No universo do basquete, há nomes que transcendem as quadras e se transformam em verdadeiras lendas. Stephen Curry, também conhecido como "Chef Curry", é indiscutivelmente um desses ícones. Sua trajetória no esporte não apenas redefiniu a maneira como enxergamos o jogo, mas também inspirou uma geração de atletas a repensar os limites do possível. Dito isso fica fácil cravar: essa é uma história que merecia ser contada e acreditem, vai te surpreender! "Subestimado" acerta em cheio ao escolher uma narrativa que privilegia duas linhas temporais que se conectam de uma forma impressionante: uma a partir da carreira universitária de Stephen Curry na Universidade de Davidson e outra mostrando seu lado profissional e algumas relações pessoais já como um astro na NBA.
Unindo imagens de arquivo e entrevistas inéditas, o filme do diretor Peter Nicks (do elogiado documentário da Hulu, "Homeroom") acompanha a extraordinária história de amadurecimento de Stephen Curry, um dos atletas de basquete mais influente, dinâmico e imprevisível da história, além de sua impressionante jornada de ascensão, de um jogador universitário não tão alto e franzino para o super-atleta quatro vezes campeão da NBA. Confira o trailer (em inglês):
Como elemento narrativo, sem dúvida, a história que pouca gente conhece sobre a carreira universitária de Stephen Curry é o que mais vai te surpreender em "Subestimado". Aproveitando a atmosfera de superação dessa parte essencial da sua jornada, e que moldou a lenda do basquete que ele se tornou, o documentário foi muito inteligente em criar pontos de conexão entre o Stephen do passado e o Stephen Curry do presente - como pai, como atleta, como ser humano. Sua passagem marcante pela Universidade de Davidson é simplesmente espetacular, afinal ele praticamente foi renegado por todas grandes universidades do país pela sua pouca estatura, 1,83, e pelo seu porte fisico de 68kg. Curry era visto como um atleta incapaz de voar alto e ele sabia disso, no entanto, pelas mãos do coach Bob McKillop, ele teve sua chance e o resto é história!
Produzido pela A24 e pelo Ryan Coogler (de "Pantera Negra") o filme tem uma dinâmicacinematográfica muito interessante, pois ele praticamente replica a estrutura de um drama esportivo da ficção como "Swagger" ou "Estrada para a Glória" para contar uma história real em um documentário - o foco é o torneio da NCAA de 2008. Sem dúvida que esse foi um ponto de virada na carreira de Curry onde sua performance extraordinária e a capacidade de liderar aquela equipe em uma série de vitórias surpreendentes (20 seguidas) chamaram a atenção nacional. Vale ressaltar que a campanha do título 20/21, onde Golden State Warriors ficou em terceiro na temporada regular, voltando aos playoffs e à final da liga, na qual encontrou o Boston Celtics e venceu por 4 a 2, também é retratada.
"Subestimado" é mais um acerto da AppleTV+. Eu diria que o filme é muito mais do que uma retrospectiva da carreira de Stephen Curry; é um tributo à determinação, ao espírito inovador e à capacidade de inspirar aqueles que são subjugados. Sua jornada do anonimato ao estrelato é um testemunho de como a paixão e o comprometimento podem transformar sonhos em realidade - e aqui não quero parecer "coach de instagram", mas é isso. Através das lentes deste documentário, somos convidados a mergulhar na vida de um atleta que se transformou em ícone entendendo sua limitações e que deixou uma marca indelével no basquete e no coração dos torcedores de Davidson e dos Warriors.
Vale muito o seu play!
No universo do basquete, há nomes que transcendem as quadras e se transformam em verdadeiras lendas. Stephen Curry, também conhecido como "Chef Curry", é indiscutivelmente um desses ícones. Sua trajetória no esporte não apenas redefiniu a maneira como enxergamos o jogo, mas também inspirou uma geração de atletas a repensar os limites do possível. Dito isso fica fácil cravar: essa é uma história que merecia ser contada e acreditem, vai te surpreender! "Subestimado" acerta em cheio ao escolher uma narrativa que privilegia duas linhas temporais que se conectam de uma forma impressionante: uma a partir da carreira universitária de Stephen Curry na Universidade de Davidson e outra mostrando seu lado profissional e algumas relações pessoais já como um astro na NBA.
Unindo imagens de arquivo e entrevistas inéditas, o filme do diretor Peter Nicks (do elogiado documentário da Hulu, "Homeroom") acompanha a extraordinária história de amadurecimento de Stephen Curry, um dos atletas de basquete mais influente, dinâmico e imprevisível da história, além de sua impressionante jornada de ascensão, de um jogador universitário não tão alto e franzino para o super-atleta quatro vezes campeão da NBA. Confira o trailer (em inglês):
Como elemento narrativo, sem dúvida, a história que pouca gente conhece sobre a carreira universitária de Stephen Curry é o que mais vai te surpreender em "Subestimado". Aproveitando a atmosfera de superação dessa parte essencial da sua jornada, e que moldou a lenda do basquete que ele se tornou, o documentário foi muito inteligente em criar pontos de conexão entre o Stephen do passado e o Stephen Curry do presente - como pai, como atleta, como ser humano. Sua passagem marcante pela Universidade de Davidson é simplesmente espetacular, afinal ele praticamente foi renegado por todas grandes universidades do país pela sua pouca estatura, 1,83, e pelo seu porte fisico de 68kg. Curry era visto como um atleta incapaz de voar alto e ele sabia disso, no entanto, pelas mãos do coach Bob McKillop, ele teve sua chance e o resto é história!
Produzido pela A24 e pelo Ryan Coogler (de "Pantera Negra") o filme tem uma dinâmicacinematográfica muito interessante, pois ele praticamente replica a estrutura de um drama esportivo da ficção como "Swagger" ou "Estrada para a Glória" para contar uma história real em um documentário - o foco é o torneio da NCAA de 2008. Sem dúvida que esse foi um ponto de virada na carreira de Curry onde sua performance extraordinária e a capacidade de liderar aquela equipe em uma série de vitórias surpreendentes (20 seguidas) chamaram a atenção nacional. Vale ressaltar que a campanha do título 20/21, onde Golden State Warriors ficou em terceiro na temporada regular, voltando aos playoffs e à final da liga, na qual encontrou o Boston Celtics e venceu por 4 a 2, também é retratada.
"Subestimado" é mais um acerto da AppleTV+. Eu diria que o filme é muito mais do que uma retrospectiva da carreira de Stephen Curry; é um tributo à determinação, ao espírito inovador e à capacidade de inspirar aqueles que são subjugados. Sua jornada do anonimato ao estrelato é um testemunho de como a paixão e o comprometimento podem transformar sonhos em realidade - e aqui não quero parecer "coach de instagram", mas é isso. Através das lentes deste documentário, somos convidados a mergulhar na vida de um atleta que se transformou em ícone entendendo sua limitações e que deixou uma marca indelével no basquete e no coração dos torcedores de Davidson e dos Warriors.
Vale muito o seu play!
"Swagger" não tem um conceito experimental como Ava DuVernay aplicou em "Colin em Preto e Branco", mas muitos dos elementos narrativos usados nessa ficção para construir a jornada de um astro real do esporte estão, de fato, bastante parecidos. Veja, se na série da Netflix todos os holofotes estavam em cima de Colin Kaepernick, aqui a atenção é toda para Kevin Durant, mesmo que através de um outro protagonista, Jace Carson (Isaiah Hill). Em dez episódios, "Swagger" usa de seu arco principal, apoiado no esporte, para discutir desde os ideais de superação, autoestima e resiliência até temas mais delicados como o abandono parental e a tensão racial impregnada na sociedade americana.
"Swagger" acompanha os bastidores da liga de basquete Amateur Athletic Union e apresenta o cotidiano de jovens promissores do esporte, ao mesmo tempo em que explora o relacionamento dos atletas com a família e treinadores, enquanto tentam realizar o sonho de se tornar profissionais e um dia fazer parte da NBA. Com muita ambição e em busca de seus objetivos, alguns deles se submetem a situações oportunistas e até mesmo corruptas na expectativa de avançar na carreira. Confira o trailer (em inglês):
Inspirada no início da carreira de Kevin Durant, mas transportada para os dias de hoje, "Swagger" não é um retrato 100% realista como já estamos acostumados a assistir em produções como "Nada é de Bandeja", "Brooklyn Saints: Paixão pelo Esporte"ou até "Last Chance U" (que inclusive tem uma espécie de spin-off focado no basquete), mas soube equilibrar muito bem fatos (bastante atuais como o impacto da pandemia) com ficção. Essa série original da Apple TV+ é, na verdade, uma versão mais madura de um grande sucesso da TV aberta americana chamado "One Tree Hill" ou, no Brasil, "Lances da Vida".
"One Tree Hill" tinha a paixão pelo esporte como pano de fundo para discutir as questões da juventude da época - graças ao seu enorme sucesso durou 8 temporadas, tendo sua estreia em 2003. Criada por Mark Schwahn (roteirista de "Coach Carter") a série era uma versão de "The OC" estabelecida no universo do basquete colegial. Em "Swagger", é preciso admitir, o drama "real" está muito mais enraizado na essência da narrativa do que sua antecessora, embora brigue a todo momento para se afastar das soluções mais fantasiosas do roteiro - as vezes consegue, outras nem tanto. Tenho a impressão que após o sétimo episódio da primeira temporada, esse posicionamento mais corajoso dos roteiristas acaba ganhando força e a voz tímida de uma crítica se transforma em potentes gritos de socorro - algumas cenas são chocantes, indigestas e não escondem assuntos bem espinhosos.
Assédio sexual infantil, racismo, bullying e violência policial estão na série - mesmo que pontuado de uma forma bem homeopática. Isaiah Hill, o Jace, não usou dublê dentro de quadra e isso ajuda na naturalidade do balé esportivo comandado pelos diretores, mas no único momento que exigiu mais de sua capacidade dramática como ator, ele não segurou a onda. Já O'Shea Jackson Jr., o coach Isaac 'Ike' Edwards, brilha muito - cheio de camadas, ele chama atenção por uma performance complexa, onde o range emocional varia muito de cena para cena e mesmo assim ele não deixa a peteca cair. Olho nele!
Embora flerte com um mood mais sombrio em algumas passagens, eu diria "Swagger" é até que leve e gostoso de assistir. As cenas dentro de quadra são muito bem realizadas, embora sejam quase sempre óbvias. De fato, a experiência é boa, nos importamos com os personagens e torcemos pelo time mesmo já sabendo o final, tudo isso embalados com uma trilha sonora incrível e disputas pessoais e esportivas bem construídas - como Nathan (James Lafferty) e Lucas (Chad Michael Murray) em "One Tree Hill", mas dessa vez com o carimbo visceral de Kevin Durant.
Se conseguir amarrar todas as pontas que ficaram abertas nessa primeira temporada, "Swagger" pode voltar ainda mais forte! Vale o play!
"Swagger" não tem um conceito experimental como Ava DuVernay aplicou em "Colin em Preto e Branco", mas muitos dos elementos narrativos usados nessa ficção para construir a jornada de um astro real do esporte estão, de fato, bastante parecidos. Veja, se na série da Netflix todos os holofotes estavam em cima de Colin Kaepernick, aqui a atenção é toda para Kevin Durant, mesmo que através de um outro protagonista, Jace Carson (Isaiah Hill). Em dez episódios, "Swagger" usa de seu arco principal, apoiado no esporte, para discutir desde os ideais de superação, autoestima e resiliência até temas mais delicados como o abandono parental e a tensão racial impregnada na sociedade americana.
"Swagger" acompanha os bastidores da liga de basquete Amateur Athletic Union e apresenta o cotidiano de jovens promissores do esporte, ao mesmo tempo em que explora o relacionamento dos atletas com a família e treinadores, enquanto tentam realizar o sonho de se tornar profissionais e um dia fazer parte da NBA. Com muita ambição e em busca de seus objetivos, alguns deles se submetem a situações oportunistas e até mesmo corruptas na expectativa de avançar na carreira. Confira o trailer (em inglês):
Inspirada no início da carreira de Kevin Durant, mas transportada para os dias de hoje, "Swagger" não é um retrato 100% realista como já estamos acostumados a assistir em produções como "Nada é de Bandeja", "Brooklyn Saints: Paixão pelo Esporte"ou até "Last Chance U" (que inclusive tem uma espécie de spin-off focado no basquete), mas soube equilibrar muito bem fatos (bastante atuais como o impacto da pandemia) com ficção. Essa série original da Apple TV+ é, na verdade, uma versão mais madura de um grande sucesso da TV aberta americana chamado "One Tree Hill" ou, no Brasil, "Lances da Vida".
