"Pai, Filho, Pátria" (Father Soldier Son, título original) é um documentário que destrói seu coração - e é preciso dizer isso logo de cara, pois será necessário estar muito no clima para conseguir enfrentar a história da família Eisch até o final! O filme é uma produção do New York Times e foi um dos indicados como "Melhor Documentário" no Tribeca Film Festival de 2020 e vencedor na categoria "Melhor Edição" no mesmo evento. De fato, essa indicação só confirma o ótimo trabalho das jornalistas e diretoras Leslye Davis e Catrin Einhorn que acompanharam a jornada do sargento Brian Eisch para se reconectar com seus filhos depois de retornar da guerra do Afeganistão.
Propositalmente não vou colocar o trailer nessa primeira parte do review como de costume, pois a experiência de assistir "Pai, Filho, Pátria" sem saber muito sobre ele é visceral, quase devastadora, mas incrivelmente marcante - principalmente se você, como eu, já for pai. Eu admito que não tinha assistido cinco minutos do filme (fiz questão de pausar para ver o tempo) e já estava emocionado e, claro, muito angustiado pelo que poderia vir mais à frente. Posso adiantar que é um plot twist atrás do outro e muitos deles de difícil digestão. Olha, "Pai, Filho, Pátria" é cruel, mas vale muito a pena pela reflexão que ele nos provoca a fazer e pelo recorte de uma cultura que, mesmo conhecida, tem um impacto muito marcante dentro das famílias americanas!
Era pra ser apenas uma reportagem para o NYT sobre o drama de ser um jovem soldado, pai solteiro e obrigado a ficar longe dos filhos para lutar no Afeganistão, mas acabou se transformando em um documentário extremamente crítico sobre a real função das forças armadas, do patriotismo e da alternativa de ascensão social que o exército proporciona para muitos jovens. A equipe, então, passou a acompanhar Brian e seus dois filhos, Isaac, 12 anos, e Joey, com 7 anos,por dez anos. O que vemos a partir daí é uma série de situações que nos incomodam, seja pela ideologia, pelo modo de encarar a vida, pela maneira míope e antiquada de criar os filhos e também pelas surpresas que a vida teima em nos apresentar. Confira o trailer (em inglês):
Além do roteiro, tecnicamente o filme tem dois pontos altos: a direção foge um pouco da gramática documental - na verdade, ela se apoia muito mais na dinâmica de uma ficção quase poética, com enquadramentos belíssimos e uma sensibilidade muito grande para escolher o distanciamento exato de cada uma das discussões. A impressão que me deu é que as diretoras tinham sempre a lente certa para captar cada uma das emoções - como se já estivesse tudo programado. O outro ponto alto, claro, é a edição: a montadora Amy Foote foi brilhante ao encaixar as peças de 10 anos de material em apenas 1:40 de filme e mesmo assim contar uma história com uma lógica incrível, trazer tantas discussões e ainda por cima nos provocar tantas sensações.
"Pai, Filho, Pátria" é um documentário que não me surpreenderá se for indicado ao Oscar 2021 - tem potencial para isso, pelo tema e pela densidade que a história se transformou. Se prepare emocionalmente, dê o play e depois reflita sobre tudo o que acabou de assistir!
"Pai, Filho, Pátria" (Father Soldier Son, título original) é um documentário que destrói seu coração - e é preciso dizer isso logo de cara, pois será necessário estar muito no clima para conseguir enfrentar a história da família Eisch até o final! O filme é uma produção do New York Times e foi um dos indicados como "Melhor Documentário" no Tribeca Film Festival de 2020 e vencedor na categoria "Melhor Edição" no mesmo evento. De fato, essa indicação só confirma o ótimo trabalho das jornalistas e diretoras Leslye Davis e Catrin Einhorn que acompanharam a jornada do sargento Brian Eisch para se reconectar com seus filhos depois de retornar da guerra do Afeganistão.
Propositalmente não vou colocar o trailer nessa primeira parte do review como de costume, pois a experiência de assistir "Pai, Filho, Pátria" sem saber muito sobre ele é visceral, quase devastadora, mas incrivelmente marcante - principalmente se você, como eu, já for pai. Eu admito que não tinha assistido cinco minutos do filme (fiz questão de pausar para ver o tempo) e já estava emocionado e, claro, muito angustiado pelo que poderia vir mais à frente. Posso adiantar que é um plot twist atrás do outro e muitos deles de difícil digestão. Olha, "Pai, Filho, Pátria" é cruel, mas vale muito a pena pela reflexão que ele nos provoca a fazer e pelo recorte de uma cultura que, mesmo conhecida, tem um impacto muito marcante dentro das famílias americanas!
Era pra ser apenas uma reportagem para o NYT sobre o drama de ser um jovem soldado, pai solteiro e obrigado a ficar longe dos filhos para lutar no Afeganistão, mas acabou se transformando em um documentário extremamente crítico sobre a real função das forças armadas, do patriotismo e da alternativa de ascensão social que o exército proporciona para muitos jovens. A equipe, então, passou a acompanhar Brian e seus dois filhos, Isaac, 12 anos, e Joey, com 7 anos,por dez anos. O que vemos a partir daí é uma série de situações que nos incomodam, seja pela ideologia, pelo modo de encarar a vida, pela maneira míope e antiquada de criar os filhos e também pelas surpresas que a vida teima em nos apresentar. Confira o trailer (em inglês):
Além do roteiro, tecnicamente o filme tem dois pontos altos: a direção foge um pouco da gramática documental - na verdade, ela se apoia muito mais na dinâmica de uma ficção quase poética, com enquadramentos belíssimos e uma sensibilidade muito grande para escolher o distanciamento exato de cada uma das discussões. A impressão que me deu é que as diretoras tinham sempre a lente certa para captar cada uma das emoções - como se já estivesse tudo programado. O outro ponto alto, claro, é a edição: a montadora Amy Foote foi brilhante ao encaixar as peças de 10 anos de material em apenas 1:40 de filme e mesmo assim contar uma história com uma lógica incrível, trazer tantas discussões e ainda por cima nos provocar tantas sensações.
"Pai, Filho, Pátria" é um documentário que não me surpreenderá se for indicado ao Oscar 2021 - tem potencial para isso, pelo tema e pela densidade que a história se transformou. Se prepare emocionalmente, dê o play e depois reflita sobre tudo o que acabou de assistir!
É inegável a fragilidade do documentário da Netflix, "Pamela Anderson - Uma História de Amor". Por outro lado, com um pouco menos de olhar crítico, é perceptível seu magnetismo, onde, ao final de quase 120 minutos de filme, vemos o reflexo de uma mulher em busca de redenção sem ao menos se dar conta que seus maiores fantasmas apontam justamente para suas próprias escolhas - escolhas essas que a protagonista faz questão de dizer não se arrepender de ter feito, diga-se de passagem. A história é bem interessante (dolorida para ela) e a personagem é de fato marcante (se você tem mais que 40 anos vai saber do que estou falando), mas nem a soma desses dois elementos essenciais para uma boa narrativa, chega a nos provocar mais do que 20 minutos de empatia - embora o esforço para isso seja tremendo!
"Pamela, A Love Story" (no original) não é um documentário ruim, longe disso, mas talvez a forma como alguns assuntos foram abordados possa dar essa impressão errada. A história de vida que retrata a ascensão à fama e uma quebra de privacidade marcante, de uma vida pessoal turbulenta, bem como seu casamento com Tommy Lee, sua sex tape vazada, os fracassos como atriz e ainda sua ambígua relação com a mídia, fazem do documentário uma curiosa jornada pela intimidade da mulher, Pamela Anderson. Confira o trailer (em inglês):
Se pegarmos o documentário da HBO, "Tina", e compararmos com "Pamela Anderson - Uma História de Amor", encontramos inúmeras semelhanças narrativas - na forma e no conteúdo. O diferencial, e aí já é preciso uma certa reflexão, diz respeito ao que cada uma das personagens representou para sua arte. Obviamente que a comparação é mais teórica do que prática (eu diria até injusta), mas o enredo, repare, aponta para as mesmas lacunas emocionais: uma infância dura, sem muita referência afetiva, relacionamentos tóxicos por todos os lados, fracassos, sucessos, muito sensacionalismo e, claro, uma busca pelo auto-perdão. Indo um pouco mais longe, ambos documentários têm um importante e cruel fio condutor: o amor (ou a falta que ele faz).
O diretor Ryan White (do excelente "Boa Noite Oppy") usa e abusa dos depoimentos de Pamela para construir a imagem de uma mulher frágil, em certos momentos até infantil, o que de alguma forma (para quem conhece um pouco mais da vida da atriz) soa hipocrisia. Ela mesmo tenta se desvencilhar da imagem de vítima, mas com as narrações em off de passagens escritas por ela em seu diário, fica mais difícil. No entanto, uma característica nos chama atenção: a capacidade que Pamela Anderson tem de rir de si mesma é impressionante - e sempre foi assim. É perceptível seu constrangimento ao enfrentar as piadas mais infames e machistas dos Late Show's dos anos 80/90, mas ela se sai bem - já atualmente, quando em uma situação realmente mais desconfortável, ela simplesmente sai de cena.
Para quem assistiu a ótima minissérie do Star+ (no caso, do Hulu), "Pam & Tommy", e gostou; "Pamela Anderson - Uma História de Amor" é quase um complemento obrigatório que possibilita um mergulho mais profundo e real na intimidade de Anderson. A construção apoteótica do mito vs. a mulher que só queria uma família ao lado do amor de sua vida, está ali; o que nos resta é entender se seu ponto de vista, de fato, condiz com uma realidade que ela mesmo semeou, plantou e colheu - difícil dizer, mas o exercício, ao assistir o filme, é dos melhores. Ah, e não deixe de ver os créditos, ele conecta muitos pontos - vai por mim!
Vale seu play!
É inegável a fragilidade do documentário da Netflix, "Pamela Anderson - Uma História de Amor". Por outro lado, com um pouco menos de olhar crítico, é perceptível seu magnetismo, onde, ao final de quase 120 minutos de filme, vemos o reflexo de uma mulher em busca de redenção sem ao menos se dar conta que seus maiores fantasmas apontam justamente para suas próprias escolhas - escolhas essas que a protagonista faz questão de dizer não se arrepender de ter feito, diga-se de passagem. A história é bem interessante (dolorida para ela) e a personagem é de fato marcante (se você tem mais que 40 anos vai saber do que estou falando), mas nem a soma desses dois elementos essenciais para uma boa narrativa, chega a nos provocar mais do que 20 minutos de empatia - embora o esforço para isso seja tremendo!
"Pamela, A Love Story" (no original) não é um documentário ruim, longe disso, mas talvez a forma como alguns assuntos foram abordados possa dar essa impressão errada. A história de vida que retrata a ascensão à fama e uma quebra de privacidade marcante, de uma vida pessoal turbulenta, bem como seu casamento com Tommy Lee, sua sex tape vazada, os fracassos como atriz e ainda sua ambígua relação com a mídia, fazem do documentário uma curiosa jornada pela intimidade da mulher, Pamela Anderson. Confira o trailer (em inglês):
Se pegarmos o documentário da HBO, "Tina", e compararmos com "Pamela Anderson - Uma História de Amor", encontramos inúmeras semelhanças narrativas - na forma e no conteúdo. O diferencial, e aí já é preciso uma certa reflexão, diz respeito ao que cada uma das personagens representou para sua arte. Obviamente que a comparação é mais teórica do que prática (eu diria até injusta), mas o enredo, repare, aponta para as mesmas lacunas emocionais: uma infância dura, sem muita referência afetiva, relacionamentos tóxicos por todos os lados, fracassos, sucessos, muito sensacionalismo e, claro, uma busca pelo auto-perdão. Indo um pouco mais longe, ambos documentários têm um importante e cruel fio condutor: o amor (ou a falta que ele faz).
O diretor Ryan White (do excelente "Boa Noite Oppy") usa e abusa dos depoimentos de Pamela para construir a imagem de uma mulher frágil, em certos momentos até infantil, o que de alguma forma (para quem conhece um pouco mais da vida da atriz) soa hipocrisia. Ela mesmo tenta se desvencilhar da imagem de vítima, mas com as narrações em off de passagens escritas por ela em seu diário, fica mais difícil. No entanto, uma característica nos chama atenção: a capacidade que Pamela Anderson tem de rir de si mesma é impressionante - e sempre foi assim. É perceptível seu constrangimento ao enfrentar as piadas mais infames e machistas dos Late Show's dos anos 80/90, mas ela se sai bem - já atualmente, quando em uma situação realmente mais desconfortável, ela simplesmente sai de cena.
Para quem assistiu a ótima minissérie do Star+ (no caso, do Hulu), "Pam & Tommy", e gostou; "Pamela Anderson - Uma História de Amor" é quase um complemento obrigatório que possibilita um mergulho mais profundo e real na intimidade de Anderson. A construção apoteótica do mito vs. a mulher que só queria uma família ao lado do amor de sua vida, está ali; o que nos resta é entender se seu ponto de vista, de fato, condiz com uma realidade que ela mesmo semeou, plantou e colheu - difícil dizer, mas o exercício, ao assistir o filme, é dos melhores. Ah, e não deixe de ver os créditos, ele conecta muitos pontos - vai por mim!
Vale seu play!
"Paraíso" é um filme alemão lançado pela Netflix que chegou quietinho, mas que rapidamente se tornou bastante popular entre os assinantes ao redor do mundo. Combinando elementos de drama, suspense e, principalmente, ficção científica, bem ao estilo "Black Mirror", a série oferece uma visão muito particular sobre uma sociedade onde alguns avanços tecnológicos subvertem a forma como nos relacionamos com a vida finita do ser-humano. Sempre se apoiando em temas complexos que vão desde os problemas de distribuição de renda e os reflexos do capitalismo descontrolado até a questão dos refugiados na Europa, o filme dirigido pelo trio de novatos Boris Kunz, Tomas Jonsgården e Indre Juskute, acerta em cheio ao levar a expressão "tempo é dinheiro" para outro patamar, no entanto, e é preciso que se diga, a ansiedade em tratar tantos temas acaba prejudicando (um pouco) nossa experiência.
Max (Kostja Ullmann) é um executivo de vendas de uma empresa que fez fortuna ao comprar o tempo de pessoas pobres e vender para os muito ricos. Sim, com uma tecnologia revolucionária a AEON explora as pessoas que precisam mais de dinheiro do que do tempo para viver, para lucrar muito. Tudo vai bem entre ele e a esposa, Elena (Marlene Tanczik), até que o apartamento do casal pega fogo misteriosamente e os dois, completamente falidos, precisam ceder 40 anos da vida dela, para acertar as contas com o banco. Como ver sua esposa envelhecer tanto da noite para o dia parece não ser uma opção, Max inicia uma dura jornada para tentar salvá-la. Confira o trailer (com legendas em inglês):
Sem dúvida que o ponto alto de "Paraíso" está no forma como o roteiro contextualiza esse futuro distópico sem fugir da realidade - pelo menos nas discussões morais que implicam o conceito base da narrativa: o de trocar tempo por dinheiro. Com toda a frieza do já reconhecido cinema alemão, o trio de diretores nos colocam nessa história com certo requinte de crueldade, já que a conexão com os protagonistas é praticamente imediata - mesmo que alguns diálogos do primeiro ato soem muito mais institucionalizados do que naturais. Se em um primeiro momento os protagonistas parecem dois burgueses que não se importam em explorar os mais pobres em troca de uma condição de vida melhor, rapidamente eles se tornam vítimas do próprio sistema que ajudamalimentar (sim, você terá a sensação de ter assistido algo assim em algum momento).
Veja, o fato do protagonista em conflito não ser um herói de nada, cria camadas que poderiam ser melhor desenvolvidas, mas falta tempo (e desculpem o trocadilho)! Se fosse uma série, "Paraíso" certamente cadenciaria mais a narrativa, exploraria a situação de uma maneira mais intima, onde o protagonista, que até então estava em sua bolha, acomodado, a partir de seu trauma invocaria para si um sentido de heroísmo que poderia transforma-lo mesmo com seu passado condenável. Acontece que os 120 minutos do filme jogam contra, pois é preciso acelerar e entre uma cena e outra se perde o potencial da premissa.
Rodado todo na Lituânia o filme sabe equilibrar perfeitamente um ótimo desenho de produção com locações deslumbrantes - meio "Filhos da Esperança" do Alfonso Cuarón. A fotografia do Christian Stangassinger e a trilha sonora do David Reichelt merecem elogios, já que são essenciais para criar toda uma atmosfera distópica extremamente densa. Assim, é realmente uma pena que a história tenha sofrido com o formato já que poderia render algo muito mais impactante. Ao escolher ser uma aventura rápida e sem maiores pretensões, "Paraíso" sai da prateleira da disrupção narrativa dos primeiros anos de "Black Mirror" e entra na do entretenimento puro de "Osmosis" e "The One". Funciona, diverte, mas não marca!
"Paraíso" é um filme alemão lançado pela Netflix que chegou quietinho, mas que rapidamente se tornou bastante popular entre os assinantes ao redor do mundo. Combinando elementos de drama, suspense e, principalmente, ficção científica, bem ao estilo "Black Mirror", a série oferece uma visão muito particular sobre uma sociedade onde alguns avanços tecnológicos subvertem a forma como nos relacionamos com a vida finita do ser-humano. Sempre se apoiando em temas complexos que vão desde os problemas de distribuição de renda e os reflexos do capitalismo descontrolado até a questão dos refugiados na Europa, o filme dirigido pelo trio de novatos Boris Kunz, Tomas Jonsgården e Indre Juskute, acerta em cheio ao levar a expressão "tempo é dinheiro" para outro patamar, no entanto, e é preciso que se diga, a ansiedade em tratar tantos temas acaba prejudicando (um pouco) nossa experiência.
Max (Kostja Ullmann) é um executivo de vendas de uma empresa que fez fortuna ao comprar o tempo de pessoas pobres e vender para os muito ricos. Sim, com uma tecnologia revolucionária a AEON explora as pessoas que precisam mais de dinheiro do que do tempo para viver, para lucrar muito. Tudo vai bem entre ele e a esposa, Elena (Marlene Tanczik), até que o apartamento do casal pega fogo misteriosamente e os dois, completamente falidos, precisam ceder 40 anos da vida dela, para acertar as contas com o banco. Como ver sua esposa envelhecer tanto da noite para o dia parece não ser uma opção, Max inicia uma dura jornada para tentar salvá-la. Confira o trailer (com legendas em inglês):
Sem dúvida que o ponto alto de "Paraíso" está no forma como o roteiro contextualiza esse futuro distópico sem fugir da realidade - pelo menos nas discussões morais que implicam o conceito base da narrativa: o de trocar tempo por dinheiro. Com toda a frieza do já reconhecido cinema alemão, o trio de diretores nos colocam nessa história com certo requinte de crueldade, já que a conexão com os protagonistas é praticamente imediata - mesmo que alguns diálogos do primeiro ato soem muito mais institucionalizados do que naturais. Se em um primeiro momento os protagonistas parecem dois burgueses que não se importam em explorar os mais pobres em troca de uma condição de vida melhor, rapidamente eles se tornam vítimas do próprio sistema que ajudamalimentar (sim, você terá a sensação de ter assistido algo assim em algum momento).
