"Crash" é um daqueles filmes polêmicos que dividem opiniões - a minha, no entanto, é a melhor possível! "Crash" tem intensidade emocional e nos remete para aquela potência narrativa de "Amores Brutos", por exemplo - talvez com um toque a mais de provocação que faz toda a diferença durante a jornada. Com algumas passagens de difícil digestão, o vencedor do Oscar de "Melhor Filme" em 2006, dirigida por Paul Haggis, é uma obra que se propõe a ser um retrato cru das complexas relações raciais e sociais em Los Angeles, trazendo uma estrutura de múltiplas narrativas entrelaçadas que, de fato, transformam nossa experiência em algo único e visceral! Com um elenco cheio de estrelas e um roteiro realmente ambicioso, o filme escancara os preconceitos enraizados na sociedade moderna onde as dinâmicas de poder afetam não só o cotidiano de cada um dos personagens como também o seu íntimo - cada qual com sua dor e desprezo.
A sinopse oficial descreve "Crash" da seguinte maneira: Em Los Angeles, uma série de histórias se cruzam ao longo de 36 horas, revelando o impacto do racismo e da intolerância no dia a dia de pessoas de diferentes origens e classes sociais. Policiais corruptos, uma promotora branca privilegiada, um diretor de TV negro, um casal imigrante iraniano e um ladrão que questiona o próprio preconceito, são alguns dos personagens cujas vidas se chocam de maneiras inesperadas. Confira o belíssimo trailer (em inglês):
Paul Haggis conduz a trama com maestria, estruturando o filme de forma a criar conexões entre personagens que, à primeira vista, parecem não ter nada em comum. A montagem do vencedor do Oscar da categoria, Hughes Winborne, se alinha a esse conceito de forma ágil, enquanto o roteiro, também vencedor do ano, é bem estruturado ao ponto de fazer com que os acontecimentos fluam naturalmente, resultando em momentos de grande impacto emocional - para o bem e para o mal. Veja, a intenção do filme não é apenas apontar o preconceito alheio, mas provocar uma reflexão sobre nossas próprias percepções e como elas podem influenciar algumas ações que soam até inofensivas pelo olhar menos sensível e empático. O formato proposto por Haggis permite que a audiência experiencie diferentes perspectivas, julgue e tente (ou não) entender como o racismo pode surgir de formas tão inesperadas, até mesmo nas pessoas que acreditam ser imunes a ele.
Don Cheadle, Matt Dillon, Thandiwe Newton, Sandra Bullock, Michael Peña, Brendan Fraser, Terrence Howard e Ryan Phillippe entregam performances intensas, cada um trazendo nuances e humanidade para seus personagens. Dillon, em especial, se destaca interpretando um policial com atitudes questionáveis, mas que carrega uma certa complexidade que o torna mais do que apenas um vilão unidimensional. Já Michael Peña protagoniza uma das cenas mais emocionantes do filme, trazendo momentos de vulnerabilidade e conexão que sintetizam exatamente a mensagem que "Crash" se esforça tanto em passar - e que muitos não engoliram. Visualmente, o filme brinca com uma fotografia mais sóbria e realista possível - tudo para capturar o clima urbano e a sensação de tensão latente entre os personagens. A direção de fotografia do J. Michael Muro opta por uma iluminação dramática primorosa, eu diria até poética, criando um ambiente que reflete exatamente as emoções conflitantes presentes na narrativa. A trilha sonora de Mark Isham (de "Nada é para Sempre") traz composições melancólicas que reforçam a carga emocional dos eventos do filme - repare em "In the Deep" de Kathleen York e Michael Becker. Linda demais!
"Crash" constrói um estudo de personagens envolvente, trazendo diálogos afiados e cenas memoráveis. Em vez de tratar o racismo de maneira didática, o filme prefere mostrar como ele se manifesta no cotidiano, muitas vezes de formas sutis e inesperadas. A estrutura narrativa permite que os personagens sejam apresentados em situações que desafiam suas crenças e comportamentos, mostrando que ninguém é completamente bom ou mau, mas sim produto de suas experiências e do meio em que vivem. Mesmo que sua recepção tenha gerado discussões ao longo dos anos, especialmente pela sua sua abordagem, é inegável que o filme possui méritos significativos, técnicos e artísticos, além, é claro, de ser um catalizador disposto a estimular debates importantes.