"One Tree Hill" tinha a paixão pelo esporte como pano de fundo para discutir as questões da juventude da época - graças ao seu enorme sucesso durou 8 temporadas, tendo sua estreia em 2003. Criada por Mark Schwahn (roteirista de "Coach Carter") a série era uma versão de "The OC" estabelecida no universo do basquete colegial. Em "Swagger", é preciso admitir, o drama "real" está muito mais enraizado na essência da narrativa do que sua antecessora, embora brigue a todo momento para se afastar das soluções mais fantasiosas do roteiro - as vezes consegue, outras nem tanto. Tenho a impressão que após o sétimo episódio da primeira temporada, esse posicionamento mais corajoso dos roteiristas acaba ganhando força e a voz tímida de uma crítica se transforma em potentes gritos de socorro - algumas cenas são chocantes, indigestas e não escondem assuntos bem espinhosos.
Assédio sexual infantil, racismo, bullying e violência policial estão na série - mesmo que pontuado de uma forma bem homeopática. Isaiah Hill, o Jace, não usou dublê dentro de quadra e isso ajuda na naturalidade do balé esportivo comandado pelos diretores, mas no único momento que exigiu mais de sua capacidade dramática como ator, ele não segurou a onda. Já O'Shea Jackson Jr., o coach Isaac 'Ike' Edwards, brilha muito - cheio de camadas, ele chama atenção por uma performance complexa, onde o range emocional varia muito de cena para cena e mesmo assim ele não deixa a peteca cair. Olho nele!
Embora flerte com um mood mais sombrio em algumas passagens, eu diria "Swagger" é até que leve e gostoso de assistir. As cenas dentro de quadra são muito bem realizadas, embora sejam quase sempre óbvias. De fato, a experiência é boa, nos importamos com os personagens e torcemos pelo time mesmo já sabendo o final, tudo isso embalados com uma trilha sonora incrível e disputas pessoais e esportivas bem construídas - como Nathan (James Lafferty) e Lucas (Chad Michael Murray) em "One Tree Hill", mas dessa vez com o carimbo visceral de Kevin Durant.
Se conseguir amarrar todas as pontas que ficaram abertas nessa primeira temporada, "Swagger" pode voltar ainda mais forte! Vale o play!
Se você procura uma narrativa convencional, mesmo gostando de filmes independentes, "Synonymes" não é para você!
O filme chega ao streaming com a chancela de ter vencido um dos festivais mais importantes e respeitados do mundo, o Festival de Berlin. Porém, se limitar em posicionar a obra como a escolha certa apenas pelo prêmio recebido chega a ser ingenuidade, já que seu caráter independente vem acompanhado de uma proposta bastante provocadora e, em muitas cenas, chocante. Assistir "Synonymes" não será uma jornada tranquila para quem não se adapta a uma linguagem mais conceitual, anos luz do cinema comercial, mas, por outro lado, é impossível não atestar que essa produção francesa realmente consegue alcançar todos os seus objetivos - desde que você se proponha chegar ao final!
Yoav (Tom Mercier), um jovem israelense, chega a Paris esperando que a França e os franceses o salvem da loucura de seu país. Determinado a extinguir suas origens e se tornar francês, ele abandona a língua hebraica e se esforça de todas as maneiras para encontrar uma nova identidade. No entanto, ele percebe que o extremismo religioso e a violência política ocorrem igualmente no país europeu, sendo praticados tanto pelos locais quanto por seus conterrâneos em solo francês. Confira o trailer:
O mais interessante de "Synonymes" é a sensação de solidão que o filme nos provoca - na verdade, "provocação" talvez não seja a palavra correta para definir esse sentimento e isso fica muito claro já na primeira sequência do filme. O diretor israelense Nadav Lapid eleva a máxima potência a percepção de incômodo perante o novo, a quebra de expectativa e a submissão que nossas escolhas nos cobram para não assumirmos uma dura realidade que é o dia a dia longe de casa, completamente fora da nossa zona de conforto - quem teve a oportunidade de morar em outro país, certamente, vai se conectar com esses pontos, mesmo que em diferentes níveis. O fato é que o conceito de incômodo está em toda narrativa e ele nos atinge com muita força graças ao total alinhamento com o conceito visual da obra.
Existe uma certa liberdade narrativa e estética que remete à Nouvelle Vague (movimento artístico do cinema francês que se insere no período contestatório dos anos sessenta), isso é inegável. A fotografia do premiado diretor Shai Goldman enquadra uma Paris cheia de contrastes, com uma câmera nervosa, criando uma estética turbulenta, pontuando perfeitamente a confusão Yoav. Mesmo quando ele se junta com Émile (Quentin Dolmaire) e Caroline (Louise Chevillotte), e aí temos uma câmera mais fixa, para discutir o amor, o futuro, a música e até as experiências literárias de cada um, o filme nos passa uma clara impressão de que, mesmo cultos, pedantes e livres em sua sexualidade, os personagens estão presos em uma condição burguesa completamente oposta. Se Yoav ostenta um orgulho de querer ser francês, seus amigos franceses sequer possuem essa pretensão. Reparem na cena do hino nacional, quando Yoav "percebe" que o orgulho francês está igualmente baseado na quantidade de sangue derramado em sua história - tudo naturalmente impresso na letra da Marselhesa.
"Synonymes" é um filme cheio de símbolos: do amigo compatriota que só quer arranjar confusão e fomenta o racismo estrutural na França ao "bico" de ator pornô fantasiado de trabalho de modelo no berço da industria da moda. E olha, eu nem vou me atrever a dizer que o filme vai dividir opiniões, pois ele será completamente indigesto para qualquer pessoa que insista em descobrir o cinema independente por "Synonyms" - não aconselho!
O vencedor de Urso de Ouro de 2019 é para poucos - ele faz "The Square"parecer um episódio da Galinha Pintadinha (se é que você me entende)!
Se você procura uma narrativa convencional, mesmo gostando de filmes independentes, "Synonymes" não é para você!
O filme chega ao streaming com a chancela de ter vencido um dos festivais mais importantes e respeitados do mundo, o Festival de Berlin. Porém, se limitar em posicionar a obra como a escolha certa apenas pelo prêmio recebido chega a ser ingenuidade, já que seu caráter independente vem acompanhado de uma proposta bastante provocadora e, em muitas cenas, chocante. Assistir "Synonymes" não será uma jornada tranquila para quem não se adapta a uma linguagem mais conceitual, anos luz do cinema comercial, mas, por outro lado, é impossível não atestar que essa produção francesa realmente consegue alcançar todos os seus objetivos - desde que você se proponha chegar ao final!
Yoav (Tom Mercier), um jovem israelense, chega a Paris esperando que a França e os franceses o salvem da loucura de seu país. Determinado a extinguir suas origens e se tornar francês, ele abandona a língua hebraica e se esforça de todas as maneiras para encontrar uma nova identidade. No entanto, ele percebe que o extremismo religioso e a violência política ocorrem igualmente no país europeu, sendo praticados tanto pelos locais quanto por seus conterrâneos em solo francês. Confira o trailer:
O mais interessante de "Synonymes" é a sensação de solidão que o filme nos provoca - na verdade, "provocação" talvez não seja a palavra correta para definir esse sentimento e isso fica muito claro já na primeira sequência do filme. O diretor israelense Nadav Lapid eleva a máxima potência a percepção de incômodo perante o novo, a quebra de expectativa e a submissão que nossas escolhas nos cobram para não assumirmos uma dura realidade que é o dia a dia longe de casa, completamente fora da nossa zona de conforto - quem teve a oportunidade de morar em outro país, certamente, vai se conectar com esses pontos, mesmo que em diferentes níveis. O fato é que o conceito de incômodo está em toda narrativa e ele nos atinge com muita força graças ao total alinhamento com o conceito visual da obra.
Existe uma certa liberdade narrativa e estética que remete à Nouvelle Vague (movimento artístico do cinema francês que se insere no período contestatório dos anos sessenta), isso é inegável. A fotografia do premiado diretor Shai Goldman enquadra uma Paris cheia de contrastes, com uma câmera nervosa, criando uma estética turbulenta, pontuando perfeitamente a confusão Yoav. Mesmo quando ele se junta com Émile (Quentin Dolmaire) e Caroline (Louise Chevillotte), e aí temos uma câmera mais fixa, para discutir o amor, o futuro, a música e até as experiências literárias de cada um, o filme nos passa uma clara impressão de que, mesmo cultos, pedantes e livres em sua sexualidade, os personagens estão presos em uma condição burguesa completamente oposta. Se Yoav ostenta um orgulho de querer ser francês, seus amigos franceses sequer possuem essa pretensão. Reparem na cena do hino nacional, quando Yoav "percebe" que o orgulho francês está igualmente baseado na quantidade de sangue derramado em sua história - tudo naturalmente impresso na letra da Marselhesa.
"Synonymes" é um filme cheio de símbolos: do amigo compatriota que só quer arranjar confusão e fomenta o racismo estrutural na França ao "bico" de ator pornô fantasiado de trabalho de modelo no berço da industria da moda. E olha, eu nem vou me atrever a dizer que o filme vai dividir opiniões, pois ele será completamente indigesto para qualquer pessoa que insista em descobrir o cinema independente por "Synonyms" - não aconselho!
O vencedor de Urso de Ouro de 2019 é para poucos - ele faz "The Square"parecer um episódio da Galinha Pintadinha (se é que você me entende)!
"Ted Bundy: A Irresistível Face do Mal" é um filme muito interessante! Embora seja um história já conhecida, essa adaptação do livro "The Phantom Prince: My Life with Ted Bundy", surpreende pela originalidade. "A Irresistível Face do Mal" não é um filme sobre serial-killer ou um thriller policial como poderia se imaginar.. É um drama, e é aí que o filme ganha muitos pontos. Ao mostrar a visão de quem convivia com Ted Bundy, um charmoso e inteligente estudante de direito, o roteiro nos guia por um caminho cheio de incertezas: nos provocando, nos instigando e, principalmente, brincando com nossos julgamentos - aliás, esse tipo de ferramenta narrativa foi muito bem utilizada em projetos mais documentais como "Making a Murderer", por exemplo. O fato é que embarcamos nessa proposta e realmente ficamos em dúvida sobre sua inocência, mesmo sabendo de toda história... mas calma, será que a história que conhecemos é a verdadeira?
Ted Bundy foi considerado um dos serial killers mais perigosos dos anos 70 nos EUA - é o que dizia a mídia da época! Além de ser um assassino, era sequestrador, estuprador, ladrão e até necrófilo. Sua namorada, Elizabeth Kloepfer, tornou-se uma de suas defensoras mais leais, pois era difícil acreditar que seu companheiro, tão amoroso e dedicado, pudesse realmente ser o autor de crimes tão cruéis. Sabe-se que Ted foi acusado pelo assassinato de mais de 30 mulheres, mas especula-se que esse número seja bem maior.
Após a estreia mundial no Festival de Sundance desse ano, o filme passou a ser muito comentado por três fatores: o primeiro já descrevemos acima, sua originalidade narrativa (acompanhar a história pelos olhos de Elizabeth é muito interessante... de verdade!). O segundo, pelo excelente trabalho do diretor Joe Berlinger (indicado ao Oscar de Melhor Documentário em 2011 por Paradise Lost 3: Purgatory) - ele inclusive ganhou o prêmio de melhor diretor no último Festival de Cinema de Atlanta. O terceiro fator, para mim o menos relevante, é a atuação de Zac Efron como Ted Bundy. Sem dúvida seu trabalho é infinitamente melhor do que o do Eric Bana em Dirty John, mas mesmo assim, minha impressão é que Efron foi encontrando o personagem apenas durante o filme - primeira cena dele é de uma canastrice absurda... já a última, impressiona pela verdade sem dizer uma única palavra!
É um filme que merece ser assistido em algum momento. Tecnicamente muito bem realizado - mesmo sendo gravado com equipamento digital, a pós inseriu um grão que deu todo um charme para o filme - parece película inclusive. O roteiro é inteligente e as atuações também não comprometem. Eu diria que para um dia chuvoso, sem muita pretenção, é uma ótima sugestão. Vale a pena, mas se dormir, ok!
