Jornalisticamente impactante e narrativamente bem estruturado - a partir daí, "O Caso Robinho" é um verdadeiro convite ao julgamento com base em fatos que realmente nos deixam com o estômago embrulhado. Essa produção Original Globoplay examina o polêmico caso de acusação de estupro coletivo envolvendo o ex-jogador brasileiro. Em quatro episódios, com cerca de trinta minutos cada, a minissérie explora os detalhes da investigação que levou ao julgamento de Robinho e de um "amigo", por violência sexual, abordando também os desdobramentos jurídicos, as implicações sociais e a reação pública em torno do caso. No entanto, e aqui vale o destaque, o que mais chama nossa atenção mesmo, são os áudios originais de conversas monitoradas pela polícia, do jogador com seus amigos, advogados e com sua mulher Vivian, assim que começaram as investigações na Itália - é como estivéssemos na posição de espiões e com tais informações fossemos conectando todas as peças na busca por uma resposta definitiva.

"O Caso Robinho" reconstitui os eventos a partir de depoimentos da própria vítima, que falou sobre o assunto pela primeira vez, mas também pelo olhar de especialistas, advogados, jornalistas e pessoas ligadas ao mundo do futebol, incluindo áudios e transcrições de mensagens que revelam o comportamento de Robinho e sua percepção sobre o caso. Esse material de arquivo, inclusive, é crucial para entender não apenas o ponto de vista da acusação e dos acusados, mas também a mentalidade do jogador e de seus amigos, destacando questões sensíveis de sexismo e poder que permeiam o caso. Os episódios são construídos de forma a nos guiar pelos principais momentos da investigação e dos processos legais, pré e pós julgamento, explorando não só as provas como os argumentos que embasaram a condenação do ex-atleta. 

Mesmo com a minissérie basicamente se apoiando em dois pilares, o depoimento da vítima e os áudios grampeados do telefone dos acusados, é notável como a direção é habilidosa em conduzir a narrativa com um ritmo capaz de sustentar a tensão e o interesse de quem assiste. "O Caso Robinho" não apenas descreve os eventos, mas também oferece contexto para entender o impacto do crime perante a sociedade e no meio esportivo, em um momento em que a discussão sobre violência contra a mulher está em pauta. Ao examinar as atitudes de Robinho e as reações de seu círculo social e profissional, os episódios vão, pouco a pouco, evidenciando como o futebol, no Brasil, ainda se encontra em um lugar privilegiado onde ídolos são frequentemente protegidos pela fama e pelo apoio de fanáticos, mesmo diante de provas tão claras e acusações tão graves.

Embora a produção conte com uma montagem cuidadosa que intercala cenas de arquivo, entrevistas e análises, criando uma narrativa de certo modo informativa pela perspectiva de quem está sendo investigado, é de se notar também que falta um pouco de imparcialidade no roteiro. Não que as provas não sejam fortes o suficiente para tal postura, mas a desconstrução de um fato que soa tão absoluto é sempre um bom e provocador caminho - basta lembrar de minisséries como "Elize Matsunaga: Era uma vez um crime", por exemplo. As entrevistas com advogados e jornalistas contribuem para a compreensão dos aspectos jurídicos do caso, claro, abordando os desafios e as complexidades de um julgamento internacional, mas existe sempre com o viés de acusação, nunca de defesa - é como se essa voz fosse apenas aquela que ouvimos nos áudios.

Veja, a escolha da Globoplay em explorar o caso Robinho reflete o compromisso da plataforma de streaming em abordar temas sensíveis e urgentes, como a violência sexual e a necessidade de responsabilização de figuras públicas, em documentários muito bem produzidos. Essa minissérie, como outros "Originais" já produzidos, nos faz entender a importância de discutir crimes contra mulher e como a cultura do silêncio ainda cerca alguns casos de violência, especialmente quando os acusados são pessoas de alto poder aquisitivo ou influência, porém, digo sempre: é preciso ir além do óbvio, mostrar os lados de forma equilibrada, e é nesse ponto que  sentimos que faltou algo aqui. "O Caso Robinho" é eficaz em trazer para os holofotes o peso das provas e a importância de manter um olhar crítico sobre figuras públicas que se acham acima do bem e do mal, é também curioso pela forma como decodifica as mensagens grampeadas em uma narrativa "true crime" realmente fluída que se posiciona contra o ex-atleta sem receio de parecer tendenciosa, mas peca por não se aprofundar em elementos que nos parece de igual importância: a participação de outras pessoas que também cometeram o crime naquela noite é um deles!

Vale seu play, embora fique uma sensação de que dava para entregar mais!

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"O Castelo de Vidro" é excelente, mas, admito, achei pesado! 

Baseado no livro autobiográfico da jornalistaJeannette Walls, o filme não foca na sua carreira profissional, e sim na sua vida em família desde a infância. É uma história (real) difícil, mas muito bem resolvida no roteiro, sobre uma jovem menina que atinge a maioridade em uma família nômade completamente desestruturada, com uma mãe excêntrica e um pai alcoólatra, e que tenta despertar a imaginação dos irmãos com a esperança que elas se abstraiam da pobreza em que vivem.

Muito bem filmado pelo Destin Daniel Cretton, outro jovem diretor que, de um curta, fez um outro filme de grande sucesso em festivais - chegando a ganhar Locarno em 2013 com seu "Short Term 12" (Temporário 12). Em "The Glass Castle" (título original), ele repete a parceria com a ótima Brie Larson, mas quem rouba a cena é o Woody Harrelson. Embora possa parecer um pouco fora do tom, apoiado em esteriótipos locais, ele traz a dor de quem vive uma dependência, mas acredita que pode compensar sua fraqueza com uma máscara de inabalável. Impressionante como ele trabalha essa dualidade e influencia nosso julgamento a cada cena. Naomi Watts também se desconstruiu para sua personagem e foi muito bem - ambos mereceram todos os elogios, porém foram completamente esquecidos no Oscar 2018!

"The Glass Castle" é um filme tecnicamente muito bem realizado, muito honesto na sua proposta e com uma história difícil de digerir pela sua complexidade moral. Vale muito a pena!!!

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Se você assistiu a excelente minissérie de seis episódios da Paramount, "Waco", você tem quase que a obrigação de assistir esse documentário em três capítulos da Netflix chamado "O Cerco de Waco". Basicamente o documentário cobre os mesmos eventos da ficção, porém sob um aspecto diferente (para não dizer polêmico) - aqui o foco é o lado de fora do complexo onde David Koresh e mais de 100 fiéis do Ramo Davidiano, viviam. O interessante é que o diretor Tiller Russell (de "Night Stalker") repete com sucesso a experiência de contar a mesma história, com vários personagens que lá estiveram, e mesmo assim ainda somos incapazes de definir quem eram os mocinhos e quem eram os bandidos - e aqui não estou fazendo nenhum juízo de valor, apenas pontuando como uma sequência de erros e posturas (dos dois lados) definiram o destino de mais de 80 pessoas, sendo que 26 eram crianças.