Veja, o fato do protagonista em conflito não ser um herói de nada, cria camadas que poderiam ser melhor desenvolvidas, mas falta tempo (e desculpem o trocadilho)! Se fosse uma série, "Paraíso" certamente cadenciaria mais a narrativa, exploraria a situação de uma maneira mais intima, onde o protagonista, que até então estava em sua bolha, acomodado, a partir de seu trauma invocaria para si um sentido de heroísmo que poderia transforma-lo mesmo com seu passado condenável. Acontece que os 120 minutos do filme jogam contra, pois é preciso acelerar e entre uma cena e outra se perde o potencial da premissa.
Rodado todo na Lituânia o filme sabe equilibrar perfeitamente um ótimo desenho de produção com locações deslumbrantes - meio "Filhos da Esperança" do Alfonso Cuarón. A fotografia do Christian Stangassinger e a trilha sonora do David Reichelt merecem elogios, já que são essenciais para criar toda uma atmosfera distópica extremamente densa. Assim, é realmente uma pena que a história tenha sofrido com o formato já que poderia render algo muito mais impactante. Ao escolher ser uma aventura rápida e sem maiores pretensões, "Paraíso" sai da prateleira da disrupção narrativa dos primeiros anos de "Black Mirror" e entra na do entretenimento puro de "Osmosis" e "The One". Funciona, diverte, mas não marca!
"Passageiro Acidental" é uma excelente surpresa no catálogo da Netflix. Partindo do princípio que o filme chegou sem grandes expectativas e com uma estratégia de marketing bem tímida, fica fácil afirmar que o segundo filme dirigido pelo brasileiro Joe Penna (o primeiro foi o ótimo "Arctic") é um grande acerto da plataforma - o que para uma parcela de seus assinantes vem se tornando cada vez mais raros.
Na história acompanhamos uma talentosa tripulação de três pessoas em uma missão que vai durar dois anos até Marte: a Dra. Zoe Levenson (Anna Kendrick), o cientista David Kim (Daniel Dae Kim) e a comandante Marina Barnett (Toni Collete). No entanto, as coisas ficam complicadas para eles quando um passageiro inesperado, Michael Adams (Shamier Anderson), acidentalmente causa danos irreparáveis à nave. Com os recursos comprometidos e diante de um resultado fatal, a tripulação é obrigada a tomar uma difícil decisão: só existe oxigênio para três pessoas, ou seja, alguém vai ter que perder a vida! Confira o trailer:
Esse é o tipo de filme que vai dividir opiniões, já que sua estrutura narrativa não está linhada com aquele tipo de audiência que chegou ao título pelo gênero e sem saber muito sobre a história. Não será surpresa nenhuma que alguém se decepcione por não se tratar de uma trama cheia de suspense ou até de terror espacial - esquece! "Passageiro Acidental" está mais para "Gravidade" e anos luz de "Alien".
É até compreensível supor que um passageiro misterioso possa ter uma motivação maior para está ali, inclusive, sendo uma ameaça para todos - em muitos momentos do primeiro ato temos a sensação que algo aterrorizante está por vir, porém se lermos atentamente o conceito imposto logo na primeira sequência do filme (que é ótima por sinal) é de se imaginar que a imersão psicológica de estar em um ambiente sem total controle dos personagens, é o que vai pautar essa jornada. Se Penna não tem a experiência (e o orçamento) de Alfonso Cuarón é de se elogiar sua coerência ao transformar uma premissa simples em um experiência social que nos provoca reflexão e julgamentos a todo momento. Lembre-se: pouco importa qual é a verdadeira razão de um passageiro clandestino estar ali, o grande conflito está na luta pela sobrevivência e nos dilemas morais que isso representa!
Como em "Gravidade", temos um roteiro enxuto e uma edição muito competente para criar uma dinâmica consistente para nos prender por pouco mais de 120 minutos. As sequências são eficientes, envolventes e bem articuladas, mas carecia de um cuidado técnico maior, principalmente na fotografia e na composição entre edição de som e mixagem - faltou silêncio ao filme, muitos efeitos foram exagerados e a trilha para pontuar a emoção serviu quase como uma bengala. Não é um problema que atrapalhe a experiência, mas precisa ser pontuado.
"Passageiro Acidental" (ou "Stowaway" no original) é um drama no espaço! O drama na concepção da palavra se encaixa perfeitamente às sensações que temos ao assistir o filme e a escolha do roteiro em nos limitar algumas informações, como quando a comandante Barnett se comunica com a Terra, só colabora para transformar uma jornada que parece morna em algo angustiante e misterioso. Se você não gosta de filmes como "Gravidade" ou que testam os limites morais como "127 horas", por exemplo, não dê o play. Agora se você se identifica com os dilemas por trás de cenas bem construídas, vai tranquilo que sua surpresa está garantida.
Excelente entretenimento!
"Passageiro Acidental" é uma excelente surpresa no catálogo da Netflix. Partindo do princípio que o filme chegou sem grandes expectativas e com uma estratégia de marketing bem tímida, fica fácil afirmar que o segundo filme dirigido pelo brasileiro Joe Penna (o primeiro foi o ótimo "Arctic") é um grande acerto da plataforma - o que para uma parcela de seus assinantes vem se tornando cada vez mais raros.
Na história acompanhamos uma talentosa tripulação de três pessoas em uma missão que vai durar dois anos até Marte: a Dra. Zoe Levenson (Anna Kendrick), o cientista David Kim (Daniel Dae Kim) e a comandante Marina Barnett (Toni Collete). No entanto, as coisas ficam complicadas para eles quando um passageiro inesperado, Michael Adams (Shamier Anderson), acidentalmente causa danos irreparáveis à nave. Com os recursos comprometidos e diante de um resultado fatal, a tripulação é obrigada a tomar uma difícil decisão: só existe oxigênio para três pessoas, ou seja, alguém vai ter que perder a vida! Confira o trailer:
Esse é o tipo de filme que vai dividir opiniões, já que sua estrutura narrativa não está linhada com aquele tipo de audiência que chegou ao título pelo gênero e sem saber muito sobre a história. Não será surpresa nenhuma que alguém se decepcione por não se tratar de uma trama cheia de suspense ou até de terror espacial - esquece! "Passageiro Acidental" está mais para "Gravidade" e anos luz de "Alien".
É até compreensível supor que um passageiro misterioso possa ter uma motivação maior para está ali, inclusive, sendo uma ameaça para todos - em muitos momentos do primeiro ato temos a sensação que algo aterrorizante está por vir, porém se lermos atentamente o conceito imposto logo na primeira sequência do filme (que é ótima por sinal) é de se imaginar que a imersão psicológica de estar em um ambiente sem total controle dos personagens, é o que vai pautar essa jornada. Se Penna não tem a experiência (e o orçamento) de Alfonso Cuarón é de se elogiar sua coerência ao transformar uma premissa simples em um experiência social que nos provoca reflexão e julgamentos a todo momento. Lembre-se: pouco importa qual é a verdadeira razão de um passageiro clandestino estar ali, o grande conflito está na luta pela sobrevivência e nos dilemas morais que isso representa!
Como em "Gravidade", temos um roteiro enxuto e uma edição muito competente para criar uma dinâmica consistente para nos prender por pouco mais de 120 minutos. As sequências são eficientes, envolventes e bem articuladas, mas carecia de um cuidado técnico maior, principalmente na fotografia e na composição entre edição de som e mixagem - faltou silêncio ao filme, muitos efeitos foram exagerados e a trilha para pontuar a emoção serviu quase como uma bengala. Não é um problema que atrapalhe a experiência, mas precisa ser pontuado.
"Passageiro Acidental" (ou "Stowaway" no original) é um drama no espaço! O drama na concepção da palavra se encaixa perfeitamente às sensações que temos ao assistir o filme e a escolha do roteiro em nos limitar algumas informações, como quando a comandante Barnett se comunica com a Terra, só colabora para transformar uma jornada que parece morna em algo angustiante e misterioso. Se você não gosta de filmes como "Gravidade" ou que testam os limites morais como "127 horas", por exemplo, não dê o play. Agora se você se identifica com os dilemas por trás de cenas bem construídas, vai tranquilo que sua surpresa está garantida.
Excelente entretenimento!
"Pássaro do Oriente" é mais um filme que trás muito da linguagem cinematográfica dos anos 80/90, porém me pareceu muito melhor construído que a recente "A Grande Mentira". Sua linha narrativa claramente se referencia em filmes de sucesso como "Atração Fatal" ou "Instinto Selvagem" ao mesmo tempo em que trás elementos psicológicos de "Cisne Negro" e de sua enorme complexidade no desenvolvimento de personagens, no caso a protagonista Lucy Fly (Alicia Vikander, vencedora do Oscar por "A Garota Dinamarquesa"). Fly é uma jovem sueca que resolve se mudar para o Japão a fim de esquecer um passado marcado por algumas coincidências. Embora ainda carregue esse peso, ela se esforça para levar uma vida normal até se apaixonar por Teiji (Naoki Kobayashi). Reservado e misterioso, Teiji possui uma espécie de fetiche: tirar fotos de mulheres em diferentes ângulos e situações - mesmo estando mortas. Quando Lily Bridges (Riley Keough), uma jovem americana recém chegada ao Japão desaparece, Lucy Fly passa a ser a principal suspeita; já que ela e Bridges criaram uma relação extremamente ambígua tendo Teiji como catalizador desses sentimentos. De fato o filme cria uma dinâmica interessante, pois ao mesmo tempo em que parece economizar na ação, o roteiro aproveita para mergulhar em diálogos inteligentes, trazendo uma certa complexidade - e aquela subjetividade que nos faz querer discutir sobre o filme quando ele termina! Olha, não é um filme inesquecível, muito menos fácil de entender, mas para quem gosta do gênero, posso dizer que é uma ótima opção de entretenimento e um bom exercício de interpretação! Vale o play!
"Pássaro do Oriente" é uma adaptação do romance homônimo da escritora britânica Susanna Jones e se passa em 1989, em Tóquio - e essa informação é vital para a experiência ao assistir o filme, pois o diretor Wash Westmoreland ("Para sempre Alice") faz questão de nos colocar em situações onde o choque de culturas interfere ativamente na dinâmica emocional dos personagens, tanto que o filme é falado em inglês e em japonês (muitas vezes na mesma cena, inclusive). Essa atmosfera desconfortável que é estar em um país tão diferente, com pessoas desconhecidas e com costumes tão particulares, criam uma espécie de solidão e de vazio, tanto em Lucy Fly como em Lily Bridges e isso ajuda a justificar a enorme necessidade de se apegar a alguém que possa lhes dar algum tipo de segurança; eu diria que é quase uma necessidade de pertencimento, um prato cheio para criação dos conflitos!
Confira o trailer:
A fotografia do coreano Chung-hoon Chung (de "It") cai como uma luva nesse conceito narrativo de Westmoreland. Chung trás um Japão belíssimo nos planos abertos, ao mesmo tempo em que é opressor nos planos fechados. A sensação de angustia é mérito dessa linguagem alternada e de uma interpretação cirúrgica de Vikander (como é boa essa atriz!) - a cena final é uma aula de roteiro e de interpretação, vale o filme! Pessoalmente eu não gostei do trabalho do Naoki Kobayashi, achei estereotipado demais, mas entendo a escolha do tom para comunicar essa cisão de culturas. Riley Keough está ótima como Lily, trás uma sensualidade "inocente" muito interessante para personagem que nos proporciona ótimas cenas - destaco a cena na boate em que ela dança com Teiji sob o olhar ameaçador de Fly!
Um outro detalhe interessante e que merece ser citado é a qualidade técnica na direção de Wash Westmoreland - ela é tão boa que até alguns clichês que o roteiro propõe passam quase despercebidos - me lembrou muito o trabalho de Darren Aronofsky (Cisne Negro). "Pássaro do Oriente" é um filme cheio de "entre linhas" que vale a pena experimentar. Embora soe previsível, em nenhum momento somos enganados ou surpreendidos por uma informação que não foi apresentada em algum momento - está tudo lá, basta encontrá-la. O fato do roteiro ser bastante econômico, nos permite criar nossas próprias teses e explicações - isso é um grande elogio para o filme. Aproveitar a jornada de descobertas sem nos darmos conta que o filme está passando também merece elogio - mesmo tendo uma certa lentidão narrativa, ele é dinâmico e intenso! Pode embarcar tranquilamente pois será um bom entretenimento!
"Pássaro do Oriente" é mais um filme que trás muito da linguagem cinematográfica dos anos 80/90, porém me pareceu muito melhor construído que a recente "A Grande Mentira". Sua linha narrativa claramente se referencia em filmes de sucesso como "Atração Fatal" ou "Instinto Selvagem" ao mesmo tempo em que trás elementos psicológicos de "Cisne Negro" e de sua enorme complexidade no desenvolvimento de personagens, no caso a protagonista Lucy Fly (Alicia Vikander, vencedora do Oscar por "A Garota Dinamarquesa"). Fly é uma jovem sueca que resolve se mudar para o Japão a fim de esquecer um passado marcado por algumas coincidências. Embora ainda carregue esse peso, ela se esforça para levar uma vida normal até se apaixonar por Teiji (Naoki Kobayashi). Reservado e misterioso, Teiji possui uma espécie de fetiche: tirar fotos de mulheres em diferentes ângulos e situações - mesmo estando mortas. Quando Lily Bridges (Riley Keough), uma jovem americana recém chegada ao Japão desaparece, Lucy Fly passa a ser a principal suspeita; já que ela e Bridges criaram uma relação extremamente ambígua tendo Teiji como catalizador desses sentimentos. De fato o filme cria uma dinâmica interessante, pois ao mesmo tempo em que parece economizar na ação, o roteiro aproveita para mergulhar em diálogos inteligentes, trazendo uma certa complexidade - e aquela subjetividade que nos faz querer discutir sobre o filme quando ele termina! Olha, não é um filme inesquecível, muito menos fácil de entender, mas para quem gosta do gênero, posso dizer que é uma ótima opção de entretenimento e um bom exercício de interpretação! Vale o play!
"Pássaro do Oriente" é uma adaptação do romance homônimo da escritora britânica Susanna Jones e se passa em 1989, em Tóquio - e essa informação é vital para a experiência ao assistir o filme, pois o diretor Wash Westmoreland ("Para sempre Alice") faz questão de nos colocar em situações onde o choque de culturas interfere ativamente na dinâmica emocional dos personagens, tanto que o filme é falado em inglês e em japonês (muitas vezes na mesma cena, inclusive). Essa atmosfera desconfortável que é estar em um país tão diferente, com pessoas desconhecidas e com costumes tão particulares, criam uma espécie de solidão e de vazio, tanto em Lucy Fly como em Lily Bridges e isso ajuda a justificar a enorme necessidade de se apegar a alguém que possa lhes dar algum tipo de segurança; eu diria que é quase uma necessidade de pertencimento, um prato cheio para criação dos conflitos!
Confira o trailer:
A fotografia do coreano Chung-hoon Chung (de "It") cai como uma luva nesse conceito narrativo de Westmoreland. Chung trás um Japão belíssimo nos planos abertos, ao mesmo tempo em que é opressor nos planos fechados. A sensação de angustia é mérito dessa linguagem alternada e de uma interpretação cirúrgica de Vikander (como é boa essa atriz!) - a cena final é uma aula de roteiro e de interpretação, vale o filme! Pessoalmente eu não gostei do trabalho do Naoki Kobayashi, achei estereotipado demais, mas entendo a escolha do tom para comunicar essa cisão de culturas. Riley Keough está ótima como Lily, trás uma sensualidade "inocente" muito interessante para personagem que nos proporciona ótimas cenas - destaco a cena na boate em que ela dança com Teiji sob o olhar ameaçador de Fly!
Um outro detalhe interessante e que merece ser citado é a qualidade técnica na direção de Wash Westmoreland - ela é tão boa que até alguns clichês que o roteiro propõe passam quase despercebidos - me lembrou muito o trabalho de Darren Aronofsky (Cisne Negro). "Pássaro do Oriente" é um filme cheio de "entre linhas" que vale a pena experimentar. Embora soe previsível, em nenhum momento somos enganados ou surpreendidos por uma informação que não foi apresentada em algum momento - está tudo lá, basta encontrá-la. O fato do roteiro ser bastante econômico, nos permite criar nossas próprias teses e explicações - isso é um grande elogio para o filme. Aproveitar a jornada de descobertas sem nos darmos conta que o filme está passando também merece elogio - mesmo tendo uma certa lentidão narrativa, ele é dinâmico e intenso! Pode embarcar tranquilamente pois será um bom entretenimento!
O melhor elogio que um homem pode receber após ter um filho é que ele se tornou um bom pai (o melhor do mundo pelos olhos do filho)! A vida não se trata mais de conquistas profissionais ou materiais - tudo ganha um outro sentido, por mais que você não tenha a menor noção do que essa transformação vai fazer com você ou com seu coração! Dito isso, "Paternidade", produção da Netflix com Kevin Hart, é muito feliz ao captar a essência vital da relação ente pai e filha e é aí que o filme ganha força, não nas fracas piadas que o roteiro teima em propor durante o primeiro ato - é como se o filme também aprendesse com a relação que, por si só, já é o suficiente para contar um boa e divertida história!