Vale muito o seu play!
Up Date: "Crash" ganhou em três categorias das seis que disputou no Oscar 2006!
"Crash" é um daqueles filmes polêmicos que dividem opiniões - a minha, no entanto, é a melhor possível! "Crash" tem intensidade emocional e nos remete para aquela potência narrativa de "Amores Brutos", por exemplo - talvez com um toque a mais de provocação que faz toda a diferença durante a jornada. Com algumas passagens de difícil digestão, o vencedor do Oscar de "Melhor Filme" em 2006, dirigida por Paul Haggis, é uma obra que se propõe a ser um retrato cru das complexas relações raciais e sociais em Los Angeles, trazendo uma estrutura de múltiplas narrativas entrelaçadas que, de fato, transformam nossa experiência em algo único e visceral! Com um elenco cheio de estrelas e um roteiro realmente ambicioso, o filme escancara os preconceitos enraizados na sociedade moderna onde as dinâmicas de poder afetam não só o cotidiano de cada um dos personagens como também o seu íntimo - cada qual com sua dor e desprezo.
A sinopse oficial descreve "Crash" da seguinte maneira: Em Los Angeles, uma série de histórias se cruzam ao longo de 36 horas, revelando o impacto do racismo e da intolerância no dia a dia de pessoas de diferentes origens e classes sociais. Policiais corruptos, uma promotora branca privilegiada, um diretor de TV negro, um casal imigrante iraniano e um ladrão que questiona o próprio preconceito, são alguns dos personagens cujas vidas se chocam de maneiras inesperadas. Confira o belíssimo trailer (em inglês):
Paul Haggis conduz a trama com maestria, estruturando o filme de forma a criar conexões entre personagens que, à primeira vista, parecem não ter nada em comum. A montagem do vencedor do Oscar da categoria, Hughes Winborne, se alinha a esse conceito de forma ágil, enquanto o roteiro, também vencedor do ano, é bem estruturado ao ponto de fazer com que os acontecimentos fluam naturalmente, resultando em momentos de grande impacto emocional - para o bem e para o mal. Veja, a intenção do filme não é apenas apontar o preconceito alheio, mas provocar uma reflexão sobre nossas próprias percepções e como elas podem influenciar algumas ações que soam até inofensivas pelo olhar menos sensível e empático. O formato proposto por Haggis permite que a audiência experiencie diferentes perspectivas, julgue e tente (ou não) entender como o racismo pode surgir de formas tão inesperadas, até mesmo nas pessoas que acreditam ser imunes a ele.
Don Cheadle, Matt Dillon, Thandiwe Newton, Sandra Bullock, Michael Peña, Brendan Fraser, Terrence Howard e Ryan Phillippe entregam performances intensas, cada um trazendo nuances e humanidade para seus personagens. Dillon, em especial, se destaca interpretando um policial com atitudes questionáveis, mas que carrega uma certa complexidade que o torna mais do que apenas um vilão unidimensional. Já Michael Peña protagoniza uma das cenas mais emocionantes do filme, trazendo momentos de vulnerabilidade e conexão que sintetizam exatamente a mensagem que "Crash" se esforça tanto em passar - e que muitos não engoliram. Visualmente, o filme brinca com uma fotografia mais sóbria e realista possível - tudo para capturar o clima urbano e a sensação de tensão latente entre os personagens. A direção de fotografia do J. Michael Muro opta por uma iluminação dramática primorosa, eu diria até poética, criando um ambiente que reflete exatamente as emoções conflitantes presentes na narrativa. A trilha sonora de Mark Isham (de "Nada é para Sempre") traz composições melancólicas que reforçam a carga emocional dos eventos do filme - repare em "In the Deep" de Kathleen York e Michael Becker. Linda demais!
"Crash" constrói um estudo de personagens envolvente, trazendo diálogos afiados e cenas memoráveis. Em vez de tratar o racismo de maneira didática, o filme prefere mostrar como ele se manifesta no cotidiano, muitas vezes de formas sutis e inesperadas. A estrutura narrativa permite que os personagens sejam apresentados em situações que desafiam suas crenças e comportamentos, mostrando que ninguém é completamente bom ou mau, mas sim produto de suas experiências e do meio em que vivem. Mesmo que sua recepção tenha gerado discussões ao longo dos anos, especialmente pela sua sua abordagem, é inegável que o filme possui méritos significativos, técnicos e artísticos, além, é claro, de ser um catalizador disposto a estimular debates importantes.