Para quem não sabe o confronto entre as agências do governo dos Estados Unidos (ATF e FBI) e o culto liderado por David Koresh, que aconteceu em Waco, no Texas, em 1993 e que durou 51 dias, pode ser considerando uma das maiores tragédias da história recente da humanidade. Koresh líder do grupo religioso Ramo Davidiano, se denominou profeta apocalíptico, quando, após suspeitas sobre a posse de armamentos ilegais, uso de drogas e outras questões como pedofilia e abusos psicológicos; agentes da ATF invadiram o local, dando início a uma batalha que durou dias e resultou em diversas mortes e ameaças de suicídio coletivo. "O Cerco de Waco" conta justamente os bastidores da operação catastrófica das autoridades, com entrevistas de pessoas que testemunharam ou participaram do confronto, além de gravações inéditas feitas pelo FBI e inúmeras imagens de arquivo da época. Confira o trailer (em inglês):

Com uma produção de altíssima qualidade, um trabalho de pesquisa impecável e, claro, depoimentos impactantes de sobreviventes, familiares, agentes do FBI, da ATC,  jornalistas e até de um sniper; posso te garantir: "O Cerco de Waco" é um dos melhores documentários sobre o tema que está disponível atualmente. Chega ser elogiosa a forma como Russell foi capaz de construir uma linha temporal sólida e de fácil entendimento sobre os fatos mais marcantes de toda operação que durou 51 dias. Visualmente, o documentário tem uma elegância gráfica poucas vezes vista e graças a edição do time chefiado por Ed Greene (de "Pepsi, Cadê Meu Avião?") temos a exata noção da angustia e do desespero que envolveram os dois lados dessa história. Olha, toda essa atmosfera mexe muito com nossas emoções - o depoimento de Heather Jones, por exemplo, que era uma criança em 93, ao ouvir sua ultima ligação com seu pai, é de cortar o coração.

Durante os três capítulos, o roteiro vai te provocar o julgamento a cada nova informação. Se David Thibodeau (que escreveu "A place called Waco") conta o que acontecia dentro do complexo Davidiano, também temos depoimentos marcantes de outro ator importante dessa história, o negociador Gary W. Noesner (que escreveu "Stalling for time"). Porém, talvez ainda mais impressionante, sejam os relatos doentios de Kathy Schroeder (umas das sobreviventes e defensora de Koresh) e os revoltantes comentários do sniper Chris Whitcomb. Repare como Russell tenta equilibrar os pontos de vista de uma forma a não nos influenciar - essa estratégia narrativa nos envolve de tal maneira que praticamente nos impede de tirar os olhos da tela mesmo sabendo onde tudo aquilo vai terminar.

Mesmo que trinta anos depois, algumas perguntas ainda incomodem e independente de certas respostas serem inevitavelmente claras, "Waco: American Apocalypse" (no original) chega como um material importante e pouco discutido justamente por expor o que a sociedade americana tem de pior: sua hipocrisia.

Vale muito o seu play!

PS: Pessoalmente, eu sugiro que você assista a versão ficcional primeiro, pois o documentário vai enriquecer demais sua experiência como audiência e colocar sua relação com a história (e seus personagens) em outro patamar.

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Existe uma linha muito tênue entre o "marketing de percepção" e a "mentira compulsiva" e "O Clube dos Meninos Bilionários" talvez seja o melhor exemplo de como os limites podem ser ultrapassados sem tantas dificuldades, causando estragos inimagináveis -  e aqui cabe um comentário bastante pertinente: se eu não soubesse que o filme foi baseado em fatos reais que envolveram Joe Hunt e Dean Karny, provavelmente eu não daria tanto crédito para a história. Mas é impressionante o que acontece com os protagonistas depois que uma interpretação errada de um conceito de gestão importante se transforma em uma bola de neve com consequências gravíssimas para a vida de tantas pessoas.

A história se passa em Los Angeles, no início da década de 80. Joe Hunt (Ansel Elgort) é um rapaz inteligente, ambicioso. Ele se junta com Dean (Taron Egerton), um velho amigo de escola, para criar uma empresa de investimentos baseado inicialmente em dois ativos bem arriscados: ouro e um esquema de pirâmide para mostrar resultados quase que imediatos e assim trazer mais investidores para a empreitada. Com o apoio de um grupo seleto de jovens estudantes ricos e de um investidor pouco confiável, a empresa decola rapidamente, porém as coisas começam a se complicar e o que parecia ser um plano infalível, se prova um esquema mortal. Confira o trailer (em inglês):

"O Clube dos Meninos Bilionários" é um mistura de "Altos Negócios" e o "O Primeiro Milhão" com o "O Mago das Mentiras". Isso só mostra que não é que hoje que histórias sobre escândalos envolvendo grandes empresários especializados em enriquecimento rápido, custe o que custar, chamam muita atenção. Nesse caso, inclusive, o diretor James Cox, de “Wonderland“, traz para a tela sua visão sobre uma época maluca onde os investimentos transformaram a percepção da sociedade americana sobre a forma de ganhar dinheiro e, claro, que não existiam mocinhos nesse meio - como o próprio investidor Ron Levin (Kevin Spacey) deixa claro no filme.

Com uma reconstituição de época bastante competente, extremamente alinhada com a fotografia do diretor J. Michael Muro (Crash: No Limite), entendemos rapidamente toda atmosfera que atraiu os protagonistas para o mercado financeiro durante o governo Reagan - a única grande questão, que até incomoda um pouco, é a tentativa de Cox romantizar todas as ações dos protagonistas, especialmente de Hunt, como se ele fosse uma espécie de benfeitor revoltado com a vida e com a realidade fracassada de sua família perante o abismo social de seus "amigos" de escola. De fato essa escolha criativa se justifica em alguns comentários sobre a superficialidade do filme, porém gosto de ir um pouco além - existem vários pontos que nos provocam ótimas reflexões, além de ser um bom entretenimento, claro.

Frases como "A percepção da realidade é mais real do que a realidade em si" ou "Compre no mistério, venda na história" fazem sentido dentro de um contexto empreendedor, mas qual o limite entre um "bom conceito" e o "caos que ele pode gerar"? Ou entre "uma estratégia pontual" e o "mal caráter de uma pessoa"? Claro que "O Clube dos Meninos Bilionários" não se propõe a responder todas essas perguntas, mas elas estão lá e é aí que você vai encontrar um pouco mais de profundidade que pode ir além do bom entretenimento para quem gosta do assunto!