Baseado em uma história real, "Paternidade" acompanha a jornada de um homem descobrindo como é ser pai. Matt (Hart) fica viúvo inesperadamente quando sua esposa morre no dia seguinte ao parto de sua filha Maddy (Melody Hurd). Ainda sob o efeito devastador do luto, ele decide criar a menina sozinho, mesmo que ninguém acredite que ele tenha vocação para isso. Confira o trailer:
Embora o roteiro vacile um pouco no texto, Paul Weitz (indicado ao Oscar em 2002 pelo roteiro adaptado de "Um Grande Garoto") foi muito inteligente ao dividir a história em dois momentos bastante distintos, usando de muito flashback para estabelecer as relações entre os personagens que a linearidade impediria o filme de mostrar. Ao acompanhar os desafios de Matt como pai de primeira viagem e o convívio diário com os desafios naturais de cuidar de uma filha recém-nascida, "Paternidade" cria um vínculo emocional com quem assiste imediatamente - quem é pai vai entender do que estou falando! É nessa fase que alguns diálogos parecem forçados demais, sem graça e até estereotipados, porém as situações são tão divertidas que o filme se sustenta até deslanchar. É quando Maddy faz 5 anos e começa ir para escola que tudo se encaixa - lidar com as inseguranças de um pai vendo sua filha crescer ao mesmo tempo em que se permite ter uma nova namorada e a recomeçar a viver como homem depois do luto. E aqui cabe uma observação: excelente escolha de DeWanda Wise como Swan - ela é cativante, além de linda!
Hart faz um protagonista mais dramático e mesmo não sendo sua zona de conforto, ele vai muito bem. Agora, de fato, ele não tem um range muito grande de interpretação, se limitando apraticamente reprisar o papel que fez em "Amigos para Sempre" - e como naquela adaptação, Hart não está no mesmo nível de Omar Sy. Porém, ele cria uma química perfeita com Melody Hurd e com DeWanda Wis e isso ajuda muito na sua performance - quando ele está sozinho em cena, também vai muito bem ao transitar entre a insegurança do homem machucado pela vida com a alegria de estar vivendo ao lado da filha ainda bebê. Seu mau humor e dependência de um pai que prioriza as necessidades de sua filha, também convencem!
"Paternidade" é uma obra muito honesta na forma e no conteúdo. Com um tom mais leve, mesmo discutindo temas difíceis, tem uma história muito tocante e que possui uma bela mensagem sobre o real significado de ter uma filha(o). Diverte e emociona na mesma proporção!
Vale a pena!
O melhor elogio que um homem pode receber após ter um filho é que ele se tornou um bom pai (o melhor do mundo pelos olhos do filho)! A vida não se trata mais de conquistas profissionais ou materiais - tudo ganha um outro sentido, por mais que você não tenha a menor noção do que essa transformação vai fazer com você ou com seu coração! Dito isso, "Paternidade", produção da Netflix com Kevin Hart, é muito feliz ao captar a essência vital da relação ente pai e filha e é aí que o filme ganha força, não nas fracas piadas que o roteiro teima em propor durante o primeiro ato - é como se o filme também aprendesse com a relação que, por si só, já é o suficiente para contar um boa e divertida história!
Baseado em uma história real, "Paternidade" acompanha a jornada de um homem descobrindo como é ser pai. Matt (Hart) fica viúvo inesperadamente quando sua esposa morre no dia seguinte ao parto de sua filha Maddy (Melody Hurd). Ainda sob o efeito devastador do luto, ele decide criar a menina sozinho, mesmo que ninguém acredite que ele tenha vocação para isso. Confira o trailer:
Embora o roteiro vacile um pouco no texto, Paul Weitz (indicado ao Oscar em 2002 pelo roteiro adaptado de "Um Grande Garoto") foi muito inteligente ao dividir a história em dois momentos bastante distintos, usando de muito flashback para estabelecer as relações entre os personagens que a linearidade impediria o filme de mostrar. Ao acompanhar os desafios de Matt como pai de primeira viagem e o convívio diário com os desafios naturais de cuidar de uma filha recém-nascida, "Paternidade" cria um vínculo emocional com quem assiste imediatamente - quem é pai vai entender do que estou falando! É nessa fase que alguns diálogos parecem forçados demais, sem graça e até estereotipados, porém as situações são tão divertidas que o filme se sustenta até deslanchar. É quando Maddy faz 5 anos e começa ir para escola que tudo se encaixa - lidar com as inseguranças de um pai vendo sua filha crescer ao mesmo tempo em que se permite ter uma nova namorada e a recomeçar a viver como homem depois do luto. E aqui cabe uma observação: excelente escolha de DeWanda Wise como Swan - ela é cativante, além de linda!
Hart faz um protagonista mais dramático e mesmo não sendo sua zona de conforto, ele vai muito bem. Agora, de fato, ele não tem um range muito grande de interpretação, se limitando apraticamente reprisar o papel que fez em "Amigos para Sempre" - e como naquela adaptação, Hart não está no mesmo nível de Omar Sy. Porém, ele cria uma química perfeita com Melody Hurd e com DeWanda Wis e isso ajuda muito na sua performance - quando ele está sozinho em cena, também vai muito bem ao transitar entre a insegurança do homem machucado pela vida com a alegria de estar vivendo ao lado da filha ainda bebê. Seu mau humor e dependência de um pai que prioriza as necessidades de sua filha, também convencem!
"Paternidade" é uma obra muito honesta na forma e no conteúdo. Com um tom mais leve, mesmo discutindo temas difíceis, tem uma história muito tocante e que possui uma bela mensagem sobre o real significado de ter uma filha(o). Diverte e emociona na mesma proporção!
Vale a pena!
Antes de mais nada é preciso avisar que "Pelas ruas de Paris" é um filme conceitual, autoral e voltado para um nicho muito específico de assinante - o filme é quase um Manifesto na verdade, na sua forma e no seu conteúdo! Desde o primeiro minuto é nítida a influência de cineastas como Terrence Malick por exemplo, então se você achou "Árvore da Vida" uma viagem ou "To the Wonder" sem pé nem cabeça, nem perca seu tempo lendo esse review, porque fatalmente você vai odiar o filme.
Basicamente, "Pelas ruas de Paris" conta a história de um casal: do primeiro beijo até o término da relação - nada original, eu sei, mas é aí que a experimentação entra em jogo pelas mãos da diretora Elisabeth Vogler que, de uma forma bastante onírica, vai contando todo o processo de desgaste daquele relacionamento pelo ponto de vista de uma jovem parisiense que, a cada momento, se coloca em uma postura de reflexão abusando das várias camadas que determina o individualismo e a complexidade humana. Mais um vez, se você não está disposto a entrar em uma experiência visual não dê o play, mas se um filme bastante conceitual te provoca à imergir em um universo tão particular, siga em frente!
"Pelas ruas de Paris" acompanha a relação de Anna e Greg, desde seu início circunstancial (e até juvenil) em um festival de música eletrônica até o ponto atual de amadurecimento que acaba desencadeando uma crise de relacionamento quando ele decide morar Espanha. Para Anna é preciso decidir se embarca no sonho do namorado ou se continua em Paris buscando seus próprios objetivos de vida - que, por sinal, ela nem sabe muito bem quais são. O ponto alto dessa premissa é o fato do casal parecer único no início e aos poucos ir se afastando pelas escolhas individuais - essa dicotomia é tão interessante quanto (vejam só) normal!
Os momentos de reflexão e indagação criam uma sensação bastante comum entre os jovens ao mesmo tempo em que provoca uma espécie de epifania na personagem - eu sei que pode parecer complexo em palavras, mas, na minha opinião, Elisabeth Vogler soube decodificar muito bem esse processo na forma de imagens. Ela aproveita a naturalidade do texto para misturar planos longos de diálogos com cortes completamente aleatórios tendo ao fundo belíssimas narrações em off. É claro que isso trás uma certa poesia para o filme, o que nos dois primeiros atos funcionam perfeitamente - minha única critica é com a falta de fôlego do terceiro ato. Tudo foi tão bem construído no visual e na narrativa, durante 50 minutos, que senti um pouco de descaso na conclusão de toda aquela jornada. A não linearidade se encaixa perfeitamente ao conceito do filme, trás na montagem pontos bastante relevantes e a fotografia funciona perfeitamente como um bela moldura para o trabalho de Noémie Schmidt. Admito que em um determinado momento achei que a diretora perdeu um pouco a mão na sua proposta conceitual, deixou tanto o movimento de câmera, quanto a interpretação, nervosas demais - perdeu a sutileza poética, mas por outro lado, é possível entender essas escolhas, pois a sensação de tensão e aprisionamento da personagem também foi aumentando.
"Pelas ruas de Paris" é interessante, difícil e muito particular. Como eu disse acima: ou você embarca na "viagem" que o filme propõe - e só faça isso se você realmente gostar desse tipo de experiência - ou procure o filme ao lado, pois "Pelas ruas de Paris" será genial para algumas (poucas) pessoas e uma grande porcaria para a grande maioria de assinantes - e nenhum dos dois grupos estarão tão errados assim!!!
Antes de mais nada é preciso avisar que "Pelas ruas de Paris" é um filme conceitual, autoral e voltado para um nicho muito específico de assinante - o filme é quase um Manifesto na verdade, na sua forma e no seu conteúdo! Desde o primeiro minuto é nítida a influência de cineastas como Terrence Malick por exemplo, então se você achou "Árvore da Vida" uma viagem ou "To the Wonder" sem pé nem cabeça, nem perca seu tempo lendo esse review, porque fatalmente você vai odiar o filme.
Basicamente, "Pelas ruas de Paris" conta a história de um casal: do primeiro beijo até o término da relação - nada original, eu sei, mas é aí que a experimentação entra em jogo pelas mãos da diretora Elisabeth Vogler que, de uma forma bastante onírica, vai contando todo o processo de desgaste daquele relacionamento pelo ponto de vista de uma jovem parisiense que, a cada momento, se coloca em uma postura de reflexão abusando das várias camadas que determina o individualismo e a complexidade humana. Mais um vez, se você não está disposto a entrar em uma experiência visual não dê o play, mas se um filme bastante conceitual te provoca à imergir em um universo tão particular, siga em frente!
"Pelas ruas de Paris" acompanha a relação de Anna e Greg, desde seu início circunstancial (e até juvenil) em um festival de música eletrônica até o ponto atual de amadurecimento que acaba desencadeando uma crise de relacionamento quando ele decide morar Espanha. Para Anna é preciso decidir se embarca no sonho do namorado ou se continua em Paris buscando seus próprios objetivos de vida - que, por sinal, ela nem sabe muito bem quais são. O ponto alto dessa premissa é o fato do casal parecer único no início e aos poucos ir se afastando pelas escolhas individuais - essa dicotomia é tão interessante quanto (vejam só) normal!
Os momentos de reflexão e indagação criam uma sensação bastante comum entre os jovens ao mesmo tempo em que provoca uma espécie de epifania na personagem - eu sei que pode parecer complexo em palavras, mas, na minha opinião, Elisabeth Vogler soube decodificar muito bem esse processo na forma de imagens. Ela aproveita a naturalidade do texto para misturar planos longos de diálogos com cortes completamente aleatórios tendo ao fundo belíssimas narrações em off. É claro que isso trás uma certa poesia para o filme, o que nos dois primeiros atos funcionam perfeitamente - minha única critica é com a falta de fôlego do terceiro ato. Tudo foi tão bem construído no visual e na narrativa, durante 50 minutos, que senti um pouco de descaso na conclusão de toda aquela jornada. A não linearidade se encaixa perfeitamente ao conceito do filme, trás na montagem pontos bastante relevantes e a fotografia funciona perfeitamente como um bela moldura para o trabalho de Noémie Schmidt. Admito que em um determinado momento achei que a diretora perdeu um pouco a mão na sua proposta conceitual, deixou tanto o movimento de câmera, quanto a interpretação, nervosas demais - perdeu a sutileza poética, mas por outro lado, é possível entender essas escolhas, pois a sensação de tensão e aprisionamento da personagem também foi aumentando.
"Pelas ruas de Paris" é interessante, difícil e muito particular. Como eu disse acima: ou você embarca na "viagem" que o filme propõe - e só faça isso se você realmente gostar desse tipo de experiência - ou procure o filme ao lado, pois "Pelas ruas de Paris" será genial para algumas (poucas) pessoas e uma grande porcaria para a grande maioria de assinantes - e nenhum dos dois grupos estarão tão errados assim!!!
"Perdi Meu Corpo" (I Lost My Body) é, sem dúvida, a maior surpresa entre os cinco indicados à Melhor Animação do Oscar 2020. A animação francesa, distribuída pela Netflix, desbancou concorrentes de peso como "Frozen 2" e o "Rei Leão", mas chega com um enorme status de azarão na premiação - não pela falta de qualidade técnica ou narrativa, mas pelos próprios caminhos conceituais que o projeto escolheu - e põe conceitual nisso! Repare na premissa: o filme acompanha a jornada de uma "mão" em busca do corpo do qual ela fazia parte! Por mais bizarro que possa parecer, "Perdi Meu Corpo" aproveita essa jornada um tanto quanto peculiar para falar de escolhas, de destino e de auto-conhecimento, já que a história se passa em duas linhas temporais distintas: o presente, onde a protagonista é a "mão"; e o passado, onde o protagonista é Naoufel, um jovem, órfão, que se apaixona por Gabriella, uma garota que ele conheceu através do interfone de um prédio em Paris. É fácil deduzir que a "mão" é de Naoufel e que são as "memórias" que amarram a história, mas não sabemos se ele morreu, como ele perdeu a mão, o que aconteceu com seu pais, por que ele se tornou um garoto introspectivo, etc. "Perdi Meu Corpo" não é uma animação infantil (nem para a família como costumamos encontrar por aí), tem um tom independente bastante presente, quase experimental, e sua história é muito mais contemplativa do que dinâmica - e isso pode causar um certo estranhamento e quebrar um pouco a expectativa de quem assiste. Não é um filme que vai agradar a todos - ele é um drama com elementos bastante enraizados do cinema francês, só que em animação! Eu gostei, mas só assista se você se identificar com os elementos que comentei, se não você vai se decepcionar!
O visual da animação é incrível - parece um jogo de vídeo game, daqueles cults e muito bem desenvolvidos. A técnica da animação trás, ao mesmo tempo, o colorido e o monocromático, assim como o roteiro nos provoca a construir a história seguindo justamente esses signos! Os traços da animação 2D parecem sair das páginas de uma revista em quadrinhos, mesmo sendo um processo digital. A fotografia trabalha a iluminação e os enquadramentos lindamente, encaixando completamente com a sua estética - reparem nas cenas onde as memórias são mais antigas, preto e branco; como a sensação do preenchimento com a cor, dá lugar ao grafitado, quase que perfeitamente borrado, respeitando os limites do traço! Puxa, é lindo! A composição dos personagens tem uma forma mais caricaturada ao mesmo tempo em que nos perdemos no realismo de alguns movimentos - a "mão" é tão viva quanto qualquer outro personagem "desenhado" que está em cena!
É o primeiro longa-metragem do diretor Jérémy Clapin, um cara muito premiado com curtas de animação e é aí que eu acho que o filme dá uma vacilada - tenho a impressão que "Perdi Meu Corpo" poderia ser muito mais dinâmico, sem perder sua profundidade, se fosse um curta-metragem! O roteiro de Guillaume Laurant, um dos roteiristas do incrível "O Fabuloso Destino de Amélie Poulain" é bom, trabalha bem os detalhes emocionais dos personagens (inclusive da "mão"), mas parece que não move muito a história para frente. São, basicamente, duas histórias distintas que funcionam muito bem sozinhas, que se unem no final, mas que não entrega algo que justifique a expectativa que o próprio filme vai criando - não sei, me parece que faltou um desfecho que impactasse mais! Pessoalmente, a escolha do final me incomodou um pouco, mas entendo a razão, principalmente por se tratar de uma animação. Não quero me alongar muito para não sugerir algum "spoiler", mas reparem como a dramaticidade poderia ter sido maior tanto para "mão" quanto para Naoufel se a escolha fosse "a" outra - e se encaixaria perfeitamente com as memórias e toda aquela sensação de culpa que o protagonista sempre carregou.
"Perdi Meu Corpo" merece estar na disputa da categoria, mas seu aspecto técnico deve ter pesado bastante. Essa animação é diferente, tem uma identidade forte e uma arco principal bem particular - como foi o "Menino e o Mundo" em 2016, inclusive! Justamente por isso acredito que seu maior prêmio foi a indicação! O filme é bom e tem uma mistura de emoções bem equilibrada: do romance adolescente de Naoufel com Gabrielle, da angustia e tensão da jornada surreal e cheia de aventuras da "mão" até o drama mais sentimental e reflexivo da vida do protagonista! Pode ter certeza que vale o pouco mais de uma hora de filme!
"Perdi Meu Corpo" (I Lost My Body) é, sem dúvida, a maior surpresa entre os cinco indicados à Melhor Animação do Oscar 2020. A animação francesa, distribuída pela Netflix, desbancou concorrentes de peso como "Frozen 2" e o "Rei Leão", mas chega com um enorme status de azarão na premiação - não pela falta de qualidade técnica ou narrativa, mas pelos próprios caminhos conceituais que o projeto escolheu - e põe conceitual nisso! Repare na premissa: o filme acompanha a jornada de uma "mão" em busca do corpo do qual ela fazia parte! Por mais bizarro que possa parecer, "Perdi Meu Corpo" aproveita essa jornada um tanto quanto peculiar para falar de escolhas, de destino e de auto-conhecimento, já que a história se passa em duas linhas temporais distintas: o presente, onde a protagonista é a "mão"; e o passado, onde o protagonista é Naoufel, um jovem, órfão, que se apaixona por Gabriella, uma garota que ele conheceu através do interfone de um prédio em Paris. É fácil deduzir que a "mão" é de Naoufel e que são as "memórias" que amarram a história, mas não sabemos se ele morreu, como ele perdeu a mão, o que aconteceu com seu pais, por que ele se tornou um garoto introspectivo, etc. "Perdi Meu Corpo" não é uma animação infantil (nem para a família como costumamos encontrar por aí), tem um tom independente bastante presente, quase experimental, e sua história é muito mais contemplativa do que dinâmica - e isso pode causar um certo estranhamento e quebrar um pouco a expectativa de quem assiste. Não é um filme que vai agradar a todos - ele é um drama com elementos bastante enraizados do cinema francês, só que em animação! Eu gostei, mas só assista se você se identificar com os elementos que comentei, se não você vai se decepcionar!
O visual da animação é incrível - parece um jogo de vídeo game, daqueles cults e muito bem desenvolvidos. A técnica da animação trás, ao mesmo tempo, o colorido e o monocromático, assim como o roteiro nos provoca a construir a história seguindo justamente esses signos! Os traços da animação 2D parecem sair das páginas de uma revista em quadrinhos, mesmo sendo um processo digital. A fotografia trabalha a iluminação e os enquadramentos lindamente, encaixando completamente com a sua estética - reparem nas cenas onde as memórias são mais antigas, preto e branco; como a sensação do preenchimento com a cor, dá lugar ao grafitado, quase que perfeitamente borrado, respeitando os limites do traço! Puxa, é lindo! A composição dos personagens tem uma forma mais caricaturada ao mesmo tempo em que nos perdemos no realismo de alguns movimentos - a "mão" é tão viva quanto qualquer outro personagem "desenhado" que está em cena!
