de um drama tão impactante fica difícil acreditar que tudo ocorreu exatamente daquela maneira. Isso impacta na sua experiência? De forma alguma, eu diria que pelo contrário, já que mesmo se tratando de um assunto tão sério, o entretenimento também existe ali, especialmente após o meio do segundo ato.
"Sound of Freedom" conta a história real de Tim Ballard (Jim Caviezel), um ex-agente do governo americano responsável por uma missão de resgate de dezenas de crianças vítimas do tráfico sexual na Colômbia. Na trama, depois de recuperar Miguel (Lucás Ávila) um garoto hondurenho que estava nas mãos de uma rede de pedofilia, Ballard descobre que a irmã do menino, Roccio (Cristal Aparicio) também está sendo mantida como refém. Ele decide, então, dar início a uma perigosa, porém nobre, jornada para salvá-la, mesmo que para isso precise enfrentar a violência do exército rebelde colombiano. Confira o trailer:
Produzido em 2018 com um orçamento modesto de US$14 milhões, "Som da Liberdade" arrecadou mais de US$250 milhões mundialmente, só nas bilheterias - números realmente impressionantes para um filme que ficou na gaveta por muitos anos mesmo depois de finalizado, já que a Disney, quando comprou a Fox, se recusou a lançá-lo comercialmente até que um de seus produtores, Eduardo Verástegui, conseguiu readquirir os direitos e o ofereceu à Angel Studios, pequena distribuidora de produções cristãs, como "The Chosen", que o aceitou o desafio e o risco - e que acabou se dando muito bem.
No coração do sucesso de "O Som da Liberdade", sem dúvida, está a habilidade de Monteverde em transmitir a verdadeira essência do protagonista equilibrando o drama com a ação - não se surpreenda se os olhos marejarem e o coração apertar na primeira metade do filme e se um misto de ansiedade e torcida emergirem na segunda metade com a mesma facilidade. A fotografia de Gorka Gómez Andreu (de "Uma Janela para o Mar") captura de maneira impressionante as nuances emocionais dos personagens com igual capacidade com que recorta uma atmosfera tensa e inóspita da geografia colombiana - algo como vimos em "Narcos", por exemplo. Ao mergulhar a audiência nos bastidores das missões de Ballard, as lentes de Andreu deixa claro o que, de fato, representa o terror desprezível do turismo sexual na Colômbia bem como as profundezas daquela selva opressora, um "lugar de ninguém", berço da produção de cocaína do país e do mundo.
Antes de finalizar quero destacar mais dois elementos: o primeiro é a trilha sonora do Javier Navarrete - poética na medida certa e extremamente alinhada com o belíssimo conceito visual do filme, as músicas são um fator crucial que intensifica a nossa experiência, criando uma atmosfera emotiva que permanece mesmo após o término do filme. Já o segundo merece um aplauso de pé: Bill Camp como "Vampiro" dá uma aula - ao ponto de, para mim, merecer até uma indicação ao Oscar (que infelizmente esqueceu de "Som da Liberdade" em muitos aspectos). Um filme que aborda temas sensíveis e urgentes, que não apenas destaca a brutalidade do tráfico humano, mas também oferece uma visão esperançosa e, mesmo acompanhada da crítica dos chatos de plantão, inspiradora.
Um filme imperdível em todos os seus méritos e que vale muito o seu play!
"As crianças de Deus não estão a venda!" - é com essa frase de impacto e emocionalmente difícil de digerir, já sabendo da realidade que "Som da Liberdade" retrata, que te garanto: esse filme é imperdível! Dirigido pelo talentoso Alejandro Monteverde (de "Little Boy - Além do Impossível"), o filme é muito mais do que um simples relato de eventos reais; é uma jornada emocional que transcende as telas, deixando uma marca profunda em quem a assiste (especialmente para quem tem filhos), mesmo que o roteiro, em vários momentos, pese um pouco na mão ao colocar seu protagonista na condição divina de "grande salvador". Na realidade essa escolha narrativa do roteirista Rod Barr (do premiado "Is That You?") e do próprio Monteverde, nem seria um problema se o foco fosse a ação, mas por se tratar de um drama tão impactante fica difícil acreditar que tudo ocorreu exatamente daquela maneira. Isso impacta na sua experiência? De forma alguma, eu diria que pelo contrário, já que mesmo se tratando de um assunto tão sério, o entretenimento também existe ali, especialmente após o meio do segundo ato.
"Sound of Freedom" conta a história real de Tim Ballard (Jim Caviezel), um ex-agente do governo americano responsável por uma missão de resgate de dezenas de crianças vítimas do tráfico sexual na Colômbia. Na trama, depois de recuperar Miguel (Lucás Ávila) um garoto hondurenho que estava nas mãos de uma rede de pedofilia, Ballard descobre que a irmã do menino, Roccio (Cristal Aparicio) também está sendo mantida como refém. Ele decide, então, dar início a uma perigosa, porém nobre, jornada para salvá-la, mesmo que para isso precise enfrentar a violência do exército rebelde colombiano. Confira o trailer:
Produzido em 2018 com um orçamento modesto de US$14 milhões, "Som da Liberdade" arrecadou mais de US$250 milhões mundialmente, só nas bilheterias - números realmente impressionantes para um filme que ficou na gaveta por muitos anos mesmo depois de finalizado, já que a Disney, quando comprou a Fox, se recusou a lançá-lo comercialmente até que um de seus produtores, Eduardo Verástegui, conseguiu readquirir os direitos e o ofereceu à Angel Studios, pequena distribuidora de produções cristãs, como "The Chosen", que o aceitou o desafio e o risco - e que acabou se dando muito bem.
No coração do sucesso de "O Som da Liberdade", sem dúvida, está a habilidade de Monteverde em transmitir a verdadeira essência do protagonista equilibrando o drama com a ação - não se surpreenda se os olhos marejarem e o coração apertar na primeira metade do filme e se um misto de ansiedade e torcida emergirem na segunda metade com a mesma facilidade. A fotografia de Gorka Gómez Andreu (de "Uma Janela para o Mar") captura de maneira impressionante as nuances emocionais dos personagens com igual capacidade com que recorta uma atmosfera tensa e inóspita da geografia colombiana - algo como vimos em "Narcos", por exemplo. Ao mergulhar a audiência nos bastidores das missões de Ballard, as lentes de Andreu deixa claro o que, de fato, representa o terror desprezível do turismo sexual na Colômbia bem como as profundezas daquela selva opressora, um "lugar de ninguém", berço da produção de cocaína do país e do mundo.
Antes de finalizar quero destacar mais dois elementos: o primeiro é a trilha sonora do Javier Navarrete - poética na medida certa e extremamente alinhada com o belíssimo conceito visual do filme, as músicas são um fator crucial que intensifica a nossa experiência, criando uma atmosfera emotiva que permanece mesmo após o término do filme. Já o segundo merece um aplauso de pé: Bill Camp como "Vampiro" dá uma aula - ao ponto de, para mim, merecer até uma indicação ao Oscar (que infelizmente esqueceu de "Som da Liberdade" em muitos aspectos). Um filme que aborda temas sensíveis e urgentes, que não apenas destaca a brutalidade do tráfico humano, mas também oferece uma visão esperançosa e, mesmo acompanhada da crítica dos chatos de plantão, inspiradora.
Um filme imperdível em todos os seus méritos e que vale muito o seu play!
"Sombra Lunar" é uma ficção científica que a Netflix produziu que conta com muitos elementos do gênero policial. Esse mix de conceitos narrativos trás uma certa grife para o filme, algo interessante, misterioso e até surpreendente, principalmente no primeiro ato - a impressão é que o filme vai entregar algo além da nossa expectativa! Mas a história que explora a vida do investigador Thomas Lockhart (Boyd Holbrook) e sua obsessão pelo responsável por uma série de assassinatos misteriosos que acontece na Filadélfia de 9 em 9 anos, vai perdendo força até cair no usual com um final óbvio! De fato "Sombra Lunar" é um bom entretenimento, com coisas muito bacanas e outras nem tanto, mas não deixa de ser um filme pipoca para um dia chuvoso que não vai te fazer pensar tanto!
Em uma noite chuvosa de 1988, o policial Thomas Lockhart sai de casa para o que deveria ser uma noite normal de trabalho quando, em quatro pontos diferentes da cidade, quatro pessoas, sem qualquer ligação entre si, são encontradas mortas com uma estranha hemorragia, tendo seus cérebros destruídos e vazando pelas orelhas, olhos e nariz. As cenas por si só já chocariam pela estranheza, porém Lock encontra uma misteriosa marca no pescoço das vítimas - três perfurações provavelmente causadas por uma injeção! - aqui eu já achei que o roteiro perdeu uma grande oportunidade de criar um tom ainda maior de mistério, ao entregar de cara que não se tratava de algo místico ou fantasioso, mas ok!!!
O primeiro ato inteiro acompanha as investigações desses assassinatos até o encontro do policial com a suspeita - os primeiros 30/40 minutos de filme são realmente muito dinâmicos, com cenas grandiosas até, e temos a impressão que a história será capaz de nos deixar com a cabeça fervendo, principalmente se você gosta de filmes policiais! A partir do segundo ato a ficção científica se torna mais presente e começa dividir a atenção com as investigações, quando 9 anos depois outra série de assassinatos repetem o mesmo padrão de 1988. É aqui que o tom realista perde espaço para uma narrativa menos inspirada e mais óbvia. Embora o tom misterioso da trama ganhe mais força, a qualidade da produção começa a sofrer sensivelmente com as escolhas erradas do roteiro e isso vai atrapalhando a nossa experiência.
Mais um salto na linha do tempo, já em 2006, começa o terceiro ciclo de 9 anos. Tudo aquilo de excelente que vimos no trailer e que nos empolgou no primeiro ato vai se transformando em um amontoado de esteriótipos - e aqui cabe uma observação: embora a maquiagem seja apenas mediana, o trabalho do Boyd Holbrook convence com o passar dos anos, pena que a história começa a perder o sentido. As falhas e incoerências do roteiro vão aparecendo com mais frequência e aí, meu amigo, só com pipoca para nos segurar até o final do filme. O resultado dos dois primeiros ciclos quase desaparecem no terceiro e no quarto (2015), deixando claro que, talvez, o projeto tivesse uma outra sorte se fosse uma série e não um filme. Tudo fica muito superficial, espremido, inconsistente. Muitos elementos de "Dark" são facilmente encontrados em "Sombra Lunar", mas não com tanta competência e complexidade como da série alemã. A direção do Jim Mickle e a fotografia do David Lanzenberg até tentam se manter inventivos, mas claramente o roteiro não acompanha esse suspiro de criatividade. O texto no finalzinho do filme define o que a história se tornou: ultrapassada!
"Sombra Lunar" tem um argumento potente, mas seu desenvolvimento é decrescente. A empolgação do inicio se torna quase decepcionante quando chegamos no final. Não é um filme ruim, isso é um fato, mas nem de longe cumpre o que prometia. Tem ação, mistério, ficção e até um drama água com açúcar ao melhor estilo novela mexicana, só que não convence como um produto cinco estrelas. Se você gostou de "Dark", mas achou complicado, é possível que "Sombra Lunar" te divirta mais e te prenda até o final, agora se você espera algo além de um bom "filme pipoca" e que será esquecido na semana que vem, nem dê o play!