"Ted Bundy: A Irresistível Face do Mal" é um filme muito interessante! Embora seja um história já conhecida, essa adaptação do livro "The Phantom Prince: My Life with Ted Bundy", surpreende pela originalidade. "A Irresistível Face do Mal" não é um filme sobre serial-killer ou um thriller policial como poderia se imaginar.. É um drama, e é aí que o filme ganha muitos pontos. Ao mostrar a visão de quem convivia com Ted Bundy, um charmoso e inteligente estudante de direito, o roteiro nos guia por um caminho cheio de incertezas: nos provocando, nos instigando e, principalmente, brincando com nossos julgamentos - aliás, esse tipo de ferramenta narrativa foi muito bem utilizada em projetos mais documentais como "Making a Murderer", por exemplo. O fato é que embarcamos nessa proposta e realmente ficamos em dúvida sobre sua inocência, mesmo sabendo de toda história... mas calma, será que a história que conhecemos é a verdadeira?
Ted Bundy foi considerado um dos serial killers mais perigosos dos anos 70 nos EUA - é o que dizia a mídia da época! Além de ser um assassino, era sequestrador, estuprador, ladrão e até necrófilo. Sua namorada, Elizabeth Kloepfer, tornou-se uma de suas defensoras mais leais, pois era difícil acreditar que seu companheiro, tão amoroso e dedicado, pudesse realmente ser o autor de crimes tão cruéis. Sabe-se que Ted foi acusado pelo assassinato de mais de 30 mulheres, mas especula-se que esse número seja bem maior.
Após a estreia mundial no Festival de Sundance desse ano, o filme passou a ser muito comentado por três fatores: o primeiro já descrevemos acima, sua originalidade narrativa (acompanhar a história pelos olhos de Elizabeth é muito interessante... de verdade!). O segundo, pelo excelente trabalho do diretor Joe Berlinger (indicado ao Oscar de Melhor Documentário em 2011 por Paradise Lost 3: Purgatory) - ele inclusive ganhou o prêmio de melhor diretor no último Festival de Cinema de Atlanta. O terceiro fator, para mim o menos relevante, é a atuação de Zac Efron como Ted Bundy. Sem dúvida seu trabalho é infinitamente melhor do que o do Eric Bana em Dirty John, mas mesmo assim, minha impressão é que Efron foi encontrando o personagem apenas durante o filme - primeira cena dele é de uma canastrice absurda... já a última, impressiona pela verdade sem dizer uma única palavra!
É um filme que merece ser assistido em algum momento. Tecnicamente muito bem realizado - mesmo sendo gravado com equipamento digital, a pós inseriu um grão que deu todo um charme para o filme - parece película inclusive. O roteiro é inteligente e as atuações também não comprometem. Eu diria que para um dia chuvoso, sem muita pretenção, é uma ótima sugestão. Vale a pena, mas se dormir, ok!
Se "Mythic Quest" satiriza o mundo dos games e "Episodes" faz o mesmo com os bastidores de uma Emissora de TV, ambas com roteiros inteligentes, mas fantasiadas de non-sense, "Ted Lasso", série da AppleTV+, segue exatamente a mesma linha, porém usando o esporte como vitima da vez, mais especificamente o futebol inglês e a Premiere League - um elemento, porém, que faz toda diferença: o choque cultural (e esportivo) entre americanos e ingleses!
A série gira em torno de um técnico de futebol americano universitário que acaba de ser contratado para tentar salvar um time de futebol profissional, da primeira divisão inglesa, que está prestes a ser rebaixado. Confira o trailer:
É claro que quem tem uma certa familiaridade com o futebol (sabe a importância do campeonato inglês e como ele se tornou uma das principais vitrines do esporte mundial) e ainda entende um pouco de futebol americano e como a modalidade tem um forte impacto na cultura dos EUA (ainda mais no Kansas, de onde Ted vem) vai entender alguns detalhes bem particulares de um roteiro extremamente bem escrito, cheio de nuances e trocadilhos que, infelizmente, devem passar batido para muitos. Por outro lado, o ótimo trabalho de Jason Sudeikis (como o protagonista, Ted Lasso) elimina qualquer falta de familiaridade com ambos os esportes pelo simples fato de se tratar de um personagem muito cativante e cirurgicamente bem construído dentro de um misto de ingenuidade e genialidade - mesmo sendo over em 90% dos episódios!
"Ted Lasso" é uma espécie de "up grade" de um projeto com um estereotipado técnico de futebol americano que apareceu pela primeira vez em uma série de vídeos promocionais para a NBC Sports. Engraçado (e afiado), Lasso, se encaixou perfeitamente em um universo de projeção muito maior: o futebol. O interessante é que essa migração de universos esportivos não descaracterizou o personagem, muito bem desenvolvido em cima do conceito "e se?". O que eu quero dizer é que "Ted Lasso" quer responder uma pergunta simples: "e se" um coach que não sabe nem que o futebol tem dois tempos e não quatro, que você "treina" e não "pratica", que não sabe a diferença entre escanteio e impedimento, e (isso é incrível) que odeia empate; fosse contratado para treinar um time da principal liga de futebol profissional do mundo?
É claro que a resposta seria: "Não vai dar certo"! E era isso mesmo que Rebecca (a brilhante, Hannah Waddingham), nova Presidente do time, que assumiu em meio ao caos pessoal, depois de se separar do marido playboy, infiel e arrogante, e ver seu divórcio ser exposto (reparem) nos jornais sensacionalistas britânicos. Com isso, o único objetivo de Rebecca passa a ser atingir o ex-marido e nada melhor do que destruir o seu time do coração, o AFC Richmond! Engraçado que o carisma e a pureza de Lasso, além do seu otimismo indiscutível, vão conquistando desde os jogadores (e aqui você tem um retrato completamente estereotipado do que se tornaram esses atletas (e nem por isso mentiroso), uma arrogante imprensa britânica que (como todos sabem) adora misturar a vida profissional com a pessoal das suas vítimas, até os próprios torcedores que enxergam (com muita paixão) a contratação do americano como um verdadeiro absurdo.
Embora não seja seu principal objetivo, "Ted Lasso" traz conceitos empreendedores muito discutidos ultimamente, basta fazer uma relação entre o esporte e a liderança empresarial: a necessidade absurda de ser resiliente, a opção por considerar sempre o copo "meio" cheio (e nunca "meio" vazio), a importância do trabalho em equipe (em detrimento à estrela egoísta), de ouvir todos os colaboradores (afinal uma grande idéia pode surgir de qualquer um), de lidar com pessoas diferentes (de formas diferentes), de ser humilde, disposto a sempre aprender, de escutar, de inovar; tudo isso de uma forma leve, divertida, pouco expositiva ou didática.
O fato é que "Ted Lasso" é surpreendentemente boa e engraçada - talvez a melhor série de comédia lançada em 2020! Muito bem produzida a série já é apontada como uma das favoritas para a próxima temporada de premiações levando com ela, Jason Sudeikis e Hannah Waddingham. São muitos detalhes que não cabe aqui pontuá-los para não interferir na experiência de acompanhar a jornada de transformação que Lasso provoca. Se em "Episodes" vimos o choque cultural de roteiristas ingleses tentando emplacar seu sucesso nos EUA, aqui ocorre o contrário e de uma forma igualmente competente!
Vale muito a pena!
Se "Mythic Quest" satiriza o mundo dos games e "Episodes" faz o mesmo com os bastidores de uma Emissora de TV, ambas com roteiros inteligentes, mas fantasiadas de non-sense, "Ted Lasso", série da AppleTV+, segue exatamente a mesma linha, porém usando o esporte como vitima da vez, mais especificamente o futebol inglês e a Premiere League - um elemento, porém, que faz toda diferença: o choque cultural (e esportivo) entre americanos e ingleses!
A série gira em torno de um técnico de futebol americano universitário que acaba de ser contratado para tentar salvar um time de futebol profissional, da primeira divisão inglesa, que está prestes a ser rebaixado. Confira o trailer:
É claro que quem tem uma certa familiaridade com o futebol (sabe a importância do campeonato inglês e como ele se tornou uma das principais vitrines do esporte mundial) e ainda entende um pouco de futebol americano e como a modalidade tem um forte impacto na cultura dos EUA (ainda mais no Kansas, de onde Ted vem) vai entender alguns detalhes bem particulares de um roteiro extremamente bem escrito, cheio de nuances e trocadilhos que, infelizmente, devem passar batido para muitos. Por outro lado, o ótimo trabalho de Jason Sudeikis (como o protagonista, Ted Lasso) elimina qualquer falta de familiaridade com ambos os esportes pelo simples fato de se tratar de um personagem muito cativante e cirurgicamente bem construído dentro de um misto de ingenuidade e genialidade - mesmo sendo over em 90% dos episódios!
"Ted Lasso" é uma espécie de "up grade" de um projeto com um estereotipado técnico de futebol americano que apareceu pela primeira vez em uma série de vídeos promocionais para a NBC Sports. Engraçado (e afiado), Lasso, se encaixou perfeitamente em um universo de projeção muito maior: o futebol. O interessante é que essa migração de universos esportivos não descaracterizou o personagem, muito bem desenvolvido em cima do conceito "e se?". O que eu quero dizer é que "Ted Lasso" quer responder uma pergunta simples: "e se" um coach que não sabe nem que o futebol tem dois tempos e não quatro, que você "treina" e não "pratica", que não sabe a diferença entre escanteio e impedimento, e (isso é incrível) que odeia empate; fosse contratado para treinar um time da principal liga de futebol profissional do mundo?
É claro que a resposta seria: "Não vai dar certo"! E era isso mesmo que Rebecca (a brilhante, Hannah Waddingham), nova Presidente do time, que assumiu em meio ao caos pessoal, depois de se separar do marido playboy, infiel e arrogante, e ver seu divórcio ser exposto (reparem) nos jornais sensacionalistas britânicos. Com isso, o único objetivo de Rebecca passa a ser atingir o ex-marido e nada melhor do que destruir o seu time do coração, o AFC Richmond! Engraçado que o carisma e a pureza de Lasso, além do seu otimismo indiscutível, vão conquistando desde os jogadores (e aqui você tem um retrato completamente estereotipado do que se tornaram esses atletas (e nem por isso mentiroso), uma arrogante imprensa britânica que (como todos sabem) adora misturar a vida profissional com a pessoal das suas vítimas, até os próprios torcedores que enxergam (com muita paixão) a contratação do americano como um verdadeiro absurdo.
Embora não seja seu principal objetivo, "Ted Lasso" traz conceitos empreendedores muito discutidos ultimamente, basta fazer uma relação entre o esporte e a liderança empresarial: a necessidade absurda de ser resiliente, a opção por considerar sempre o copo "meio" cheio (e nunca "meio" vazio), a importância do trabalho em equipe (em detrimento à estrela egoísta), de ouvir todos os colaboradores (afinal uma grande idéia pode surgir de qualquer um), de lidar com pessoas diferentes (de formas diferentes), de ser humilde, disposto a sempre aprender, de escutar, de inovar; tudo isso de uma forma leve, divertida, pouco expositiva ou didática.
O fato é que "Ted Lasso" é surpreendentemente boa e engraçada - talvez a melhor série de comédia lançada em 2020! Muito bem produzida a série já é apontada como uma das favoritas para a próxima temporada de premiações levando com ela, Jason Sudeikis e Hannah Waddingham. São muitos detalhes que não cabe aqui pontuá-los para não interferir na experiência de acompanhar a jornada de transformação que Lasso provoca. Se em "Episodes" vimos o choque cultural de roteiristas ingleses tentando emplacar seu sucesso nos EUA, aqui ocorre o contrário e de uma forma igualmente competente!
Vale muito a pena!
"Tetris", isso mesmo, o filme que conta a história daquele famoso jogo da Nintendo, é surpreendente de tão divertido - mesmo que em alguns momentos soe fantasioso demais! Com muitos elementos dramáticos que acostumamos encontrar em séries que desvendam os bastidores de uma startup como em "WeCrashed" ou de um produto revolucionário como "Batalha Bilionária: O Caso Google Earth", essa produção da AppleTV+ ainda traz para trama toda uma atmosfera de nostalgia, de dramas políticos e até de filmes de ação, que nos envolve de tal maneira que não conseguimos tirar os olhos da tela durante duas horas. Olha, é entretenimento puro, mas com muita qualidade.