Vale muito o seu play!
Up Date: "Crash" ganhou em três categorias das seis que disputou no Oscar 2006!
"Crime Sem Saída" (ou "21 Bridges") traz o carimbo dos produtores Anthony Russo e Joe Russo de "Vingadores Ultimato" e, mais recentemente, do grande sucesso "Resgate" (da Netflix). O fato é que o irmãos Russo vem se posicionando como verdadeiros maestros quando se fala de um gênio tão pouco valorizado (antes da enxurrada de filmes de heróis) como o de "ação". Nesse filme temos um conceito muito interessante, mas que infelizmente não se sustenta - ou melhor, se dilui em poucos minutos de filme. A história mostra a caçada de um detetive chamado André (o eterno "Pantera Negra", Chadwick Boseman) encarregado de capturar uma dupla de ladrões que assassinou oito policiais durante um roubo, bastante suspeito, de cocaína. Pressionado pela própria corporação, Davis acredita que a única forma de encontrar os assassinos antes que eles fujam, é bloqueando as 21 pontes que ligam Manhattan aos outros bairros de NY, porém, para que o plano dê certo, ele tem apenas 5 horas para cumprir sua missão ou tudo estará perdido. Confira o trailer:
Pelo trailer já é possível perceber que o nível de ação é bem alto, e realmente é, mas é preciso dizer que o maior chamativo do filme, que é sua premissa, não dura mais do que os primeiros 30 minutos - o fato de Manhattan estar completamente sitiada (e do tempo ser escasso) não interfere em absolutamente nada (além da idéia de estar encurralado) nas escolhas ou motivações dos personagens e isso é um baita de um vacilo do roteiro. Conceitualmente o filme não sustenta a idéia, mas se apoia no ritmo frenético das perseguições muito bem realizadas e de um mistério bem raso e previsível, para nos levar até o final. "Crime Sem Saída" é um bom filme de ação, daqueles "pipoca" mesmo, que entretem e divertem sem a pretensão de se tornar um grande sucesso e sem parecer "forçado" demais! Vale o play se você gosta do gênero!
Uma coisa que me chamou muito a atenção foi a qualidade da produção, se não tão grandiosa quanto a do "Resgate", pelo menos foi muito bem fotografada pelo experiente diretor Paul Cameron (de "Colateral" e "Déjà Vu"). Nova York tem um charme todo particular durante as madrugadas, completamente cinematográfica e Cameron aproveita muito bem esse mood para ajudar a contar a história - reparem! O diretor Brian Kirk é novato no cinema, mas ganhou muita notoriedade ao dirigir três excelentes episódios de Game of Thrones. Em "Crime Sem Saída" ele faz o "arroz com feijão", bem feito, mas sem nenhuma novidade estética ou conceitual - não dá para comparar com o trabalho que Sam Hargrave fez no "Resgate".
O roteiro acaba sendo o ponto fraco do filme. Não que seja ruim, vou reforçar, mas não se aprofunda em nada: na relação do protagonista com a mãe, no reflexo da tragédia familiar com a morte do pai e até na relação que André tem com sua "parceira" Frankie Burns (Sienna Miller). Entre os destaques do elenco não dá para deixar passar o ótimo trabalho de Chadwick Boseman - parece que o cara nasceu para ser herói de franquia e nesse filme ele é tão convincente que eu não vou me surpreender se tivermos outro filme. Stephan James (o Jesse Owens de "Raça") é um dos ladrões e sua performance está sensacional - ele fala com os olhos e essa qualidade, em um filme de ação, só coloca seu personagem em um outro patamar. Muita atenção para esse ator, com um personagem certo, ele pode ir bem longe! J.K. Simmons, lógico, sendo mais uma vez o próprio J.K. Simmons, com muita honra e talento!