"Sombra Lunar" é uma ficção científica que a Netflix produziu que conta com muitos elementos do gênero policial. Esse mix de conceitos narrativos trás uma certa grife para o filme, algo interessante, misterioso e até surpreendente, principalmente no primeiro ato - a impressão é que o filme vai entregar algo além da nossa expectativa! Mas a história que explora a vida do investigador Thomas Lockhart (Boyd Holbrook) e sua obsessão pelo responsável por uma série de assassinatos misteriosos que acontece na Filadélfia de 9 em 9 anos, vai perdendo força até cair no usual com um final óbvio! De fato "Sombra Lunar" é um bom entretenimento, com coisas muito bacanas e outras nem tanto, mas não deixa de ser um filme pipoca para um dia chuvoso que não vai te fazer pensar tanto!
Em uma noite chuvosa de 1988, o policial Thomas Lockhart sai de casa para o que deveria ser uma noite normal de trabalho quando, em quatro pontos diferentes da cidade, quatro pessoas, sem qualquer ligação entre si, são encontradas mortas com uma estranha hemorragia, tendo seus cérebros destruídos e vazando pelas orelhas, olhos e nariz. As cenas por si só já chocariam pela estranheza, porém Lock encontra uma misteriosa marca no pescoço das vítimas - três perfurações provavelmente causadas por uma injeção! - aqui eu já achei que o roteiro perdeu uma grande oportunidade de criar um tom ainda maior de mistério, ao entregar de cara que não se tratava de algo místico ou fantasioso, mas ok!!!
O primeiro ato inteiro acompanha as investigações desses assassinatos até o encontro do policial com a suspeita - os primeiros 30/40 minutos de filme são realmente muito dinâmicos, com cenas grandiosas até, e temos a impressão que a história será capaz de nos deixar com a cabeça fervendo, principalmente se você gosta de filmes policiais! A partir do segundo ato a ficção científica se torna mais presente e começa dividir a atenção com as investigações, quando 9 anos depois outra série de assassinatos repetem o mesmo padrão de 1988. É aqui que o tom realista perde espaço para uma narrativa menos inspirada e mais óbvia. Embora o tom misterioso da trama ganhe mais força, a qualidade da produção começa a sofrer sensivelmente com as escolhas erradas do roteiro e isso vai atrapalhando a nossa experiência.
Mais um salto na linha do tempo, já em 2006, começa o terceiro ciclo de 9 anos. Tudo aquilo de excelente que vimos no trailer e que nos empolgou no primeiro ato vai se transformando em um amontoado de esteriótipos - e aqui cabe uma observação: embora a maquiagem seja apenas mediana, o trabalho do Boyd Holbrook convence com o passar dos anos, pena que a história começa a perder o sentido. As falhas e incoerências do roteiro vão aparecendo com mais frequência e aí, meu amigo, só com pipoca para nos segurar até o final do filme. O resultado dos dois primeiros ciclos quase desaparecem no terceiro e no quarto (2015), deixando claro que, talvez, o projeto tivesse uma outra sorte se fosse uma série e não um filme. Tudo fica muito superficial, espremido, inconsistente. Muitos elementos de "Dark" são facilmente encontrados em "Sombra Lunar", mas não com tanta competência e complexidade como da série alemã. A direção do Jim Mickle e a fotografia do David Lanzenberg até tentam se manter inventivos, mas claramente o roteiro não acompanha esse suspiro de criatividade. O texto no finalzinho do filme define o que a história se tornou: ultrapassada!
"Sombra Lunar" tem um argumento potente, mas seu desenvolvimento é decrescente. A empolgação do inicio se torna quase decepcionante quando chegamos no final. Não é um filme ruim, isso é um fato, mas nem de longe cumpre o que prometia. Tem ação, mistério, ficção e até um drama água com açúcar ao melhor estilo novela mexicana, só que não convence como um produto cinco estrelas. Se você gostou de "Dark", mas achou complicado, é possível que "Sombra Lunar" te divirta mais e te prenda até o final, agora se você espera algo além de um bom "filme pipoca" e que será esquecido na semana que vem, nem dê o play!
Se você gostou de “The Keepers” e “Sob Suspeita: O Caso Wesphael”não pode perder “Sophie: a Murder in West Cork", mais uma minissérie documental de true crime da Netflix. O documentário em três partes segue uma fórmula vencedora que desde “Making a Murderer” (2015): aborda um crime brutal, mostra falhas graves na investigação e um erro judiciário que leva ao reexame do caso, que permanece sem solução.
Nessa minissérie, que foi produzida com o aval da família da vítima (importante citar pelo impacto que tem na narrativa), explora as circunstâncias em torno do misterioso assassinato da produtora de cinema e TV francesa Sophie Toscan du Plantier, esposa do famoso produtor de cinema francês Daniel Toscan du Plantier. O corpo de Sophie foi encontrado dois dias antes do Natal de 1996 em sua casa de férias no condado de Cork na Irlanda. O principal suspeito do assassinato foi o jornalista inglês Ian Bailey, que manteve sua alegação de inocência. Bailey, um jornalista que colaborava com vários jornais ingleses, chegou a ser detido duas vezes, mas não foi indiciado por falta de provas. As suspeitas surgiram por matérias jornalísticas escritas por Bailey que revelavam elementos do crime que apenas os investigadores e o assassino poderiam conhecer. Confira o trailer (em inglês):
Sophie: a Murder in West Cork" foi dirigida e escrita pelo John Dower (“My Scientology Movie”) ecoproduzida pelo vencedor do Oscar Simon Chinn (“Man On Wire” e “Searching For Sugarman”) e é conduzida através dos depoimentos da polícia, residentes de Schull (cidade costeira da Irlanda), amigos e família da vítima, além do próprio suspeito do crime, Ian Bailey, que foi inclusive o primeiro a reportar a morte da produtora. A maioria das três partes do documentário é focada em como a polícia construiu um caso contra Bailey, que incluiu vários depoimentos de testemunhas.
O interessante é que a família de Sophie continua convencida da culpa de Bailey, mas nenhum elemento de informação coletado durante a investigação foi suficiente para elucidar o mistério em torno da morte dela. O único vestígio de DNA encontrado na cena do crime, que não pertencia a Sophie, não foi identificado. As especulações sobre outros assassinos em potencial vão desde a teoria de que um assassino perseguiu e matou Sophie até a improvável (e absurda) suposição de que ela foi atacada por um cavalo perdido.
O fato é que a minissérie vale a pena pela belíssima fotografia, uma excelente direção e pela sensibilidade ao retratar uma história tão absurda. “Sophie: a Murder in West Cork" nos faz pensar que nem em uma cidadezinha remota da Irlanda estamos a salvo da maldade humana. Sophie foi para Schull para ter paz de espírito e acabou encontrando a morte aos 39 anos.
Escrito por Ana Cristina Paixão
Se você gostou de “The Keepers” e “Sob Suspeita: O Caso Wesphael”não pode perder “Sophie: a Murder in West Cork", mais uma minissérie documental de true crime da Netflix. O documentário em três partes segue uma fórmula vencedora que desde “Making a Murderer” (2015): aborda um crime brutal, mostra falhas graves na investigação e um erro judiciário que leva ao reexame do caso, que permanece sem solução.
Nessa minissérie, que foi produzida com o aval da família da vítima (importante citar pelo impacto que tem na narrativa), explora as circunstâncias em torno do misterioso assassinato da produtora de cinema e TV francesa Sophie Toscan du Plantier, esposa do famoso produtor de cinema francês Daniel Toscan du Plantier. O corpo de Sophie foi encontrado dois dias antes do Natal de 1996 em sua casa de férias no condado de Cork na Irlanda. O principal suspeito do assassinato foi o jornalista inglês Ian Bailey, que manteve sua alegação de inocência. Bailey, um jornalista que colaborava com vários jornais ingleses, chegou a ser detido duas vezes, mas não foi indiciado por falta de provas. As suspeitas surgiram por matérias jornalísticas escritas por Bailey que revelavam elementos do crime que apenas os investigadores e o assassino poderiam conhecer. Confira o trailer (em inglês):
Sophie: a Murder in West Cork" foi dirigida e escrita pelo John Dower (“My Scientology Movie”) ecoproduzida pelo vencedor do Oscar Simon Chinn (“Man On Wire” e “Searching For Sugarman”) e é conduzida através dos depoimentos da polícia, residentes de Schull (cidade costeira da Irlanda), amigos e família da vítima, além do próprio suspeito do crime, Ian Bailey, que foi inclusive o primeiro a reportar a morte da produtora. A maioria das três partes do documentário é focada em como a polícia construiu um caso contra Bailey, que incluiu vários depoimentos de testemunhas.
O interessante é que a família de Sophie continua convencida da culpa de Bailey, mas nenhum elemento de informação coletado durante a investigação foi suficiente para elucidar o mistério em torno da morte dela. O único vestígio de DNA encontrado na cena do crime, que não pertencia a Sophie, não foi identificado. As especulações sobre outros assassinos em potencial vão desde a teoria de que um assassino perseguiu e matou Sophie até a improvável (e absurda) suposição de que ela foi atacada por um cavalo perdido.
O fato é que a minissérie vale a pena pela belíssima fotografia, uma excelente direção e pela sensibilidade ao retratar uma história tão absurda. “Sophie: a Murder in West Cork" nos faz pensar que nem em uma cidadezinha remota da Irlanda estamos a salvo da maldade humana. Sophie foi para Schull para ter paz de espírito e acabou encontrando a morte aos 39 anos.
Escrito por Ana Cristina Paixão
"Spotlight" é de fato marcante e vai te provocar inúmeras reflexões! Dirigido pelo Tom McCarthy (de "Ganhar ou Ganhar: A Vida é um Jogo"), o filme retrata uma das maiores investigações jornalísticas da história recente dos Estados Unidos. Lançado em 2015, o roteiro aborda com maestria, detalhes sobre o escândalo de abusos sexuais envolvendo membros da Igreja Católica em Boston, Massachusetts. Olha, é impressionante como filme apresenta uma análise detalhada da investigação ao mesmo tempo em que nos provoca um olhar critico para temas importantes e indigestos, como o abuso de poder e a influência institucional da Igreja.
O drama vencedor do Oscar de "Melhor Filme" em 2016, acompanha a equipe de jornalistas investigativos do jornal The Boston Globe, conhecida como "Spotlight", enquanto eles se aprofundam na denúncia de abusos sexuais cometidos por padres católicos na cidade de Boston. A história se desenrola de forma envolvente e realista, à medida que a equipe luta para desvendar o caso e expor a verdade por trás do abuso de poder dentro da Igreja. Confira o trailer:
O ponto alto de "Spotlight - Segredos Revelados" é, sem dúvida, sua abordagem sóbria e intensamente realista. O diretor Tom McCarthy opta por uma narrativa linear, focando no desenvolvimento meticuloso da investigação e no impacto que ela tem sobre toda equipe de jornalistas. Aliás, o trabalho dos atores só colabora para validar a escolha desse conceito. Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachel McAdams e Stanley Tucci entregam performances poderosas e emocionalmente densas - chega a ser impressionante a entrega do elenco na construção de algumas camadas tão sensíveis que fica impossível não se identificar com toda aquela cruzada. É como se estivéssemos lá, nessa luta!