Antes de Tetris se tornar um fenômeno, ele passou por uma jornada extraordinária: quando o representante de jogos, Henk Rogers (Taron Egerton), descobriu o jogo do programador russo Alexey Pajitno (Nikita Efrenov) no final da década de 1980, quando a "Cortina de Ferro" da URSS estava prestes a cair. Com o objetivo de licenciar o titulo mundialmente para consoles de videogame, fliperamas, PCs e também para o futuro "gameboy", Rogers se envolve em um turbilhão de mentiras e corrupção, de modo que precisa negociar até com o serviço secreto russo, a KGB. Enquanto várias partes fazem reivindicações legais sobre o jogo, Rogers logo se vê no meio de uma enorme batalha legal que pode custar até seu casamento. Confira o trailer (em inglês):
É claro que, mesmo se baseando em fatos, o promissor diretor Jon S. Baird (de "Stan & Ollie") se permitiu algumas licenças poéticas para criar uma dinâmica que vai além de um estudo de caso e acaba se tornando um filme muito divertido - como o próprio Baird antecipou em uma matéria para o Collider, Tetris "não é um documentário"! Dito isso, fica muito fácil aceitar toda a jornada de Rogers já que Egerton mostra mais uma vez seu range na interpretação, capaz de dominar os alívios cômicos com a mesma qualidade em que convence como um empreendedor em busca de um sonho (muito arriscado) que parece impossível de realizar.
O roteiro de Noah Pink (criador de "Genius"), de fato, está longe de ser um profundo mergulho na psique do personagem - daqueles construídos em cima de inúmeras camadas e dramas marcantes que refletem algumas ações intempestivas no presente. Muito menos é uma detalhada investigação sobre a importância sociocultural ou politica do jogo em questão, no entanto, a simplicidade do texto, que em nenhum momento se perde em referências nostálgicas ou na densidade jurídica dos conflitos, aliada a uma narrativa inteligente, faz da nossa experiência como audiência, algo muito prazeroso.
As referências visuais, normalmente pautadas nos gráficos 8 bits dos videogames mais antigos, e uma trilha sonora simplesmente fantástica são as cerejas do bolo de "Tetris". Mesmo que em alguns momentos o filme vacile ao abusar dos estereótipos soviéticos (ao melhor estilo Stranger Things), é interessante perceber que tudo isso faz parte de escolha conceitual que torna a história, em termos narrativos, algo leve e fácil de consumir; deixando claro que até por trás dos bloquinhos caindo do alto de uma tela, existe uma boa história!
Vale muito o seu play!
PS: Sugiro, para contextualizar esse universo dos primórdios dos video-games, assistir a série "GDLK".
"Tetris", isso mesmo, o filme que conta a história daquele famoso jogo da Nintendo, é surpreendente de tão divertido - mesmo que em alguns momentos soe fantasioso demais! Com muitos elementos dramáticos que acostumamos encontrar em séries que desvendam os bastidores de uma startup como em "WeCrashed" ou de um produto revolucionário como "Batalha Bilionária: O Caso Google Earth", essa produção da AppleTV+ ainda traz para trama toda uma atmosfera de nostalgia, de dramas políticos e até de filmes de ação, que nos envolve de tal maneira que não conseguimos tirar os olhos da tela durante duas horas. Olha, é entretenimento puro, mas com muita qualidade.
Antes de Tetris se tornar um fenômeno, ele passou por uma jornada extraordinária: quando o representante de jogos, Henk Rogers (Taron Egerton), descobriu o jogo do programador russo Alexey Pajitno (Nikita Efrenov) no final da década de 1980, quando a "Cortina de Ferro" da URSS estava prestes a cair. Com o objetivo de licenciar o titulo mundialmente para consoles de videogame, fliperamas, PCs e também para o futuro "gameboy", Rogers se envolve em um turbilhão de mentiras e corrupção, de modo que precisa negociar até com o serviço secreto russo, a KGB. Enquanto várias partes fazem reivindicações legais sobre o jogo, Rogers logo se vê no meio de uma enorme batalha legal que pode custar até seu casamento. Confira o trailer (em inglês):
É claro que, mesmo se baseando em fatos, o promissor diretor Jon S. Baird (de "Stan & Ollie") se permitiu algumas licenças poéticas para criar uma dinâmica que vai além de um estudo de caso e acaba se tornando um filme muito divertido - como o próprio Baird antecipou em uma matéria para o Collider, Tetris "não é um documentário"! Dito isso, fica muito fácil aceitar toda a jornada de Rogers já que Egerton mostra mais uma vez seu range na interpretação, capaz de dominar os alívios cômicos com a mesma qualidade em que convence como um empreendedor em busca de um sonho (muito arriscado) que parece impossível de realizar.
O roteiro de Noah Pink (criador de "Genius"), de fato, está longe de ser um profundo mergulho na psique do personagem - daqueles construídos em cima de inúmeras camadas e dramas marcantes que refletem algumas ações intempestivas no presente. Muito menos é uma detalhada investigação sobre a importância sociocultural ou politica do jogo em questão, no entanto, a simplicidade do texto, que em nenhum momento se perde em referências nostálgicas ou na densidade jurídica dos conflitos, aliada a uma narrativa inteligente, faz da nossa experiência como audiência, algo muito prazeroso.
As referências visuais, normalmente pautadas nos gráficos 8 bits dos videogames mais antigos, e uma trilha sonora simplesmente fantástica são as cerejas do bolo de "Tetris". Mesmo que em alguns momentos o filme vacile ao abusar dos estereótipos soviéticos (ao melhor estilo Stranger Things), é interessante perceber que tudo isso faz parte de escolha conceitual que torna a história, em termos narrativos, algo leve e fácil de consumir; deixando claro que até por trás dos bloquinhos caindo do alto de uma tela, existe uma boa história!
Vale muito o seu play!
PS: Sugiro, para contextualizar esse universo dos primórdios dos video-games, assistir a série "GDLK".
Quando "The Morning Show" foi apresentado, rapidamente associei sua importância como uma espécie de "House of Cards" da AppleTV+! Não só por na época ser o cartão de visitas do novo serviço de streaming da Apple, mas também por trabalhar elementos muito próximos ao sucesso da Netflix. Focado nos dramas e intrigas nos bastidores do programa jornalístico matinal de maior sucesso dos EUA, "The Morning Show" escancara a incansável necessidade do ser humano na busca pelo poder e pelo sucesso a qualquer preço!
Baseada no livro "Top of the Morning: Inside the Cutthroat World of Morning TV", de Brian Stelter e com roteiro de Kerry Ehrin ("Bates Motel"), "The Morning Show" retrata os reflexos de um escândalo sexual envolvendo seu principal âncora, Mitch Kessler (Steve Carell). Após 15 anos de parceria, agora sozinha na bancada, a experiente e respeitada jornalista Alex Levy (Jennifer Aniston) se vê pressionada a reformular o programa a fim de aumentar a audiência e manter seu emprego - já que para os executivos da emissora, uma transformação seria necessária para se adequar a um estilo de jornalismo mais moderno. É nesse turbilhão que surge Bradley Jackson (Reese Witherspoon), uma repórter vinda do interior que ganhou notoriedade nacional após um vídeo, onde confrontava um manifestante, viralizar na internet. Convidada a dividir a bancada com Alex Levy, Bradley Jackson "cai de para-quedas" em um ambiente cheio de egos, traições e mentiras onde o desafio diário não é a busca pela verdade e sim a manutenção do emprego!
Depois de alguns episódios fica claro que "The Morning Show" tem força, mas que precisa de alguns ajustes - e isso acontece. A necessidade de criar uma dinâmica que prendesse um potencial novo assinante, mais atrapalha do que ajuda. No começo você vai perceber uma necessidade enorme de criar subtramas que surgem sem o menor sentido, mas depois elas vão perdendo força porque não se sustentam como deveriam e o que interessa passa a fluir melhor.
Jennifer Aniston começa muito bem, mas com o decorrer dos episódios vai cansando (é incrível como ainda vemos a Rachel em determinadas atitudes da personagem - aliás, eu diria até que Alex Levy é o que poderia ter se tornado a personagem de "Friends" mais velha - mimada e fria). Reese Witherspoon por outro lado mostra que continua em ótima forma depois de "Big Little Lies" - ela funciona bem como uma desbocada jornalista caipira idealista. É perceptível que o elenco cheio de atores conhecidos como Nestor Carbonell, Billy Crudup, Mark Duplass, Bel Powley e Joe Marinelli, podem entregar ótimas histórias, com personagens bem complexos e interessantes, mas depois da primeira temporada, será vital para a série que o roteiro de Kerry Ehrin encontre um maior equilíbrio e uma certa identidade!
Os assuntos são ótimos e aí eu destaco a maneira como a história do assédio envolvendo Mitch é contada - além de mostrar a famosa "caça as bruxas", tão comum nos dias de hoje, ela nos provoca a pensar sobre o princípio da dúvida, isso instiga e valoriza a discussão - o último episódio, inclusive, coloca o assunto em outro patamar, com cenas chocantes e diálogos bem pesados! Outro ponto interessante é a relação familiar de Alex e a sensação de vazio que a personagem passa, mesmo quando está ao lado do ex-marido e da filha adolescente - é uma pena que vá perdendo força durante a temporada até sumir nos 3 ou 4 últimos episódios!
A produção não poderia ser melhor - são 15 milhões de dólares por episódio (números nível GoT). Muito bem dirigida e fotografada (aqui a referência de House of Cards é até mais clara). Vários planos sequência, trocando o foco do protagonismo naturalmente, tudo realizado com inteligência, técnica e propósito - muito bom! A trilha sonora também está excelente.
Indico com a maior tranquilidade. Vale seu play!
Quando "The Morning Show" foi apresentado, rapidamente associei sua importância como uma espécie de "House of Cards" da AppleTV+! Não só por na época ser o cartão de visitas do novo serviço de streaming da Apple, mas também por trabalhar elementos muito próximos ao sucesso da Netflix. Focado nos dramas e intrigas nos bastidores do programa jornalístico matinal de maior sucesso dos EUA, "The Morning Show" escancara a incansável necessidade do ser humano na busca pelo poder e pelo sucesso a qualquer preço!
Baseada no livro "Top of the Morning: Inside the Cutthroat World of Morning TV", de Brian Stelter e com roteiro de Kerry Ehrin ("Bates Motel"), "The Morning Show" retrata os reflexos de um escândalo sexual envolvendo seu principal âncora, Mitch Kessler (Steve Carell). Após 15 anos de parceria, agora sozinha na bancada, a experiente e respeitada jornalista Alex Levy (Jennifer Aniston) se vê pressionada a reformular o programa a fim de aumentar a audiência e manter seu emprego - já que para os executivos da emissora, uma transformação seria necessária para se adequar a um estilo de jornalismo mais moderno. É nesse turbilhão que surge Bradley Jackson (Reese Witherspoon), uma repórter vinda do interior que ganhou notoriedade nacional após um vídeo, onde confrontava um manifestante, viralizar na internet. Convidada a dividir a bancada com Alex Levy, Bradley Jackson "cai de para-quedas" em um ambiente cheio de egos, traições e mentiras onde o desafio diário não é a busca pela verdade e sim a manutenção do emprego!
Depois de alguns episódios fica claro que "The Morning Show" tem força, mas que precisa de alguns ajustes - e isso acontece. A necessidade de criar uma dinâmica que prendesse um potencial novo assinante, mais atrapalha do que ajuda. No começo você vai perceber uma necessidade enorme de criar subtramas que surgem sem o menor sentido, mas depois elas vão perdendo força porque não se sustentam como deveriam e o que interessa passa a fluir melhor.
Jennifer Aniston começa muito bem, mas com o decorrer dos episódios vai cansando (é incrível como ainda vemos a Rachel em determinadas atitudes da personagem - aliás, eu diria até que Alex Levy é o que poderia ter se tornado a personagem de "Friends" mais velha - mimada e fria). Reese Witherspoon por outro lado mostra que continua em ótima forma depois de "Big Little Lies" - ela funciona bem como uma desbocada jornalista caipira idealista. É perceptível que o elenco cheio de atores conhecidos como Nestor Carbonell, Billy Crudup, Mark Duplass, Bel Powley e Joe Marinelli, podem entregar ótimas histórias, com personagens bem complexos e interessantes, mas depois da primeira temporada, será vital para a série que o roteiro de Kerry Ehrin encontre um maior equilíbrio e uma certa identidade!
Os assuntos são ótimos e aí eu destaco a maneira como a história do assédio envolvendo Mitch é contada - além de mostrar a famosa "caça as bruxas", tão comum nos dias de hoje, ela nos provoca a pensar sobre o princípio da dúvida, isso instiga e valoriza a discussão - o último episódio, inclusive, coloca o assunto em outro patamar, com cenas chocantes e diálogos bem pesados! Outro ponto interessante é a relação familiar de Alex e a sensação de vazio que a personagem passa, mesmo quando está ao lado do ex-marido e da filha adolescente - é uma pena que vá perdendo força durante a temporada até sumir nos 3 ou 4 últimos episódios!
A produção não poderia ser melhor - são 15 milhões de dólares por episódio (números nível GoT). Muito bem dirigida e fotografada (aqui a referência de House of Cards é até mais clara). Vários planos sequência, trocando o foco do protagonismo naturalmente, tudo realizado com inteligência, técnica e propósito - muito bom! A trilha sonora também está excelente.