Antes de finalizar uma curiosidade: O filme é de 2015, mas após as acusações dirigidas ao Kevin Spacey, seu lançamento atrasou alguns anos e se resumiu a uma discreta estratégia por meio de plataformas digitais para só depois migrar para os cinemas, onde arrecadou míseros 3 milhões de dólares - isso não define o filme, mas vale a informação.

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"O código Bill Gates" é realmente muito bom! Desde o lançamento do trailer oficial, minha expectativa era alta e, depois de assistir todos os episódios em uma única sentada (recomendo), não me decepcionei. A minissérie documental que a Netflix produziu acompanha um Bill Gates "aposentado", dedicado a filantropia, tentando encontrar soluções para os problemas do mundo e investindo muito (mas, muito) dinheiro nisso - é essa linha narrativa, inclusive, que permite fazer paralelos com todos os momentos cruciais da sua vida pública como presidente da Microsoft - construindo um novo personagem e desconstruindo aquele outro.

Baseado em três projetos principais: melhorar o saneamento em países onde grande parte da população vive na miséria, erradicar a pólio no mundo (efetivamente na Nigéria) e remodelar a produção de energia nuclear; o diretor Davis Guggenheim foca nesse trabalho filantrópico da Fundação Bill e Melinda Gates para fazer uma espécie de raio-x do personagem que luta dia a dia para transformar o mundo através da tecnologia sendo um homem cheio de manias, com posturas que podem ser interpretadas como arrogantes ou egoístas, mas que parece simples ao ponto de adorar hambúrguer e diet coke! Funciona! 

A não-linearidade do roteiro criou uma dinâmica muito interessante para o "O código Bill Gates". Partindo do que vemos de melhor em um personagem que se confunde com a história da tecnologia (e por incrível que pareça criando até uma certa empatia com ele), a minissérie é coerente em exaltar os desafios atuais de Gates, mas também de não aliviar em suas polêmicas do passado. Sem dúvida que Guggenheim sofreu muita pressão para encontrar esse equilíbrio até chegar ao corte final - fico imaginando o processo de aprovação de um projeto como esse, ainda mais com um Bill Gates (e milhões de advogados) assinando embaixo. O fato é que a versão que está na Netflix é um recorte da vida profissional de Gates, que humaniza o "visionário" com muitas qualidades, em troca de poder mostrar alguns (apenas alguns) dos seus defeitos. Bill Gates não tem a capacidade de comunicação de Steve Jobs, não tem carisma e não convence quando tenta ser cool - e isso não é um problema - ele é o que é! Ele é um homem extremamente inteligente, viciado em livros, ávido por informação e conhecimento, competitivo e até meio ingênuo (isso fica perceptível em algumas respostas bastante expontâneas que ele dá durante os episódios). Ele é um cara que, por mais que fizesse, ficava sempre na sombra de Jobs e, para mim, esse é o único ponto fraco do documentário - em nenhum momento é explorada essa disputa pessoal e profissional. Em nenhum momento o diretor trás o assunto "apple" para a história e, me desculpe, não se conta a história de um "protagonista" sem citar o "antagonista" - eles são complementares, por mais que se queira exaltar os feitos de um não é preciso diminuir o sucesso do outro!

De fato "O código Bill Gates" acerta em cheio ao contar parte da jornada de construção de um império e tudo que implica ter (incríveis) 96% de market share em um segmento. De fato Bill Gates é um personagem sensacional, com uma história admirável, uma personalidade ímpar e apaixonado pelo seu trabalho. Essa minissérie retrata um pouco disso tudo e sem dúvida tem uma importância histórica - independente de contar só um dos lados (sua briga com Steve Ballmer é um bom exemplo). Não deve ser fácil ser um cara como Bill Gates e levantar essa discussão ajuda muito na experiência de assistir os três episódios. É claro que alguns vão se identificar ou vão valorizar essa jornada mais que outros, mas isso é normal quando uma figura tão icônica é retratada. O que posso dizer com muita tranquilidade é que o projeto ficou lindo artisticamente e tecnicamente. Tem um fotografia muito bonita, inserções gráficas com mapas sistêmicos que ajudam a entender a complexidade dos projetos que Gates está financiando, algumas animações para dramatizar determinadas passagens da vida dele são inseridas de forma bastante orgânica na narrativa e as intervenções tanto do entrevistador quando dos entrevistados estão perfeitas. Gostei muito e, mesmo parecendo um documentário "chapa branca", acho que vale muito a pena assistir. Me surpreendi pela forma como ele é inspirador e por uma mensagem que vale a reflexão: "Se ainda não está dando certo, trabalhe mais!!!"

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"O Conde" é simplesmente genial, no entanto não será uma jornada muito fácil já que sua narrativa cheia de simbolismo, ironia, sarcasmo e critica exige da audiência um certo conhecimento da história politica sangrenta do ditador Augusto Pinochet, no Chile, para que a experiência seja, de fato, marcante. Com uma habilidade impressionante, o diretor Pablo Larraín (de "Spencer"), resgata a figura de Pinochet emprestando um certo tom de fábula, com vários elementos fantásticos, capaz de transformar o conhecido genocida em um vampiro caricato, resignificando com muita inteligência a sua reconhecida sede por sangue. A capacidade de Larraín em revisitar o recente passado de seu país e recontar algumas passagens politicas tão marcantes quanto tristes, de uma forma quase nonsense, faz dessa produção da Netflix uma das melhores de 2023. Mas atenção: esse filme não deve agradar a todos, portanto sugiro uma leitura atenta antes do play!

O filme se passa em uma realidade alternativa que mostra Augusto Pinochet (Jaime Vadell) como um vampiro envelhecido e isolado em uma mansão abandonada. Após 250 anos se alimentando de sangue para sobreviver, ele está decidido a morrer de uma vez por todas. Frustrado pela forma como o povo chileno o reconhece, e cercado por uma família notavelmente oportunista, o vampiro já não vê nenhuma razão para continuar sua trajetória de conquistas pela vida eterna. Porém, quando tudo parece perdido, ele acaba descobrindo uma inspiração que lhe faz querer abandonar esses planos. Confira o trailer (com legendas em inglês):

Com um roteiro repleto de cinismo (daqueles que você ri de nervoso, mas aplaude mentalmente), Guillermo Calder (de "Neruda") ao lado do próprio Larraín, transitam entre o absurdo e a ignorância (obviamente sempre pontuada pela crítica irônica e respaldada pelos fatos) para contar a história do ditador Augusto Pinochet pelos seus próprios olhos - embora o filme seja narrado por uma personagem misteriosa que assim que é apresentada no terceiro ato, nos deixa de queixo caído. Para quem não sabe, Pinochet liderou um golpe de Estado em 1973, derrubando o governo democraticamente eleito de Salvador Allende. e assumiu o poder como líder da junta militar e posteriormente se autoproclamou presidente do Chile. Seu governo, que durou de 1973 a 1990, foi marcado por repressão política, violações dos direitos humanos e políticas econômicas que bebiam na fonte da corrupção - o curioso, no entanto, é como o filme insere informações relevantes sobre os bastidores dessas histórias e como o personagem interpreta seu legado em meio a uma crise existencial (ele sofrendo por ser reconhecido como "ladrão", é impagável).