O roteiro, também vencedor do Oscar, foi escrito pelo próprio McCarthy com a ajuda de Josh Singer - olha, eu diria que é uma verdadeira obra-prima. Ele equilibra tão bem a complexidade da investigação com os dilemas éticos e morais enfrentados pelos personagens que não são raras a vezes que nos pegamos pensando o que faríamos naquelas situações. Outro ponto interessante do roteiro de "Spotlight" é a forma como ele mergulha no tema da responsabilidade da Igreja, questionando a influência e a força da instituição perante uma comunidade inteira - raparem no senso de urgência que acompanha os personagens na tentativa de expor a verdade, independentemente das consequências dessa decisão. A direção de McCarthy é precisa e minimalista, sem recorrer a artifícios visuais desnecessários ou cair em clichês baratos. Ele enfatiza o trabalho dos jornalistas e o peso das informações reveladas, criando uma atmosfera de tensão crescente ao longo do filme onde uma bela trilha sonora, embora sutil, soa extremamente eficaz como complemento para esse estilo de narrativa.
A grande verdade é que "Spotlight" é muito mais do que um simples filme de investigação. Sua complexidade ideológica está nos detalhes, na forma como ele aponta o problema e estimula o debate, a reflexão. Ao construir a sua narrativa em cima de discussões sobre a hipocrisia, a ética e a coragem, somos diretamente impactados e nos sentimos desafiados a sempre questionar o sistema e a lutar pelo que é certo, mesmo que para isso tenhamos que olhar para os nossos próprios fantasmas como sociedade e enfrenta-los.
Vale muito o seu play!
"Spotlight" é de fato marcante e vai te provocar inúmeras reflexões! Dirigido pelo Tom McCarthy (de "Ganhar ou Ganhar: A Vida é um Jogo"), o filme retrata uma das maiores investigações jornalísticas da história recente dos Estados Unidos. Lançado em 2015, o roteiro aborda com maestria, detalhes sobre o escândalo de abusos sexuais envolvendo membros da Igreja Católica em Boston, Massachusetts. Olha, é impressionante como filme apresenta uma análise detalhada da investigação ao mesmo tempo em que nos provoca um olhar critico para temas importantes e indigestos, como o abuso de poder e a influência institucional da Igreja.
O drama vencedor do Oscar de "Melhor Filme" em 2016, acompanha a equipe de jornalistas investigativos do jornal The Boston Globe, conhecida como "Spotlight", enquanto eles se aprofundam na denúncia de abusos sexuais cometidos por padres católicos na cidade de Boston. A história se desenrola de forma envolvente e realista, à medida que a equipe luta para desvendar o caso e expor a verdade por trás do abuso de poder dentro da Igreja. Confira o trailer:
O ponto alto de "Spotlight - Segredos Revelados" é, sem dúvida, sua abordagem sóbria e intensamente realista. O diretor Tom McCarthy opta por uma narrativa linear, focando no desenvolvimento meticuloso da investigação e no impacto que ela tem sobre toda equipe de jornalistas. Aliás, o trabalho dos atores só colabora para validar a escolha desse conceito. Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachel McAdams e Stanley Tucci entregam performances poderosas e emocionalmente densas - chega a ser impressionante a entrega do elenco na construção de algumas camadas tão sensíveis que fica impossível não se identificar com toda aquela cruzada. É como se estivéssemos lá, nessa luta!
O roteiro, também vencedor do Oscar, foi escrito pelo próprio McCarthy com a ajuda de Josh Singer - olha, eu diria que é uma verdadeira obra-prima. Ele equilibra tão bem a complexidade da investigação com os dilemas éticos e morais enfrentados pelos personagens que não são raras a vezes que nos pegamos pensando o que faríamos naquelas situações. Outro ponto interessante do roteiro de "Spotlight" é a forma como ele mergulha no tema da responsabilidade da Igreja, questionando a influência e a força da instituição perante uma comunidade inteira - raparem no senso de urgência que acompanha os personagens na tentativa de expor a verdade, independentemente das consequências dessa decisão. A direção de McCarthy é precisa e minimalista, sem recorrer a artifícios visuais desnecessários ou cair em clichês baratos. Ele enfatiza o trabalho dos jornalistas e o peso das informações reveladas, criando uma atmosfera de tensão crescente ao longo do filme onde uma bela trilha sonora, embora sutil, soa extremamente eficaz como complemento para esse estilo de narrativa.
A grande verdade é que "Spotlight" é muito mais do que um simples filme de investigação. Sua complexidade ideológica está nos detalhes, na forma como ele aponta o problema e estimula o debate, a reflexão. Ao construir a sua narrativa em cima de discussões sobre a hipocrisia, a ética e a coragem, somos diretamente impactados e nos sentimos desafiados a sempre questionar o sistema e a lutar pelo que é certo, mesmo que para isso tenhamos que olhar para os nossos próprios fantasmas como sociedade e enfrenta-los.
Vale muito o seu play!
"Sr. & Sra. Smith" está mais para "Killing Eve" do que para "Segurança em Jogo", ou seja, todos os elementos de espionagem, investigação, crimes e conspiração estão aqui, mas é o "tom" que vai direcionar a narrativa. Lançada em 2024, essa produção original da Amazon para seu Prime Video, é uma releitura moderna e estilizada do filme de 2005, desta vez criada por Donald Glover e Francesca Sloane. A série traz uma abordagem moderna e cheia de energia para a premissa clássica de um casal de espiões cujas vidas secretas colidem de maneira explosiva em uma mistura de ação, comédia e drama. "Sr. & Sra. Smith" busca capturar a química entre seus protagonistas enquanto explora temas como amor, lealdade e identidade, sempre com um toque de humor afiado e cativante. Um excelente entretenimento!
A trama segue John e Jane Smith (interpretados por Donald Glover e Maya Erskine), dois estranhos solitários que conseguem empregos em uma misteriosa agência que lhes oferece uma oportunidade gloriosa como um casal de mentira que vive uma vida dupla como espiões. A série explora como missões perigosas e segredos cuidadosamente guardados começam a se entrelaçar com suas vidas pessoais, levando a situações caóticas e muitas vezes cômicas. A relação entre John e Jane é complexa, oscilando entre amor e rivalidade, confiança e traição. Confira o trailer:
Inspirado nos personagens criados por Simon Kinberg, essa adaptação co-escrita por Glover e Sloane (ambos de "Atlanta") expande o universo do filme de uma maneira até mais inteligente e, por consequência, com reviravoltas mais bem construídas - aliás, uma característica essencial para o sucesso de uma trama de espionagem. "Sr. & Sra. Smith" chama atenção desde o primeiro episódio pela sua capacidade de equilibrar habilmente o desenvolvimento dos personagens pela perspectiva mais intima e pessoal com cenas de ação repletas de ironias e alívios cômicos, criando assim uma narrativa envolvente e divertida. Veja, a série não tem medo de explorar os aspectos mais sombrios e complicados do relacionamento entre John e Jane, mas faz isso com um toque leve que evita aquela sensação de tensão e angústia constantes. A equipe de direção sabe disso e, mesmo sem pesar na mão, nos surpreende com um conceito estiloso e cheio de energia, utilizando ângulos dinâmicos, cortes rápidos e uma paleta de cores vibrante para criar uma atmosfera que combina ação de alta octanagem com um toque de comédia (romântica) e sofisticação. Repare como as sequências de ação são coreografadas com precisão, oferecendo uma mistura de combate corpo a corpo, tiroteios e perseguições que deixa muito "drama realista" com inveja.
Donald Glover, além de co-criar a série, também brilha como protagonista. Conhecido por seu talento que transita por vários gêneros, Glover traz seu carisma e charme com um timing cômico impecável ao papel, criando um personagem que é ao mesmo tempo letal e vulnerável. Sua performance é repleta de nuances, pontuando seu lado divertido com momentos de seriedade que revelam a profundidade emocional de suas lutas internas. Já Maya Erskine, sua co-protagonista, entrega um trabalho igualmente dinâmico ao capturar a dualidade oriental de Jane com habilidade, mostrando uma personagem que é tanto uma espiã implacável quanto uma mulher lidando com os desafios de um relacionamento complexo e com as marcas de seu passado. Agora vale o registro: o que é muito bacana mesmo é a química entre os dois - tudo é palpável, seus diálogos são cirúrgicos e até nas cenas de ação, onde o ritmo é mais acelerado, eles fazem com que essa relação seja, de fato, um dos pontos altos da série.
"Sr. & Sra. Smith", em sua tentativa de combinar tantos elementos diferentes, pode até se tornar um pouco dispersa em termos de tom e ritmo, especialmente nos primeiros episódios. No entanto, eu sugiro um pouco de paciência até se conectar com a proposta de Glover e Sloane, pois essa nova adaptação é realmente divertida, traz boas ideias e muita energia para um projeto que parecer ter potencial para muitas temporadas.
Vale o seu play, especialmente se você estiver em busca de histórias de espionagem com um toque de humor e com personagens cativantes!
"Sr. & Sra. Smith" está mais para "Killing Eve" do que para "Segurança em Jogo", ou seja, todos os elementos de espionagem, investigação, crimes e conspiração estão aqui, mas é o "tom" que vai direcionar a narrativa. Lançada em 2024, essa produção original da Amazon para seu Prime Video, é uma releitura moderna e estilizada do filme de 2005, desta vez criada por Donald Glover e Francesca Sloane. A série traz uma abordagem moderna e cheia de energia para a premissa clássica de um casal de espiões cujas vidas secretas colidem de maneira explosiva em uma mistura de ação, comédia e drama. "Sr. & Sra. Smith" busca capturar a química entre seus protagonistas enquanto explora temas como amor, lealdade e identidade, sempre com um toque de humor afiado e cativante. Um excelente entretenimento!
A trama segue John e Jane Smith (interpretados por Donald Glover e Maya Erskine), dois estranhos solitários que conseguem empregos em uma misteriosa agência que lhes oferece uma oportunidade gloriosa como um casal de mentira que vive uma vida dupla como espiões. A série explora como missões perigosas e segredos cuidadosamente guardados começam a se entrelaçar com suas vidas pessoais, levando a situações caóticas e muitas vezes cômicas. A relação entre John e Jane é complexa, oscilando entre amor e rivalidade, confiança e traição. Confira o trailer:
Inspirado nos personagens criados por Simon Kinberg, essa adaptação co-escrita por Glover e Sloane (ambos de "Atlanta") expande o universo do filme de uma maneira até mais inteligente e, por consequência, com reviravoltas mais bem construídas - aliás, uma característica essencial para o sucesso de uma trama de espionagem. "Sr. & Sra. Smith" chama atenção desde o primeiro episódio pela sua capacidade de equilibrar habilmente o desenvolvimento dos personagens pela perspectiva mais intima e pessoal com cenas de ação repletas de ironias e alívios cômicos, criando assim uma narrativa envolvente e divertida. Veja, a série não tem medo de explorar os aspectos mais sombrios e complicados do relacionamento entre John e Jane, mas faz isso com um toque leve que evita aquela sensação de tensão e angústia constantes. A equipe de direção sabe disso e, mesmo sem pesar na mão, nos surpreende com um conceito estiloso e cheio de energia, utilizando ângulos dinâmicos, cortes rápidos e uma paleta de cores vibrante para criar uma atmosfera que combina ação de alta octanagem com um toque de comédia (romântica) e sofisticação. Repare como as sequências de ação são coreografadas com precisão, oferecendo uma mistura de combate corpo a corpo, tiroteios e perseguições que deixa muito "drama realista" com inveja.