Indico com a maior tranquilidade. Vale seu play!
"Todos já sabem" é o primeiro filme do iraniano Asghar Farhadi fora do seu país. O filme é uma co-produção Espanha/França/Italia e nem por isso Farhadi precisou abrir mão do seu estilo e controle criativo em todo o processo. Mais uma vez ele escreve um roteiro com uma história bastante consistente e dirige o filme com a competência técnica e a segurança narrativa quase imperceptível que já virou sua marca. Sério, se você não conhece a filmografia do Asghar Farhadi, saiba que ele já ganhou um Oscar com "O Apartamento" (The Salesman) e outro com "A Separação", além da Palme d'Or (em Cannes) pelo seu "O Passado"!!! Ou seja, seus três últimos filmes ganharam quase todos os prêmios mais cobiçados do cinema mundial... Fraco o cara?
Em "Todos já sabem" ele coloca na tela uma ambientação muito particular, pois o filme se passa em um pequeno vilarejo próximo de Madrid, cidade natal de Laura (Penélope Cruz). Ela retorna, acompanhado dos seus filhos, para o casamento da sua irmã. Porém, durante a festa, sua filha mais velha desaparece em circunstâncias muito parecidas com um outro sequestro que marcou muito a região pelo seu fim trágico. O desaparecimento de Irene e sua investigação trás a tona uma série de segredos (ou não - por isso o nome do filme) e mágoas que só aumentaram com o passar dos anos. O mistério sobre o paradeiro de Irene é muito bem construído e como os personagens vão se envolvendo acaba criando uma sensação de superficialidade daquelas relações - é muito interessante pela particularidade das histórias mal resolvidas. É quase um arquétipo de uma família amargurada que vive apenas de aparências apoiada em um passado que não existe mais!!! Imaginem a força que isso ganha em uma cidade tão pequena onde todos se conhecem... Me lembrou muito o clima que o Walter Salles criou em "Abril Despedaçado" e de como o "ressentimento" foi consumindo aqueles personagens de dentro para fora e tudo em sua volta foi embolorando!
Um dos pontos altos do filme é, sem dúvida, o elenco! É uma interpretação melhor que a outra, com destaque para Bárbara Lennie (Bea) que dá um show pela sua capacidade de externar aqueles sentimentos tão silenciosos e de uma forma tão natural que chega a doer na gente! Obviamente que Ricardo Darín, Penélope Cruz, Javier Bardem e Eduard Fernández também estão voando, mas isso já era de se esperar!!! Um detalhe importante: Asghar Farhadi é um grande diretor de atores, todos os filmes dele estão apoiados em grandes atuações - reparem - o roteiro ajuda, mas os atores sempre estão no tom certo!!!! Bom, a fotografia do filme também merece um comentário: é um lindo trabalho do José Luis Alcaine, o mesmo de "A Pele que Habito" - se atentem para as cenas da festa de casamento e de quando o personagem do Javier Bardem procura pela esposa em casa, já mais para o final do filme!
Eu já escrevi dois reviews de filmes do Farhadi aqui no Viu Review, então gostaria de destacar uma frase que usei para iniciar o texto de The Salesman: "Tem Diretor que te dá a certeza de um grande filme e o iraniano Asghar Farhadi, para mim, é um desses caras". Dito isso, eu te convido a conhecer o trabalho dele, um cineasta extremamente autoral, mas que vai te surpreender com filmes intensos, envolventes e inteligentes, com qualidade técnica e artística incontestáveis!
Dê essa chance que você não vai se arrepender.
"Todos já sabem" é o primeiro filme do iraniano Asghar Farhadi fora do seu país. O filme é uma co-produção Espanha/França/Italia e nem por isso Farhadi precisou abrir mão do seu estilo e controle criativo em todo o processo. Mais uma vez ele escreve um roteiro com uma história bastante consistente e dirige o filme com a competência técnica e a segurança narrativa quase imperceptível que já virou sua marca. Sério, se você não conhece a filmografia do Asghar Farhadi, saiba que ele já ganhou um Oscar com "O Apartamento" (The Salesman) e outro com "A Separação", além da Palme d'Or (em Cannes) pelo seu "O Passado"!!! Ou seja, seus três últimos filmes ganharam quase todos os prêmios mais cobiçados do cinema mundial... Fraco o cara?
Em "Todos já sabem" ele coloca na tela uma ambientação muito particular, pois o filme se passa em um pequeno vilarejo próximo de Madrid, cidade natal de Laura (Penélope Cruz). Ela retorna, acompanhado dos seus filhos, para o casamento da sua irmã. Porém, durante a festa, sua filha mais velha desaparece em circunstâncias muito parecidas com um outro sequestro que marcou muito a região pelo seu fim trágico. O desaparecimento de Irene e sua investigação trás a tona uma série de segredos (ou não - por isso o nome do filme) e mágoas que só aumentaram com o passar dos anos. O mistério sobre o paradeiro de Irene é muito bem construído e como os personagens vão se envolvendo acaba criando uma sensação de superficialidade daquelas relações - é muito interessante pela particularidade das histórias mal resolvidas. É quase um arquétipo de uma família amargurada que vive apenas de aparências apoiada em um passado que não existe mais!!! Imaginem a força que isso ganha em uma cidade tão pequena onde todos se conhecem... Me lembrou muito o clima que o Walter Salles criou em "Abril Despedaçado" e de como o "ressentimento" foi consumindo aqueles personagens de dentro para fora e tudo em sua volta foi embolorando!
Um dos pontos altos do filme é, sem dúvida, o elenco! É uma interpretação melhor que a outra, com destaque para Bárbara Lennie (Bea) que dá um show pela sua capacidade de externar aqueles sentimentos tão silenciosos e de uma forma tão natural que chega a doer na gente! Obviamente que Ricardo Darín, Penélope Cruz, Javier Bardem e Eduard Fernández também estão voando, mas isso já era de se esperar!!! Um detalhe importante: Asghar Farhadi é um grande diretor de atores, todos os filmes dele estão apoiados em grandes atuações - reparem - o roteiro ajuda, mas os atores sempre estão no tom certo!!!! Bom, a fotografia do filme também merece um comentário: é um lindo trabalho do José Luis Alcaine, o mesmo de "A Pele que Habito" - se atentem para as cenas da festa de casamento e de quando o personagem do Javier Bardem procura pela esposa em casa, já mais para o final do filme!
Eu já escrevi dois reviews de filmes do Farhadi aqui no Viu Review, então gostaria de destacar uma frase que usei para iniciar o texto de The Salesman: "Tem Diretor que te dá a certeza de um grande filme e o iraniano Asghar Farhadi, para mim, é um desses caras". Dito isso, eu te convido a conhecer o trabalho dele, um cineasta extremamente autoral, mas que vai te surpreender com filmes intensos, envolventes e inteligentes, com qualidade técnica e artística incontestáveis!
Dê essa chance que você não vai se arrepender.
"Top Model" (ou "The Model") é um filme dinamarquês de 2016 pouco original, mas não digo isso com demérito e sim com certa preocupação. É mais uma história sobre o universo predatório da moda que serve de aviso para milhões de adolescentes que sonham em sair de uma cidade pequena e estampar as mais cobiçadas capas de revistas e desfilar para as mais importantes grifes - o diferencial aqui, é justamente a forma realista e provocadora como o diretor Mads Matthiesen (de "Equinox") retrata essa atmosfera tentadora e pouco ficcional.
Emma (Maria Palm) é uma modelo emergente no meio artístico que está lutando para conseguir um espaço no cenário da moda parisiense depois de sair de uma pequena cidade do interior da Dinamarca. Em meio a sua batalha por espaço, ela desenvolve uma certa obsessão por um famoso fotógrafo de moda, Shane White (Ed Skrein), depois que uma rápida relação se estabelece entre os dois. Confira o trailer:
Talvez o ponto a ser observado de imediato, são os sinais de uma jornada que parece tão comum à tantas modelos em inicio de carreira. Obviamente sem generalizar e respeitando inúmeros profissionais que transitam nesse universo, é mais uma história que se encaixa na receita de um estereótipo criado depois de inúmeras repetições: a rotina de uma jovem, no caso dinamarquesa, que se aventura em Paris, sob a desconfiança da sua família pouco presente e da crença de um namorado de colégio, a quem promete amor eterno. Porém, o amor é frágil demais diante da possibilidade de tantas realizações de uma profissão tão glamorosa - e Matthiesen equilibra perfeitamente o perrengue do dia a dia com as oportunidades sociais que a profissão facilmente impõe.
O contraste entre a Dinamarca, e a história construída por lá e que fica para trás rapidamente, e a Paris que surge iluminada como a oportunidade de uma vida, fazem com que os enquadramentos retratem exatamente essa dicotomia - reparem como o filme trabalha a beleza do silêncio em planos da cidade como se estivessem nos preparando para o caos que o dia vai se tornar, se estendendo até a altas horas da noite, afinal estamos falando da "metrópole da moda". Esse e outros detalhes que podem passar despercebidos, criam inúmeras camadas na personagem Emma - aliás, a atriz que interpreta a protagonista, Maria Palm, é modelo profissional e se aproveita perfeitamente da familiaridade com o universo da profissão para representar algum encantamento dentro do competitivo, mas deslumbrante, mundo da moda pelos olhos de quem sonhou mais do que viveu. Ela merece nosso elogio, pela neutralidade e ao mesmo tempo pela profundidade com que interioriza tantos sentimentos, tão comuns para a idade (ela tem 16 anos na história).
"Top Model" é mais provocador do que surpreendente. Tudo é muito claro e vai se encaixando quase que automaticamente sem a menor intenção de criar um plot twist matador (desculpem o trocadilho). Sua dinâmica é bem construída e nos leva para dentro de uma jovem em transformação e sem a menor capacidade intelectual de sobreviver a tantos predadores - sucesso, homens, oportunidades, mulheres, dinheiro, competição! Filme vencedor Göteborg Film Festival em 2016, com uma levada conceitual bem independente, mas fácil de acompanhar e de se entreter!
Pode te surpreender!
"Top Model" (ou "The Model") é um filme dinamarquês de 2016 pouco original, mas não digo isso com demérito e sim com certa preocupação. É mais uma história sobre o universo predatório da moda que serve de aviso para milhões de adolescentes que sonham em sair de uma cidade pequena e estampar as mais cobiçadas capas de revistas e desfilar para as mais importantes grifes - o diferencial aqui, é justamente a forma realista e provocadora como o diretor Mads Matthiesen (de "Equinox") retrata essa atmosfera tentadora e pouco ficcional.
Emma (Maria Palm) é uma modelo emergente no meio artístico que está lutando para conseguir um espaço no cenário da moda parisiense depois de sair de uma pequena cidade do interior da Dinamarca. Em meio a sua batalha por espaço, ela desenvolve uma certa obsessão por um famoso fotógrafo de moda, Shane White (Ed Skrein), depois que uma rápida relação se estabelece entre os dois. Confira o trailer:
Talvez o ponto a ser observado de imediato, são os sinais de uma jornada que parece tão comum à tantas modelos em inicio de carreira. Obviamente sem generalizar e respeitando inúmeros profissionais que transitam nesse universo, é mais uma história que se encaixa na receita de um estereótipo criado depois de inúmeras repetições: a rotina de uma jovem, no caso dinamarquesa, que se aventura em Paris, sob a desconfiança da sua família pouco presente e da crença de um namorado de colégio, a quem promete amor eterno. Porém, o amor é frágil demais diante da possibilidade de tantas realizações de uma profissão tão glamorosa - e Matthiesen equilibra perfeitamente o perrengue do dia a dia com as oportunidades sociais que a profissão facilmente impõe.
O contraste entre a Dinamarca, e a história construída por lá e que fica para trás rapidamente, e a Paris que surge iluminada como a oportunidade de uma vida, fazem com que os enquadramentos retratem exatamente essa dicotomia - reparem como o filme trabalha a beleza do silêncio em planos da cidade como se estivessem nos preparando para o caos que o dia vai se tornar, se estendendo até a altas horas da noite, afinal estamos falando da "metrópole da moda". Esse e outros detalhes que podem passar despercebidos, criam inúmeras camadas na personagem Emma - aliás, a atriz que interpreta a protagonista, Maria Palm, é modelo profissional e se aproveita perfeitamente da familiaridade com o universo da profissão para representar algum encantamento dentro do competitivo, mas deslumbrante, mundo da moda pelos olhos de quem sonhou mais do que viveu. Ela merece nosso elogio, pela neutralidade e ao mesmo tempo pela profundidade com que interioriza tantos sentimentos, tão comuns para a idade (ela tem 16 anos na história).