Toda essa qualidade do texto é lindamente emoldurada por uma fotografia digna de Oscar. O fotografo americano Edward Lachman (indicado ao Oscar por "Carol" e "Longe do Paraíso") se apropria do preto e branco para criar um tom sombrio e misterioso - é como se assistíssemos "Nosferatu". Todo o desenho de produção, habilmente, explora esse aspecto de velho e carcomido para falar do passado, mas sem deixar de criar paralelos  com o presente - as metáforas visuais são tão imponentes quanto as textuais e juntas, olha, é uma aula de cinema. Como diretor, Larraín é muito, mas muito, sagaz ao convidar a audiência a interpretar os eventos do filme e assim encontrar sentido com o que vimos ou vivemos na história recente do nosso país - fico imaginando como é rica essa experiência para um chileno, se para nós já é sensacional!

Outro ponto que merece destaque é a relação familiar de Augusto Pinochet, especialmente com sua mulher, Lucía Hiriart (Gloria Münchmeyer). Veja, embora essa relação tenha sido usada para criar uma imagem de estabilidade e moralidade, ela também foi marcada por acusações de corrupção e enriquecimento pessoal, que contribuíram para a controvérsia em torno de seu regime autoritário no Chile - a cena da freira Carmencita (Paula Luchsinger) entrevistando os cinco filhos do ditador e perguntando sobre algumas situações, digamos duvidosas, como aquela do caso Riggs, por exemplo, é muito engraçada. Quando embarcarmos nessa genialidade mais debochada de Larraín, nossa percepção muda de patamar!

"O Conde" talvez seja o "Roma" de Larraín - autoral, corajoso, bem executado tecnicamente, artisticamente impecável, e longe de ser um filme fácil e muito menos superficial. Toda essa linguagem mais satírica, misturada com uma bem equilibrada farsa política, não vai agradar aquela audiência que acha se tratar de um filme de terror sobre vampiros. Esquece! "O Conde" é muito mais do que isso e vale muito o seu play, principalmente se você tiver o cuidado de ler ou souber o que representou o governo Pinochet e como suas atitudes e discurso, além de hipócritas, foram fatais para aquele país.

Imperdível!

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"O Crime do Século", sem a menor dúvida, é um olhar mais amplo, e dos mais perturbadores, sobre a epidemia dos opioides nos EUA. Se você gostou dos potentes "Dopesick" e "Império da Dor",além do emocionante "Prescrição Fatal", pode dar o play tranquilamente porque o que você vai encontrar nesse documentário em duas partes da HBO é um cenário ainda mais profundo sobre o absurdo que foi a comercialização dessas drogas por um viés social e politico que com certeza vai te impactar de verdade. Olha, é de embrulhar o estômago!

"O Crime do Século" apresenta uma acusação mordaz contra a indústria farmacêutica e as regulamentações governamentais que permitem a superprodução, distribuição imprudente e abuso de opioides sintéticos. Com a participação de testemunhas-chave de uma longa investigação, o filme explora as origens de uma das maiores tragédias de saúde pública da atualidade. Confira o trailer (em inglês):

Com uma abordagem técnica afiada, rica em detalhes artísticos e carregada de emoções intensas, o documentário dirigido pelo multi-premiado Alex Gibney (de "Um Táxi para a Escuridão" e "A Inventora") de fato exerce um impacto profundo na audiência, nos convidando a refletir sobre os complexos dilemas humanos e institucionais a cada nova subtrama. Mesmo que em um primeiro olhar, sua narrativa soe verborrágica, "O Crime do Século" não hesita em expor as entranhas do escândalo da crise de opioides, destacando a interconexão entre empresas farmacêuticas, prescrições médicas exageradas e pacientes viciados em analgésicos. A narrativa de Gibney é construída com maestria, alternando depoimentos de especialistas, sobreviventes da crise e profissionais da saúde, além de investigadores e jornalistas, criando um panorama abrangente e convincente dos eventos reais que assistimos em "Dopesick" e "Império da Dor". 

Equilibrando dados estatísticos com histórias importantes, a edição de Andy Grieve é muito inteligente em criar uma dinâmica bastante fluida entre as entrevistas feitas por Gibney, inúmeras (e surpreendentes) imagens de arquivo e aplicações gráficas belíssimas, o que resulta em uma experiência que ao mesmo tempo nos informa e nos comove. Repare como aescolha cuidadosa das imagens de arquivo contrastam com os recortes de documentos (normalmente e-mails ou gravações de telefone), evocando uma sensação angustiante e revoltante que captura a dor e a luta das vítimas da crise, com a ganância e ostentação de quem enriqueceu com a epidemia.

Ao longo de "O Crime do Século", nossas emoções oscilam entre a indignação e a tristeza, culminando em uma catarse emocional poderosa. A revolta diante da ganância corporativa e do sistema de saúde falho é acompanhada por um senso de urgência que nenhum politico foi capaz de entender, mesmo diante dos fatos - e nós sabemos a razão. O genial do documentário é que ele não se contenta em apenas expor o problema do OxyContin, da Purdue ou dos Sacklers, mas também nos apresenta um personagem que merece sua atenção: John Kapoor, fundador da Insys Therapeutics e criador de um potente spray de fentanil - um opioide 50 vezes mais potente que a heroína.

Vale muito o seu play!

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Você vai se surpreender com essa produção original da Netflix, "O Desconhecido". Sem exagero algum, mas se me dissessem que o filme havia sido dirigido pelo David Fincher ou até pelo Nolan, eu acreditaria tranquilamente. Até por isso eu preciso avisar que não se trata de uma jornada das mais fáceis, nem na "forma" e muito menos no seu "conteúdo". Na "forma", existe uma certa morosidade no primeiro ato (e talvez até o meio do segundo), o conceito narrativo também soa confuso em um primeiro olhar (embora com o tempo as peças se encaixem perfeitamente, mesmo que isso exija alguma paciência) e a fotografia, escura e densa, amplifica essa sensação de cansaço que a história possa oferecer até "pegar no tranco". Já no "conteúdo", posso antecipar que se trata de uma história pesada, cheia de nuances e detalhes muito bem desenvolvidos, mas olha, difíceis de digerir.