Donald Glover, além de co-criar a série, também brilha como protagonista. Conhecido por seu talento que transita por vários gêneros, Glover traz seu carisma e charme com um timing cômico impecável ao papel, criando um personagem que é ao mesmo tempo letal e vulnerável. Sua performance é repleta de nuances, pontuando seu lado divertido com momentos de seriedade que revelam a profundidade emocional de suas lutas internas. Já Maya Erskine, sua co-protagonista, entrega um trabalho igualmente dinâmico ao capturar a dualidade oriental de Jane com habilidade, mostrando uma personagem que é tanto uma espiã implacável quanto uma mulher lidando com os desafios de um relacionamento complexo e com as marcas de seu passado. Agora vale o registro: o que é muito bacana mesmo é a química entre os dois - tudo é palpável, seus diálogos são cirúrgicos e até nas cenas de ação, onde o ritmo é mais acelerado, eles fazem com que essa relação seja, de fato, um dos pontos altos da série.
"Sr. & Sra. Smith", em sua tentativa de combinar tantos elementos diferentes, pode até se tornar um pouco dispersa em termos de tom e ritmo, especialmente nos primeiros episódios. No entanto, eu sugiro um pouco de paciência até se conectar com a proposta de Glover e Sloane, pois essa nova adaptação é realmente divertida, traz boas ideias e muita energia para um projeto que parecer ter potencial para muitas temporadas.
Vale o seu play, especialmente se você estiver em busca de histórias de espionagem com um toque de humor e com personagens cativantes!
"Stillwater" poderia, tranquilamente, ser mais uma série de true crime que tanto nos acostumamos assistir. No entanto, o filme dirigido pelo brilhante Tom McCarthy (de "Spotlight: Segredos Revelados"), vai além daquela premissa envolvente onde a busca pela verdade vai ao encontro da inocência depois de um crime cruel - aqui o filme, mesmo que em muitos momentos soe cadenciado demais, é muito mais provocativo e sabe exatamente como nos tocar a alma com uma atmosfera de melancolia como se fosse a fusão perfeita de "Nomadland"com "Making a Murderer". Sim, aquela desconfortante sensação de perda, de deslocamento e de uma eterna finitude que anuncia sua chegada apenas com o vazio, vai te acompanhar por toda jornada.
A história do filme gira em torno de Bill Baker (Matt Damon), um trabalhador da construção civil de Oklahoma que viaja até Marselha, na França, para visitar sua filha Allison (Abigail Breslin), que está cumprindo pena por um crime que ela alega não ter cometido. Quando novas provas parecem surgir e que poderiam inocentar sua filha, Bill inicia uma cruzada pessoal ao lado da francesa Virginie (Camille Cottin) para reabrir o caso e finalmente encontrar o suposto assassino depois de cinco anos. Confira o trailer (em inglês):
Mesmo que o trailer e a sinopse de "Stillwater" deixem a entender que o roteiro está mais preocupado em acompanhar Bill tentando provar a inocência da filha, posso te garantir que existem camadas emocionais ainda mais profundas ao também retratar a jornada de redenção do personagem. A trama, de fato, se aproveita desses dois gatilhos narrativos e é habilmente construída, alternando momentos de drama, tensão, angustia e até de reflexão, para explorar temas que vão ganhando força, como justiça, família e a difícil jornada de um pai em busca de uma reconciliação com seu passado - a relação de Bill com Virginie e com a filha dela, Maya (Lilou Siauvaud), serve justamente como ponto de equilíbrio entre seus fantasmas do passado e a dura realidade que parece não dar um chance de felicidade para ele.
O roteiro de McCarthy, de Marcus Hinchey ("A Caminho da Fé"), de Thomas Bidegain ("Ferrugem e Osso") e de Noé Debré ("Reputação") é genial - se não na sua estrutura, certamente nos detalhes. Reparem na cena em que Virginie ensaia sua peça de teatro sob os olhos atentos de Bill - em um close-up belíssimo ela diz: “Não há verdade. Apenas histórias para contar”. Uma passagem que pode parecer inofensiva, na verdade serve de gatilho para a transformação que vem a seguir em muitas esferas: da relação entre ela e Bill ao entendimento do crime que colocou Allison na cadeia. Aliás, aqui cabe um comentário pertinente: o elenco é outro ponto forte do filme - Matt Damon entrega uma performance excepcional. Sua interpretação transmite a angústia e a determinação do personagem de forma visceral, enquanto Abigail Breslin se destaca pela complexidade entre a sua vulnerabilidade e o contraste da carga cármica que ela carrega com ódio e repulsa, mesmo que em silêncio.
“Stillwater" (que o Brasil ganhou o didático subtítulo de "Em Busca da Verdade”) pode até parecer ter um grave problema de ritmo, dando a impressão de durar bem mais do que as duas horas e vinte que de fato tem, mas eu diria que o resultado final pode, tranquilamente, ser classificado como um ótimo entretenimento - com uma história que transcende os limites do gênero investigativo para oferecer uma experiência emocionalmente muito mais poderosa e reflexiva do que poderíamos imaginar.
Vale muito o seu play!
"Stillwater" poderia, tranquilamente, ser mais uma série de true crime que tanto nos acostumamos assistir. No entanto, o filme dirigido pelo brilhante Tom McCarthy (de "Spotlight: Segredos Revelados"), vai além daquela premissa envolvente onde a busca pela verdade vai ao encontro da inocência depois de um crime cruel - aqui o filme, mesmo que em muitos momentos soe cadenciado demais, é muito mais provocativo e sabe exatamente como nos tocar a alma com uma atmosfera de melancolia como se fosse a fusão perfeita de "Nomadland"com "Making a Murderer". Sim, aquela desconfortante sensação de perda, de deslocamento e de uma eterna finitude que anuncia sua chegada apenas com o vazio, vai te acompanhar por toda jornada.
A história do filme gira em torno de Bill Baker (Matt Damon), um trabalhador da construção civil de Oklahoma que viaja até Marselha, na França, para visitar sua filha Allison (Abigail Breslin), que está cumprindo pena por um crime que ela alega não ter cometido. Quando novas provas parecem surgir e que poderiam inocentar sua filha, Bill inicia uma cruzada pessoal ao lado da francesa Virginie (Camille Cottin) para reabrir o caso e finalmente encontrar o suposto assassino depois de cinco anos. Confira o trailer (em inglês):
Mesmo que o trailer e a sinopse de "Stillwater" deixem a entender que o roteiro está mais preocupado em acompanhar Bill tentando provar a inocência da filha, posso te garantir que existem camadas emocionais ainda mais profundas ao também retratar a jornada de redenção do personagem. A trama, de fato, se aproveita desses dois gatilhos narrativos e é habilmente construída, alternando momentos de drama, tensão, angustia e até de reflexão, para explorar temas que vão ganhando força, como justiça, família e a difícil jornada de um pai em busca de uma reconciliação com seu passado - a relação de Bill com Virginie e com a filha dela, Maya (Lilou Siauvaud), serve justamente como ponto de equilíbrio entre seus fantasmas do passado e a dura realidade que parece não dar um chance de felicidade para ele.
O roteiro de McCarthy, de Marcus Hinchey ("A Caminho da Fé"), de Thomas Bidegain ("Ferrugem e Osso") e de Noé Debré ("Reputação") é genial - se não na sua estrutura, certamente nos detalhes. Reparem na cena em que Virginie ensaia sua peça de teatro sob os olhos atentos de Bill - em um close-up belíssimo ela diz: “Não há verdade. Apenas histórias para contar”. Uma passagem que pode parecer inofensiva, na verdade serve de gatilho para a transformação que vem a seguir em muitas esferas: da relação entre ela e Bill ao entendimento do crime que colocou Allison na cadeia. Aliás, aqui cabe um comentário pertinente: o elenco é outro ponto forte do filme - Matt Damon entrega uma performance excepcional. Sua interpretação transmite a angústia e a determinação do personagem de forma visceral, enquanto Abigail Breslin se destaca pela complexidade entre a sua vulnerabilidade e o contraste da carga cármica que ela carrega com ódio e repulsa, mesmo que em silêncio.
“Stillwater" (que o Brasil ganhou o didático subtítulo de "Em Busca da Verdade”) pode até parecer ter um grave problema de ritmo, dando a impressão de durar bem mais do que as duas horas e vinte que de fato tem, mas eu diria que o resultado final pode, tranquilamente, ser classificado como um ótimo entretenimento - com uma história que transcende os limites do gênero investigativo para oferecer uma experiência emocionalmente muito mais poderosa e reflexiva do que poderíamos imaginar.
Vale muito o seu play!
Olha, "Sugar" é realmente muito boa - daquelas séries gostosas de assistir, onde tudo funciona tão bem que você até espera uma derrapada, que, ainda bem, acaba não acontecendo. Essa produção da AppleTV+ criada por Mark Protosevich (de "Eu sou a Lenda") e dirigida pelo premiado cineasta brasileiro Fernando Meirelles (ao lado de Adam Arkin), combina toda uma atmosfera de investigação, mistério, drama psicológico e ação, para entregar uma experiência verdadeiramente imersiva e tecnicamente muito sofisticada. A série utiliza de um conceito noir para potencializar sua narrativa densa e envolvente, explorando de maneira divertida e, claro, cínica, as entranhas da obsessão, da corrupção e da fragilidade das relações humanas em uma Los Angeles aparentemente caótica, mas que busca encontrar algum tipo de ordem graças ao protagonista.
"Sugar", basicamente, conta a história de John Sugar (Colin Farrell), um detetive particular que investiga o desaparecimento de Olivia Siegel (Sydney Chandler), neta do produtor de Hollywood Jonathan Siegel (James Cromwell). A série combina essa complexa investigação de Sugar com alguns de seus dilemas mais pessoais, o que só complica sua jornada pela verdade. À medida que a história avança, a audiência se percebe imersa em uma teia de conspirações que desafia tanto a moralidade quanto os limites da confiança. Confira o trailer (em inglês)
O roteiro de Mark Protosevich, sem a menor dúvida, se destaca por sua dinâmica e pela forma como ela impacta nas decisões dos personagens. Desde sua narração em off mais sóbria até os diálogos afiados e cheios de subtexto, "Sugar", de fato, nos envolve de tal maneira que soa impossível parar de assistir. O conceito narrativo é inteligente, elegante - ele mistura elementos de "Entre Facas e Segredos" com "Tokyo Vice", sempre com o intuito de brincar com nossa percepção,revelando de maneira homeopática nuances sobre os personagens que refletem diretamente na trama e na nossa experiência como audiência. O que eu quero dizer é que aqui, a gente nunca sabe em quem acreditar ou onde o perigo está. A narrativa, em momento algum, se limita em ser um mistério simples e tradicional; muito pelo contrário, ela nos leva por um caminho menos seguro, mas que sabe explorar os dilemas enfrentados por Sugar, se aprofundando em suas motivações sem nunca esquecer o valor de seu passado.
Sabendo disso, Fernando Meirelles traz para a direção sua assinatura visual única - com planos abertos belíssimos que destacam o contraste entre a grandiosidade da cidade de Los Angeles e a opressão emocional de seu protagonista. Sua habilidade em capturar a complexidade das interações humanas com uma criatividade exemplar, vista em filmes como "Cidade de Deus" ou "O Jardineiro Fiel", se reflete em "Sugar", especialmente nas dinâmicas entre o protagonista e Melanie (Amy Ryan) e Ruby (Kirby Howell-Baptiste) - repare como Meirelles joga com o silêncio, com os cortes rápidos, com a fotografia estourada, para criar sensações muito particulares em quem assiste - da solidão à euforia. Farrell entrega uma performance das mais carismáticas - um personagem que me lembrou o Hank Moody de David Duchovny, navegando entre o charme e a vulnerabilidade de um homem que carrega mais marcas do que parece.