Embora soe como uma certa crítica o enfoque na corrupção policial que o filme ensaia em fazer, tenho a impressão que essa escolha vem muito mais de uma referência narrativa dos filmes de ação dos anos 90 - justamente por isso que que encontramos um personagem completamente agarrado aos seus valores morais, muito (mas muito) reforçado em várias passagens do filme, mas que cria um vínculo fundamental com quem assiste - se Chadwick Boseman estivesse com a fantasia do Pantera Negra, já teríamos uma ótima continuação realizada (com o plus de vários efeitos especiais e explosões) e essas falhas do roteiro provavelmente nem estariam sendo discutidas, mas independente do figurino do protagonista, "Crime Sem Saída" entrega diversão, pode confiar!
"Crime Sem Saída" (ou "21 Bridges") traz o carimbo dos produtores Anthony Russo e Joe Russo de "Vingadores Ultimato" e, mais recentemente, do grande sucesso "Resgate" (da Netflix). O fato é que o irmãos Russo vem se posicionando como verdadeiros maestros quando se fala de um gênio tão pouco valorizado (antes da enxurrada de filmes de heróis) como o de "ação". Nesse filme temos um conceito muito interessante, mas que infelizmente não se sustenta - ou melhor, se dilui em poucos minutos de filme. A história mostra a caçada de um detetive chamado André (o eterno "Pantera Negra", Chadwick Boseman) encarregado de capturar uma dupla de ladrões que assassinou oito policiais durante um roubo, bastante suspeito, de cocaína. Pressionado pela própria corporação, Davis acredita que a única forma de encontrar os assassinos antes que eles fujam, é bloqueando as 21 pontes que ligam Manhattan aos outros bairros de NY, porém, para que o plano dê certo, ele tem apenas 5 horas para cumprir sua missão ou tudo estará perdido. Confira o trailer:
Pelo trailer já é possível perceber que o nível de ação é bem alto, e realmente é, mas é preciso dizer que o maior chamativo do filme, que é sua premissa, não dura mais do que os primeiros 30 minutos - o fato de Manhattan estar completamente sitiada (e do tempo ser escasso) não interfere em absolutamente nada (além da idéia de estar encurralado) nas escolhas ou motivações dos personagens e isso é um baita de um vacilo do roteiro. Conceitualmente o filme não sustenta a idéia, mas se apoia no ritmo frenético das perseguições muito bem realizadas e de um mistério bem raso e previsível, para nos levar até o final. "Crime Sem Saída" é um bom filme de ação, daqueles "pipoca" mesmo, que entretem e divertem sem a pretensão de se tornar um grande sucesso e sem parecer "forçado" demais! Vale o play se você gosta do gênero!
Uma coisa que me chamou muito a atenção foi a qualidade da produção, se não tão grandiosa quanto a do "Resgate", pelo menos foi muito bem fotografada pelo experiente diretor Paul Cameron (de "Colateral" e "Déjà Vu"). Nova York tem um charme todo particular durante as madrugadas, completamente cinematográfica e Cameron aproveita muito bem esse mood para ajudar a contar a história - reparem! O diretor Brian Kirk é novato no cinema, mas ganhou muita notoriedade ao dirigir três excelentes episódios de Game of Thrones. Em "Crime Sem Saída" ele faz o "arroz com feijão", bem feito, mas sem nenhuma novidade estética ou conceitual - não dá para comparar com o trabalho que Sam Hargrave fez no "Resgate".
O roteiro acaba sendo o ponto fraco do filme. Não que seja ruim, vou reforçar, mas não se aprofunda em nada: na relação do protagonista com a mãe, no reflexo da tragédia familiar com a morte do pai e até na relação que André tem com sua "parceira" Frankie Burns (Sienna Miller). Entre os destaques do elenco não dá para deixar passar o ótimo trabalho de Chadwick Boseman - parece que o cara nasceu para ser herói de franquia e nesse filme ele é tão convincente que eu não vou me surpreender se tivermos outro filme. Stephan James (o Jesse Owens de "Raça") é um dos ladrões e sua performance está sensacional - ele fala com os olhos e essa qualidade, em um filme de ação, só coloca seu personagem em um outro patamar. Muita atenção para esse ator, com um personagem certo, ele pode ir bem longe! J.K. Simmons, lógico, sendo mais uma vez o próprio J.K. Simmons, com muita honra e talento!