Em "The Stranger" (no original), dois homens se encontram por acaso e iniciam uma parceria que se transforma em uma forte amizade. Para Henry Teague (Sean Harris), desgastado por uma vida inteira de trabalho físico e alguns crimes, essa conexão é um sonho realizado, uma oportunidade; seu novo amigo Mark (Joel Edgerton) pode ser seu salvador e aliado eterno. No entanto, nem tudo é o que parece ser e cada um carrega segredos que ameaçam arruiná-los a cada novo trabalho. Confira o trailer (em inglês):

Essa é uma das maiores operações policiais da história da Austrália e foi baseada no livro "The Sting" da jornalista e escritora Kate Kyriacou, no entanto o que mais impressiona desde o primeiro plano, é como o diretor Thomas M. Wright (de "Acute Misfortune") cria uma atmosfera de suspense e de muita tensão. Reparem como o diretor de fotografia, Sam Chiplin (da ótima minissérie "Em Prantos"), usa de uma paleta de cores sombria e com muito contrastante, juntamente com enquadramentos mais fechados, para enfatizar o clima opressivo e o desconforto emocional dos personagens - tudo se encaixa tão perfeitamente que parece se tratar de uma produção com muito mais grife do realmente é - e isso é um baita elogio!

O conceito narrativo de "O Desconhecido", de fato, é tão complexa quanto intrigante. O filme segue os dois protagonistas sem parecer querer entregar muitas informações, no entanto, conforme a trama vai se desenrolando, descobrimos lentamente os segredos ocultos, os medos, as inseguranças e até as conexões obscuras que eles vão criando. O roteiro habilmente estruturada pelo próprio Wright parece ganhar ainda mais potência (se é que isso é possível) com a notável qualidade da edição do Simon Njoo (de "The Nightingale"). Ela alterna entre o passado e o presente, criando uma sensação de angustia e mistério, impressionante. 

No final das contas, "O Desconhecido" sabe muito bem trabalhar um abstrato (e difícil) componente narrativo com muita sabedoria: a antítese. Com performances brilhantes de Joel Edgerton e Sean Harris, temos a exata sensação de estarmos frente a frente em uma batalha onde um é o veneno mortal e o outro seu pior antídoto - essa análise comportamental e emocional dos protagonistas está em muitos detalhes, da relação de Mark com seu filho ao desejo de Henry pelo seu parceiro, criando assim camadas tão profundas que a própria investigação fica em segundo plano. 

Olha, uma produção de se tirar o chapéu! Vale muito o seu play!

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Denzel Washington pode preparar mais um cara feia porque o Oscar de 2018 para "Melhor Ator" será do Gary Oldman. Barbada!!! Mas antes de analisarmos as chances do filme, vamos entender sua história. em "Darkest Hour" (título original), depois da renúncia de Neville Chamberlain (Ronald Pickup), movido por uma enorme pressão política depois do fracasso ao tentar impedir o avanço da Alemanha pela Europa, Winston Churchill (Gary Oldman) está prestes a se tornar o Primeiro-Ministro da Grã-Bretanha. Com um poder assombroso nas mãos, ele precisa enfrentar exaustivos dilemas - um povo despreparado, um rei cético e o próprio partido conspirando contra ele. A fim de garantir a integridade do seu povo e de seus aliados, com uma invasão iminente de Hitler, diversas respostas são colocadas desesperadamente na mesa, muitos jogadores tramam os próximos movimentos do governo e soldados perecem sacrificando-se pelo bem da Coroa e de seu reino. Confira o trailer:

Vamos lá: assistindo o filme, é impossível não imaginar a alegria do diretor quando, já na primeira diária, ele corta o primeiro take de uma cena com o Gary Oldman como Winston Churchill. Olha, o cara está simplesmente irretocável!!! Uma grande atuação, uma aula de imersão no personagem, com profundidade, verdade e carisma!!! O filme vale por ele, sim, mas tem alguns outros elementos que gostaria de ressaltar e vale nossa tenção:

A fotografia é belíssima - Também indicado ao Oscar (pela quinta vez, inclusive) Bruno Delbonnel foi o responsável pela fotografia de Amélie Poulain para se ter uma idéia. O trabalho dele está magnifico - dos travellings pelos corredores do parlamento ao planos fechado e introspectivos de  Churchill. E aí chegamos em outra barbada da noite: "Melhor Cabelo e Maquiagem" - o trabalho de caracterização é impressionante!! Na verdade, todo Departamento de Arte dá um show a parte!

Outro ponto a se destacar é a direção do Joe Wright - ele mata a pau (o que até é normal)! É um plano melhor que o outro, com movimentos precisos, escolhas perfeitas, enfim, é um absurdo ele não ter sido indicado como Melhor Diretor! Independente disso, acho que vala a pena acompanhar mais de perto o seu trabalho -  acho ele um diretor sensacional porque ele alia criatividade, técnica e inventividade com o equilíbrio certo, sem querer aparecer mais que a história, além de ser excelente diretor de atores. Indico "Orgulho e Preconceito" e "Desejo e Reparação".

Existe uma linha muito tênue entre retratar fatos (mesmo que na ficção) e espetacularizar os horrores de um atentado terrorista - e é aqui que talvez esteja o maior mérito de "O Dia do Atentado". Seu roteiro consegue respeitar todos os limites narrativos do bom senso enquanto a direção não precisa abrir mão de um único plano que pudesse, de alguma forma, nos deixar fora do inferno que se tornou a maratona de Boston em 2013. Bem na linha de "Voo United 93", o diretor Peter Berg (de "Hancock") conecta cenas reais e encenações com uma habilidade incrível, dando uma conotação documental e imersiva para o filme, sem perder aquela atmosfera de thriller policial que nos envolve ao mesmo tempo em que nos provoca inúmeras sensações! 

Em 15 de abril de 2013, o sargento da polícia Tommy Saunders (Mark Wahlberg) está trabalhando na segurança da maratona anual de Boston quando duas bombas caseiras explodem em um ato de terrorismo. Após os atentados, o grupo formado por Tommy, o Agente Especial Richard Deslauries (Kevin Bacon), o Comissário da Polícia Ed Davis (John Goodman) e o Sargento Jeffrey Pugliese (J.K. Simmons) se unem aos bravos sobreviventes para tentar identificar e capturar os responsáveis pelos ataques antes que eles possam fazer novas vítimas. Confira o trailer:

Logo de cara percebemos uma escolha criativa que acaba se mostrando das mais acertadas: ao apresentar (mesmo que superficialmente) algumas subtramas e seus respectivos personagens, antes dos acontecimentos que marcariam aquele dia, fica estabelecido que a vida nada mais é que um sopro e que será essa relação de imprevisibilidade que nos acompanhará por toda essa dura jornada. Veja, se à primeira vista os personagens parecem desconectados, é por causa da individualização de suas histórias que entendemos seus anseios, seus desejos, suas motivações, e, aos poucos, conforme as cartas vão sendo colocadas na mesa, é que percebemos o valor de cada um dentro desse enorme quebra-cabeça - e o mais interessante, aliás, é que todas essas histórias são, de fato, reais (por isso não deixem de assistir os créditos)!