"Top Model" é mais provocador do que surpreendente. Tudo é muito claro e vai se encaixando quase que automaticamente sem a menor intenção de criar um plot twist matador (desculpem o trocadilho). Sua dinâmica é bem construída e nos leva para dentro de uma jovem em transformação e sem a menor capacidade intelectual de sobreviver a tantos predadores - sucesso, homens, oportunidades, mulheres, dinheiro, competição! Filme vencedor Göteborg Film Festival em 2016, com uma levada conceitual bem independente, mas fácil de acompanhar e de se entreter!
Pode te surpreender!
"Trabalho Interno" é daqueles documentários que faz você perder completamente a fé no ser humano. Pode até parecer que o filme tem o objetivo de explicar como um sistema complexo foi desmoronando até encontrar o seu ápice em 2008, mas não, ele vai além: o que vemos na tela é um conjunto de ganância, hipocrisia e total falta de empatia do tamanho do bônus anual de cada um dos executivos dos bancos de investimentos envolvido na crise. Triste, mas real!
Em 2008, uma crise econômica de proporções globais fez com que milhões de pessoas perdessem suas casas e empregos. Ao todo, foram gastos mais de US$ 20 trilhões para combater a situação. Através de uma extensa pesquisa e entrevistas com pessoas ligadas ao mundo financeiro, políticos e jornalistas, é desvendado o relacionamento corrosivo que envolveu representantes da política, da justiça e do mundo acadêmico. Confira o trailer:
"Trabalho Interno" foi o grande vencedor do Oscar de melhor Documentário em 2011 e sua importância justifica o prêmio. Com o roteiro escrito pelos estreantes Chad Beck e Adam Bolt, e dirigido por Charles Ferguson (de "No End in Sight" que fazia uma abordagem critica do governo de George W. Bush e a intervenção americana no Iraque), o documentário surpreende pela clareza com que discute o assunto - é fácil perceber a organicidade do roteiro, nos dando a falsa impressão de que o tema é imensamente mais fácil e que tudo que aconteceu é muito pior do que imaginávamos. A montagem usa de uma narrativa bastante dinâmica, equilibrando perfeitamente entrevistas com animações praticamente auto-explicativas, e ainda uma narração perfeita que une todos os pontos no tom exato e sem rodeios (mérito de Matt Damon).
O bacana é que "Trabalho Interno" não se limita em explicar como a bolha econômica foi sendo construída. Ao melhor estilo "Michael Moore", há uma claro, e positivo, interesse de apontar os culpados e de denunciar, ponto a ponto, como alguns executivos enriqueceram com a crise. A desregulamentação iniciada pelo governo Reagan se estende até a administração de Barack Obama, passando, obviamente, por George W. Bush - Ferguson não passa pano em ninguém e isso qualifica sua posição como cineasta. O problema é que as denuncias não param por aí, não se salvam professores de universidades como Havard e Columbia, lobistas, diretores de grandes bancos, bancos de investimento e até de equipes econômicas dos presidentes americanos citados. Olha, é de embrulhar o estômago!
A divisão em capítulos ajuda muito a dinâmica do documentário, mas em nenhum momento ele se apoia em performances individuais para nos conquistar. Mesmo quando as perguntas vazam pelo microfone, o foco é muito mais na reação do entrevistado (e são tantas incríveis) do que na espetacularização na situação - e é aqui que o filme se distancia de Moore. "Inside the Job" (título original) é o filme que temos que assistir antes de "Margin Call" ou "A Grande Aposta", afinal ele nos dá a base intelectual para colhermos o que tem de melhor das outras produções.
Um grande e dolorido documentário! Vale muito seu play!
"Trabalho Interno" é daqueles documentários que faz você perder completamente a fé no ser humano. Pode até parecer que o filme tem o objetivo de explicar como um sistema complexo foi desmoronando até encontrar o seu ápice em 2008, mas não, ele vai além: o que vemos na tela é um conjunto de ganância, hipocrisia e total falta de empatia do tamanho do bônus anual de cada um dos executivos dos bancos de investimentos envolvido na crise. Triste, mas real!
Em 2008, uma crise econômica de proporções globais fez com que milhões de pessoas perdessem suas casas e empregos. Ao todo, foram gastos mais de US$ 20 trilhões para combater a situação. Através de uma extensa pesquisa e entrevistas com pessoas ligadas ao mundo financeiro, políticos e jornalistas, é desvendado o relacionamento corrosivo que envolveu representantes da política, da justiça e do mundo acadêmico. Confira o trailer:
"Trabalho Interno" foi o grande vencedor do Oscar de melhor Documentário em 2011 e sua importância justifica o prêmio. Com o roteiro escrito pelos estreantes Chad Beck e Adam Bolt, e dirigido por Charles Ferguson (de "No End in Sight" que fazia uma abordagem critica do governo de George W. Bush e a intervenção americana no Iraque), o documentário surpreende pela clareza com que discute o assunto - é fácil perceber a organicidade do roteiro, nos dando a falsa impressão de que o tema é imensamente mais fácil e que tudo que aconteceu é muito pior do que imaginávamos. A montagem usa de uma narrativa bastante dinâmica, equilibrando perfeitamente entrevistas com animações praticamente auto-explicativas, e ainda uma narração perfeita que une todos os pontos no tom exato e sem rodeios (mérito de Matt Damon).
O bacana é que "Trabalho Interno" não se limita em explicar como a bolha econômica foi sendo construída. Ao melhor estilo "Michael Moore", há uma claro, e positivo, interesse de apontar os culpados e de denunciar, ponto a ponto, como alguns executivos enriqueceram com a crise. A desregulamentação iniciada pelo governo Reagan se estende até a administração de Barack Obama, passando, obviamente, por George W. Bush - Ferguson não passa pano em ninguém e isso qualifica sua posição como cineasta. O problema é que as denuncias não param por aí, não se salvam professores de universidades como Havard e Columbia, lobistas, diretores de grandes bancos, bancos de investimento e até de equipes econômicas dos presidentes americanos citados. Olha, é de embrulhar o estômago!
A divisão em capítulos ajuda muito a dinâmica do documentário, mas em nenhum momento ele se apoia em performances individuais para nos conquistar. Mesmo quando as perguntas vazam pelo microfone, o foco é muito mais na reação do entrevistado (e são tantas incríveis) do que na espetacularização na situação - e é aqui que o filme se distancia de Moore. "Inside the Job" (título original) é o filme que temos que assistir antes de "Margin Call" ou "A Grande Aposta", afinal ele nos dá a base intelectual para colhermos o que tem de melhor das outras produções.
Um grande e dolorido documentário! Vale muito seu play!
"Um Reencontro" é um típico romance francês - daqueles que assistimos sorrindo. Se você busca um filme sobre relações, leve, bem escrito, bem dirigido e bastante despretensioso, pode dar o play sem receio que sua diversão está garantida e também pode ter certeza: ele vai te provocar deliciosas memórias!
Pierre (François Cluzet) é um advogado criminalista reconhecido, casado há mais de 15 anos e que sempre coloca a família em primeiro lugar. Elsa (Sophie Marceau) é uma escritora recém-saída de um divórcio com dois filhos adolescentes e que vive um bom momento profissional. Um relacionamento amoroso entre os dois, portanto, seria proibido, mas desde a primeira troca de olhares, algo mudou na vida dos dois. Agora, eles terão que decidir se seguem esse desejo e essa paixão ou se param enquanto conseguem resistir um ao outro. Confira o trailer:
Essa história escrita e dirigida pela francesa Lisa Azuelos (que também faz uma interessante participação como Anne, a mulher de Pierre) tem um elemento, que por sinal é explicado rapidamente durante o filme e que não tem a menor intenção de fazer dessa premissa uma verdade absoluta como em "As Leis da Termodinâmica", que remete à física quântica. Veja, se um átomo pode estar em diferentes lugares ao mesmo tempo, consequentemente, é possível que existam trajetórias diferentes ao mesmo tempo. Transportando para um relacionamento, diferentes possibilidades a partir de uma única ação não é algo tão absurdo - tanto que o livro que a personagem Elsa está lançando na ficção é intitulado “Homem Quântico”.
Feito esse disclaimer, "Um Reencontro" constrói sua narrativa em cima de algumas possibilidades a cada reencontro de Pierre e Elsa, respeitando uma ideia clara de "e se?" e assim se divertindo com todas as suspensões de realidade que um romance permitiria ter. Visualmente, Azuelos se alinha com o mesmo conceito: sua câmera passeia pelas reações dos protagonistas com uma delicadeza e sensibilidade impressionantes. Se os planos são fechamos, entendemos seus desejos mais íntimos; se plano está mais aberto, o que vemos é a confusão entre "razão" e "coração" que ambos precisam lidar a cada encontro. As transições entre essas duas situações, inclusive, são, além de criativas, tecnicamente muito bem executadas, criando um dinâmica muito bacana de assistir.
Tanto Marceau quanto François estão perfeitos - existe uma química entre os dois de dar inveja! A trilha sonora ajuda, e muito, na construção dessa relação e é um espetáculo a parte. Reparem como a montagem, responsabilidade de Stan Collet e Karine Prido, encaixa ótimos diálogos com essa trilha empolgante a partir de cortes precisos, dando um ar de modernidade diferenciado ao filme - além de reforçar a ideia sobre as diferentes possibilidades de uma relação entre dois personagens apaixonados que não podem se envolver - nesse sentido, as referência da literatura também estão no roteiro. Eu diria que é o clássico do conteúdo com a modernidade da forma! Funciona!
"Um Reencontro" vale muito a pena mesmo!
"Um Reencontro" é um típico romance francês - daqueles que assistimos sorrindo. Se você busca um filme sobre relações, leve, bem escrito, bem dirigido e bastante despretensioso, pode dar o play sem receio que sua diversão está garantida e também pode ter certeza: ele vai te provocar deliciosas memórias!
Pierre (François Cluzet) é um advogado criminalista reconhecido, casado há mais de 15 anos e que sempre coloca a família em primeiro lugar. Elsa (Sophie Marceau) é uma escritora recém-saída de um divórcio com dois filhos adolescentes e que vive um bom momento profissional. Um relacionamento amoroso entre os dois, portanto, seria proibido, mas desde a primeira troca de olhares, algo mudou na vida dos dois. Agora, eles terão que decidir se seguem esse desejo e essa paixão ou se param enquanto conseguem resistir um ao outro. Confira o trailer:
Essa história escrita e dirigida pela francesa Lisa Azuelos (que também faz uma interessante participação como Anne, a mulher de Pierre) tem um elemento, que por sinal é explicado rapidamente durante o filme e que não tem a menor intenção de fazer dessa premissa uma verdade absoluta como em "As Leis da Termodinâmica", que remete à física quântica. Veja, se um átomo pode estar em diferentes lugares ao mesmo tempo, consequentemente, é possível que existam trajetórias diferentes ao mesmo tempo. Transportando para um relacionamento, diferentes possibilidades a partir de uma única ação não é algo tão absurdo - tanto que o livro que a personagem Elsa está lançando na ficção é intitulado “Homem Quântico”.
Feito esse disclaimer, "Um Reencontro" constrói sua narrativa em cima de algumas possibilidades a cada reencontro de Pierre e Elsa, respeitando uma ideia clara de "e se?" e assim se divertindo com todas as suspensões de realidade que um romance permitiria ter. Visualmente, Azuelos se alinha com o mesmo conceito: sua câmera passeia pelas reações dos protagonistas com uma delicadeza e sensibilidade impressionantes. Se os planos são fechamos, entendemos seus desejos mais íntimos; se plano está mais aberto, o que vemos é a confusão entre "razão" e "coração" que ambos precisam lidar a cada encontro. As transições entre essas duas situações, inclusive, são, além de criativas, tecnicamente muito bem executadas, criando um dinâmica muito bacana de assistir.
Tanto Marceau quanto François estão perfeitos - existe uma química entre os dois de dar inveja! A trilha sonora ajuda, e muito, na construção dessa relação e é um espetáculo a parte. Reparem como a montagem, responsabilidade de Stan Collet e Karine Prido, encaixa ótimos diálogos com essa trilha empolgante a partir de cortes precisos, dando um ar de modernidade diferenciado ao filme - além de reforçar a ideia sobre as diferentes possibilidades de uma relação entre dois personagens apaixonados que não podem se envolver - nesse sentido, as referência da literatura também estão no roteiro. Eu diria que é o clássico do conteúdo com a modernidade da forma! Funciona!
"Um Reencontro" vale muito a pena mesmo!