Tecnicamente, "Sugar" é mesmo impecável. A fotografia do grande César Charlone é impressionante! Com uma paleta de cores que transita entre o vivo e o sombrio, Charlone praticamente transforma Los Angelees (e seus cenários) em um personagem introspectivo e misterioso, essencial para que essa atmosfera noirda série funcione. O fato é que "Sugar" é um projeto muito ambicioso que deu certo - em sua forma e em seu conteúdo. Repleta de mistério, drama e suspense, com uma narrativa habilmente construída, eu diria que eles é uma jornada imperdível para quem gosta de um bom policial, na sua face mais charmosa e envolvente.
Vale demais o seu play!
Olha, "Sugar" é realmente muito boa - daquelas séries gostosas de assistir, onde tudo funciona tão bem que você até espera uma derrapada, que, ainda bem, acaba não acontecendo. Essa produção da AppleTV+ criada por Mark Protosevich (de "Eu sou a Lenda") e dirigida pelo premiado cineasta brasileiro Fernando Meirelles (ao lado de Adam Arkin), combina toda uma atmosfera de investigação, mistério, drama psicológico e ação, para entregar uma experiência verdadeiramente imersiva e tecnicamente muito sofisticada. A série utiliza de um conceito noir para potencializar sua narrativa densa e envolvente, explorando de maneira divertida e, claro, cínica, as entranhas da obsessão, da corrupção e da fragilidade das relações humanas em uma Los Angeles aparentemente caótica, mas que busca encontrar algum tipo de ordem graças ao protagonista.
"Sugar", basicamente, conta a história de John Sugar (Colin Farrell), um detetive particular que investiga o desaparecimento de Olivia Siegel (Sydney Chandler), neta do produtor de Hollywood Jonathan Siegel (James Cromwell). A série combina essa complexa investigação de Sugar com alguns de seus dilemas mais pessoais, o que só complica sua jornada pela verdade. À medida que a história avança, a audiência se percebe imersa em uma teia de conspirações que desafia tanto a moralidade quanto os limites da confiança. Confira o trailer (em inglês)
O roteiro de Mark Protosevich, sem a menor dúvida, se destaca por sua dinâmica e pela forma como ela impacta nas decisões dos personagens. Desde sua narração em off mais sóbria até os diálogos afiados e cheios de subtexto, "Sugar", de fato, nos envolve de tal maneira que soa impossível parar de assistir. O conceito narrativo é inteligente, elegante - ele mistura elementos de "Entre Facas e Segredos" com "Tokyo Vice", sempre com o intuito de brincar com nossa percepção,revelando de maneira homeopática nuances sobre os personagens que refletem diretamente na trama e na nossa experiência como audiência. O que eu quero dizer é que aqui, a gente nunca sabe em quem acreditar ou onde o perigo está. A narrativa, em momento algum, se limita em ser um mistério simples e tradicional; muito pelo contrário, ela nos leva por um caminho menos seguro, mas que sabe explorar os dilemas enfrentados por Sugar, se aprofundando em suas motivações sem nunca esquecer o valor de seu passado.
Sabendo disso, Fernando Meirelles traz para a direção sua assinatura visual única - com planos abertos belíssimos que destacam o contraste entre a grandiosidade da cidade de Los Angeles e a opressão emocional de seu protagonista. Sua habilidade em capturar a complexidade das interações humanas com uma criatividade exemplar, vista em filmes como "Cidade de Deus" ou "O Jardineiro Fiel", se reflete em "Sugar", especialmente nas dinâmicas entre o protagonista e Melanie (Amy Ryan) e Ruby (Kirby Howell-Baptiste) - repare como Meirelles joga com o silêncio, com os cortes rápidos, com a fotografia estourada, para criar sensações muito particulares em quem assiste - da solidão à euforia. Farrell entrega uma performance das mais carismáticas - um personagem que me lembrou o Hank Moody de David Duchovny, navegando entre o charme e a vulnerabilidade de um homem que carrega mais marcas do que parece.
Tecnicamente, "Sugar" é mesmo impecável. A fotografia do grande César Charlone é impressionante! Com uma paleta de cores que transita entre o vivo e o sombrio, Charlone praticamente transforma Los Angelees (e seus cenários) em um personagem introspectivo e misterioso, essencial para que essa atmosfera noirda série funcione. O fato é que "Sugar" é um projeto muito ambicioso que deu certo - em sua forma e em seu conteúdo. Repleta de mistério, drama e suspense, com uma narrativa habilmente construída, eu diria que eles é uma jornada imperdível para quem gosta de um bom policial, na sua face mais charmosa e envolvente.
Vale demais o seu play!
"Ted Bundy: A Irresistível Face do Mal" é um filme muito interessante! Embora seja um história já conhecida, essa adaptação do livro "The Phantom Prince: My Life with Ted Bundy", surpreende pela originalidade. "A Irresistível Face do Mal" não é um filme sobre serial-killer ou um thriller policial como poderia se imaginar.. É um drama, e é aí que o filme ganha muitos pontos. Ao mostrar a visão de quem convivia com Ted Bundy, um charmoso e inteligente estudante de direito, o roteiro nos guia por um caminho cheio de incertezas: nos provocando, nos instigando e, principalmente, brincando com nossos julgamentos - aliás, esse tipo de ferramenta narrativa foi muito bem utilizada em projetos mais documentais como "Making a Murderer", por exemplo. O fato é que embarcamos nessa proposta e realmente ficamos em dúvida sobre sua inocência, mesmo sabendo de toda história... mas calma, será que a história que conhecemos é a verdadeira?
Ted Bundy foi considerado um dos serial killers mais perigosos dos anos 70 nos EUA - é o que dizia a mídia da época! Além de ser um assassino, era sequestrador, estuprador, ladrão e até necrófilo. Sua namorada, Elizabeth Kloepfer, tornou-se uma de suas defensoras mais leais, pois era difícil acreditar que seu companheiro, tão amoroso e dedicado, pudesse realmente ser o autor de crimes tão cruéis. Sabe-se que Ted foi acusado pelo assassinato de mais de 30 mulheres, mas especula-se que esse número seja bem maior.
Após a estreia mundial no Festival de Sundance desse ano, o filme passou a ser muito comentado por três fatores: o primeiro já descrevemos acima, sua originalidade narrativa (acompanhar a história pelos olhos de Elizabeth é muito interessante... de verdade!). O segundo, pelo excelente trabalho do diretor Joe Berlinger (indicado ao Oscar de Melhor Documentário em 2011 por Paradise Lost 3: Purgatory) - ele inclusive ganhou o prêmio de melhor diretor no último Festival de Cinema de Atlanta. O terceiro fator, para mim o menos relevante, é a atuação de Zac Efron como Ted Bundy. Sem dúvida seu trabalho é infinitamente melhor do que o do Eric Bana em Dirty John, mas mesmo assim, minha impressão é que Efron foi encontrando o personagem apenas durante o filme - primeira cena dele é de uma canastrice absurda... já a última, impressiona pela verdade sem dizer uma única palavra!
É um filme que merece ser assistido em algum momento. Tecnicamente muito bem realizado - mesmo sendo gravado com equipamento digital, a pós inseriu um grão que deu todo um charme para o filme - parece película inclusive. O roteiro é inteligente e as atuações também não comprometem. Eu diria que para um dia chuvoso, sem muita pretenção, é uma ótima sugestão. Vale a pena, mas se dormir, ok!
"Ted Bundy: A Irresistível Face do Mal" é um filme muito interessante! Embora seja um história já conhecida, essa adaptação do livro "The Phantom Prince: My Life with Ted Bundy", surpreende pela originalidade. "A Irresistível Face do Mal" não é um filme sobre serial-killer ou um thriller policial como poderia se imaginar.. É um drama, e é aí que o filme ganha muitos pontos. Ao mostrar a visão de quem convivia com Ted Bundy, um charmoso e inteligente estudante de direito, o roteiro nos guia por um caminho cheio de incertezas: nos provocando, nos instigando e, principalmente, brincando com nossos julgamentos - aliás, esse tipo de ferramenta narrativa foi muito bem utilizada em projetos mais documentais como "Making a Murderer", por exemplo. O fato é que embarcamos nessa proposta e realmente ficamos em dúvida sobre sua inocência, mesmo sabendo de toda história... mas calma, será que a história que conhecemos é a verdadeira?
Ted Bundy foi considerado um dos serial killers mais perigosos dos anos 70 nos EUA - é o que dizia a mídia da época! Além de ser um assassino, era sequestrador, estuprador, ladrão e até necrófilo. Sua namorada, Elizabeth Kloepfer, tornou-se uma de suas defensoras mais leais, pois era difícil acreditar que seu companheiro, tão amoroso e dedicado, pudesse realmente ser o autor de crimes tão cruéis. Sabe-se que Ted foi acusado pelo assassinato de mais de 30 mulheres, mas especula-se que esse número seja bem maior.
Após a estreia mundial no Festival de Sundance desse ano, o filme passou a ser muito comentado por três fatores: o primeiro já descrevemos acima, sua originalidade narrativa (acompanhar a história pelos olhos de Elizabeth é muito interessante... de verdade!). O segundo, pelo excelente trabalho do diretor Joe Berlinger (indicado ao Oscar de Melhor Documentário em 2011 por Paradise Lost 3: Purgatory) - ele inclusive ganhou o prêmio de melhor diretor no último Festival de Cinema de Atlanta. O terceiro fator, para mim o menos relevante, é a atuação de Zac Efron como Ted Bundy. Sem dúvida seu trabalho é infinitamente melhor do que o do Eric Bana em Dirty John, mas mesmo assim, minha impressão é que Efron foi encontrando o personagem apenas durante o filme - primeira cena dele é de uma canastrice absurda... já a última, impressiona pela verdade sem dizer uma única palavra!
É um filme que merece ser assistido em algum momento. Tecnicamente muito bem realizado - mesmo sendo gravado com equipamento digital, a pós inseriu um grão que deu todo um charme para o filme - parece película inclusive. O roteiro é inteligente e as atuações também não comprometem. Eu diria que para um dia chuvoso, sem muita pretenção, é uma ótima sugestão. Vale a pena, mas se dormir, ok!
Você não vai precisar mais do que 8 minutos para sentir seu estômago completamente embrulhado! Sim, esse documentário da HBO vai mexer com suas emoções de uma maneira avassaladora, vai te provocar muitos julgamentos e, principalmente, vai te fazer refletir justamente pela forma como sua narrativa vai desconstruindo, ponto a ponto, o atentado ocorrido em 19 de abril de 1995, em Oklahoma, até encontrar os motivos que levaram Timothy McVeigh a cometer um ato tão brutal contra seu próprio país - e olha, já te adianto: você vai se surpreender com essa relação "causa e consequência" às avessas e entender como nada acontece por acaso quando se trata de mentes doentias como a de McVeigh.
"Terrorismo Americano: O Atentado de Oklahoma City" oferece em pouco mais de 90 minutos, não apenas um relato factual e doloroso do maior ataque terrorista doméstico da história americana, mas também uma reflexão crítica sobre as raízes da violência extremista nos Estados Unidos, questionando como discursos ultra-radicais e a crescente ideologia do ódio fomentam atos de terror. Confira o trailer (em inglês):
Assim como em "13ª Emenda" (de 2016) e "American Manhunt: The Boston Marathon Bombing" (de 2023), esse documentário dirigido por Marc Levin (diretor premiado com um Emmy por "Thug Life in D.C." e em Cannes por "Slam") é muito competente em ir além dos eventos de 19 de abril de 1995 ao examinar todo o contexto social e político que moldou esse ato devastador. Basicamente, a narrativa se estrutura em duas frentes: por um lado, reconstitui o planejamento e a execução do atentado perpetrado por Timothy McVeigh e seus cúmplices, e por outro, investiga as motivações e ideologias que impulsionaram o ato. Muito bem dirigido e editado, o documentário entrelaça depoimentos dos familiares das vítimas com jornalistas, políticos (inclusive do ex-presidente americano, Bill Clinton), advogados e investigadores, mas também com especialistas em terrorismo doméstico e dissidentes do movimento de extrema direita americano, oferecendo uma perspectiva abrangente sobre o impacto do ataque e a crescente ameaça do terrorismo doméstico no país.