É o primeiro longa-metragem do diretor Jérémy Clapin, um cara muito premiado com curtas de animação e é aí que eu acho que o filme dá uma vacilada - tenho a impressão que "Perdi Meu Corpo" poderia ser muito mais dinâmico, sem perder sua profundidade, se fosse um curta-metragem! O roteiro de Guillaume Laurant, um dos roteiristas do incrível "O Fabuloso Destino de Amélie Poulain" é bom, trabalha bem os detalhes emocionais dos personagens (inclusive da "mão"), mas parece que não move muito a história para frente. São, basicamente, duas histórias distintas que funcionam muito bem sozinhas, que se unem no final, mas que não entrega algo que justifique a expectativa que o próprio filme vai criando - não sei, me parece que faltou um desfecho que impactasse mais! Pessoalmente, a escolha do final me incomodou um pouco, mas entendo a razão, principalmente por se tratar de uma animação. Não quero me alongar muito para não sugerir algum "spoiler", mas reparem como a dramaticidade poderia ter sido maior tanto para "mão" quanto para Naoufel se a escolha fosse "a" outra - e se encaixaria perfeitamente com as memórias e toda aquela sensação de culpa que o protagonista sempre carregou.
"Perdi Meu Corpo" merece estar na disputa da categoria, mas seu aspecto técnico deve ter pesado bastante. Essa animação é diferente, tem uma identidade forte e uma arco principal bem particular - como foi o "Menino e o Mundo" em 2016, inclusive! Justamente por isso acredito que seu maior prêmio foi a indicação! O filme é bom e tem uma mistura de emoções bem equilibrada: do romance adolescente de Naoufel com Gabrielle, da angustia e tensão da jornada surreal e cheia de aventuras da "mão" até o drama mais sentimental e reflexivo da vida do protagonista! Pode ter certeza que vale o pouco mais de uma hora de filme!
“Pieces of a Woman” é um filme sensacional, mas já aviso: não será uma jornada nada fácil. É um verdadeiro soco no estômago e, como pai, talvez tenha sido os primeiros 30 minutos mais doloridos que já experienciei em um filme na minha vida! Sério, é muito difícil desvincular a percepção de uma realidade avassaladora de uma comprovada história de "ficção" como essa!
O filme acompanha Martha (Vanessa Kirby) e Sean (Shia LaBeouf), um jovem casal que se prepara para a chegada da primeira filha. Decididos a fazer o parto em casa, o procedimento não acontece exatamente como previam e os dois precisam lidar com o impacto de uma tragédia. Sofrendo pressões familiares, midiáticas e de advogados, o casal precisa (re)descobrir uma forma de continuar a vida e de preservar o relacionamento em meio uma crise que toca a alma. Confira o trailer:
Impossível começar uma análise sem citar a aula de cinema que são os primeiros trinta minutos desse filme. Além criar uma atmosfera narrativa angustiante (quase como um filme de terror) e de ser um plano sequência (sem cortes) com mais de vinte minutos, criativo e tecnicamente perfeito, “Pieces of a Woman” nos deixa completamente destruídos ao acompanhar o trabalho de parto feito em casa pela parteira Eva (Molly Parker). A construção do relacionamento, as inseguranças do jovem casal, as dúvidas sobre o procedimento, a atenção e a humanidade da parteira; tudo isso é pontuado sem atropelos, no seu tempo, com uma câmera viva captando cada sensação, cada sentimento - é incrível (e penoso)!
A partir da tragédia do casal, o premiadíssimo diretor húngaro Kornél Mundruczó não deixa o nível dramático cair. Ele escolhe lindos planos para contar a destruição que uma tragédia como essa representa na vida de um ser humano, em uma relação e em todos que os cercam. A relação de Martha com sua mãe, com suas cicatrizes abertas, é um espetáculo de ambas as atrizes - Ellen Burstyn maltrata com sua técnica e capacidade dramática! Na verdade, acho que todo elenco está impecável e vou me surpreender se não forem indicados nessa temporada de premiações: Vanessa Kirby, inclusive, deve despontar até como favorita!
Puxa, o que dizer além de elogiar “Pieces of a Woman”? Talvez reafirmar a dor que ele vai provocar? Não sei, agora como audiência posso garantir que é uma experiência única e que nos provoca a entender as dores que a vida pode nos proporcionar sem esquecer de agradecer por tudo que ela já nos presenteou. Vale muito o seu play, mas será preciso força!
Observações:
1. O roteiro de Kata Wéber foi escrito a partir de uma experiência pessoal com seu parceiro, o próprio diretor, e, talvez por isso, sua protagonista transborda tanta honestidade, mesmo sendo um drama que estrapola a dor tão íntima e legítima de uma mãe!
2. O filme ganhou dois prêmios no Festival de Veneza em 2020: Melhor Filme e Melhor Atriz!
“Pieces of a Woman” é um filme sensacional, mas já aviso: não será uma jornada nada fácil. É um verdadeiro soco no estômago e, como pai, talvez tenha sido os primeiros 30 minutos mais doloridos que já experienciei em um filme na minha vida! Sério, é muito difícil desvincular a percepção de uma realidade avassaladora de uma comprovada história de "ficção" como essa!
O filme acompanha Martha (Vanessa Kirby) e Sean (Shia LaBeouf), um jovem casal que se prepara para a chegada da primeira filha. Decididos a fazer o parto em casa, o procedimento não acontece exatamente como previam e os dois precisam lidar com o impacto de uma tragédia. Sofrendo pressões familiares, midiáticas e de advogados, o casal precisa (re)descobrir uma forma de continuar a vida e de preservar o relacionamento em meio uma crise que toca a alma. Confira o trailer:
Impossível começar uma análise sem citar a aula de cinema que são os primeiros trinta minutos desse filme. Além criar uma atmosfera narrativa angustiante (quase como um filme de terror) e de ser um plano sequência (sem cortes) com mais de vinte minutos, criativo e tecnicamente perfeito, “Pieces of a Woman” nos deixa completamente destruídos ao acompanhar o trabalho de parto feito em casa pela parteira Eva (Molly Parker). A construção do relacionamento, as inseguranças do jovem casal, as dúvidas sobre o procedimento, a atenção e a humanidade da parteira; tudo isso é pontuado sem atropelos, no seu tempo, com uma câmera viva captando cada sensação, cada sentimento - é incrível (e penoso)!
A partir da tragédia do casal, o premiadíssimo diretor húngaro Kornél Mundruczó não deixa o nível dramático cair. Ele escolhe lindos planos para contar a destruição que uma tragédia como essa representa na vida de um ser humano, em uma relação e em todos que os cercam. A relação de Martha com sua mãe, com suas cicatrizes abertas, é um espetáculo de ambas as atrizes - Ellen Burstyn maltrata com sua técnica e capacidade dramática! Na verdade, acho que todo elenco está impecável e vou me surpreender se não forem indicados nessa temporada de premiações: Vanessa Kirby, inclusive, deve despontar até como favorita!
Puxa, o que dizer além de elogiar “Pieces of a Woman”? Talvez reafirmar a dor que ele vai provocar? Não sei, agora como audiência posso garantir que é uma experiência única e que nos provoca a entender as dores que a vida pode nos proporcionar sem esquecer de agradecer por tudo que ela já nos presenteou. Vale muito o seu play, mas será preciso força!
Observações:
1. O roteiro de Kata Wéber foi escrito a partir de uma experiência pessoal com seu parceiro, o próprio diretor, e, talvez por isso, sua protagonista transborda tanta honestidade, mesmo sendo um drama que estrapola a dor tão íntima e legítima de uma mãe!
2. O filme ganhou dois prêmios no Festival de Veneza em 2020: Melhor Filme e Melhor Atriz!
Essa versão de "Pinóquio" feita em animação stop-motion pelo diretor Guillermo del Toro é uma graça! Além de uma estética espetacular (com uma técnica que mistura o artesanal da animação com composições em CGI de cair o queixo), o roteiro ainda explora temas delicados e relevantes sobre relações familiares, politica, bullying, luto e, claro, sobre a importância de aceitar as diferenças. Lindo como uma poesia visual, "Pinocchio" (no original - que ainda leva o nome de Del Toro em seu título para deixar claro sua chancela), na minha opinião, é a melhor animação de 2022 e com potencial de ser bastante celebrada na temporada de premiações.
Situada nos anos 1930, na Itália facista da Segunda Guerra, acompanhamos a jornada de um pai solitário, Geppetto (David Bradley), e seu desejo em dar vida para um boneco de madeira na tentativa de suprir a saudade de seu filho recém falecido. Com a ajuda dos espíritos mágicos, Pinóquio (Gregory Mann) ganha vida, porém sua condição cria uma atmosfera de confusão por ser tão diferente das outras crianças e pelo seu desejo de ser amado pelo pai. Quando Pinóquio foge de casa buscando encontrar seu lugar no mundo, ele se depara com uma série de perigos em uma aventura que vai muito além do clássico de Carlo Collodi. Confira o trailer:
Ao lado de Mark Gustafson (de "The PJs" e "Claymation Easter"), Del Toro busca discutir a relação entre pai e filho deixando de lado aquele tom de "conto de fadas" (eternizada pela versão Disney de 1940) em prol de uma narrativa mais contemporânea no seu contexto, onde mesmo em um universo de fantasia, ainda constrói uma trama com o intuito de gerar identificação de uma forma mais palpável, transportando para Geppetto a responsabilidade de lidar com suas escolhas - seja em uma posição de super proteção afetiva ao tentar impedir que Pinóquio se conecte com o mundo e sofra por ser diferente, seja se resguardar para não perder a própria reputação diante dessa mesma "diferença".
Obviamente que é possível encontrar na adaptação, muito do que já conhecemos da obra clássica de Collodi - principalmente no que diz respeito ao arquétipo da inocência em sua forma mais pura e em que condições o meio é capaz de tornar essa inocência influenciável. É muito interessante como Del Toro e Gustafson vão criando camadas muito mais profundas nos personagens secundários que ajudam a moldar a personalidade do protagonista a partir das lições aprendidas por ele durante a jornada - essa dinâmica cria um caráter menos infantil ao roteiro, promovendo uma experiência única que, eu diria, impacta mais os pais do que os filhos. Não serão raros os momentos em que você vai se pegar refletindo sobre a maneira como você se relaciona com seu filho e como isso poderia impactar em suas escolhas futuras.
Mesmo apresentado como um musical, "Pinóquio" é muito mais Pixar do que Disney, ou seja, o que vale é o que está sendo falado - as (poucas) performances musicais funcionam muito mais como uma ferramenta de gatilho emocional do que propriamente como uma estratégia narrativa que vai conduzir a trama até o seu final. Mesmo sem essa responsabilidade, as músicas são realmente lindas e acredite, a trilha sonora assinada por Alexandre Desplat, é só um dos vários elementos técnicos e artísticos que chegam como forte concorrente ao próximo Oscar - pode anotar!
Vale muito a pena!
Up-date: "Pinóquio" foi o grande vencedor do Oscar 2023 na categoria "Melhor Animação"!
Essa versão de "Pinóquio" feita em animação stop-motion pelo diretor Guillermo del Toro é uma graça! Além de uma estética espetacular (com uma técnica que mistura o artesanal da animação com composições em CGI de cair o queixo), o roteiro ainda explora temas delicados e relevantes sobre relações familiares, politica, bullying, luto e, claro, sobre a importância de aceitar as diferenças. Lindo como uma poesia visual, "Pinocchio" (no original - que ainda leva o nome de Del Toro em seu título para deixar claro sua chancela), na minha opinião, é a melhor animação de 2022 e com potencial de ser bastante celebrada na temporada de premiações.
Situada nos anos 1930, na Itália facista da Segunda Guerra, acompanhamos a jornada de um pai solitário, Geppetto (David Bradley), e seu desejo em dar vida para um boneco de madeira na tentativa de suprir a saudade de seu filho recém falecido. Com a ajuda dos espíritos mágicos, Pinóquio (Gregory Mann) ganha vida, porém sua condição cria uma atmosfera de confusão por ser tão diferente das outras crianças e pelo seu desejo de ser amado pelo pai. Quando Pinóquio foge de casa buscando encontrar seu lugar no mundo, ele se depara com uma série de perigos em uma aventura que vai muito além do clássico de Carlo Collodi. Confira o trailer:
Ao lado de Mark Gustafson (de "The PJs" e "Claymation Easter"), Del Toro busca discutir a relação entre pai e filho deixando de lado aquele tom de "conto de fadas" (eternizada pela versão Disney de 1940) em prol de uma narrativa mais contemporânea no seu contexto, onde mesmo em um universo de fantasia, ainda constrói uma trama com o intuito de gerar identificação de uma forma mais palpável, transportando para Geppetto a responsabilidade de lidar com suas escolhas - seja em uma posição de super proteção afetiva ao tentar impedir que Pinóquio se conecte com o mundo e sofra por ser diferente, seja se resguardar para não perder a própria reputação diante dessa mesma "diferença".
Obviamente que é possível encontrar na adaptação, muito do que já conhecemos da obra clássica de Collodi - principalmente no que diz respeito ao arquétipo da inocência em sua forma mais pura e em que condições o meio é capaz de tornar essa inocência influenciável. É muito interessante como Del Toro e Gustafson vão criando camadas muito mais profundas nos personagens secundários que ajudam a moldar a personalidade do protagonista a partir das lições aprendidas por ele durante a jornada - essa dinâmica cria um caráter menos infantil ao roteiro, promovendo uma experiência única que, eu diria, impacta mais os pais do que os filhos. Não serão raros os momentos em que você vai se pegar refletindo sobre a maneira como você se relaciona com seu filho e como isso poderia impactar em suas escolhas futuras.
Mesmo apresentado como um musical, "Pinóquio" é muito mais Pixar do que Disney, ou seja, o que vale é o que está sendo falado - as (poucas) performances musicais funcionam muito mais como uma ferramenta de gatilho emocional do que propriamente como uma estratégia narrativa que vai conduzir a trama até o seu final. Mesmo sem essa responsabilidade, as músicas são realmente lindas e acredite, a trilha sonora assinada por Alexandre Desplat, é só um dos vários elementos técnicos e artísticos que chegam como forte concorrente ao próximo Oscar - pode anotar!
Vale muito a pena!
Up-date: "Pinóquio" foi o grande vencedor do Oscar 2023 na categoria "Melhor Animação"!
"Playbook", série documental da Netflix que recebeu o subtítulo de "Estratégias para Vencer" é uma das coisas mais bacanas que assisti em 2020! Para quem gosta de esporte ou empreendedorismo, esse material é quase indispensável - pela sua qualidade didática e, principalmente, pela forma natural como cada um dos personagens contam suas respectivas histórias e codificam os aprendizados mais marcantes da carreira até chegar ao sucesso!
Doc Rivers, técnico do Los Angels Clippers da NBA; Jill Ellis, técnica da seleção americana de futebol feminino; José Mourinho, hoje técnico do Tottenham; Patrick Mouratoglou, técnico da tenista Serena Williams e, finalmente, Dawn Staley, treinadora da seleção feminina de basquete dos EUA; contam em episódios de 30 minutos, quais foram suas principais estratégias que ajudaram colocar os times e atletas que treinaram na elite do esporte. Confira o trailer e veja o que te espera:
Desde que o técnico Bernardinho trouxe para o Brasil (ao lado da editora Sextante) a coleção "Na Vida como no Esporte" em 2009 venho acompanhando os conceitos, princípios e valores que grandes atletas e treinadores pautaram suas trajetórias, talvez por isso que "Palybook" tenha me conquistado com tanta facilidade. A série equilibra depoimentos dos treinadores com imagens de arquivo que ilustram o assunto que está sendo discutido. Como na coleção da Sextante, alguns ensinamentos são destacados e servem de fio condutor para uma narrativa dinâmica, motivadora (sem ser piegas) e, muitas vezes, emocionantes. Tenha certeza que você vai encontrar muito além do que apenas uma personalidade do esporte contando suas façanhas - é o lado humano, palpável, muitas vezes frágil, que transformam essa série em algo imperdível e, claro, irretocável!
"Playbook - Estratégias para Vencer" é mais um grande trabalho do diretor e produtor executivo John Henion - que já esteve envolvido com outro grande sucesso: "Chefs Table". Produzida pela Boardwalk Pictures, Delirio Films e SpringHill Enternaiment, a série contou com um total de 24 produtores, entre eles, LeBron James, o que notadamente imprime um valor histórico, artístico e técnico, impressionantes para a produção. O roteiro equilibra tão bem o didatismo de como cada um deles valoriza o processo de preparação, a importância do espirito de equipe, da determinação permanente, ao mesmo tempo que expõe, sem qualquer receio, as preocupações perante as armadilhas do sucesso e a forma como lidam com as derrotas mais dolorosas.
Alguns episódios traduzem exatamente o perfil midiático do treinador - é o caso do José Mourinho, por exemplo. Porém a quebra de expectativa ao mostrar o lado humano do treinador é tão grande que parece não se tratar da mesma pessoa. Essa estratégia narrativa é tão divertida como emocionante! Outro episódio que te tira o chão é o da Jill Ellis - simplesmente incrível como ela foi capaz de expor suas fragilidades ao mesmo tempo em que contava os detalhes da construção da sua trajetória como treinadora. A verdade é que a série traz a informalidade de um papo de boteco com a seriedade e profundidade de uma palestra caríssima desses mesmos treinadores.
Lições como “Nunca se faça de vítima”, “Seja verdadeiro com você mesmo”, “Algumas regras foram feitas para serem quebradas”, “Nunca tenha medo de ser demitido”, “O que está atrasado não significa que foi negado. Tenha fé”, parecem ter saído de uma obra barata de auto-ajuda, mas te garanto: todos os pontos são tão bem embasados, ilustrados e explicados que fazem todo sentido dentro do contexto que a série se propõe a entregar - e funciona muito bem! Por isso, como já comentei, coloco "Playbook" como mais uma agradável surpresa desse ano e espero, do fundo do coração, que tenhamos muitas outras temporadas! Essa primeira, por exemplo, é para assistir em uma sentada só: são 5 episódios de 30 minutos que você nem vai sentir passar! Não perca tempo!