"Uma Questão de Química" é uma graça, mas está longe de ser uma comédia ou uma história sobre uma química que faz fama e dinheiro como apresentadora de um programa de culinária na TV. Não é sobre isso, é sim sobre o papel da mulher na sociedade americana do início dos anos 1960 - que cá entre nós, são situações tão absurdas que soa até algo distante, mas olha, ainda acontece! A minissérie criada pelo Lee Eisenberg (do surpreendente "Na Mira do Júri"), baseada na obra de Bonnie Garmus, brilha por levantar discussões e tocar em temas sensíveis que vão dialogar perfeitamente com o universo feminino e com sua luta por transformações que a sociedade precisa reconhecer como essenciais - essa é a proposta do projeto. Veja, toda trama é construída em cima de elementos dramáticos para uma audiência que gosta e se identifica com histórias inspiradoras sobre mulheres que desafiam as normas sociais - e é exatamente isso que ela entrega!
"Lessons in Chemistry" (no original) conta a história de Elizabeth Zott (Brie Larson), uma química brilhante que vive as sombras de um machismo estrutural e que acaba demitida do laboratório onde trabalha por causa de uma gravidez inesperada. Elizabeth, sem muitas opções de trabalho devido a sua condição, decide aceitar um convite inesperado: se tornar apresentadora de um programa de culinária. O interessante é que ela acaba usando seu espaço na TV americana para ir além de receitas, e passa a ensinar às donas de casa sobre feminismo, igualdade e empoderamento. Confira o trailer:
Mesmo que a minissérie se apoie naquela história universal sobre a importância de seguir seus sonhos e nunca desistir de seus objetivos, tecnicamente, o roteiro de Eisenberg acaba falhando quando vai além, justamente por respeitar demais a gramática literária de sua matéria prima. Pessoalmente não acho que isso atrapalhe a experiência, mas é inegável que muitas pontas ficam soltas e principalmente, muitas expectativas acabam sendo quebradas sem fazer muito sentido - a que mais incomoda é a superficialidade com que a trama trata o processo de autodescoberta da protagonista e sua ascensão social/midiática quando ela se torna uma apresentadora de TV. O plot da rodovia também é fraco demais.
A performance de Brie Larson, sem dúvida, é um dos grandes destaques da minissérie - pode apostar que ela será indicada em todas as premiações de 2024. Larson foi capaz de entregar uma Elizabeth Zott complexa e cheia de camadas, mas sem cair no estereótipo da fragilidade que se transforma em poder; nada disso, Zott é uma mulher forte e determinada, claro, mas também é vulnerável e incrivelmente humana - a cena de conexão entre ela e sua filha recém-nascida (que ela nunca desejou) só pelo olhar, é simplesmente genial.
Todo elenco de apoio é excelente, com destaque para Lewis Pullman como Calvin Evans, Kevin Sussman como o produtor Walter Pine e a apaixonante Alice Halsey como Madeline (muita atenção com essa garota, ela é um fenômeno). Obviamente que a direção permite que o elenco brilhe, ela é segura tecnicamente e muito eficiente artisticamente - alinhada a uma produção detalhista, com figurinos e cenários que recriam com fidelidade a época, eu diria que "Uma Questão de Química" é realmente impecável nesse sentido! Então, se você está procurando uma série inspiradora, emocionante e que te fará refletir, pode dar o play que seu entretenimento está garantido pelos próximos 8 episódios!
"Uma Questão de Química" é uma graça, mas está longe de ser uma comédia ou uma história sobre uma química que faz fama e dinheiro como apresentadora de um programa de culinária na TV. Não é sobre isso, é sim sobre o papel da mulher na sociedade americana do início dos anos 1960 - que cá entre nós, são situações tão absurdas que soa até algo distante, mas olha, ainda acontece! A minissérie criada pelo Lee Eisenberg (do surpreendente "Na Mira do Júri"), baseada na obra de Bonnie Garmus, brilha por levantar discussões e tocar em temas sensíveis que vão dialogar perfeitamente com o universo feminino e com sua luta por transformações que a sociedade precisa reconhecer como essenciais - essa é a proposta do projeto. Veja, toda trama é construída em cima de elementos dramáticos para uma audiência que gosta e se identifica com histórias inspiradoras sobre mulheres que desafiam as normas sociais - e é exatamente isso que ela entrega!
"Lessons in Chemistry" (no original) conta a história de Elizabeth Zott (Brie Larson), uma química brilhante que vive as sombras de um machismo estrutural e que acaba demitida do laboratório onde trabalha por causa de uma gravidez inesperada. Elizabeth, sem muitas opções de trabalho devido a sua condição, decide aceitar um convite inesperado: se tornar apresentadora de um programa de culinária. O interessante é que ela acaba usando seu espaço na TV americana para ir além de receitas, e passa a ensinar às donas de casa sobre feminismo, igualdade e empoderamento. Confira o trailer:
Mesmo que a minissérie se apoie naquela história universal sobre a importância de seguir seus sonhos e nunca desistir de seus objetivos, tecnicamente, o roteiro de Eisenberg acaba falhando quando vai além, justamente por respeitar demais a gramática literária de sua matéria prima. Pessoalmente não acho que isso atrapalhe a experiência, mas é inegável que muitas pontas ficam soltas e principalmente, muitas expectativas acabam sendo quebradas sem fazer muito sentido - a que mais incomoda é a superficialidade com que a trama trata o processo de autodescoberta da protagonista e sua ascensão social/midiática quando ela se torna uma apresentadora de TV. O plot da rodovia também é fraco demais.
A performance de Brie Larson, sem dúvida, é um dos grandes destaques da minissérie - pode apostar que ela será indicada em todas as premiações de 2024. Larson foi capaz de entregar uma Elizabeth Zott complexa e cheia de camadas, mas sem cair no estereótipo da fragilidade que se transforma em poder; nada disso, Zott é uma mulher forte e determinada, claro, mas também é vulnerável e incrivelmente humana - a cena de conexão entre ela e sua filha recém-nascida (que ela nunca desejou) só pelo olhar, é simplesmente genial.
Todo elenco de apoio é excelente, com destaque para Lewis Pullman como Calvin Evans, Kevin Sussman como o produtor Walter Pine e a apaixonante Alice Halsey como Madeline (muita atenção com essa garota, ela é um fenômeno). Obviamente que a direção permite que o elenco brilhe, ela é segura tecnicamente e muito eficiente artisticamente - alinhada a uma produção detalhista, com figurinos e cenários que recriam com fidelidade a época, eu diria que "Uma Questão de Química" é realmente impecável nesse sentido! Então, se você está procurando uma série inspiradora, emocionante e que te fará refletir, pode dar o play que seu entretenimento está garantido pelos próximos 8 episódios!
"Truth Be Told" (título original) chegou para ser uma espécie de "Big Little Liars" (HBO) do serviço de streaming da Apple e acabou se misturando com o conceito de "The Sinner"(Netflix). Na minha opinião, o resultado dramático que a série entregou está abaixo dessas duas referências diretas - embora o final tenha até uma certa originalidade, os suspeitos de "Verdade seja dita" vão sendo eliminados precocemente, diminuindo cada vez mais o mistério até sobrar o óbvio e isso atrapalha um pouco nossa experiência se fizermos a comparação com várias outras séries do gênero.
"Verdade seja dita" é uma adaptação do romance deKathleen Barber, "Are You Sleeping", que acompanha a jornada da podcaster Poppy Parnell (Octavia Spencer) que, ao descobrir novas evidências de que Warren Cave (Aaron Paul) pode ter ido para a cadeia por engano após "supostamente" ter assassinado seu vizinho, resolve iniciar uma nova investigação que vai servir de material para uma segunda parte do podcast que a transformou em uma verdadeira sensação nacional. Para isso ela tem que encarar o homem que ela ajudou a colocar atrás das grades e todos os personagens que estavam envolvidos nesse caso há 19 anos atrás. Confira o trailer legendado:
A série é muito bem produzida e embora tenha alguns problemas de roteiro (que vamos explicar mais abaixo), o resultado é muito satisfatório para quem gosta de histórias de investigação (e mostra o tamanho do potencial que a protagonista tem). Como todas as séries da AppleTV+ que analisamos até agora, "Verdade seja dita" precisa de alguns ajustes para decolar, mas mesmo com todos os vacilos dessa primeira temporada, temos 8 episódios (de 45 minutos) dinâmicos e que nos prendem até o final.
Para começar, é preciso dizer que "Verdade seja dita" nasceu como série, mas sua estrutura é de minissérie e com isso a Apple, ao lado da produtora (queridinha dos streamings) Reese Witherspoon, transformou sua primeira temporada em uma antologia - aquelas histórias com começo, meio e fim, mas que tem uma segunda temporada focada em um determinado personagem ou conceito narrativo para criar uma unidade. Nesse caso, a próxima trama continua com Parnell (Octavia Spencer) como protagonista produzindo conteúdo para seu famoso podcast só que investigando um outro crime. Segunda temporada que, aliás, já está confirmada!
Ao se afastar do livro "Are You Sleeping" onde Warren Cave (Aaron Paul) é o protagonista e assumir que Parnell será a responsável por conduzir a série, a criadora Nichelle D. Tramble (The Good Wife) surfa na similaridade do sucesso em podcast "Serial", comandado por Sarah Koenig*, mas se perde ao querer construir uma protagonista complexa com sub tramas sem uma grande relevância nessa primeira temporada - como a relação dela com o marido e com a família, especificamente com o pai doente. Com tantas distrações, a roteiro entrega uma trama morna - a vida de Cave na prisão é completamente dispensável. Sua relação com o nazismo cria um desconforto, mas é muito mal aproveitada. Mas o pior é a forma como as resoluções vão acontecendo sem muita preparação, explicação e até sem criar uma progressão dramática que se sustente até o final. Um dos pontos fortes do roteiro, na verdade acaba enfraquecendo a história - por mais paradoxal que possa parecer: ao ter a coragem de ir eliminando alguns personagens muito rapidamente, ela acaba não se aprofundando nos seus dramas pessoais e atitudes dos suspeitos, e com isso muitas lacunas ficam abertas - aqui cabe uma observação: a criadora da série é da escola de Shonda Rhimes (Get Away with Murder) o que justifica esse padrão de escrita!
O diretor dinamarquês Mikkel Nørgaard, embora tenha dirigido 3 episódios, criou toda uma atmosfera visual, trazendo muito da escola nórdica para o projeto. Diretor do excelente "Borgen", Nørgaard liderou mais quatro diretores com maestria, entregando uma unidade estética e, principalmente, uma qualidade irretocável para a série - nível HBO, eu diria. A fotografia, também dividida entre 4 diretores, segue o mesmo nível da direção e, claro, no elenco, Octavia Spencer está irretocável. Já Aaron Paul sofre demais com os problemas do roteiro e por isso não teve chance de mostrar seu trabalho como poderia, mas duas cenas valem sua atenção: quando ele conversa com sua mãe (Elizabeth Perkins) na cadeia e quando ele confronta Lanie (Lizzy Caplan) sobre a carta que ela mandou para ele. Reparem porque vale muito a pena!
Resumindo, "Verdade seja dita" é uma série boa, mas tem espaço para melhorar muito se o roteiro for desenvolvido com mais cuidado. Tecnicamente a série é perfeita, com uma produção de altíssimo nível, como, alias, todas da AppleTV+ lançadas até o momento. Eu indico tranquilamente por uma primeira temporada bem honesta e por uma segunda que promete ajustar o ritmo e acertar na narrativa!
*No podcast, a jornalista americana investigou novamente o caso de Adnan Syed, condenado à prisão perpétua por estrangular a ex-namorada em 1999. Ele jura inocência e Koenig jogou novas luzes sobre a tragédia.
"Truth Be Told" (título original) chegou para ser uma espécie de "Big Little Liars" (HBO) do serviço de streaming da Apple e acabou se misturando com o conceito de "The Sinner"(Netflix). Na minha opinião, o resultado dramático que a série entregou está abaixo dessas duas referências diretas - embora o final tenha até uma certa originalidade, os suspeitos de "Verdade seja dita" vão sendo eliminados precocemente, diminuindo cada vez mais o mistério até sobrar o óbvio e isso atrapalha um pouco nossa experiência se fizermos a comparação com várias outras séries do gênero.