Como Paul Greengrass, que recriou um dos momentos mais tensos dos atentados em 11 de setembro se apoiando no fator humano, Berg também combina uma série de técnicas cinematográficas para exaltar a humanidade do evento e assim manipular nossas sensações - e ele faz isso com uma maestria impressionante. A partir de uma montagem cirúrgica da dupla Gabriel Fleming e Colby Parker Jr (ambos de "Horizonte Profundo"), o diretor alterna planos nervosos com a câmera mais soltas, onde a lente está mais suja; com inúmeros materiais de arquivo, esses com imagens de noticiários da época, de câmeras de vigilância das lojas e restaurantes próximas da explosão; e até das gravações dos próprios agentes do FBI que participaram das investigações. É lindo de ver e repare como isso simula um senso de urgência que dá o tom do filme.

"O Dia do Atentado" tem tiroteios e explosões, com planos filmados ao melhor "estilo blockbuster", mas em nenhum momento esquece do fator humano, dos dramas mais íntimos pela qual os policiais estão passando enquanto tentam encontrar os criminosos. E é aí que somos surpreendidos de novo já que o filme tinha tudo para cair na armadilha do patriotismo barato, mas não é o que acontece - o que vemos no final das contas é uma história eficiente, dinâmica, coerente, tecnicamente perfeita, com momentos de tirar o fôlego enquanto outros são extremamente emocionantes. Olha, de fato, estamos diante de um filmaço!

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"Imperdível" do ponto de vista histórico, "Essencial" pelo lado social dos acontecimentos que fizeram (ou deveriam ter feito) de 2020 um divisor de águas no que diz respeito às relações humanas. "O Dia que o Esporte Parou", dirigido pelo Antoine Fuqua (de "Dia de Treinamento") e produzido pela HBO, transcende a esfera esportiva ao mergulhar naquela atmosfera de insegurança que vivemos antes e durante a pandemia e que logo depois foi potencializada com os fatos que levaram ao movimento "Black Lives Matter" na NBA. Com uma abordagem única, o filme não apenas retrata a interrupção abrupta dos jogos, mas também examina a influência dos jogadores, especialmente de Chris Paul, na busca por segurança e justiça social. Reconhecido por sua excelência, o documentário não só cativa os amantes dos esportes, mas também todos que buscam uma compreensão mais profunda dos impactos da pandemia nos negócios e nas relações sociais em uma cultura contemporânea cheia de imperfeições.

"O Dia que o Esporte Parou" então oferece uma visão íntima dos acontecimentos que levaram à interrupção histórica das competições esportivas em 2020. A narrativa se desenrola através de entrevistas exclusivas com atletas, dirigentes e personalidades envolvidas, oferecendo uma perspectiva inédita sobre o momento em que a NBA decidiu parar como resposta à pandemia da COVID-19 e como a entidade lidou com o retorno as quadras durante a crescente necessidade de conscientização sobre a injustiça racial nos Estados Unidos. Com direção magistral de Fuqua, o documentário apresenta imagens de bastidores, testemunhos poderosos e uma análise profunda dos eventos que definiram um capítulo marcante na história do esporte. Confira o trailer (em inglês):

Ao mergulharmos na essência do documentário, nos deparamos com a maestria técnica e artística de Fuqua, cuja direção habilidosa se destaca em uma construção narrativa fluida, direta e muito inteligente. A fusão de imagens de arquivo, entrevistas e cenas inéditas proporciona uma imersão completa no contexto dos acontecimentos que começou com o receio de uma pandemia global e terminou com uma luta pelos direitos sociais dos afro-americanos. A habilidade do diretor em equilibrar a urgência dos eventos com a reflexão profunda sobre tudo que aconteceu em 2020 é notável, criando um retrato vívido e comovente do que foi viver naquele ano que nem deveria ter existido - em todos os pontos que o documentário se aprofunda.

Com uma abordagem que transcende o lado esportivo dos fatos ao destacar o ativismo dos jogadores da NBA, explorando as formas como eles usaram suas vozes para promover a justiça social é muito tocante. A interseção entre o esporte e a realidade social daqueles meses na "Bolha de Orlando" é habilmente explorada por Fuqua, enriquecendo a narrativa com uma profundidade emocional impressionante. A pesquisa minuciosa e a qualidade da produção são evidentes, elevando "O Dia que o Esporte Parou" para um patamar diferenciado - tanto que o projeto chegou a ser indicado para dois prêmios extremamente relevantes: o "Sports Emmy Awards" e o "Critics' Choice Documentary Awards".

Detalhes que poderiam passar despercebidos são trazidos à luz nessa produção, proporcionando uma compreensão mais completa dos desafios enfrentados pelos atletas e suas comunidades - a sensibilidade do documentário para capturar o zeitgeist de 2020 é notável. Dito isso fica fácil afirmar que "O Dia que o Esporte Parou" ganhará ainda mais importância com o passar dos anos, e tem tudo para se tornar obra necessária para quem busca uma compreensão mais profunda da relação entre esporte, sociedade e ativismo. Eu diria, inclusive, que a narrativa construída por Fuqua funciona como uma crônica essencial de um período que moldou não apenas o mundo do esporte, mas a sociedade como um todo!

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"O Enfermeiro da Noite" é uma ótima pedida para quem gosta de "true crime", mas é preciso ter em mente que essa produção da Netflix se apropria de uma narrativa muito mais cadenciada e intimista do que se apoia na tensão de complexas investigações ou de reviravoltas surpreendentes como costumamos encontrar no gênero. O filme dirigido pelo dinamarquês Tobias Lindholm (que escreveu nada menos que "Druk - Mais Uma Rodada" e "A Caça") é para quem gosta de drama e não de thriller!