"Playbook", série documental da Netflix que recebeu o subtítulo de "Estratégias para Vencer" é uma das coisas mais bacanas que assisti em 2020! Para quem gosta de esporte ou empreendedorismo, esse material é quase indispensável - pela sua qualidade didática e, principalmente, pela forma natural como cada um dos personagens contam suas respectivas histórias e codificam os aprendizados mais marcantes da carreira até chegar ao sucesso!
Doc Rivers, técnico do Los Angels Clippers da NBA; Jill Ellis, técnica da seleção americana de futebol feminino; José Mourinho, hoje técnico do Tottenham; Patrick Mouratoglou, técnico da tenista Serena Williams e, finalmente, Dawn Staley, treinadora da seleção feminina de basquete dos EUA; contam em episódios de 30 minutos, quais foram suas principais estratégias que ajudaram colocar os times e atletas que treinaram na elite do esporte. Confira o trailer e veja o que te espera:
Desde que o técnico Bernardinho trouxe para o Brasil (ao lado da editora Sextante) a coleção "Na Vida como no Esporte" em 2009 venho acompanhando os conceitos, princípios e valores que grandes atletas e treinadores pautaram suas trajetórias, talvez por isso que "Palybook" tenha me conquistado com tanta facilidade. A série equilibra depoimentos dos treinadores com imagens de arquivo que ilustram o assunto que está sendo discutido. Como na coleção da Sextante, alguns ensinamentos são destacados e servem de fio condutor para uma narrativa dinâmica, motivadora (sem ser piegas) e, muitas vezes, emocionantes. Tenha certeza que você vai encontrar muito além do que apenas uma personalidade do esporte contando suas façanhas - é o lado humano, palpável, muitas vezes frágil, que transformam essa série em algo imperdível e, claro, irretocável!
"Playbook - Estratégias para Vencer" é mais um grande trabalho do diretor e produtor executivo John Henion - que já esteve envolvido com outro grande sucesso: "Chefs Table". Produzida pela Boardwalk Pictures, Delirio Films e SpringHill Enternaiment, a série contou com um total de 24 produtores, entre eles, LeBron James, o que notadamente imprime um valor histórico, artístico e técnico, impressionantes para a produção. O roteiro equilibra tão bem o didatismo de como cada um deles valoriza o processo de preparação, a importância do espirito de equipe, da determinação permanente, ao mesmo tempo que expõe, sem qualquer receio, as preocupações perante as armadilhas do sucesso e a forma como lidam com as derrotas mais dolorosas.
Alguns episódios traduzem exatamente o perfil midiático do treinador - é o caso do José Mourinho, por exemplo. Porém a quebra de expectativa ao mostrar o lado humano do treinador é tão grande que parece não se tratar da mesma pessoa. Essa estratégia narrativa é tão divertida como emocionante! Outro episódio que te tira o chão é o da Jill Ellis - simplesmente incrível como ela foi capaz de expor suas fragilidades ao mesmo tempo em que contava os detalhes da construção da sua trajetória como treinadora. A verdade é que a série traz a informalidade de um papo de boteco com a seriedade e profundidade de uma palestra caríssima desses mesmos treinadores.
Lições como “Nunca se faça de vítima”, “Seja verdadeiro com você mesmo”, “Algumas regras foram feitas para serem quebradas”, “Nunca tenha medo de ser demitido”, “O que está atrasado não significa que foi negado. Tenha fé”, parecem ter saído de uma obra barata de auto-ajuda, mas te garanto: todos os pontos são tão bem embasados, ilustrados e explicados que fazem todo sentido dentro do contexto que a série se propõe a entregar - e funciona muito bem! Por isso, como já comentei, coloco "Playbook" como mais uma agradável surpresa desse ano e espero, do fundo do coração, que tenhamos muitas outras temporadas! Essa primeira, por exemplo, é para assistir em uma sentada só: são 5 episódios de 30 minutos que você nem vai sentir passar! Não perca tempo!
"Ponto Vermelho" é uma produção sueca da Netflix comandada pelo diretor Alain Darborg. Bem na linha do suspense psicológico onde em grande parte do filme o inimigo é completamente desconhecido, posso dizer que a experiência não decepciona. Existem muitos elementos narrativos que misturam filmes como "Mar Aberto" de 2003 e "Louca Obsessão" de 1990 - o que acaba criando uma dinâmica angustiante e até certo ponto bastante corajosa. Aliás, temos um final bem corajoso, eu diria!
David (Anastasios Soulis) acaba de se formar em engenharia e aproveita a felicidade do momento para pedir a namorada, Nadja (Nanna Blondell) em casamento. Um ano e meio se passa e o casal feliz agora está tão feliz assim - o que faz Nadja esconder que está grávida do marido. Após uma discussão, David resolve convidar a mulher para passar um final de semana acampando num lugar remoto ao norte da Suécia - a idéia era aproveitar o momento para tentar salvar a relação, se reconectarem. Acontece que um desentendimento bobo no caminho, com dois irmãos racistas, passa a ameaçar a paz do casal, e, o que era para ser um final de semana de reconciliação acaba se tornando um verdadeiro pesadelo. Confira o trailer (legendado em inglês):
Embora o prólogo seja superficial demais, é possível ter a real percepção de como a dinâmica do casal vai influenciar na história. Talvez um pouco deslocado e até apressado, o roteiro dePer Dickson e do diretor Alain Darborg vai se equilibrando com o passar do tempo e inserindo muitos gatilhos visuais e narrativos de medo e angústia - o primeiro contato com os irmãos racistas é um bom exemplo. Ao se apropriar do estilo “o perigo pode estar em qualquer lugar”, o filme ganha muita força e acaba potencializando o cenário escolhido: uma inóspita região de gelo, como vimos recentemente em "O Céu da Meia-Noite". A noite, com tempestade, sem iluminação, apenas os dois personagens no meio de uma situação sem controle, faz o suspense natural de "Mar Aberto" vir na nossa lembrança.
Porém esse mesmo roteiro que cria essa atmosfera de terror tão sensível, começa trapacear a audiência quando a "caça ao rato" termina já no inicio do terceiro ato, pois ele passa a usar alguns artifícios que não são apresentados em nenhum momento da trama e isso incomoda um pouco. Mesmo impactando a imaginação, já que as cenas de maus-tratos aos animais são apenas sugeridas e acabam servindo de preparação para as de tortura que virão adiante - daí a forte referência de "Louca Obsessão"; "Ponto Vermelho" oscila demais até sua conclusão.
Anastasios Soulis e Nanna Blondell estão ótimos e carregam o filme nas costas, junto com uma direção competente de Darborg, mas faltou um pouco mais de violência para tornar o filme inesquecível e marcante - e aqui é uma opinião bem pessoal, já que fiquei satisfeito com o final e como o drama foi se construindo. Digamos que seria a cereja do bolo, mesmo com tudo fazendo sentido como fez! Em todo caso, "Ponto Vermelho" é um bom suspense psicológico com toques de ação e perseguição que vai entreter e provocar sensações interessantes.
Não é um filme inesquecível, ok? Mas cumpre muito bem o seu papel na discussão sobre até que ponto a vingança vale a pena!
"Ponto Vermelho" é uma produção sueca da Netflix comandada pelo diretor Alain Darborg. Bem na linha do suspense psicológico onde em grande parte do filme o inimigo é completamente desconhecido, posso dizer que a experiência não decepciona. Existem muitos elementos narrativos que misturam filmes como "Mar Aberto" de 2003 e "Louca Obsessão" de 1990 - o que acaba criando uma dinâmica angustiante e até certo ponto bastante corajosa. Aliás, temos um final bem corajoso, eu diria!
David (Anastasios Soulis) acaba de se formar em engenharia e aproveita a felicidade do momento para pedir a namorada, Nadja (Nanna Blondell) em casamento. Um ano e meio se passa e o casal feliz agora está tão feliz assim - o que faz Nadja esconder que está grávida do marido. Após uma discussão, David resolve convidar a mulher para passar um final de semana acampando num lugar remoto ao norte da Suécia - a idéia era aproveitar o momento para tentar salvar a relação, se reconectarem. Acontece que um desentendimento bobo no caminho, com dois irmãos racistas, passa a ameaçar a paz do casal, e, o que era para ser um final de semana de reconciliação acaba se tornando um verdadeiro pesadelo. Confira o trailer (legendado em inglês):
Embora o prólogo seja superficial demais, é possível ter a real percepção de como a dinâmica do casal vai influenciar na história. Talvez um pouco deslocado e até apressado, o roteiro dePer Dickson e do diretor Alain Darborg vai se equilibrando com o passar do tempo e inserindo muitos gatilhos visuais e narrativos de medo e angústia - o primeiro contato com os irmãos racistas é um bom exemplo. Ao se apropriar do estilo “o perigo pode estar em qualquer lugar”, o filme ganha muita força e acaba potencializando o cenário escolhido: uma inóspita região de gelo, como vimos recentemente em "O Céu da Meia-Noite". A noite, com tempestade, sem iluminação, apenas os dois personagens no meio de uma situação sem controle, faz o suspense natural de "Mar Aberto" vir na nossa lembrança.
Porém esse mesmo roteiro que cria essa atmosfera de terror tão sensível, começa trapacear a audiência quando a "caça ao rato" termina já no inicio do terceiro ato, pois ele passa a usar alguns artifícios que não são apresentados em nenhum momento da trama e isso incomoda um pouco. Mesmo impactando a imaginação, já que as cenas de maus-tratos aos animais são apenas sugeridas e acabam servindo de preparação para as de tortura que virão adiante - daí a forte referência de "Louca Obsessão"; "Ponto Vermelho" oscila demais até sua conclusão.
Anastasios Soulis e Nanna Blondell estão ótimos e carregam o filme nas costas, junto com uma direção competente de Darborg, mas faltou um pouco mais de violência para tornar o filme inesquecível e marcante - e aqui é uma opinião bem pessoal, já que fiquei satisfeito com o final e como o drama foi se construindo. Digamos que seria a cereja do bolo, mesmo com tudo fazendo sentido como fez! Em todo caso, "Ponto Vermelho" é um bom suspense psicológico com toques de ação e perseguição que vai entreter e provocar sensações interessantes.
Não é um filme inesquecível, ok? Mas cumpre muito bem o seu papel na discussão sobre até que ponto a vingança vale a pena!
Antes de mais nada, eu preciso admitir que eu quase desisti de "Por trás dos seus olhos" algumas vezes e assim que terminou, senti aquela sensação de alívio por ter ido até o final! Veja, esse comentário em hipótese nenhuma deve te impedir de assistir a minissérie da Netflix, mas em vários momentos você vai achar algumas situações uma grande bobagem, ou algumas atuações completamente estereotipadas e acima do tom, mas acredite NADA que acontece durante os 5 primeiros episódios é por acaso e tudo vai ficar muito bem explicado no sexto e último ato! Pode confiar!
Baseado no livro de sucesso de Sarah Pinborough, a minissérie acompanha a história de Louise (Simona Brown), uma mãe recém divorciada que teve um affair casual com um homem casado e que descobre no dia seguinte ser seu novo chefe, o psiquiatra David (Tom Bateman). Porém tudo começa a mudar de rumo quando Louise, acidentalmente, conhece a esposa dele, Adele (Eve Hewson) e a partir daí passam a construir uma amizade repleta de confissões e segredos. Confira o trailer:
É de se elogiar a estratégia quase suicida da Netflix em não se aprofundar na sinopse e focar no marketing de "Por trás dos seus olhos" como um suspense psicológico cheio de romance, drama, mistérios e relações extraconjugais - apoiando-se, inclusive, em um conceito narrativo bem anos 90. Ao se apegar nessa premissa, já mergulhamos na história logo de cara e os quatro primeiros episódios, embora com algumas escorregadas conceituais (que depois descobrimos serem propositais), nos prendem e nos provocam uma enorme curiosidade! Aqui cabe um rápido disclaimer: não estamos falando de uma super produção, com um super orçamento, com rostos famosos e um diretor extremamente criativo; talvez por isso eu tenha ficado tão desconfiado ao perceber que a história vai se enrolando sozinha e encontrando atalhos não tão conectados com a realidade que estávamos acompanhando até ali - e isso fica muito claro a partir do quinto episódio! Mas não desista!
Ao nos aproximarmos do final, aquela trama, aparentemente bem construída, vai trazendo elementos de fantasia e nos afastando da realidade dramática que chega a desanimar - até pela forma pouco criativa que o diretor usou para contar uma ou outra passagem, digamos "extra-corporal". Tá, eu sei que o texto pode estar ficando confuso, mas eu estou tomando o máximo de cuidado para não te dar nenhum spoiler e ao mesmo tempo tentando te convencer a ir até o final, mesmo com um monte de "bobagens" que você vai encontrar nos episódios. Então vou te pedir novamente: não desista!
Ao longo dos episódios, a série vai nos dando dicas que a história não se trata apenas de mais um dramalhão como "Não fale com estranhos", por exemplo. O fato é que o roteiro nos engana muito bem, pois a estrutura narrativa é muito realista, não envolvem situações fora do ceticismo e isso se subverte de tal maneira que nos surpreende demais, desde que você embarque na proposta e assuma uma certa suspensão da realidade - tipo "Sexto Sentido", sabe? Aliás, "Por trás dos seus olhos" traz uma referência muito inteligente e completamente coerente de um filme de 1998, chamado "Fallen" (deixe para pesquisar sobre esse filme depois que você assistir o último episódio).
"Por trás dos seus olhos" vale a pena, vai por mim!
Antes de mais nada, eu preciso admitir que eu quase desisti de "Por trás dos seus olhos" algumas vezes e assim que terminou, senti aquela sensação de alívio por ter ido até o final! Veja, esse comentário em hipótese nenhuma deve te impedir de assistir a minissérie da Netflix, mas em vários momentos você vai achar algumas situações uma grande bobagem, ou algumas atuações completamente estereotipadas e acima do tom, mas acredite NADA que acontece durante os 5 primeiros episódios é por acaso e tudo vai ficar muito bem explicado no sexto e último ato! Pode confiar!
Baseado no livro de sucesso de Sarah Pinborough, a minissérie acompanha a história de Louise (Simona Brown), uma mãe recém divorciada que teve um affair casual com um homem casado e que descobre no dia seguinte ser seu novo chefe, o psiquiatra David (Tom Bateman). Porém tudo começa a mudar de rumo quando Louise, acidentalmente, conhece a esposa dele, Adele (Eve Hewson) e a partir daí passam a construir uma amizade repleta de confissões e segredos. Confira o trailer:
É de se elogiar a estratégia quase suicida da Netflix em não se aprofundar na sinopse e focar no marketing de "Por trás dos seus olhos" como um suspense psicológico cheio de romance, drama, mistérios e relações extraconjugais - apoiando-se, inclusive, em um conceito narrativo bem anos 90. Ao se apegar nessa premissa, já mergulhamos na história logo de cara e os quatro primeiros episódios, embora com algumas escorregadas conceituais (que depois descobrimos serem propositais), nos prendem e nos provocam uma enorme curiosidade! Aqui cabe um rápido disclaimer: não estamos falando de uma super produção, com um super orçamento, com rostos famosos e um diretor extremamente criativo; talvez por isso eu tenha ficado tão desconfiado ao perceber que a história vai se enrolando sozinha e encontrando atalhos não tão conectados com a realidade que estávamos acompanhando até ali - e isso fica muito claro a partir do quinto episódio! Mas não desista!
Ao nos aproximarmos do final, aquela trama, aparentemente bem construída, vai trazendo elementos de fantasia e nos afastando da realidade dramática que chega a desanimar - até pela forma pouco criativa que o diretor usou para contar uma ou outra passagem, digamos "extra-corporal". Tá, eu sei que o texto pode estar ficando confuso, mas eu estou tomando o máximo de cuidado para não te dar nenhum spoiler e ao mesmo tempo tentando te convencer a ir até o final, mesmo com um monte de "bobagens" que você vai encontrar nos episódios. Então vou te pedir novamente: não desista!
Ao longo dos episódios, a série vai nos dando dicas que a história não se trata apenas de mais um dramalhão como "Não fale com estranhos", por exemplo. O fato é que o roteiro nos engana muito bem, pois a estrutura narrativa é muito realista, não envolvem situações fora do ceticismo e isso se subverte de tal maneira que nos surpreende demais, desde que você embarque na proposta e assuma uma certa suspensão da realidade - tipo "Sexto Sentido", sabe? Aliás, "Por trás dos seus olhos" traz uma referência muito inteligente e completamente coerente de um filme de 1998, chamado "Fallen" (deixe para pesquisar sobre esse filme depois que você assistir o último episódio).
"Por trás dos seus olhos" vale a pena, vai por mim!
Inicialmente o que mais me chamou a atenção em "Power" (ou "Project Power", título original) foi o fato de se tratar de um projeto do diretores Henry Joost e Ariel Schulman, reponsáveis pelo ótimo "Nerve" e pela adaptação (do anunciado) "Megaman". Acontece que essa produção da Netflix, com um orçamento de 85 milhões de dólares, se apega tanto nas cenas de ação que acaba esquecendo de contar a história como deveria.
O filme acompanha um ex-militar, Art (Jamie Foxx) e um policial, Frank (Joseph Gordon-Levitt) que tentam descobrir quem está por trás do tráfico de uma nova droga que dá para seus usuários superpoderes aleatórios e com isso, claro, gerando uma série de problemas na cidade de New Orleans. Confira o trailer:
Embora não seja uma história muito original (basta lembrarmos do que assistimos em "The Boys"), "Power" tem alguns elementos bastante interessantes para um gênero de ação com grife - seu conceito visual e a montagem mais clipada, não são novidades, mas trazem uma certa elegância e uma dinâmica bacana para o filme, porém o roteiro não acompanha essa qualidade. Me deu a impressão de que quiseram criar algo tão complexo, que faltou tempo de tela para desenvolver todos os personagens - o fato de não sabermos exatamente quem é o vilão, é um ótimo exemplo dessa incoerência.