Marc Levin adota uma abordagem documental rigorosa, evitando sensacionalismo e priorizando a profundidade da análise bilateral. Ao intercalar imagens de arquivo, entrevistas e reconstituições para criar uma narrativa que mantém o ritmo e a tensão, o diretor se aprofunda em questões sociopolíticas para contextualizar o atentado dentro de uma linha histórica de eventos que parecem isolados, mas ao se permitir um mergulho mais rigoroso, tudo passa a fazer sentido — o cerco de Waco em 1993 e o confronto em Ruby Ridge em 1992, são dois exemplos dessa conexão com Timothy McVeigh. Repare como essa proposta de Levin oferece uma compreensão mais ampla tanto das motivações ideológicas quanto da retórica antigovernamental que só se intensificou a partir dos anos 1990. O diretor é muito competente ao explorar como discursos de ódio e as teorias conspiratórias encontraram terreno fértil em grupos paramilitares e movimentos supremacistas, desenhando paralelos inquietantes com a ascensão de extremistas no presente. Essa abordagem mais crítica torna a obra não apenas um recorte histórica, mas também uma reflexão relevante sobre a fragilidade da democracia e os riscos que surgem quando a desinformação e a radicalização são normalizadas.
Apesar de todos os seus méritos, "An American Bombing: The Road to April 19th" (no original) pode até ser considerado denso para parte de audiência - o que é compreensível. Mas para aqueles que entendem a complexidade dos temas abordados durante a jornada e a real tentativa de conectar o atentado na sede federal Alfred P. Murrah, em Oklahoma, com outros eventos históricos, eu diria que a experiência é das mais completas. Saiba que essa abordagem histórica ampla é um dos grandes trunfos da obra e é ela que vai te oferecer uma compreensão mais profunda das raízes da violência doméstica e do perigo que é a polarização política - até, obviamente, te levar ao play de outras duas obras co-relacionadas: "O Cerco de Waco" e "Waco".
Esteja preparado, mas vale muito o seu play!
Você não vai precisar mais do que 8 minutos para sentir seu estômago completamente embrulhado! Sim, esse documentário da HBO vai mexer com suas emoções de uma maneira avassaladora, vai te provocar muitos julgamentos e, principalmente, vai te fazer refletir justamente pela forma como sua narrativa vai desconstruindo, ponto a ponto, o atentado ocorrido em 19 de abril de 1995, em Oklahoma, até encontrar os motivos que levaram Timothy McVeigh a cometer um ato tão brutal contra seu próprio país - e olha, já te adianto: você vai se surpreender com essa relação "causa e consequência" às avessas e entender como nada acontece por acaso quando se trata de mentes doentias como a de McVeigh.
"Terrorismo Americano: O Atentado de Oklahoma City" oferece em pouco mais de 90 minutos, não apenas um relato factual e doloroso do maior ataque terrorista doméstico da história americana, mas também uma reflexão crítica sobre as raízes da violência extremista nos Estados Unidos, questionando como discursos ultra-radicais e a crescente ideologia do ódio fomentam atos de terror. Confira o trailer (em inglês):
Assim como em "13ª Emenda" (de 2016) e "American Manhunt: The Boston Marathon Bombing" (de 2023), esse documentário dirigido por Marc Levin (diretor premiado com um Emmy por "Thug Life in D.C." e em Cannes por "Slam") é muito competente em ir além dos eventos de 19 de abril de 1995 ao examinar todo o contexto social e político que moldou esse ato devastador. Basicamente, a narrativa se estrutura em duas frentes: por um lado, reconstitui o planejamento e a execução do atentado perpetrado por Timothy McVeigh e seus cúmplices, e por outro, investiga as motivações e ideologias que impulsionaram o ato. Muito bem dirigido e editado, o documentário entrelaça depoimentos dos familiares das vítimas com jornalistas, políticos (inclusive do ex-presidente americano, Bill Clinton), advogados e investigadores, mas também com especialistas em terrorismo doméstico e dissidentes do movimento de extrema direita americano, oferecendo uma perspectiva abrangente sobre o impacto do ataque e a crescente ameaça do terrorismo doméstico no país.
Marc Levin adota uma abordagem documental rigorosa, evitando sensacionalismo e priorizando a profundidade da análise bilateral. Ao intercalar imagens de arquivo, entrevistas e reconstituições para criar uma narrativa que mantém o ritmo e a tensão, o diretor se aprofunda em questões sociopolíticas para contextualizar o atentado dentro de uma linha histórica de eventos que parecem isolados, mas ao se permitir um mergulho mais rigoroso, tudo passa a fazer sentido — o cerco de Waco em 1993 e o confronto em Ruby Ridge em 1992, são dois exemplos dessa conexão com Timothy McVeigh. Repare como essa proposta de Levin oferece uma compreensão mais ampla tanto das motivações ideológicas quanto da retórica antigovernamental que só se intensificou a partir dos anos 1990. O diretor é muito competente ao explorar como discursos de ódio e as teorias conspiratórias encontraram terreno fértil em grupos paramilitares e movimentos supremacistas, desenhando paralelos inquietantes com a ascensão de extremistas no presente. Essa abordagem mais crítica torna a obra não apenas um recorte histórica, mas também uma reflexão relevante sobre a fragilidade da democracia e os riscos que surgem quando a desinformação e a radicalização são normalizadas.
Apesar de todos os seus méritos, "An American Bombing: The Road to April 19th" (no original) pode até ser considerado denso para parte de audiência - o que é compreensível. Mas para aqueles que entendem a complexidade dos temas abordados durante a jornada e a real tentativa de conectar o atentado na sede federal Alfred P. Murrah, em Oklahoma, com outros eventos históricos, eu diria que a experiência é das mais completas. Saiba que essa abordagem histórica ampla é um dos grandes trunfos da obra e é ela que vai te oferecer uma compreensão mais profunda das raízes da violência doméstica e do perigo que é a polarização política - até, obviamente, te levar ao play de outras duas obras co-relacionadas: "O Cerco de Waco" e "Waco".
Esteja preparado, mas vale muito o seu play!
"Tese sobre um Homicídio" é mais um daqueles filmes como o também argentino "O segredo dos seus olhos" do diretor Juan José Campanella ou, mais recentemente, como o espanhol "Um Contratempo" do Oriol Paulo. Todos os três filmes partem do mesmo conceito narrativo: construir uma trama envolvente, cheio de peças aparentemente perdidas, mas que aos poucos vão sendo encaixadas de uma forma menos conveniente e que no final nos surpreende de alguma forma - mas sem roubar no jogo!
Nesse filme do diretor argentino Hernán Goldfrid, acompanhamos Roberto Bermudez (Ricardo Darín), um especialista em Direito Criminal que ministra um curso bastante concorrido na universidade local. Seco e um tanto quanto arrogante, Roberto já não vê as coisas com o idealismo da juventude por saber como tudo funciona na prática. Apesar disto, ele sente-se incomodado com o jovem Gonzalo (Alberto Ammann), filho de um velho conhecido, que está matriculado em seu curso, simplesmente por ser seu fã. Quando um brutal assassinato acontece perto da universidade, o professor logo se interessa pelo caso e passa a investigá-lo, por mera curiosidade e graças aos anos de profissão na área criminal. Uma pista leva a outra e, pouco a pouco, Roberto passa a desconfiar que Gonzalo esteja por trás do crime. Confira o trailer:
Um elemento que me chamou muito atenção em "Tese sobre um Homicídio" é justamente como o roteiro do Patricio Vega consegue criar um clima misterioso e bastante envolvente em torno de uma possível paranoia de Roberto - principalmente a partir de seu relacionamento com Gonzalo. Cria-se aí uma espécie de confronto psicológico dos mais interessantes onde cada um dos personagens se desafiam a todo instante. O curioso é que, por mais que os indícios apresentados por Roberto, sejam nítidos e até óbvios se olharmos pela perspectiva de quem conhece o gênero, o filme jamais os assume o fato de que ele possa estar certo. Reparem.
Ricardo Darín, claro, dá outro show. Seu personagem sente a progressão da história fisicamente, mas é mentalmente que ele vai ganhando camadas profundas: se ele bebe e fuma cada vez mais, é com seu descontrole que ele parece se preocupar e isso ajuda a expor uma complexidade que poucos estão dispostos a encarar. A direção de fotografia de Rolo Pulpeiro está completamente alinhada com um conceito de direção bastante estiloso de Hernán Goldfrid - como se os atores estivessem livres para brilhar em cima de uma história maravilhosamente bem contada em imagens e diálogos - e como disse inicialmente: sem inventar ou encontrar uma solução mirabolante para justificar suas escolhas. Como diz o protagonista: o segredo está no detalhe!
Baseado no livro deDiego Paszkowski, "Tese sobre um Homicídio" não se propõe a fechar uma questão sem nos colocar para pensar (daí a força do seu título) - isso é preciso ficar claro! O que não deixa a narrativa didática demais, porém pode decepcionar quem prefere algo mais mastigado como em outros filmes do gênero, porém a jornada é tão interessante quanto o final e vale muito a pena pelo entretenimento de excelente qualidade!
"Tese sobre um Homicídio" é mais um daqueles filmes como o também argentino "O segredo dos seus olhos" do diretor Juan José Campanella ou, mais recentemente, como o espanhol "Um Contratempo" do Oriol Paulo. Todos os três filmes partem do mesmo conceito narrativo: construir uma trama envolvente, cheio de peças aparentemente perdidas, mas que aos poucos vão sendo encaixadas de uma forma menos conveniente e que no final nos surpreende de alguma forma - mas sem roubar no jogo!
Nesse filme do diretor argentino Hernán Goldfrid, acompanhamos Roberto Bermudez (Ricardo Darín), um especialista em Direito Criminal que ministra um curso bastante concorrido na universidade local. Seco e um tanto quanto arrogante, Roberto já não vê as coisas com o idealismo da juventude por saber como tudo funciona na prática. Apesar disto, ele sente-se incomodado com o jovem Gonzalo (Alberto Ammann), filho de um velho conhecido, que está matriculado em seu curso, simplesmente por ser seu fã. Quando um brutal assassinato acontece perto da universidade, o professor logo se interessa pelo caso e passa a investigá-lo, por mera curiosidade e graças aos anos de profissão na área criminal. Uma pista leva a outra e, pouco a pouco, Roberto passa a desconfiar que Gonzalo esteja por trás do crime. Confira o trailer:
Um elemento que me chamou muito atenção em "Tese sobre um Homicídio" é justamente como o roteiro do Patricio Vega consegue criar um clima misterioso e bastante envolvente em torno de uma possível paranoia de Roberto - principalmente a partir de seu relacionamento com Gonzalo. Cria-se aí uma espécie de confronto psicológico dos mais interessantes onde cada um dos personagens se desafiam a todo instante. O curioso é que, por mais que os indícios apresentados por Roberto, sejam nítidos e até óbvios se olharmos pela perspectiva de quem conhece o gênero, o filme jamais os assume o fato de que ele possa estar certo. Reparem.