A trama acompanha a história de Charlie Cullen (Eddie Redmayne), enfermeiro que foi apontado como um dos assassinos em série mais perigosos de todos os tempos. Levando uma vida aparentemente normal, Charles trabalhou em diversos hospitais durante décadas e teria assassinado cerca de 400 pessoas ao longo dos anos. Quando Charlie se aproxima de Amy (Jessica Chastain), uma enfermeira com sérios problemas de coração, responsável pela UTI de um hospital e que precisa cuidar de suas duas filhas pequenas quando não está de plantão, surge uma relação de confiança e amizade entre eles, porém quando algumas suspeitas de erros médicos começam a aparecer no setor em que trabalham, Amy é forçada a arriscar sua vida e a segurança de seus filhos para tentar descobrir a verdade. Confira o trailer:

Baseado no livro de Charles Graeber, "The Good Nurse: A True Story of Medicine, Madness, and Murder", o roteiro de "O Enfermeiro da Noite" (que curiosamente não foi escrito por Lindholm e sim pela também competente Krysty Wilson-Cairns, de "1917" e "Last Night in Soho") é muito inteligente em fazer um recorte bastante especifico da vida de Charlie Cullen, criando assim um dinâmica que vai direto ao ponto, com situações mais sugeridas do que escancaradas. Ao priorizar o olhar (de certa forma ingênuo) de Amy, a história se preocupa muito mais em encaixar as peças do que em descobrir "quem é" ou "como" o assassino em série atuava.

Escolhido esse caminho, o que vemos na tela não impacta visualmente pela violência e muito menos nos provoca algum estado de tensão permanente, porém nos deixa, sim, desconfortáveis. A forma como Lindholm conta a história, com um certo distanciamento, é de se elogiar pela criatividade - eu diria que a experiência do diretor em outro projeto, "Mindhunter", só colaborou para que ele encontrasse o tom certo para essa narrativa, entregando para Chastain e Redmayne, dois ótimos e profundos personagens que só cresceram a partir da excelente química entre eles. E aqui cabe uma outra citação: embora menos presente, o trabalho de Noah Emmerich (como o detetive Tim Braun) também merece destaque.

 "O Enfermeiro da Noite" não será daqueles inesquecíveis, mas saiba que ele acerta ao propor uma experiência mais angustiante, que procura fugir do lugar comum e da banalização visual da morte. O filme a todo momento brinca com a imaginação da audiência, pontuando os crimes de Graeber sempre pelo prisma da especulação e pela força do silêncio. Sem cair em clichês, onde o assassino deixa pequenos rastros de seu comportamento mesmo quando sua verdadeira identidade ainda é um mistério, aqui o mérito está mais para o realismo do que para o espetáculo - deixando que a verdade faça seu trabalho de nos tocar a alma, não pela brutalidade, mas sim pela crueldade.

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Antes de mais nada é preciso dizer que "O Escândalo" é um filme difícil de digerir - é preciso ter estômago e, certamente, vai tocar mais em algumas pessoas do que em outras, mas posso garantir: é um grande filme! Ele é baseado na história real sobre as denúncias de assédio sexual contra o então presidente e fundador da Fox News, Roger Ailes (John Lithgow).

A história é contada pelo ponto de vista de três personagens-chaves: Megyn Kelly (Charlize Theron), Gretchen Carlson (Nicole Kidman) - âncoras do canal; e Kayla Pospisil (Margot Robbie) uma produtora, personagem criada para o filme, que representa (e até com um certo estereótipo) várias outras funcionárias da emissora que também sofreram algum tipo de assédio de Ailes. O fato é que tudo caminhava bem até que Gretchen Carlson, cansada dos seguidos ataques de assédio moral, resolve forçar sua demissão para iniciar um processo contra as várias investidas que sofreu de Roger Ailes no passado. Embora fosse um tiro no escuro, afinal Roger Ailes sempre foi um dos homens mais poderosos dos Estados Unidos, várias mulheres começam a se pronunciar contra o executivo, fortalecendo a iniciativa de Gretchen - mas faltava alguém de dentro da Fox News para dar o "tiro de misericórdia" e é aí que o Megyn Kelly e Kayla Pospisil ganham força no drama e o filme deslancha! 

O ponto forte do filme está no elenco: Charlize Theron é uma grande atriz e está perfeita como Megyn Kelly - é impressionante como as duas estão parecidas, o que só fortalece a chance de "O Escândalo" ganhar o Oscar na categoria "Cabelo/Maquiagem". Margot Robbie também está impecável e por mais que possa parecer que ela é a personificação do estereótipo da mulher bonita/ingênua/oportunista, seu trabalho vai muito além: ela transita por cada uma dessas características de uma forma muito introspectiva, causando uma enorme confusão na sua cabeça, porém quando tudo começa a fazer sentido, seus olhos falam mais do que qualquer diálogo que o roteirista pudesse ter escrito para explicar o que passa com uma mulher assediada daquela forma - é lindo de ver! Nicole Kidman também está incrível, mas o pouco tempo de tela prejudicou sua caminha até o Oscar - se a dúvida ficou entre ela e Margot Robbie, ficaria impossível tirar a chance da segunda! John Lithgow também está ótimo como Roger Ailes - um pecado ele não ter tido a chance de disputar os maiores prêmios da temporada. Merecia!

O roteiro do Charles Randolph (vencedor do Oscar por "A Grande Aposta") é bom, mas pode parecer confuso para quem não conhece dos bastidores da politica americana. Embora o prólogo nos ajude entender a dinâmica sócio-politica da Fox News, as quebras narrativas da linha temporal dificultam o entendimento logo de cara. Além disso, o roteiro trás alguns elementos sem a menor conceitualização dramática: a quebra da quarta parede e a exposição do pensamento funcionam bem, mas são usadas poucas vezes, parecendo ser muito mais uma solução pontual do que uma característica marcante da escrita! A direção do Jay Roach é ótima, embora tenha lido muitas críticas sobre suas escolhas - disseram, inclusive, que ele copiou o estilo de Adam McKay depois dos sucessos de "Vice"e a "Grande Aposta". Outro elemento que incomodou alguns críticos foi o tom que ele imprimiu no filme, parecendo menos preocupado com a seriedade das denúncias e mais em justificar as atitudes erradas de Ailes - a cena onde Kayla Pospisil vai até a sala de Roger Ailes pela primeira vez é o exemplo que justifica essa tese. Eu discordo!

"O Escândalo" foi indicado em 3 categorias do Oscar 2020 e, sinceramente, "Cabelo/Maquiagem" é sua única chance real. Margot Robbie e Charlize Theron, embora com excelentes performances, não tem chance pelo nível das concorrentes diretas pelo prêmio, porém isso não diminui em nada a qualidade e a importância delas no filme. "O Escândalo" funciona como entretenimento, mas é muito mais valoroso pela exposição de uma história que perecia ser tão usual nos corredores da Fox News e de vários outras lugares onde o poder parece estar acima de tudo! 

Up-date: "O Escândalo" ganhou em uma categoria no Oscar 2020: Melhor Cabelo e Maquiagem!