Mattson Tomlin é um roteirista romeno que caiu nas graças de Hollywood depois de escrever e dirigir alguns curtas-metragens. O interessante, porém, é que mesmo sem uma carreira premiada, Tomlin está envolvido com projetos grandes (e caros) como o do novo Batman, por exemplo. Só que seu trabalho em "Power" me deixou com a pulga atrás da orelha. Seu roteiro é irregular, com falhas técnicas, de certa forma, primárias para quem deveria dominar a gramática da ação - como já citamos, a falta de definição do vilão é o que mais me incomodou: em um primeiro momento achamos que seria o Rodrigo Santoro (e o seu estereotipado Biggie), logo depois achamos que o vilão mesmo é o fortão Wallace (Tait Fletcher), quando na verdade quem realmente manda em tudo é a Gardner (Amy Landecker). Outra coisa, o escolher para qual "mocinho" torcer também é um pouco confuso: seria para o Art, para o Frank ou para a adolescente Robin (Dominique Fishback)? Na verdade até não seria um grande problema ter três protagonistas, desde que ficasse estabelecido a importância de cada um dentro do contexto e com suas motivações bem desenvolvidas - não é o caso! O fato de não se aprofundar em nenhum dos temas que aborda, inclusive com algumas criticas sociais bem pontuadas, e nem explicar muito bem todas as motivações dos personagens-chave faz com que até os diálogos cheios de clichês pareçam gratuitos demais. E aqui cabe uma pequena observação: existe uma cultura de que filme de ação não precisa ter um bom roteiro para valer a pena, eu discordo, mas respeito - mas o que não pode, na minha opinião, é abrir mão de uma certa identificação com o protagonista para que venhamos a torcer por ele durante toda a jornada e no caso de "Power" isso acontece - sem falar que não existe grandes dificuldades para vencer os inimigos, nos privando daquela "tensão" pré combate!
A jovem Dominique Fishback talvez seja o destaque do elenco. Santoro tem potencial para mais, mas seu texto e tempo de tela não ajudaram. Jamie Foxx e Joseph Gordon-Levitt fazem o arroz com feijão bem feito e saem no 0 x 0. Amy Landecker e Tait Fletcher quase não aparecem, então não prejudicam. Alguns pontos que merecem destaque mostram a qualidade dos diretores: mesmo com uma edição bastante picotada (e aqui é impossível saber o quanto os produtores influenciaram no trabalho do montador Jeff McEvoy), o filme é bastante inventivo em algumas cenas de ação onde a câmera não está no lugar mais óbvio - isso pode causar uma certa confusão em algum momento, mas nos coloca dentro da cena: a sequência inicial do "Tocha Humana" e a cena no cassino clandestino com a "Mulher de Gelo" foram muito bem executadas. Reparem!
Antes de finalizar uma curiosidade que provavelmente vai passar despercebido para muitos, mas vale a referência: a camisa que Joseph Gordon-Levitt usa durante todo o filme é do time de futebol americano da cidade de New Orleans, o Saints. O nome estampado atrás é de um jogador chamado Steve Gleason - ele é considerado um verdadeiro herói por bloquear um punt do Falcons (de Atlanta) que acabou culminando no primeiro touchdownda equipe no seu retorno ao Estádio, que foi símbolo de uma cidade destruída pelo furacão Katrina. Essa jogada foi eternizada por uma estátua na frente do Superdome, mas a história não acaba por aí: em 2011, já aposentado e ainda muito jovem, Gleason foi diagnosticado com esclerose lateral amiotrófica (ELA) poucos dias antes de receber a noticia de que seria pai pela primeira vez! Com medo de não ter saúde para conhecer e se relacionar com o filho, Gleason resolve filmar sua rotina para fazer uma espécie de diário para seu filho e toda essa jornada acabou virando um emocionante documentário que leva o seu nome!
Dito isso e voltando ao motivo desse review, posso dizer que os amantes do gênero de ação vão se divertir com "Power", mas é inegável que, se melhor desenvolvida, a história entregaria muito mais que um filme sobre drogas e heróis sem uniforme. Toda aquela ambição pelo poder pincelada em algumas cenas poderiam transformar o filme em uma ótima alegoria sobre o egoísmo e corrupção social, existentes na cultura da violência, tão em alta ultimamente.
Inicialmente o que mais me chamou a atenção em "Power" (ou "Project Power", título original) foi o fato de se tratar de um projeto do diretores Henry Joost e Ariel Schulman, reponsáveis pelo ótimo "Nerve" e pela adaptação (do anunciado) "Megaman". Acontece que essa produção da Netflix, com um orçamento de 85 milhões de dólares, se apega tanto nas cenas de ação que acaba esquecendo de contar a história como deveria.
O filme acompanha um ex-militar, Art (Jamie Foxx) e um policial, Frank (Joseph Gordon-Levitt) que tentam descobrir quem está por trás do tráfico de uma nova droga que dá para seus usuários superpoderes aleatórios e com isso, claro, gerando uma série de problemas na cidade de New Orleans. Confira o trailer:
Embora não seja uma história muito original (basta lembrarmos do que assistimos em "The Boys"), "Power" tem alguns elementos bastante interessantes para um gênero de ação com grife - seu conceito visual e a montagem mais clipada, não são novidades, mas trazem uma certa elegância e uma dinâmica bacana para o filme, porém o roteiro não acompanha essa qualidade. Me deu a impressão de que quiseram criar algo tão complexo, que faltou tempo de tela para desenvolver todos os personagens - o fato de não sabermos exatamente quem é o vilão, é um ótimo exemplo dessa incoerência.
Mattson Tomlin é um roteirista romeno que caiu nas graças de Hollywood depois de escrever e dirigir alguns curtas-metragens. O interessante, porém, é que mesmo sem uma carreira premiada, Tomlin está envolvido com projetos grandes (e caros) como o do novo Batman, por exemplo. Só que seu trabalho em "Power" me deixou com a pulga atrás da orelha. Seu roteiro é irregular, com falhas técnicas, de certa forma, primárias para quem deveria dominar a gramática da ação - como já citamos, a falta de definição do vilão é o que mais me incomodou: em um primeiro momento achamos que seria o Rodrigo Santoro (e o seu estereotipado Biggie), logo depois achamos que o vilão mesmo é o fortão Wallace (Tait Fletcher), quando na verdade quem realmente manda em tudo é a Gardner (Amy Landecker). Outra coisa, o escolher para qual "mocinho" torcer também é um pouco confuso: seria para o Art, para o Frank ou para a adolescente Robin (Dominique Fishback)? Na verdade até não seria um grande problema ter três protagonistas, desde que ficasse estabelecido a importância de cada um dentro do contexto e com suas motivações bem desenvolvidas - não é o caso! O fato de não se aprofundar em nenhum dos temas que aborda, inclusive com algumas criticas sociais bem pontuadas, e nem explicar muito bem todas as motivações dos personagens-chave faz com que até os diálogos cheios de clichês pareçam gratuitos demais. E aqui cabe uma pequena observação: existe uma cultura de que filme de ação não precisa ter um bom roteiro para valer a pena, eu discordo, mas respeito - mas o que não pode, na minha opinião, é abrir mão de uma certa identificação com o protagonista para que venhamos a torcer por ele durante toda a jornada e no caso de "Power" isso acontece - sem falar que não existe grandes dificuldades para vencer os inimigos, nos privando daquela "tensão" pré combate!
A jovem Dominique Fishback talvez seja o destaque do elenco. Santoro tem potencial para mais, mas seu texto e tempo de tela não ajudaram. Jamie Foxx e Joseph Gordon-Levitt fazem o arroz com feijão bem feito e saem no 0 x 0. Amy Landecker e Tait Fletcher quase não aparecem, então não prejudicam. Alguns pontos que merecem destaque mostram a qualidade dos diretores: mesmo com uma edição bastante picotada (e aqui é impossível saber o quanto os produtores influenciaram no trabalho do montador Jeff McEvoy), o filme é bastante inventivo em algumas cenas de ação onde a câmera não está no lugar mais óbvio - isso pode causar uma certa confusão em algum momento, mas nos coloca dentro da cena: a sequência inicial do "Tocha Humana" e a cena no cassino clandestino com a "Mulher de Gelo" foram muito bem executadas. Reparem!
Antes de finalizar uma curiosidade que provavelmente vai passar despercebido para muitos, mas vale a referência: a camisa que Joseph Gordon-Levitt usa durante todo o filme é do time de futebol americano da cidade de New Orleans, o Saints. O nome estampado atrás é de um jogador chamado Steve Gleason - ele é considerado um verdadeiro herói por bloquear um punt do Falcons (de Atlanta) que acabou culminando no primeiro touchdownda equipe no seu retorno ao Estádio, que foi símbolo de uma cidade destruída pelo furacão Katrina. Essa jogada foi eternizada por uma estátua na frente do Superdome, mas a história não acaba por aí: em 2011, já aposentado e ainda muito jovem, Gleason foi diagnosticado com esclerose lateral amiotrófica (ELA) poucos dias antes de receber a noticia de que seria pai pela primeira vez! Com medo de não ter saúde para conhecer e se relacionar com o filho, Gleason resolve filmar sua rotina para fazer uma espécie de diário para seu filho e toda essa jornada acabou virando um emocionante documentário que leva o seu nome!
Dito isso e voltando ao motivo desse review, posso dizer que os amantes do gênero de ação vão se divertir com "Power", mas é inegável que, se melhor desenvolvida, a história entregaria muito mais que um filme sobre drogas e heróis sem uniforme. Toda aquela ambição pelo poder pincelada em algumas cenas poderiam transformar o filme em uma ótima alegoria sobre o egoísmo e corrupção social, existentes na cultura da violência, tão em alta ultimamente.
"Prescrição Fatal" é uma minissérie documental da Netflix muito curiosa, pois ela mistura dois estilos de documentários bastante peculiares: no primeiro momento, achamos que estamos assistindo mais um "Making a Murderer", onde o foco é a investigação de um crime misterioso, porém as coisas são resolvidas tão rapidamente que logo desconfiamos se existirá conteúdo relevante para segurar mais 3 episódios até o seu final! Não é por acaso, pois esse segundo momento traz muito do "estilo Michael Moore", usando esse prólogo "true crime" só como motivação para o que vem a seguir - e aí a forma se encontra com o conteúdo e o narrador se coloca em primeira pessoa, não mais para desvendar, mas sim para expor!
"Pharmacist" (O Farmacêutico) é o nome original da série e, nesse caso, a tradução jogou contra nossa experiência, pois ela entrega o que vem pela frente e, conceitualmente, tira de quem move a história o seu protagonismo! Dan Schneider é um senhor de Nova Orleans que perdeu seu filho assassinado quando, supostamente, ele iria comprar drogas. Ainda em um período de intensa dor e luto, ele começa a perceber que muitos outros jovens estão morrendo de overdose na sua cidade, porém a droga responsável por tantas mortes sai do local onde ele trabalha: uma farmácia! É aí que que os paralelos vão sendo construídos e a série vai ganhando força, afinal Schneider não se conforma em ser uma peça fundamental nessa cadeia - da mesma forma que um traficante foi na morte do seu filho! Olha, vale muito a pena, mas é preciso dizer que, mais uma vez, ter acesso a essa realidade tão dura (e completamente institucionalizada) não é tão fácil de digerir! Assista o trailer (em inglês) porque vale a pena:
Encontrar o assassino do seu filho e entender o motivo da sua morte, é assim que Dan Schneider nos é apresentado. O primeiro episódio é, de fato, uma grande sequência investigativa com um plot twist sensacional, mas não é esse o gênero da minissérie - que fique bem claro! A direção de Jenner Furst e Julia Willoughby Nason usa desse primeiro ato como um convite para conhecer o protagonista em um momento de muita dor e entender como um drama pessoal é capaz de mover (e motivar) suas ações para que os acontecimentos que vão se seguir sejam devidamente justificados - embora não necessariamente vinculados! É até engraçado como o roteiro se preocupa em tentar transformar um fato isolado em um propósito de vida - eu diria até que funciona, mas não me pareceu tão natural como a minissérie nos vende! O fato é que, conhecendo o modo de enxergar seus desafios, temos um perfil bastante sólido de Dan Schneider - ele é o herói da série! Mas e o vilão? É quando entra em cena Jacqueline Cleggett, uma média que só atende depois que o sol se põe e que tem como pacientes jovens viciados em uma droga chamada OxyContin. O OxyContin é um opioide analgésico extremamente potente que, mal prescrito, pode causar o vício - afinal sua composição é basicamente igual ao da heroína (palavras de uma especialista). Não é preciso dizer que Cleggett não se preocupava com a saúde dos pacientes, certo?
A luta de Dan Schneider é muito bem retratada durante os quatro episódios, existem ganchos muito fortes entre um episódio e outro que nos prendem à história e sabendo que a série não é sobre o crime que matou o filho de Schneider e sim sobre sua luta para provar que Cleggett e o OxyContin são os reais motivos de tantas mortes de jovens na sua região (a maior dos EUA), o entretenimento está garantido. Existem elementos completamente dispensáveis durante a narrativa como a passagem do Katrina e a destruição total da região ou a citação da indústria do tabaco ou até uma suposta perseguição de carro que Schneider sofreu, porém não se pode negar que o roteiro aproveita dessas passagens importantes para criar vínculos de tensão e empatia com sua narrativa principal, fazendo com que tudo ganhe um sentido e deixando a história bastante dinâmica!
Eu gostei muito de "Prescrição Fatal" e indico tranquilamente!
"Prescrição Fatal" é uma minissérie documental da Netflix muito curiosa, pois ela mistura dois estilos de documentários bastante peculiares: no primeiro momento, achamos que estamos assistindo mais um "Making a Murderer", onde o foco é a investigação de um crime misterioso, porém as coisas são resolvidas tão rapidamente que logo desconfiamos se existirá conteúdo relevante para segurar mais 3 episódios até o seu final! Não é por acaso, pois esse segundo momento traz muito do "estilo Michael Moore", usando esse prólogo "true crime" só como motivação para o que vem a seguir - e aí a forma se encontra com o conteúdo e o narrador se coloca em primeira pessoa, não mais para desvendar, mas sim para expor!
"Pharmacist" (O Farmacêutico) é o nome original da série e, nesse caso, a tradução jogou contra nossa experiência, pois ela entrega o que vem pela frente e, conceitualmente, tira de quem move a história o seu protagonismo! Dan Schneider é um senhor de Nova Orleans que perdeu seu filho assassinado quando, supostamente, ele iria comprar drogas. Ainda em um período de intensa dor e luto, ele começa a perceber que muitos outros jovens estão morrendo de overdose na sua cidade, porém a droga responsável por tantas mortes sai do local onde ele trabalha: uma farmácia! É aí que que os paralelos vão sendo construídos e a série vai ganhando força, afinal Schneider não se conforma em ser uma peça fundamental nessa cadeia - da mesma forma que um traficante foi na morte do seu filho! Olha, vale muito a pena, mas é preciso dizer que, mais uma vez, ter acesso a essa realidade tão dura (e completamente institucionalizada) não é tão fácil de digerir! Assista o trailer (em inglês) porque vale a pena:
Encontrar o assassino do seu filho e entender o motivo da sua morte, é assim que Dan Schneider nos é apresentado. O primeiro episódio é, de fato, uma grande sequência investigativa com um plot twist sensacional, mas não é esse o gênero da minissérie - que fique bem claro! A direção de Jenner Furst e Julia Willoughby Nason usa desse primeiro ato como um convite para conhecer o protagonista em um momento de muita dor e entender como um drama pessoal é capaz de mover (e motivar) suas ações para que os acontecimentos que vão se seguir sejam devidamente justificados - embora não necessariamente vinculados! É até engraçado como o roteiro se preocupa em tentar transformar um fato isolado em um propósito de vida - eu diria até que funciona, mas não me pareceu tão natural como a minissérie nos vende! O fato é que, conhecendo o modo de enxergar seus desafios, temos um perfil bastante sólido de Dan Schneider - ele é o herói da série! Mas e o vilão? É quando entra em cena Jacqueline Cleggett, uma média que só atende depois que o sol se põe e que tem como pacientes jovens viciados em uma droga chamada OxyContin. O OxyContin é um opioide analgésico extremamente potente que, mal prescrito, pode causar o vício - afinal sua composição é basicamente igual ao da heroína (palavras de uma especialista). Não é preciso dizer que Cleggett não se preocupava com a saúde dos pacientes, certo?
A luta de Dan Schneider é muito bem retratada durante os quatro episódios, existem ganchos muito fortes entre um episódio e outro que nos prendem à história e sabendo que a série não é sobre o crime que matou o filho de Schneider e sim sobre sua luta para provar que Cleggett e o OxyContin são os reais motivos de tantas mortes de jovens na sua região (a maior dos EUA), o entretenimento está garantido. Existem elementos completamente dispensáveis durante a narrativa como a passagem do Katrina e a destruição total da região ou a citação da indústria do tabaco ou até uma suposta perseguição de carro que Schneider sofreu, porém não se pode negar que o roteiro aproveita dessas passagens importantes para criar vínculos de tensão e empatia com sua narrativa principal, fazendo com que tudo ganhe um sentido e deixando a história bastante dinâmica!
Eu gostei muito de "Prescrição Fatal" e indico tranquilamente!
"Print the Legend" é para você que é empreendedor ou para quem está prestes a tirar sua ideia do papel! Esse documentário produzido pela Netflix não romantiza a difícil jornada do empreendedor e tem o mérito de ampliar a nossa percepção sobre o universo de uma startup em um momento crucial para o seu sucesso (ou fracasso): o momento de crescer. Se eu pudesse definir "Print the Legend", eu diria que é um documentário sobre "as dores do crescimento" de uma startup, de seus fundadores e de como essas mudanças refletem nos relacionamentos e na cultura da empresa!
A partir da história de duas promissoras startups: a MarketBot e a FormLabs, entendemos como as impressoras 3D tem mudado a vida de muita gente, seja na impressão de armas de fogo, bijuterias ou até de órgãos humanos, e também como essa tecnologia pode prejudicar muitas indústrias, já que permite a fabricação de inúmeros itens com um custo baixo e de forma caseira. Entre os que produzem essa impressora, há empresas pequenas e grandes, e o documentário mostra muitos dos desafios envolvidos durante a corrida para disponibilizar o device para o público em geral. Confira o trailer (em inglês):
Muito bem escrito por Steven Klein (de "Out of Omaha") e pelo diretores Luis Lopez e Clay Tweel (de "Make Believe"), "Print the Legend" é mais um estudo de caso, quase um MBA de empreendedorismo que está escondido no catálogo de um serviço de streaming. O roteiro é muito feliz em retratar a rotina de pessoas que sonham em tornar a impressão 3D algo acessível para toda a sociedade. Com uma linha do tempo muito bem construída, a história mostra a evolução do mercado, desde as máquinas da 3DSystems e da Stratasys até o conceito open-source da MarketBot e low-costda FormLabs.
Embora o documentário tenha o mercado de impressão 3D como foco, os ensinamentos baseado nas experiências da MarketBot e da FormLabs, e de seu fundadores, são facilmente adaptáveis à realidade de qualquer empreendedor - todas as dificuldades que a startup enfrenta no seu processo de growth são discutidos por quem viveu essa dor. Da adaptação na forma de liderar uma equipe que já não está mais na garagem de casa à pressão de conseguir milhões em investimentos, ou até quando a startup começa incomodar uma gigante do setor e um processo de M&A passa a ser uma realidade tão presente quando um de quebra de patente.