Ricardo Darín, claro, dá outro show. Seu personagem sente a progressão da história fisicamente, mas é mentalmente que ele vai ganhando camadas profundas: se ele bebe e fuma cada vez mais, é com seu descontrole que ele parece se preocupar e isso ajuda a expor uma complexidade que poucos estão dispostos a encarar. A direção de fotografia de Rolo Pulpeiro está completamente alinhada com um conceito de direção bastante estiloso de Hernán Goldfrid - como se os atores estivessem livres para brilhar em cima de uma história maravilhosamente bem contada em imagens e diálogos - e como disse inicialmente: sem inventar ou encontrar uma solução mirabolante para justificar suas escolhas. Como diz o protagonista: o segredo está no detalhe!
Baseado no livro deDiego Paszkowski, "Tese sobre um Homicídio" não se propõe a fechar uma questão sem nos colocar para pensar (daí a força do seu título) - isso é preciso ficar claro! O que não deixa a narrativa didática demais, porém pode decepcionar quem prefere algo mais mastigado como em outros filmes do gênero, porém a jornada é tão interessante quanto o final e vale muito a pena pelo entretenimento de excelente qualidade!
"Tetris", isso mesmo, o filme que conta a história daquele famoso jogo da Nintendo, é surpreendente de tão divertido - mesmo que em alguns momentos soe fantasioso demais! Com muitos elementos dramáticos que acostumamos encontrar em séries que desvendam os bastidores de uma startup como em "WeCrashed" ou de um produto revolucionário como "Batalha Bilionária: O Caso Google Earth", essa produção da AppleTV+ ainda traz para trama toda uma atmosfera de nostalgia, de dramas políticos e até de filmes de ação, que nos envolve de tal maneira que não conseguimos tirar os olhos da tela durante duas horas. Olha, é entretenimento puro, mas com muita qualidade.
Antes de Tetris se tornar um fenômeno, ele passou por uma jornada extraordinária: quando o representante de jogos, Henk Rogers (Taron Egerton), descobriu o jogo do programador russo Alexey Pajitno (Nikita Efrenov) no final da década de 1980, quando a "Cortina de Ferro" da URSS estava prestes a cair. Com o objetivo de licenciar o titulo mundialmente para consoles de videogame, fliperamas, PCs e também para o futuro "gameboy", Rogers se envolve em um turbilhão de mentiras e corrupção, de modo que precisa negociar até com o serviço secreto russo, a KGB. Enquanto várias partes fazem reivindicações legais sobre o jogo, Rogers logo se vê no meio de uma enorme batalha legal que pode custar até seu casamento. Confira o trailer (em inglês):
É claro que, mesmo se baseando em fatos, o promissor diretor Jon S. Baird (de "Stan & Ollie") se permitiu algumas licenças poéticas para criar uma dinâmica que vai além de um estudo de caso e acaba se tornando um filme muito divertido - como o próprio Baird antecipou em uma matéria para o Collider, Tetris "não é um documentário"! Dito isso, fica muito fácil aceitar toda a jornada de Rogers já que Egerton mostra mais uma vez seu range na interpretação, capaz de dominar os alívios cômicos com a mesma qualidade em que convence como um empreendedor em busca de um sonho (muito arriscado) que parece impossível de realizar.
O roteiro de Noah Pink (criador de "Genius"), de fato, está longe de ser um profundo mergulho na psique do personagem - daqueles construídos em cima de inúmeras camadas e dramas marcantes que refletem algumas ações intempestivas no presente. Muito menos é uma detalhada investigação sobre a importância sociocultural ou politica do jogo em questão, no entanto, a simplicidade do texto, que em nenhum momento se perde em referências nostálgicas ou na densidade jurídica dos conflitos, aliada a uma narrativa inteligente, faz da nossa experiência como audiência, algo muito prazeroso.
As referências visuais, normalmente pautadas nos gráficos 8 bits dos videogames mais antigos, e uma trilha sonora simplesmente fantástica são as cerejas do bolo de "Tetris". Mesmo que em alguns momentos o filme vacile ao abusar dos estereótipos soviéticos (ao melhor estilo Stranger Things), é interessante perceber que tudo isso faz parte de escolha conceitual que torna a história, em termos narrativos, algo leve e fácil de consumir; deixando claro que até por trás dos bloquinhos caindo do alto de uma tela, existe uma boa história!
Vale muito o seu play!
PS: Sugiro, para contextualizar esse universo dos primórdios dos video-games, assistir a série "GDLK".
"Tetris", isso mesmo, o filme que conta a história daquele famoso jogo da Nintendo, é surpreendente de tão divertido - mesmo que em alguns momentos soe fantasioso demais! Com muitos elementos dramáticos que acostumamos encontrar em séries que desvendam os bastidores de uma startup como em "WeCrashed" ou de um produto revolucionário como "Batalha Bilionária: O Caso Google Earth", essa produção da AppleTV+ ainda traz para trama toda uma atmosfera de nostalgia, de dramas políticos e até de filmes de ação, que nos envolve de tal maneira que não conseguimos tirar os olhos da tela durante duas horas. Olha, é entretenimento puro, mas com muita qualidade.
Antes de Tetris se tornar um fenômeno, ele passou por uma jornada extraordinária: quando o representante de jogos, Henk Rogers (Taron Egerton), descobriu o jogo do programador russo Alexey Pajitno (Nikita Efrenov) no final da década de 1980, quando a "Cortina de Ferro" da URSS estava prestes a cair. Com o objetivo de licenciar o titulo mundialmente para consoles de videogame, fliperamas, PCs e também para o futuro "gameboy", Rogers se envolve em um turbilhão de mentiras e corrupção, de modo que precisa negociar até com o serviço secreto russo, a KGB. Enquanto várias partes fazem reivindicações legais sobre o jogo, Rogers logo se vê no meio de uma enorme batalha legal que pode custar até seu casamento. Confira o trailer (em inglês):
É claro que, mesmo se baseando em fatos, o promissor diretor Jon S. Baird (de "Stan & Ollie") se permitiu algumas licenças poéticas para criar uma dinâmica que vai além de um estudo de caso e acaba se tornando um filme muito divertido - como o próprio Baird antecipou em uma matéria para o Collider, Tetris "não é um documentário"! Dito isso, fica muito fácil aceitar toda a jornada de Rogers já que Egerton mostra mais uma vez seu range na interpretação, capaz de dominar os alívios cômicos com a mesma qualidade em que convence como um empreendedor em busca de um sonho (muito arriscado) que parece impossível de realizar.
O roteiro de Noah Pink (criador de "Genius"), de fato, está longe de ser um profundo mergulho na psique do personagem - daqueles construídos em cima de inúmeras camadas e dramas marcantes que refletem algumas ações intempestivas no presente. Muito menos é uma detalhada investigação sobre a importância sociocultural ou politica do jogo em questão, no entanto, a simplicidade do texto, que em nenhum momento se perde em referências nostálgicas ou na densidade jurídica dos conflitos, aliada a uma narrativa inteligente, faz da nossa experiência como audiência, algo muito prazeroso.
As referências visuais, normalmente pautadas nos gráficos 8 bits dos videogames mais antigos, e uma trilha sonora simplesmente fantástica são as cerejas do bolo de "Tetris". Mesmo que em alguns momentos o filme vacile ao abusar dos estereótipos soviéticos (ao melhor estilo Stranger Things), é interessante perceber que tudo isso faz parte de escolha conceitual que torna a história, em termos narrativos, algo leve e fácil de consumir; deixando claro que até por trás dos bloquinhos caindo do alto de uma tela, existe uma boa história!
Vale muito o seu play!
PS: Sugiro, para contextualizar esse universo dos primórdios dos video-games, assistir a série "GDLK".
Independente das discussões (e serão muitas) sobre Juízo de Valor, eu diria que a minissérie documental do Hulu, "The Ashley Madison Affair", é imperdível. A partir de um roteiro extremamente dinâmico, temos acesso aos bastidores do controverso site de relacionamentos para pessoas casadas, o Ashley Madison, e tudo que envolveu os vazamentos de dados de milhões de usuários em 2005. O filme, dirigido com maestria pela competente Johanna Hamilton (de "Bad Boys e Bilionários: Índia"), não apenas apresenta os escândalos de adultérios que chocaram o mundo, mas também oferece uma visão crítica e envolvente sobre a interseção entre negócio, tecnologia e intimidade. Elogiado pela profundidade de sua abordagem e pela coragem ao discutir verdades incômodas, aqui temos uma obra que transcende a mera exposição de fatos para explorar as complexidades morais e sociais que envolvem a privacidade online, mesmo para quem trai.
"The Ashley Madison Affair" nos conduz por uma jornada fascinante pelos meandros do site conhecido por facilitar encontros extraconjugais. O documentário revela a ascensão e queda do império digital comandado pelo então CEO da companhia, Noel Biderman. Por meio de entrevistas exclusivas com funcionários da empresa, jornalistas e investigadores, além de um rico material de arquivo e encenações de muito bom gosto, a minissérie discute as consequências devastadoras para relacionamentos e reputações depois do vazamento de dados que impactou, além da empresa, milhões de pessoas. Confira o trailer (em inglês):
Vale tudo para fazer um negócio se tornar um enorme sucesso financeiro, mesmo com um produto teoricamente imoral, se existirem milhões de pessoas dispostas a pagar por ele? Talvez tenha partido desse questionamento a construção narrativa que Hamilton brilhantemente explora em três episódios. Em nenhum momento você vai ficar confortável com o que está assistindo, ao mesmo tempo, olhando pela perspectiva do negócio, sua análise ficará ainda mais confusa, pois mesmo que tenhamos a exata sensação de que tudo aquilo faz um grande sentido, do conceito ao produto em si, curiosamente ficamos em dúvida se realmente vale a pena embarcar na jornada.
Ao adentrar os meandros da história, "The Ashley Madison Affair" não se contenta em ser um mero relato sobre eventos polêmicos envolvendo os usuários de um site que estimula o adultério. Muito pelo contrário, a diretora quer mesmo provocar, para só depois expor as motivações por trás do negócio, dando voz para a figura de Noel Biderman que revela uma complexidade humana que transcende os julgamentos mais simplistas - chega ser impressionante como ele se expõe ao mesmo tempo em fazia muita coisa errada nos bastidores da empresa. Veja, o roteiro destaca essa interconexão entre o sucesso do site e os desejos de seus usuários frequentes, dando certo holofote para um mal que acompanha a sociedade americana desde sempre: a hipocrisia.
Na linha de "Sexo Bilionário", o que eleva "The Ashley Madison Affair" é sua capacidade de fundir uma história polêmica com uma qualidade técnica e artística de produção de uma maneira bastante harmoniosa - os depoimentos de usuários na voz de atores e atrizes dão o exato tom do que significa essa exploração intensa sobre os limites da privacidade em um mundo cada vez mais conectado. A fotografia também cria uma atmosfera de sedução que intensifica as emoções, guiando a audiência por esse labirinto de escândalos e fantasia, de fato, envolvente.A pesquisa meticulosa é evidente em cada cena, revelando nuances que escapariam a narrativas superficiais - e isso é um golaço. A edição dinâmica mantém um ritmo que prende a nossa atenção, transformando informações densas em uma experiência cativante que certamente vai te fazer refletir, independente do olhar que você tenha sobre o site ou sobre o caso (e aqui sem trocadilhos)!