"Verdade seja dita" é uma adaptação do romance deKathleen Barber, "Are You Sleeping", que acompanha a jornada da podcaster Poppy Parnell (Octavia Spencer) que, ao descobrir novas evidências de que Warren Cave (Aaron Paul) pode ter ido para a cadeia por engano após "supostamente" ter assassinado seu vizinho, resolve iniciar uma nova investigação que vai servir de material para uma segunda parte do podcast que a transformou em uma verdadeira sensação nacional. Para isso ela tem que encarar o homem que ela ajudou a colocar atrás das grades e todos os personagens que estavam envolvidos nesse caso há 19 anos atrás. Confira o trailer legendado:
A série é muito bem produzida e embora tenha alguns problemas de roteiro (que vamos explicar mais abaixo), o resultado é muito satisfatório para quem gosta de histórias de investigação (e mostra o tamanho do potencial que a protagonista tem). Como todas as séries da AppleTV+ que analisamos até agora, "Verdade seja dita" precisa de alguns ajustes para decolar, mas mesmo com todos os vacilos dessa primeira temporada, temos 8 episódios (de 45 minutos) dinâmicos e que nos prendem até o final.
Para começar, é preciso dizer que "Verdade seja dita" nasceu como série, mas sua estrutura é de minissérie e com isso a Apple, ao lado da produtora (queridinha dos streamings) Reese Witherspoon, transformou sua primeira temporada em uma antologia - aquelas histórias com começo, meio e fim, mas que tem uma segunda temporada focada em um determinado personagem ou conceito narrativo para criar uma unidade. Nesse caso, a próxima trama continua com Parnell (Octavia Spencer) como protagonista produzindo conteúdo para seu famoso podcast só que investigando um outro crime. Segunda temporada que, aliás, já está confirmada!
Ao se afastar do livro "Are You Sleeping" onde Warren Cave (Aaron Paul) é o protagonista e assumir que Parnell será a responsável por conduzir a série, a criadora Nichelle D. Tramble (The Good Wife) surfa na similaridade do sucesso em podcast "Serial", comandado por Sarah Koenig*, mas se perde ao querer construir uma protagonista complexa com sub tramas sem uma grande relevância nessa primeira temporada - como a relação dela com o marido e com a família, especificamente com o pai doente. Com tantas distrações, a roteiro entrega uma trama morna - a vida de Cave na prisão é completamente dispensável. Sua relação com o nazismo cria um desconforto, mas é muito mal aproveitada. Mas o pior é a forma como as resoluções vão acontecendo sem muita preparação, explicação e até sem criar uma progressão dramática que se sustente até o final. Um dos pontos fortes do roteiro, na verdade acaba enfraquecendo a história - por mais paradoxal que possa parecer: ao ter a coragem de ir eliminando alguns personagens muito rapidamente, ela acaba não se aprofundando nos seus dramas pessoais e atitudes dos suspeitos, e com isso muitas lacunas ficam abertas - aqui cabe uma observação: a criadora da série é da escola de Shonda Rhimes (Get Away with Murder) o que justifica esse padrão de escrita!
O diretor dinamarquês Mikkel Nørgaard, embora tenha dirigido 3 episódios, criou toda uma atmosfera visual, trazendo muito da escola nórdica para o projeto. Diretor do excelente "Borgen", Nørgaard liderou mais quatro diretores com maestria, entregando uma unidade estética e, principalmente, uma qualidade irretocável para a série - nível HBO, eu diria. A fotografia, também dividida entre 4 diretores, segue o mesmo nível da direção e, claro, no elenco, Octavia Spencer está irretocável. Já Aaron Paul sofre demais com os problemas do roteiro e por isso não teve chance de mostrar seu trabalho como poderia, mas duas cenas valem sua atenção: quando ele conversa com sua mãe (Elizabeth Perkins) na cadeia e quando ele confronta Lanie (Lizzy Caplan) sobre a carta que ela mandou para ele. Reparem porque vale muito a pena!
Resumindo, "Verdade seja dita" é uma série boa, mas tem espaço para melhorar muito se o roteiro for desenvolvido com mais cuidado. Tecnicamente a série é perfeita, com uma produção de altíssimo nível, como, alias, todas da AppleTV+ lançadas até o momento. Eu indico tranquilamente por uma primeira temporada bem honesta e por uma segunda que promete ajustar o ritmo e acertar na narrativa!
*No podcast, a jornalista americana investigou novamente o caso de Adnan Syed, condenado à prisão perpétua por estrangular a ex-namorada em 1999. Ele jura inocência e Koenig jogou novas luzes sobre a tragédia.
Embora a história da Elizabeth Holmes, na minha opinião, seja mais absurda pela forma como ela persuadiu (para ser elegante) os investidores durante a criação da Theranos; tenho a impressão que a jornada da WeWork e de seu fundador Adam Neumann funcione melhor como obra cinematográfica - pelo simples fato que soa mais palpável, mesmo que dentro de um universo raro que é a criação de uma "startup unicórnio". Não que "The Dropout" seja ruim como minissérie, muito pelo contrário, mas "WeCrashed" trouxe mais elegância narrativa e visual, além de dois atores (Jared Leto e Anne Hathaway) extremamente conectados com seus personagens e que, mesmo sabendo das loucuras que ambos fizeram durante muito tempo, nos fazem torcer por eles - não sei se o problema seja Amanda Seyfried, talvez Holmes não tenha o mesmo carisma de Neumann; mas acho que vale a discussão.
A minissérie original da Apple acompanha o casal Adam (Leto) e Rebekah Neumann (Hathaway), co-fundadores de uma das maiores startups do mundo, a WeWork. A trama apresenta como eles, junto com o colega Miguel Mckelvey (Kyle Marvin), conseguiram criar uma companhia multimilionária, mas que por divergências ideológicas e ganância, a empresa sofreu grandes perdas financeiramente. Adam e Rebekah rapidamente conquistaram a atenção da mídia por, supostamente, revolucionar o ambiente de trabalho de empresas mundo afora. Os dois tentaram criar uma imagem moderna e inovadora, se distanciando de modelos tradiocionais de negócios e pintando a WeWork como o futuro das startups. Mas o sonho de um negócio bem-sucedido foi por água abaixo após várias decisões equivocadas. Confira o trailer (em inglês):
Criada pelo (pouco conhecido) Drew Crevello e pelo (rocky star de "The Office") Lee Eisenberg, "WeCrashed" é mais uma minissérie que expões de uma forma até um pouco romântico, o poder de fundadores e CEOs de startups disruptivas, com suas visões muito interessantes de modelos de negócios, um mindset transformador e uma habilidade fora do comum para atrair as pessoas certas para colocarem muito (mas, muito) dinheiro em seus projetos. Bem como Steve Jobs e talvez Mark Zuckerberg, é na personificação de uma inovação que as histórias se constroem - como se a obra fosse menor que seu criador, e de fato essa co-relação é um elemento que faz os olhos da mídia brilharem. Tanto Adam Neumann quanto Rebekah tinham esse tempero e o que poderia ser um diferencial (e precisamos ser honestos em dizer que por um bom tempo foi), se transformou em algo bem próximo do caos.
É um fato que Crevello e Eisenberg em um determinado momento trouxeram o relacionamento de Adam e Rebekah para os holofotes se aproveitando para desenvolver a conexão dessa relação com a forma como a WeWork era conduzida. "The Dropout" tem um pouco disso, mas não com a mesma potência. Em "WeCrashed" também temos algumas passagens curiosas como quando Newman compra um avião muito mais pela música que tocava ao fundo do que pelo convencimento do vendedor - e sim, isso é uma alivio quase cômico para exaltar a personalidade do protagonista. É óbvio que a história não foi exatamente essa, mas quando a assistente de Newman coloca a mesma música ("Roar" de Patty Perry) para tocar toda vez que Newman chega no escritório, entendemos que aquele personagem é movido por estímulos que elevam sua auto-estima e isso tem total ressonância com a trama (e é envolvente).
"WeCrashed" pontua a história sobre a criação da WeWork, mostra seu crescimento, mas não se aprofunda sobre o que levou a empresa de uma fase para a outra - ou seja, não é um estudo de caso sobre uma jornada que tinha tudo para dar muito certo, mas naufragou. Por outro lado serve de lição se você for capaz de ler nas entrelinhas como uma condução tóxica e completamente fora da realidade podem destruir um negócio promissor. "Em seu momento de maior grandeza, tome cuidado. É nessa hora que o Diabo irá te procurar" - essa celebre frase talvez defina a ascensão e queda de Newman e é isso que a minissérie da AppleTV+ se propõe: mostrar em 8 episódios, com uma qualidade técnica e artística irretocáveis, uma história real e impactante para o universo empreendedor, mas com o claro intuito de entreter e não de documentar.
Vale muito a pena!
Embora a história da Elizabeth Holmes, na minha opinião, seja mais absurda pela forma como ela persuadiu (para ser elegante) os investidores durante a criação da Theranos; tenho a impressão que a jornada da WeWork e de seu fundador Adam Neumann funcione melhor como obra cinematográfica - pelo simples fato que soa mais palpável, mesmo que dentro de um universo raro que é a criação de uma "startup unicórnio". Não que "The Dropout" seja ruim como minissérie, muito pelo contrário, mas "WeCrashed" trouxe mais elegância narrativa e visual, além de dois atores (Jared Leto e Anne Hathaway) extremamente conectados com seus personagens e que, mesmo sabendo das loucuras que ambos fizeram durante muito tempo, nos fazem torcer por eles - não sei se o problema seja Amanda Seyfried, talvez Holmes não tenha o mesmo carisma de Neumann; mas acho que vale a discussão.
A minissérie original da Apple acompanha o casal Adam (Leto) e Rebekah Neumann (Hathaway), co-fundadores de uma das maiores startups do mundo, a WeWork. A trama apresenta como eles, junto com o colega Miguel Mckelvey (Kyle Marvin), conseguiram criar uma companhia multimilionária, mas que por divergências ideológicas e ganância, a empresa sofreu grandes perdas financeiramente. Adam e Rebekah rapidamente conquistaram a atenção da mídia por, supostamente, revolucionar o ambiente de trabalho de empresas mundo afora. Os dois tentaram criar uma imagem moderna e inovadora, se distanciando de modelos tradiocionais de negócios e pintando a WeWork como o futuro das startups. Mas o sonho de um negócio bem-sucedido foi por água abaixo após várias decisões equivocadas. Confira o trailer (em inglês):
Criada pelo (pouco conhecido) Drew Crevello e pelo (rocky star de "The Office") Lee Eisenberg, "WeCrashed" é mais uma minissérie que expões de uma forma até um pouco romântico, o poder de fundadores e CEOs de startups disruptivas, com suas visões muito interessantes de modelos de negócios, um mindset transformador e uma habilidade fora do comum para atrair as pessoas certas para colocarem muito (mas, muito) dinheiro em seus projetos. Bem como Steve Jobs e talvez Mark Zuckerberg, é na personificação de uma inovação que as histórias se constroem - como se a obra fosse menor que seu criador, e de fato essa co-relação é um elemento que faz os olhos da mídia brilharem. Tanto Adam Neumann quanto Rebekah tinham esse tempero e o que poderia ser um diferencial (e precisamos ser honestos em dizer que por um bom tempo foi), se transformou em algo bem próximo do caos.
É um fato que Crevello e Eisenberg em um determinado momento trouxeram o relacionamento de Adam e Rebekah para os holofotes se aproveitando para desenvolver a conexão dessa relação com a forma como a WeWork era conduzida. "The Dropout" tem um pouco disso, mas não com a mesma potência. Em "WeCrashed" também temos algumas passagens curiosas como quando Newman compra um avião muito mais pela música que tocava ao fundo do que pelo convencimento do vendedor - e sim, isso é uma alivio quase cômico para exaltar a personalidade do protagonista. É óbvio que a história não foi exatamente essa, mas quando a assistente de Newman coloca a mesma música ("Roar" de Patty Perry) para tocar toda vez que Newman chega no escritório, entendemos que aquele personagem é movido por estímulos que elevam sua auto-estima e isso tem total ressonância com a trama (e é envolvente).
"WeCrashed" pontua a história sobre a criação da WeWork, mostra seu crescimento, mas não se aprofunda sobre o que levou a empresa de uma fase para a outra - ou seja, não é um estudo de caso sobre uma jornada que tinha tudo para dar muito certo, mas naufragou. Por outro lado serve de lição se você for capaz de ler nas entrelinhas como uma condução tóxica e completamente fora da realidade podem destruir um negócio promissor. "Em seu momento de maior grandeza, tome cuidado. É nessa hora que o Diabo irá te procurar" - essa celebre frase talvez defina a ascensão e queda de Newman e é isso que a minissérie da AppleTV+ se propõe: mostrar em 8 episódios, com uma qualidade técnica e artística irretocáveis, uma história real e impactante para o universo empreendedor, mas com o claro intuito de entreter e não de documentar.
Vale muito a pena!
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