Um ponto interessante que vale a pena reparar é como o co-founder da MarketBot, Bre Pattis, vai mudando com o passar do tempo - como sua postura vai influenciando na cultura da empresa, de acessível e aberta, para outra cada vez mais fechada e burocrática, ao ponto de tomar decisões polêmicas que vão contra os seus valores e propósito, ao comentário que a empresa passou a ser odiada pelos seus próprios funcionários.
Mesmo que o documentário dê holofote para um idiota como Cody Wilson, o cara que usou uma impressora 3D para criar armas de fogo e disponibilizou o projeto para qualquer um imprimir a sua, eu diria que "Print the Legend" é uma agradável surpresa. Além de um overview muito interessante sobre inovação e disrupção de mercado, os pontos levantados sobre o universo empreendedor são incríveis e provocam ótimas reflexões, principalmente aquela onde é preciso virar a chave e entender que o "sonho" agora é um "negócio" e que decisões difíceis e impopulares precisam ser tomadas.
Vale muito o seu play!
"Print the Legend" é para você que é empreendedor ou para quem está prestes a tirar sua ideia do papel! Esse documentário produzido pela Netflix não romantiza a difícil jornada do empreendedor e tem o mérito de ampliar a nossa percepção sobre o universo de uma startup em um momento crucial para o seu sucesso (ou fracasso): o momento de crescer. Se eu pudesse definir "Print the Legend", eu diria que é um documentário sobre "as dores do crescimento" de uma startup, de seus fundadores e de como essas mudanças refletem nos relacionamentos e na cultura da empresa!
A partir da história de duas promissoras startups: a MarketBot e a FormLabs, entendemos como as impressoras 3D tem mudado a vida de muita gente, seja na impressão de armas de fogo, bijuterias ou até de órgãos humanos, e também como essa tecnologia pode prejudicar muitas indústrias, já que permite a fabricação de inúmeros itens com um custo baixo e de forma caseira. Entre os que produzem essa impressora, há empresas pequenas e grandes, e o documentário mostra muitos dos desafios envolvidos durante a corrida para disponibilizar o device para o público em geral. Confira o trailer (em inglês):
Muito bem escrito por Steven Klein (de "Out of Omaha") e pelo diretores Luis Lopez e Clay Tweel (de "Make Believe"), "Print the Legend" é mais um estudo de caso, quase um MBA de empreendedorismo que está escondido no catálogo de um serviço de streaming. O roteiro é muito feliz em retratar a rotina de pessoas que sonham em tornar a impressão 3D algo acessível para toda a sociedade. Com uma linha do tempo muito bem construída, a história mostra a evolução do mercado, desde as máquinas da 3DSystems e da Stratasys até o conceito open-source da MarketBot e low-costda FormLabs.
Embora o documentário tenha o mercado de impressão 3D como foco, os ensinamentos baseado nas experiências da MarketBot e da FormLabs, e de seu fundadores, são facilmente adaptáveis à realidade de qualquer empreendedor - todas as dificuldades que a startup enfrenta no seu processo de growth são discutidos por quem viveu essa dor. Da adaptação na forma de liderar uma equipe que já não está mais na garagem de casa à pressão de conseguir milhões em investimentos, ou até quando a startup começa incomodar uma gigante do setor e um processo de M&A passa a ser uma realidade tão presente quando um de quebra de patente.
Um ponto interessante que vale a pena reparar é como o co-founder da MarketBot, Bre Pattis, vai mudando com o passar do tempo - como sua postura vai influenciando na cultura da empresa, de acessível e aberta, para outra cada vez mais fechada e burocrática, ao ponto de tomar decisões polêmicas que vão contra os seus valores e propósito, ao comentário que a empresa passou a ser odiada pelos seus próprios funcionários.
Mesmo que o documentário dê holofote para um idiota como Cody Wilson, o cara que usou uma impressora 3D para criar armas de fogo e disponibilizou o projeto para qualquer um imprimir a sua, eu diria que "Print the Legend" é uma agradável surpresa. Além de um overview muito interessante sobre inovação e disrupção de mercado, os pontos levantados sobre o universo empreendedor são incríveis e provocam ótimas reflexões, principalmente aquela onde é preciso virar a chave e entender que o "sonho" agora é um "negócio" e que decisões difíceis e impopulares precisam ser tomadas.
Vale muito o seu play!
O que as eleições da Argentina em 2015, Trindade e Tobago em 2009, Índia em 2010, Malásia em 2013, Itália em 2012, Quênia em 2013 e Colômbia 2011 tem em comum? Por mais surpreendente que possa parecer a resposta, o seu complemento é ainda mais assustador: "análise de dados"... "roubados". A responsável por isso interferiu em dois recentes momentos históricos da politica mundial: a improvável eleição de Trump e o plebicito do Brexit.
"Privacidade Hackeada", documentário original da Netflix, mostra como esses dados roubados ajudaram na manipulação de eleitores indecisos nesses dois eventos políticos e quais foram as consequências no processo de fragilização da democracia. Tendo como vilões dois personagens-chave: o Facebook e a Cambridge Analytica, o documentário analisa cada um dos movimentos estratégicos que renderam milhões de dólares para a empresa inglesa e uma grande dor de cabeça para o Mark Zuckerberg. É preciso dizer que o volume de informações prejudica a experiência de quem assiste e não conhece do assunto - por isso sugiro que, antes do documentário, você assista o filme da HBO "Brexit", pois nele fica mais fácil perceber como esses dados roubados foram, na prática, fundamentais na estratégia de campanha do "Leave.EU". O documentário vale muito a pena, mas claramente tem o objetivo de demonizar a tecnologia e o tamanho da nossa exposição que ela gera quando clicamos no quadradinho "aceito" de vários aplicativos e sites!
Através de um simples questionário de personalidade, a Cambridge Analytica se aproveitou de uma permissão especial do Facebook que dava acesso ao app para coletar não apenas os dados das pessoas que participavam do quiz, mas também os dados de todos os amigos dela - se você nunca respondeu um quiz, mas algum amigo já fez, seus dados também foram roubados sem você saber! Com essa enorme base de dados, a empresa inglesa, através do seu criador e CEO, Alexander Nix, negociava informações e estratégias de campanha com políticos em troca de enormes quantias de dinheiro. Imagina que cada perfil se baseava em 5 mil pontos de análise! Tudo começa a desmoronar quando dois ex-funcionários da Cambridge Analytica vão à público para desmascarar as estratégias de manipulação que eram criadas com essa quantidade absurda de dados. Christopher Wylie e Brittany Kaiser foram fundamentais na investigação feita pela jornalista do The Guardian, e finalista do Pulitzer,Carole Cadwalladr. Cadwalladr, ao lado do professor David Carroll, costuram todas essas informações com ajuda de muitas inserções gráficas e reportagens da época. Com isso, a narrativa fica mais dinâmica, fluida, mas ainda difícil de entender as pequenas nuances apresentadas por eles. Na minha visão, um dos fatores que colaboram com essa confusão é a ambiguidade de Brittany Kaiser - alta executiva da Cambridge Analytica, Kaiser parece viver em uma eterna colônia de férias e mesmo ajudando (e muito) nas investigações, sua postura acaba criando um certo distanciamento do seu propósito perante as autoridades e até perante os jornalistas - e o documentário faz uma força enorme para não acharmos que ela tem alguma culpa em toda história!
"Privacidade Hackeada" é aquele típico documentário que definimos como "mal necessário", pelo seu conteúdo, pela exposição de um assunto tão sério e pela força dos personagens envolvidos; mas peca ao definir quem são os bandidos e que são os mocinhos logo de cara, impedindo assim que a audiência reflita sobre os fatos e tirem suas próprias conclusões. A verdade é que somos levados à acreditar que tudo está perdido, sem ao menos ouvir o outro lado. Quando aos diretores Karim Amer e Jehane Noujaim (indicados ao Oscar de 2013 por "The Square") mostram Carole Cadwalladr citando, em sua apresentação no TED (sim, isso ainda é uma validação de "personalidade"), nomes como Sheryl Sandberg, Larry Page e Sergey Brin (entre outros) quase que intimando cada um deles a mostrar o rosto e discutir sobre o assunto, e depois não publica nenhuma resposta ou ponto de vista deles (o que certamente deve existir em uma fonte confiável), dá-se a impressão que todos são farinha do mesmo saco do Alexander Nix - e isso é muito ruim para uma obra que deveria ser imparcial. Enfim, o documentário é muito bom, super bem produzido, bem amarrado, mas derrapa nesses detalhes. Vale o play e vale a reflexão!
O que as eleições da Argentina em 2015, Trindade e Tobago em 2009, Índia em 2010, Malásia em 2013, Itália em 2012, Quênia em 2013 e Colômbia 2011 tem em comum? Por mais surpreendente que possa parecer a resposta, o seu complemento é ainda mais assustador: "análise de dados"... "roubados". A responsável por isso interferiu em dois recentes momentos históricos da politica mundial: a improvável eleição de Trump e o plebicito do Brexit.
"Privacidade Hackeada", documentário original da Netflix, mostra como esses dados roubados ajudaram na manipulação de eleitores indecisos nesses dois eventos políticos e quais foram as consequências no processo de fragilização da democracia. Tendo como vilões dois personagens-chave: o Facebook e a Cambridge Analytica, o documentário analisa cada um dos movimentos estratégicos que renderam milhões de dólares para a empresa inglesa e uma grande dor de cabeça para o Mark Zuckerberg. É preciso dizer que o volume de informações prejudica a experiência de quem assiste e não conhece do assunto - por isso sugiro que, antes do documentário, você assista o filme da HBO "Brexit", pois nele fica mais fácil perceber como esses dados roubados foram, na prática, fundamentais na estratégia de campanha do "Leave.EU". O documentário vale muito a pena, mas claramente tem o objetivo de demonizar a tecnologia e o tamanho da nossa exposição que ela gera quando clicamos no quadradinho "aceito" de vários aplicativos e sites!
Através de um simples questionário de personalidade, a Cambridge Analytica se aproveitou de uma permissão especial do Facebook que dava acesso ao app para coletar não apenas os dados das pessoas que participavam do quiz, mas também os dados de todos os amigos dela - se você nunca respondeu um quiz, mas algum amigo já fez, seus dados também foram roubados sem você saber! Com essa enorme base de dados, a empresa inglesa, através do seu criador e CEO, Alexander Nix, negociava informações e estratégias de campanha com políticos em troca de enormes quantias de dinheiro. Imagina que cada perfil se baseava em 5 mil pontos de análise! Tudo começa a desmoronar quando dois ex-funcionários da Cambridge Analytica vão à público para desmascarar as estratégias de manipulação que eram criadas com essa quantidade absurda de dados. Christopher Wylie e Brittany Kaiser foram fundamentais na investigação feita pela jornalista do The Guardian, e finalista do Pulitzer,Carole Cadwalladr. Cadwalladr, ao lado do professor David Carroll, costuram todas essas informações com ajuda de muitas inserções gráficas e reportagens da época. Com isso, a narrativa fica mais dinâmica, fluida, mas ainda difícil de entender as pequenas nuances apresentadas por eles. Na minha visão, um dos fatores que colaboram com essa confusão é a ambiguidade de Brittany Kaiser - alta executiva da Cambridge Analytica, Kaiser parece viver em uma eterna colônia de férias e mesmo ajudando (e muito) nas investigações, sua postura acaba criando um certo distanciamento do seu propósito perante as autoridades e até perante os jornalistas - e o documentário faz uma força enorme para não acharmos que ela tem alguma culpa em toda história!
"Privacidade Hackeada" é aquele típico documentário que definimos como "mal necessário", pelo seu conteúdo, pela exposição de um assunto tão sério e pela força dos personagens envolvidos; mas peca ao definir quem são os bandidos e que são os mocinhos logo de cara, impedindo assim que a audiência reflita sobre os fatos e tirem suas próprias conclusões. A verdade é que somos levados à acreditar que tudo está perdido, sem ao menos ouvir o outro lado. Quando aos diretores Karim Amer e Jehane Noujaim (indicados ao Oscar de 2013 por "The Square") mostram Carole Cadwalladr citando, em sua apresentação no TED (sim, isso ainda é uma validação de "personalidade"), nomes como Sheryl Sandberg, Larry Page e Sergey Brin (entre outros) quase que intimando cada um deles a mostrar o rosto e discutir sobre o assunto, e depois não publica nenhuma resposta ou ponto de vista deles (o que certamente deve existir em uma fonte confiável), dá-se a impressão que todos são farinha do mesmo saco do Alexander Nix - e isso é muito ruim para uma obra que deveria ser imparcial. Enfim, o documentário é muito bom, super bem produzido, bem amarrado, mas derrapa nesses detalhes. Vale o play e vale a reflexão!
Se você gostou de "O.J.: Made in America" e da primeira temporada de “American Crime Story”, pode ter certeza que você estará no lugar certo após clicar em "assista agora"! A Netflix retorna ao universo dos crimes reais com um surpreendente "Procurados - EUA: O.J. Simpson", uma segunda temporada da minissérie documental antológica que dessa vez revisita o caso de duplo homicídio de Nicole Brown Simpson e Ron Goldman, além do subsequente julgamento de O.J. Simpson - um dos eventos mais midiáticos da história dos Estados Unidos. Dirigida por Floyd Russ (também responsável pelo "Procurados - EUA: O Atentado à Maratona de Boston"), a produção busca reexaminar o caso a partir de novas entrevistas e importantes reflexões, lançando um olhar atualizado sobre um crime que, mesmo após 30 anos, continua despertando debates sobre justiça, racismo, violência doméstica e o impacto da mídia na percepção pública. Aqui, a série investiga as camadas do "Julgamento do Século", mas se diferencia ao focar em como a narrativa do caso foi construída e manipulada ao longo das décadas, apontando, inclusive, as falhas em todas as etapas da investigação - e olha, é de embrulhar o estômago!
Dividida em quatro episódios, "Procurados - EUA: O.J. Simpson" se destaca pelo acesso a entrevistas inéditas com figuras centrais do caso. Advogados de acusação e defesa, como Carl E. Douglas e Christopher Darden, relembram a intensidade do tribunal, enquanto os primeiros policiais que chegaram na cena do crime, Tom Lange e Mark Fuhrman, oferecem novas perspectivas sobre a investigação inicial. A irmã de Ron Goldman, Kim, traz um depoimento emocionalmente impactante - um dos momentos mais doloridos da produção, segundo o próprio diretor. Outros entrevistados incluem testemunhas que nunca foram ouvidas no tribunal, o ex-agente de Simpson, Mike Gilbert, além de uma jurada do julgamento, oferecendo um olhar mais profundo sobre as forças que moldaram a decisão final. Confira o trailer (em inglês):
O documentário não apenas revisita os fatos, mas os contextualiza dentro do cenário atual, conectando o caso de O.J. Simpson a movimentos como MeToo e Black Lives Matter - o que de fato nos proporciona uma outra visão sobre alguns detalhes absurdos de toda história, do crime ao veredito. . Russ reforça que, para além da culpa ou inocência do ex-jogador, a história continua relevante porque aborda temas que ainda dominam o discurso público: a relação entre raça e justiça, o poder da mídia na construção de narrativas sensacionalistas e a negligência histórica com vítimas de violência doméstica. O impacto psicológico nos envolvidos também ganha espaço aqui, revelando que quase todos os entrevistados falam sobre "arrependimento". A passagem mais comovente, de fato, é a entrevista com Kim Goldman, que revive, diante das câmeras, sua dor de perder o irmão naquelas condições. O relato é tão intenso que o diretor chegou a comentar em entrevista que os membros da equipe de filmagem não conseguiram conter as lágrimas - um reflexo do quão profundo é o caso para aqueles que viveram de perto.
Narrativamente, a série equilibra imagens de arquivos, algumas bem pesadas (é preciso ressaltar), reconstruções visuais e gráficas bastante explicativas, além dos depoimentos. A montagem merece destaque - adotando um ritmo intenso e com seus cortes rápidos, a narrativa mistura a tensão investigativa com um estudo mais amplo do fenômeno midiático criado ao redor do julgamento. "Procurados - EUA: O.J. Simpson" exige muita atenção, ao ponto de tirar o fôlego. A perseguição policial de O.J. Simpson a bordo da famosa Ford Bronco branca , por exemplo, recebe um foco especial, destacando como aquele momento se tornou um espetáculo de proporções nacionais, consolidando o julgamento como um dos primeiros grandes reality shows jurídicos da era moderna.
Com bastante inteligência, mas com o propósito claro de dar sua opinião, o documentário também destaca a figura enigmática de O.J. Simpson - um homem atormentado que continuou a manipular sua imagem pública até sua morte, ocorrida enquanto a série estava em fase de finalização. Outro ponto que precisa ser destacado é a decisão de não incluir a promotora Marcia Clark entre os entrevistados - é a presença de seu co-promotor Christopher Darden que ajuda a preencher essa lacuna. Clark, segundo Russ, recusou-se a participar, alegando já ter dito tudo o que precisava sobre o caso. Agora, se há uma crítica a ser feita sobre a obra, é o fato dela pode não trazer novas grandes revelações, no entanto sua abordagem cuidadosa e sua reflexão sobre os desdobramentos culturais do caso justificam seu lugar entre os melhores documentários recentes da Netflix. Mais do que um simples relato do passado, a série funciona como um espelho das tensões raciais, sociais e midiáticas que ainda moldam a sociedade americana e mundial.
"American Manhunt: O.J. Simpson" não bate "O.J.: Made in America", mas mesmo assim vale demais o seu play!
Se você gostou de "O.J.: Made in America" e da primeira temporada de “American Crime Story”, pode ter certeza que você estará no lugar certo após clicar em "assista agora"! A Netflix retorna ao universo dos crimes reais com um surpreendente "Procurados - EUA: O.J. Simpson", uma segunda temporada da minissérie documental antológica que dessa vez revisita o caso de duplo homicídio de Nicole Brown Simpson e Ron Goldman, além do subsequente julgamento de O.J. Simpson - um dos eventos mais midiáticos da história dos Estados Unidos. Dirigida por Floyd Russ (também responsável pelo "Procurados - EUA: O Atentado à Maratona de Boston"), a produção busca reexaminar o caso a partir de novas entrevistas e importantes reflexões, lançando um olhar atualizado sobre um crime que, mesmo após 30 anos, continua despertando debates sobre justiça, racismo, violência doméstica e o impacto da mídia na percepção pública. Aqui, a série investiga as camadas do "Julgamento do Século", mas se diferencia ao focar em como a narrativa do caso foi construída e manipulada ao longo das décadas, apontando, inclusive, as falhas em todas as etapas da investigação - e olha, é de embrulhar o estômago!