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Você já ouviu falar da Wirecard? Pois é, eu também não, porém essa startup alemã era um verdadeiro sucesso ao fornecer meios de pagamento eletrônico no estilo do PayPal e fisico como os bancos tradicionais - sempre, obviamente, com aquele toque moderninho das FinTechs que aprendemos admirar. O interessante porém, é que a história que você vai assistir em "O Escândalo da Wirecard" pode até não parecer tão desconhecida assim, já que foi a partir dela que o diretor Matthias Murmann (de  “Como Vender Drogas Online (Rápido)”) criou a divertida e surpreendente "Rei dos Stonks".

Do mesmo diretor de "Billie" (2019) e "Sachin" (2017), James Erskine, essa produção da Netflix retrata a jornada da Wirecard em sua meteórica escalada para o sucesso até que uma equipe de jornalistas do Financial Times começa a suspeitar das atividades da empresa, realizando assim uma investigação que expõe uma fraude global inimaginável - a maior da Alemanha até hoje.

Com um conceito narrativo bem parecido com o recente "Gaming Wall Street", "Skandal! Bringing Down Wirecard" (no original) funciona basicamente como um compilado de depoimentos dos jornalistas que participaram de toda a investigação que revelou as fraudes que startup cometia. Baseado no livro “Money Men: A Hot Startup, a BillionDollar Fraud”, do jornalista do Financial Times, Dan McCrum, o documentário é muito competente em construir uma linha do tempo dinâmica e de fácil compreensão que descreve, em detalhes, uma série de transações potencialmente duvidosas que eram feitas por várias unidades de negócio além de suas fronteiras, a fim de fazê-las parecer legítimas para os auditores locais.

McCrum que praticamente protagoniza o filme, conta que durante 6 anos foi perseguido por pessoas que tentavam intimidá-lo enquanto sua investigação revelava fraudes de bilhões a partir de sedes fantasmas, envolvimento com pornografia, cassinos, terrorismo, política; sem falar, claro, na absurda pressão que sofreu para não continuar com as matérias que impactavam diretamente no valor das ações da Wirecard - o envolvimento de investidores que apostavam em "vendas a descoberto" também faz parte da história e chama atenção pela conexão com outras fraudes que já vimos em outros títulos por aqui.

Para aqueles que gostam de documentários investigativos que cobrem grandes escândalos e fraudes financeiras, certamente "O Escândalo da Wirecard" é uma excelente pedida. Com um viés um pouco mais jornalístico que outras produções, mas modernizado por uma edição primorosa, o documentário é também uma aula de como a imprensa ainda é importante para trazer à tona assuntos tão relevantes para a sociedade. Como recomendação, assista antes o "Rei dos Stonks" e depois faça o exercício de comparar algumas passagens marcantes da série com o que de fato aconteceu na vida real.

Vale a pena!

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No universo dos documentários que revelam os bastidores da indústria do entretenimento como "Showbiz Kids" e até o polêmico "Deixando Neverland", "O Escândalo de Randall Emmett" surge como uma peça intrigante que expõe os segredos por trás de um dos mais notórios e recentes escândalos de Hollywood - se nem tanto aqui no Brasil, sem sombra de dúvidas nos EUA, por ter seus dois protagonistas entre as estrelas do famoso reality da Bravo,"Vanderpump Rules". Produzido pela ABC News Studios e pelo LA Times para o Hulu, o filme captura a essência do escândalo a partir de uma construção bastante consistente do perfil de Emmett, um famoso produtor de filmes B, e da forma como ele se relacionava com as pessoas que o rodeavam.

Baseado no artigo intitulado "The Man Who Played Hollywood: Inside Randall Emmett’s Crumbling Empire" do L.A. Times, o documentário faz um recorte muito interessante da investigação sobre muitas das acusações chocantes contra Randall Emmett, que incluem alegações de discriminação racial, abusos psicológicos e comportamentos questionáveis no set (um deles, inclusive, contra o ator Bruce Willis já doente). Também são apresentadas entrevistas com Lala Kent, celebridade "Vanderpump" e ex-noiva do produtor. Ela fala sobre seu tumultuado relacionamento e como soube das acusações e supostas traições de Emmett ainda com uma filha recém-nascida. Confira o trailer (em inglês): 

Apenas para contextualizar, "Vanderpump Rules" é um famoso spin-off de "The Real Housewives of Beverly Hills", onde uma de suas protagonistas, Lisa Vanderpump, mentora talentos que buscam conquistar e construir suas carreiras no mundo da gastronomia. Bem ao estilo "real-life", o reality-show revela os bastidores do restaurante SUR, em West Hollywood: o dia-a-dia e os dramas dos jovens e belos funcionários de Lisa - entre eles, a bela Lala Kent. No entanto, "O Escândalo de Randall Emmett" vai um pouco além, já que o roteiro pontua a jornada de sucesso de Emmett, um dos produtores de "O Irlandês" da Netflix, em meio a muitas denúncias de abuso moral, até sua derrocada quando seu ego ajudou a destruir uma carreira sólida ao aceitar participar do mesmo reality que sua noiva.

A narrativa do documentário é, de fato, muito bem orquestrada até para quem não está familiarizado com essa doentia indústria das celebridades nos EUA. O que para aquela audiência pode parecer uma extensão curiosa do reality-show, para nós é mais um ótimo raio-x dos bastidores do cinema de Hollywood. A partir dos relatos da Amy Kaufman e da Meg James, autoras do artigo do Times, vamos conhecendo os detalhes da história de Emmett de forma meticulosa - são entrevistas com pessoas-chave do escândalo, entre elas Lisa e Easton Burningham, mãe e irmão de Lala, além de pelo menos três assistentes do produtor que até hoje sofrem de ansiedade crônica graças a forma como eram tratados. Imagens de arquivo e algumas reconstituições, dão o exato tom do terror que era estar próximo de Emmet - reparem como a trama tem um ar de suspense e como a estrutura cronológica contribui muito para mergulharmos nessa obscura atmosfera.

Ao adentrar nos aspectos emocionais da história, o documentário não se limita em relatar os acontecimentos, mas também explora as consequências pessoais e profissionais dos fatos - a empatia gerada por essas histórias, sem dúvida, humaniza a narrativa e a torna parte vital da nossa experiência como audiência. Talvez seja isso, inclusive, que faz com que "O Escândalo de Randall Emmett" transcenda seu propósito de documentar um evento isolado, abrindo espaço para uma discussão mais ampla sobre ética na indústria do entretenimento. Não tenha dúvidas que mais uma vez, você vai questionar o sistema desse mercado tão pautado no ego e no poder, que possibilitam escândalos como esse, e a refletir sobre as implicações sociais e culturais do caso.

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