Vale muito o seu play!
Independente das discussões (e serão muitas) sobre Juízo de Valor, eu diria que a minissérie documental do Hulu, "The Ashley Madison Affair", é imperdível. A partir de um roteiro extremamente dinâmico, temos acesso aos bastidores do controverso site de relacionamentos para pessoas casadas, o Ashley Madison, e tudo que envolveu os vazamentos de dados de milhões de usuários em 2005. O filme, dirigido com maestria pela competente Johanna Hamilton (de "Bad Boys e Bilionários: Índia"), não apenas apresenta os escândalos de adultérios que chocaram o mundo, mas também oferece uma visão crítica e envolvente sobre a interseção entre negócio, tecnologia e intimidade. Elogiado pela profundidade de sua abordagem e pela coragem ao discutir verdades incômodas, aqui temos uma obra que transcende a mera exposição de fatos para explorar as complexidades morais e sociais que envolvem a privacidade online, mesmo para quem trai.
"The Ashley Madison Affair" nos conduz por uma jornada fascinante pelos meandros do site conhecido por facilitar encontros extraconjugais. O documentário revela a ascensão e queda do império digital comandado pelo então CEO da companhia, Noel Biderman. Por meio de entrevistas exclusivas com funcionários da empresa, jornalistas e investigadores, além de um rico material de arquivo e encenações de muito bom gosto, a minissérie discute as consequências devastadoras para relacionamentos e reputações depois do vazamento de dados que impactou, além da empresa, milhões de pessoas. Confira o trailer (em inglês):
Vale tudo para fazer um negócio se tornar um enorme sucesso financeiro, mesmo com um produto teoricamente imoral, se existirem milhões de pessoas dispostas a pagar por ele? Talvez tenha partido desse questionamento a construção narrativa que Hamilton brilhantemente explora em três episódios. Em nenhum momento você vai ficar confortável com o que está assistindo, ao mesmo tempo, olhando pela perspectiva do negócio, sua análise ficará ainda mais confusa, pois mesmo que tenhamos a exata sensação de que tudo aquilo faz um grande sentido, do conceito ao produto em si, curiosamente ficamos em dúvida se realmente vale a pena embarcar na jornada.
Ao adentrar os meandros da história, "The Ashley Madison Affair" não se contenta em ser um mero relato sobre eventos polêmicos envolvendo os usuários de um site que estimula o adultério. Muito pelo contrário, a diretora quer mesmo provocar, para só depois expor as motivações por trás do negócio, dando voz para a figura de Noel Biderman que revela uma complexidade humana que transcende os julgamentos mais simplistas - chega ser impressionante como ele se expõe ao mesmo tempo em fazia muita coisa errada nos bastidores da empresa. Veja, o roteiro destaca essa interconexão entre o sucesso do site e os desejos de seus usuários frequentes, dando certo holofote para um mal que acompanha a sociedade americana desde sempre: a hipocrisia.
Na linha de "Sexo Bilionário", o que eleva "The Ashley Madison Affair" é sua capacidade de fundir uma história polêmica com uma qualidade técnica e artística de produção de uma maneira bastante harmoniosa - os depoimentos de usuários na voz de atores e atrizes dão o exato tom do que significa essa exploração intensa sobre os limites da privacidade em um mundo cada vez mais conectado. A fotografia também cria uma atmosfera de sedução que intensifica as emoções, guiando a audiência por esse labirinto de escândalos e fantasia, de fato, envolvente.A pesquisa meticulosa é evidente em cada cena, revelando nuances que escapariam a narrativas superficiais - e isso é um golaço. A edição dinâmica mantém um ritmo que prende a nossa atenção, transformando informações densas em uma experiência cativante que certamente vai te fazer refletir, independente do olhar que você tenha sobre o site ou sobre o caso (e aqui sem trocadilhos)!
Vale muito o seu play!
Essa para você que gosta de um bom drama policial ao melhor estilo "The Killing" - e olha, já são cindo temporadas de grande sucesso no Reino Unido! Criada por Daragh Carville e Richard Clark, "The Bay" é uma série da ITV (Independent Television), aqui distribuída pela Max, que sabe combinar, como poucas, o mistério, a tensão e os conflitos pessoais em uma atmosfera de investigação realmente muito envolvente, e sempre com uma camada emocionalmente complexa que nos tira da zona de conforto. Ambientada na cidade costeira de Morecambe, a série explora não apenas os casos criminais, mas também as relações complicadas entre seus personagens, criando uma teia densa onde os segredos ocultos de uma comunidade aparentemente tranquila permeiam todas as temporadas.
Basicamente, "The Bay" acompanha uma investigadora que tem a função de ser o elo com as famílias enquanto a polícia tenta resolver crimes graves. Na primeira temporada por exemplo, Lisa Armstrong (Morven Christie)assume a investigação do desaparecimento dos gêmeos adolescentes da família Meredith. O caso que já era complicado por si só, se torna ainda mais desafiador quando ela descobre uma conexão pessoal totalmente inesperada com o padrasto dos desaparecidos, algo que ameaça sua objetividade e que pode prejudicar sua própria capacidade de resolver o mistério. Confira o trailer (em inglês):
Em um primeiro olhar, o que chama a atenção em "The Bay" é sua capacidade de equilibrar a investigação policial com os dramas pessoais de Lisa, que frequentemente se entrelaçam com os casos que ela investiga, criando conflitos que desafiam tanto sua carreira quanto sua vida familiar. A cada temporada, novos mistérios e tragédias são introduzidos nessa dinâmica mais antológica da narrativa e que mesmo rápida (são sempre 6 episódios ), mantém o tom de frescor e nunca deixa a qualidade cair - até mesmo com a chegada de Marsha Thomason e sua nova protagonista, Jenn Townsend, substituindo Morven Christie. Daragh Carville e Richard Clark criam um roteiro que mistura um realismo assustador com uma intensidade emocional impressionante, apresentando personagens que naturalmente são falhos e por isso profundamente humanos. Repare como o foco nas dinâmicas familiares, das vítimas e dos policiais, adiciona camadas mais sensíveis para a narrativa, permitindo que a trama amplie seu espectro e assim possa explorar muitos traumas e segredos, e obviamente, seus reflexos nas relações pessoais.
Ao longo das temporadas, "The Bay" vai se testando, com alguns sucessos, mas também com algumas escorregadas, abordando temas que colidem com discussões mais sérias sobre classe social, abuso de poder e consequências sobre decisões impulsivas. Esse conceito corajoso, é preciso que se diga, muitas vezes faz com que as subtramas possam parecer pouco desenvolvidas, com o foco nos dramas pessoais e não no caso central. Essa característica só não impacta mais na nossa experiência porque Morven Christie brilha muito nas primeiras temporadas e Lisa Armstrong cumpre o seu papel quando chega no ano 3 - as duas trazem uma combinação de determinação e vulnerabilidade que captura com precisão o conflito entre responsabilidade profissional e interesse pessoal.
Independente do ótimo roteiro e de tantas reviravoltas, "The Bay" merece um destaque por ser uma série policial com mistérios intrigantes, mas também por se dedicar ao drama humanoide verdade Seus episódios oferecem um olhar íntimo e emocional sobre os efeitos de um crime brutal em uma pequena comunidade, com a mesma força com que mergulha na vida de quem precisa investigar tais casos. Com performances marcantes, uma ambientação menos densa do que estamos acostumados com gênero (mas nem por isso menos assustadora) e roteiros muito bem construídos, fica fácil afirmar que essa série vai fisgar quem busca um entretenimento policial de qualidade com o bônus daquele toque britânico todo especial de produção.
Pode ir sem medo de errar. Sua jornada de investigação está garantida!
Essa para você que gosta de um bom drama policial ao melhor estilo "The Killing" - e olha, já são cindo temporadas de grande sucesso no Reino Unido! Criada por Daragh Carville e Richard Clark, "The Bay" é uma série da ITV (Independent Television), aqui distribuída pela Max, que sabe combinar, como poucas, o mistério, a tensão e os conflitos pessoais em uma atmosfera de investigação realmente muito envolvente, e sempre com uma camada emocionalmente complexa que nos tira da zona de conforto. Ambientada na cidade costeira de Morecambe, a série explora não apenas os casos criminais, mas também as relações complicadas entre seus personagens, criando uma teia densa onde os segredos ocultos de uma comunidade aparentemente tranquila permeiam todas as temporadas.
Basicamente, "The Bay" acompanha uma investigadora que tem a função de ser o elo com as famílias enquanto a polícia tenta resolver crimes graves. Na primeira temporada por exemplo, Lisa Armstrong (Morven Christie)assume a investigação do desaparecimento dos gêmeos adolescentes da família Meredith. O caso que já era complicado por si só, se torna ainda mais desafiador quando ela descobre uma conexão pessoal totalmente inesperada com o padrasto dos desaparecidos, algo que ameaça sua objetividade e que pode prejudicar sua própria capacidade de resolver o mistério. Confira o trailer (em inglês):
Em um primeiro olhar, o que chama a atenção em "The Bay" é sua capacidade de equilibrar a investigação policial com os dramas pessoais de Lisa, que frequentemente se entrelaçam com os casos que ela investiga, criando conflitos que desafiam tanto sua carreira quanto sua vida familiar. A cada temporada, novos mistérios e tragédias são introduzidos nessa dinâmica mais antológica da narrativa e que mesmo rápida (são sempre 6 episódios ), mantém o tom de frescor e nunca deixa a qualidade cair - até mesmo com a chegada de Marsha Thomason e sua nova protagonista, Jenn Townsend, substituindo Morven Christie. Daragh Carville e Richard Clark criam um roteiro que mistura um realismo assustador com uma intensidade emocional impressionante, apresentando personagens que naturalmente são falhos e por isso profundamente humanos. Repare como o foco nas dinâmicas familiares, das vítimas e dos policiais, adiciona camadas mais sensíveis para a narrativa, permitindo que a trama amplie seu espectro e assim possa explorar muitos traumas e segredos, e obviamente, seus reflexos nas relações pessoais.
Ao longo das temporadas, "The Bay" vai se testando, com alguns sucessos, mas também com algumas escorregadas, abordando temas que colidem com discussões mais sérias sobre classe social, abuso de poder e consequências sobre decisões impulsivas. Esse conceito corajoso, é preciso que se diga, muitas vezes faz com que as subtramas possam parecer pouco desenvolvidas, com o foco nos dramas pessoais e não no caso central. Essa característica só não impacta mais na nossa experiência porque Morven Christie brilha muito nas primeiras temporadas e Lisa Armstrong cumpre o seu papel quando chega no ano 3 - as duas trazem uma combinação de determinação e vulnerabilidade que captura com precisão o conflito entre responsabilidade profissional e interesse pessoal.
Independente do ótimo roteiro e de tantas reviravoltas, "The Bay" merece um destaque por ser uma série policial com mistérios intrigantes, mas também por se dedicar ao drama humanoide verdade Seus episódios oferecem um olhar íntimo e emocional sobre os efeitos de um crime brutal em uma pequena comunidade, com a mesma força com que mergulha na vida de quem precisa investigar tais casos. Com performances marcantes, uma ambientação menos densa do que estamos acostumados com gênero (mas nem por isso menos assustadora) e roteiros muito bem construídos, fica fácil afirmar que essa série vai fisgar quem busca um entretenimento policial de qualidade com o bônus daquele toque britânico todo especial de produção.
Pode ir sem medo de errar. Sua jornada de investigação está garantida!
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