Dividida em quatro episódios, "Procurados - EUA: O.J. Simpson" se destaca pelo acesso a entrevistas inéditas com figuras centrais do caso. Advogados de acusação e defesa, como Carl E. Douglas e Christopher Darden, relembram a intensidade do tribunal, enquanto os primeiros policiais que chegaram na cena do crime, Tom Lange e Mark Fuhrman, oferecem novas perspectivas sobre a investigação inicial. A irmã de Ron Goldman, Kim, traz um depoimento emocionalmente impactante - um dos momentos mais doloridos da produção, segundo o próprio diretor. Outros entrevistados incluem testemunhas que nunca foram ouvidas no tribunal, o ex-agente de Simpson, Mike Gilbert, além de uma jurada do julgamento, oferecendo um olhar mais profundo sobre as forças que moldaram a decisão final. Confira o trailer (em inglês):
O documentário não apenas revisita os fatos, mas os contextualiza dentro do cenário atual, conectando o caso de O.J. Simpson a movimentos como MeToo e Black Lives Matter - o que de fato nos proporciona uma outra visão sobre alguns detalhes absurdos de toda história, do crime ao veredito. . Russ reforça que, para além da culpa ou inocência do ex-jogador, a história continua relevante porque aborda temas que ainda dominam o discurso público: a relação entre raça e justiça, o poder da mídia na construção de narrativas sensacionalistas e a negligência histórica com vítimas de violência doméstica. O impacto psicológico nos envolvidos também ganha espaço aqui, revelando que quase todos os entrevistados falam sobre "arrependimento". A passagem mais comovente, de fato, é a entrevista com Kim Goldman, que revive, diante das câmeras, sua dor de perder o irmão naquelas condições. O relato é tão intenso que o diretor chegou a comentar em entrevista que os membros da equipe de filmagem não conseguiram conter as lágrimas - um reflexo do quão profundo é o caso para aqueles que viveram de perto.
Narrativamente, a série equilibra imagens de arquivos, algumas bem pesadas (é preciso ressaltar), reconstruções visuais e gráficas bastante explicativas, além dos depoimentos. A montagem merece destaque - adotando um ritmo intenso e com seus cortes rápidos, a narrativa mistura a tensão investigativa com um estudo mais amplo do fenômeno midiático criado ao redor do julgamento. "Procurados - EUA: O.J. Simpson" exige muita atenção, ao ponto de tirar o fôlego. A perseguição policial de O.J. Simpson a bordo da famosa Ford Bronco branca , por exemplo, recebe um foco especial, destacando como aquele momento se tornou um espetáculo de proporções nacionais, consolidando o julgamento como um dos primeiros grandes reality shows jurídicos da era moderna.
Com bastante inteligência, mas com o propósito claro de dar sua opinião, o documentário também destaca a figura enigmática de O.J. Simpson - um homem atormentado que continuou a manipular sua imagem pública até sua morte, ocorrida enquanto a série estava em fase de finalização. Outro ponto que precisa ser destacado é a decisão de não incluir a promotora Marcia Clark entre os entrevistados - é a presença de seu co-promotor Christopher Darden que ajuda a preencher essa lacuna. Clark, segundo Russ, recusou-se a participar, alegando já ter dito tudo o que precisava sobre o caso. Agora, se há uma crítica a ser feita sobre a obra, é o fato dela pode não trazer novas grandes revelações, no entanto sua abordagem cuidadosa e sua reflexão sobre os desdobramentos culturais do caso justificam seu lugar entre os melhores documentários recentes da Netflix. Mais do que um simples relato do passado, a série funciona como um espelho das tensões raciais, sociais e midiáticas que ainda moldam a sociedade americana e mundial.
"American Manhunt: O.J. Simpson" não bate "O.J.: Made in America", mas mesmo assim vale demais o seu play!
"Professor Polvo" é um filme sobre conexão, sobre a maravilhosa relação com o desconhecido e o entendimento que cada ser vivo desse planeta tem um lugar importante dentro da natureza - sim, pode parecer papo de professor de biologia, mas pare e reflita: o que de tão espectacular pode existir em um documentário sobre um homem que mergulha todo dia para se encontrar com um polvo? Pode ter certeza que essa resposta está no seu "play" - existe verdade, sensações, sentimentos e, claro, a chancela de saber que esse mesmo documentário é um dos favoritos para levar o Oscar 2021 da categoria! Mas o filme é, de fato, incrível!
“Professor Polvo” é dirigido e roteirizado por Pippa Ehrlich (em seu primeiro documentário) e por James Reed (de “Jago: Uma Vida no Mar“) e conta a jornada de Craig Foster, cineasta, amante dos oceanos e conservacionista marinho. Enquanto passava por um período de dificuldades profissionais e de depressão pessoal, Foster começou a mergulhar na costa da Cidade do Cabo, na África do Sul, em busca de isolamento e paz, foi a partir daí que ele passou acompanhar e se relacionar, por quase um ano, com um polvo. Acompanhamos essa história pelo seu próprio ponto de vista e pelas imagens que ele mesmo gravou na época. Do contato inusitado com o molusco ao longo do tempo às reflexões que essa experiência acabou provocando em Foster, percebemos com muita sensibilidade as mudanças na sua vida e como essa conexão transformou a maneira como ele encarava seus problemas. Confira o trailer:
Pelo trailer já fica fácil perceber que o primeiro elemento que salta aos olhos é a qualidade cinematográfica das imagens feitas, tanto por Craig Foster quanto por Ehrlich e Reed - principalmente as subaquáticas. São planos bem trabalhados, uma combinação de cores e texturas que impressionam pela beleza. A fotografia como um todo é de cair o queixo, reparem.
Outro ponto, claro, é o roteiro - ele amarra perfeitamente a história com motivações coerentes com a proposta e consegue criar uma conexão emocional próxima daquela que o protagonista experienciou - é impressionante como passamos a torcer e a nos angustiar com um "polvo" no fundo do mar! Embora a montagem sugira uma certa manipulação emocional, com uma linda trilha sonora de Kevin Smuts, em momento algum nos sentimos enganados por isso - o que vemos e sentimos, está de acordo com o propósito do filme e de quanto isso era importante para Foster.
Eu não sou uma pessoa tão ligado a natureza a ponto de achar “Professor Polvo” um documentário inesquecível, porém não posso deixar de ressaltar o quanto essa história me tocou! Pode acreditar, é um trabalho de uma delicadeza enorme. A força de vontade de Craig em acompanhar o polvo e de nos contar cada detalhe dessa jornada, faz parecer mentira como essa constância foi capaz de construir uma relação que nos toca de verdade - só por isso já vale muito mais do que nossa atenção.
A verdade é que “Professor Polvo” conta uma história completamente inimaginável que prova como a vida pode ser assustadoramente selvagem, profundamente sensível e capaz de impactar tantas pessoas com um sentimento que para muitos soa impossível. Olha, vale muito a pena! Faz bem para alma e para o coração!
"Professor Polvo" é um filme sobre conexão, sobre a maravilhosa relação com o desconhecido e o entendimento que cada ser vivo desse planeta tem um lugar importante dentro da natureza - sim, pode parecer papo de professor de biologia, mas pare e reflita: o que de tão espectacular pode existir em um documentário sobre um homem que mergulha todo dia para se encontrar com um polvo? Pode ter certeza que essa resposta está no seu "play" - existe verdade, sensações, sentimentos e, claro, a chancela de saber que esse mesmo documentário é um dos favoritos para levar o Oscar 2021 da categoria! Mas o filme é, de fato, incrível!
“Professor Polvo” é dirigido e roteirizado por Pippa Ehrlich (em seu primeiro documentário) e por James Reed (de “Jago: Uma Vida no Mar“) e conta a jornada de Craig Foster, cineasta, amante dos oceanos e conservacionista marinho. Enquanto passava por um período de dificuldades profissionais e de depressão pessoal, Foster começou a mergulhar na costa da Cidade do Cabo, na África do Sul, em busca de isolamento e paz, foi a partir daí que ele passou acompanhar e se relacionar, por quase um ano, com um polvo. Acompanhamos essa história pelo seu próprio ponto de vista e pelas imagens que ele mesmo gravou na época. Do contato inusitado com o molusco ao longo do tempo às reflexões que essa experiência acabou provocando em Foster, percebemos com muita sensibilidade as mudanças na sua vida e como essa conexão transformou a maneira como ele encarava seus problemas. Confira o trailer:
Pelo trailer já fica fácil perceber que o primeiro elemento que salta aos olhos é a qualidade cinematográfica das imagens feitas, tanto por Craig Foster quanto por Ehrlich e Reed - principalmente as subaquáticas. São planos bem trabalhados, uma combinação de cores e texturas que impressionam pela beleza. A fotografia como um todo é de cair o queixo, reparem.
Outro ponto, claro, é o roteiro - ele amarra perfeitamente a história com motivações coerentes com a proposta e consegue criar uma conexão emocional próxima daquela que o protagonista experienciou - é impressionante como passamos a torcer e a nos angustiar com um "polvo" no fundo do mar! Embora a montagem sugira uma certa manipulação emocional, com uma linda trilha sonora de Kevin Smuts, em momento algum nos sentimos enganados por isso - o que vemos e sentimos, está de acordo com o propósito do filme e de quanto isso era importante para Foster.
Eu não sou uma pessoa tão ligado a natureza a ponto de achar “Professor Polvo” um documentário inesquecível, porém não posso deixar de ressaltar o quanto essa história me tocou! Pode acreditar, é um trabalho de uma delicadeza enorme. A força de vontade de Craig em acompanhar o polvo e de nos contar cada detalhe dessa jornada, faz parecer mentira como essa constância foi capaz de construir uma relação que nos toca de verdade - só por isso já vale muito mais do que nossa atenção.
A verdade é que “Professor Polvo” conta uma história completamente inimaginável que prova como a vida pode ser assustadoramente selvagem, profundamente sensível e capaz de impactar tantas pessoas com um sentimento que para muitos soa impossível. Olha, vale muito a pena! Faz bem para alma e para o coração!
Se em um primeiro olhar "Quadra de Ouro" parece uma segunda temporada do excelente "O Time da Redenção", posso te garantir que você vai se surpreender, pois essa minissérie da Netflix, produzida por nada menos que Barack Obama, é ainda melhor! Veja, a disputa por uma medalha de ouro no basquete olímpico nunca esteve tão acirrada. Nos últimos anos, a globalização do esporte reduziu as distâncias entre as seleções, tornando cada competição um verdadeiro espetáculo. É dentro desse contexto que "Quadra de Ouro"mergulha em um universo único, com um acesso sem precedentes aos bastidores das quatro seleções mais fortes do torneio de Paris 2024: EUA, França, Sérvia e Canadá. Bem ao estilo narrativo de "Formula 1: Dirigir paraViver" essa produção se apresenta como um registro envolvente do que é preciso para competir, e vencer, no mais alto nível do basquete mundial. Impressionante!
Com seis episódios,"Quadra de Ouro", na verdade, vai além da quadra, mostrando a preparação intensa, os desafios físicos e mentais, as rivalidades crescentes e os momentos de tensão que antecedem os jogos decisivos. Acompanhamos a rotina dos atletas, desde os treinos exaustivos até as conversas estratégicas nos vestiários, além das pressões externas que influenciam o desempenho dentro de quadra. O documentário costura habilmente momentos de bastidores com um recorte histórico do esporte a partir de depoimentos de estrelas como Kevin Durant, Steph Curry, Victor Wembanyama, Shai Gilgeous-Alexander e Bogdan Bogdanovic, além de lendas como Carmelo Anthony, Steve Nash e Tony Parker, que discutem a evolução do basquete internacional. Confira o trailer (em inglês):
O ponto alto de "Court of Gold", no original, está muito no contraste entre as seleções. Os EUA, com um legado dominante e a missão de retomar sua hegemonia, enfrentam uma nova geração de talentos internacionais prontos para desafiar sua supremacia. A França, impulsionada por Wembanyama, joga em casa e sente o peso da expectativa de sua torcida. A Sérvia, uma potência europeia tradicional, aposta na disciplina tática e na experiência de seus astros, especialmente Nikola Jokic; enquanto o Canadá, liderado por Shai Gilgeous-Alexander, representa a ascensão de uma nova força no cenário global. O roteiro da minissérie é muito bem amarrado, explorando a construção das rivalidades e o impacto da cultura esportiva em cada um desses países - especialmente na forma como o basquete é jogado e compreendido. Mais do que um simples registro olímpico, o roteiro é inteligente ao ponto de retratar a jornada a partir de seus ícones e referências, refletindo sobre o crescimento do basquete fora dos Estados Unidos e a democratização do talento de uma forma global.
Embora a minissérie se preocupe em mostrar como o esporte vai além das estatísticas, revelando os sacrifícios pessoais e a resiliência necessária para chegar ao topo, eu diria que a direção de Jake Rogal se preocupa muito mais em garantir um olhar imersivo no coletivo, especialmente por se tratar de um ambiente muito particular - as Olimpíadas de Paris. Nesse sentido, vale destacar que a montagem funciona perfeitamente ao intercalar imagens dos treinos com registros das partidas mais eletrizantes, capturando não apenas a intensidade do jogo, mas também as emoções individuais dos atletas e dos treinadores diante de uma competição tão importante. Ver os atletas americanos acompanhando outras modalidades durante os dias de competições, por exemplo, humaniza essa jornada, funcionando como um certo alívio narrativo para os momentos de maior tensão, como os jogos decisivos, as disputas por medalhas e os reflexos do peso emocional que impactam nas derrotas ou nas vitórias.
Com produção da Higher Ground Productions, em parceria com o Olympic Channel e Words + Pictures, "Quadra de Ouro" é uma experiência essencial para os fãs do esporte. A minissérie entrega um registro envolvente e bem produzido da luta pelo ouro olímpico, trazendo à tona não apenas o talento e a estratégia, mas também nuances de comportamento que definem grandes campeões. Com um equilíbrio entre ação, drama e história, esta é uma das produções mais interessantes sobre o esporte que já acompanhamos e certamente vai merecer um lugar ao lado dos grandes documentários da atualidade, como a queridinha "The Last Dance"!
Vale muito o seu play!
Se em um primeiro olhar "Quadra de Ouro" parece uma segunda temporada do excelente "O Time da Redenção", posso te garantir que você vai se surpreender, pois essa minissérie da Netflix, produzida por nada menos que Barack Obama, é ainda melhor! Veja, a disputa por uma medalha de ouro no basquete olímpico nunca esteve tão acirrada. Nos últimos anos, a globalização do esporte reduziu as distâncias entre as seleções, tornando cada competição um verdadeiro espetáculo. É dentro desse contexto que "Quadra de Ouro"mergulha em um universo único, com um acesso sem precedentes aos bastidores das quatro seleções mais fortes do torneio de Paris 2024: EUA, França, Sérvia e Canadá. Bem ao estilo narrativo de "Formula 1: Dirigir paraViver" essa produção se apresenta como um registro envolvente do que é preciso para competir, e vencer, no mais alto nível do basquete mundial. Impressionante!
Com seis episódios,"Quadra de Ouro", na verdade, vai além da quadra, mostrando a preparação intensa, os desafios físicos e mentais, as rivalidades crescentes e os momentos de tensão que antecedem os jogos decisivos. Acompanhamos a rotina dos atletas, desde os treinos exaustivos até as conversas estratégicas nos vestiários, além das pressões externas que influenciam o desempenho dentro de quadra. O documentário costura habilmente momentos de bastidores com um recorte histórico do esporte a partir de depoimentos de estrelas como Kevin Durant, Steph Curry, Victor Wembanyama, Shai Gilgeous-Alexander e Bogdan Bogdanovic, além de lendas como Carmelo Anthony, Steve Nash e Tony Parker, que discutem a evolução do basquete internacional. Confira o trailer (em inglês):
O ponto alto de "Court of Gold", no original, está muito no contraste entre as seleções. Os EUA, com um legado dominante e a missão de retomar sua hegemonia, enfrentam uma nova geração de talentos internacionais prontos para desafiar sua supremacia. A França, impulsionada por Wembanyama, joga em casa e sente o peso da expectativa de sua torcida. A Sérvia, uma potência europeia tradicional, aposta na disciplina tática e na experiência de seus astros, especialmente Nikola Jokic; enquanto o Canadá, liderado por Shai Gilgeous-Alexander, representa a ascensão de uma nova força no cenário global. O roteiro da minissérie é muito bem amarrado, explorando a construção das rivalidades e o impacto da cultura esportiva em cada um desses países - especialmente na forma como o basquete é jogado e compreendido. Mais do que um simples registro olímpico, o roteiro é inteligente ao ponto de retratar a jornada a partir de seus ícones e referências, refletindo sobre o crescimento do basquete fora dos Estados Unidos e a democratização do talento de uma forma global.
Embora a minissérie se preocupe em mostrar como o esporte vai além das estatísticas, revelando os sacrifícios pessoais e a resiliência necessária para chegar ao topo, eu diria que a direção de Jake Rogal se preocupa muito mais em garantir um olhar imersivo no coletivo, especialmente por se tratar de um ambiente muito particular - as Olimpíadas de Paris. Nesse sentido, vale destacar que a montagem funciona perfeitamente ao intercalar imagens dos treinos com registros das partidas mais eletrizantes, capturando não apenas a intensidade do jogo, mas também as emoções individuais dos atletas e dos treinadores diante de uma competição tão importante. Ver os atletas americanos acompanhando outras modalidades durante os dias de competições, por exemplo, humaniza essa jornada, funcionando como um certo alívio narrativo para os momentos de maior tensão, como os jogos decisivos, as disputas por medalhas e os reflexos do peso emocional que impactam nas derrotas ou nas vitórias.
Com produção da Higher Ground Productions, em parceria com o Olympic Channel e Words + Pictures, "Quadra de Ouro" é uma experiência essencial para os fãs do esporte. A minissérie entrega um registro envolvente e bem produzido da luta pelo ouro olímpico, trazendo à tona não apenas o talento e a estratégia, mas também nuances de comportamento que definem grandes campeões. Com um equilíbrio entre ação, drama e história, esta é uma das produções mais interessantes sobre o esporte que já acompanhamos e certamente vai merecer um lugar ao lado dos grandes documentários da atualidade, como a queridinha "The Last Dance"!
Vale muito o seu play!
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