Embora soe como uma certa crítica o enfoque na corrupção policial que o filme ensaia em fazer, tenho a impressão que essa escolha vem muito mais de uma referência narrativa dos filmes de ação dos anos 90 - justamente por isso que que encontramos um personagem completamente agarrado aos seus valores morais, muito (mas muito) reforçado em várias passagens do filme, mas que cria um vínculo fundamental com quem assiste - se Chadwick Boseman estivesse com a fantasia do Pantera Negra, já teríamos uma ótima continuação realizada (com o plus de vários efeitos especiais e explosões) e essas falhas do roteiro provavelmente nem estariam sendo discutidas, mas independente do figurino do protagonista, "Crime Sem Saída" entrega diversão, pode confiar!
A Disney deveria seguir o exemplo da DC e criar um selo focado apenas em releituras menos convencionais de seus clássicos, como fez com "Cruella". Eu diria, inclusive, que esse filme é uma das estreias mais surpreendentes do ano - tecnicamente perfeito e narrativamente muito bem construído, equilibrando elementos clássicos da personagem, com a modernidade, beleza e a liberdade criativa para se aplaudir de pé - mais ou menos como Baz Luhrmann fez em "Romeu e Julieta".
Ambientado na Londres dos anos 70 em meio a revolução do punk rock, "Cruella" mostra a história de uma jovem vigarista chamada Estella (Emma Stone) que, desde a morte trágica de sua mãe, vive de pequenos golpes ao lado dos amigos Jasper (Joel Fry) e Horace (Paul Walter Hauser). Inteligente, criativa e determinada a mudar de vida e fazer seu nome através de seu talento na moda, ela acaba chamando a atenção da Baronesa Von Hellman (Emma Thompson), uma lenda fashion que é devastadoramente chique e assustadoramente egocêntrica. Entretanto, o relacionamento entre elas desencadeia uma série de eventos e revelações que farão com que Estella abrace seu lado mais rebelde, sombrio até, e se torne a impiedosa Cruella que, mesmo elegante, tem a vingança como seu maior combustível. Confira o trailer:
Antes de falar do bom roteiro de Dana Fox (Megarrromântico) e Tony McNamara (A Favorita), destaco como o visual de "Cruella" chama atenção - e aqui fica claro o enorme talento do diretor Craig Gillespie (Eu, Tonya) que, referenciado por uma respeitável carreira na publicidade, usa toda sua habilidade em construir uma atmosfera moderna e dinâmica para contar uma história mais adulta, mas sem perder a essência da fantasia clássica. Gillespie nos leva em viagem divertida, usando uma câmera quase sempre em movimento, criando um balé técnico pouco convencional e muito bem executado. A fotografia do Nicolas Karakatsanis, parceiro de Gillespie em "Eu, Tonya"- que também trouxe esse balé "Cisne Negro" para a arena de patinação no gelo), está 100% alinhada com um trabalho do departamento de direção de arte dos mais bonitos (e que fatalmente será indicado em algumas categorias do Oscar 2022 com muito mérito). Criados por Jenny Beavan (Mad Max: Estrada da Fúria), o figurino tem uma estética punk e funciona como um gatilho de transgressão, quebrando padrões que dialogam exatamente com o surgimento de Cruella - os cenários para isso são instalações criativas que vão de caminhões de lixo a shows cheios de pirotecnia ao som de uma trilha sonora com versões de Supertramp, Bee Gees, Queen e The Clash intercaladas com composições originais de Nicholas Britell (a mente brilhante por traz de "Sussession", "The Underground Railroad", "Moonlight" e "Se a rua Beale falasse").
O roteiro é ótimo, criativo, cheio de easter eggs que fazem referências à animação original de uma forma muito orgânica. No entanto, talvez o seu único deslize tenha sido a falta de sutileza na transição de Estella para Cruella - para os mais atentos e críticos, vai parecer uma falta de um cuidado maior, talvez com soluções menos óbvias, para aí sim se aproximar de um ápice de protagonista com momentos memoráveis como de "Coringa" por exemplo. Aliás, seguindo o trabalho exemplar de Joaquin Phoenix, Emma Stone está fantástica e não se surpreenda se ela for indicada mais uma vez ao Oscar - o mesmo eu digo para Emma Thompson, a implacável Baronesa, como coadjuvante.
Bem mais divertido do que eu esperava, "Cruella" é entretenimento de ótima qualidade - sem a pretensão de ser inesquecível, certamente o filme marca pela originalidade, inteligência e qualidade! Vale muito a pena, mesmo!
Up-date: "Cruella" foi indicado em duas das três categorias de arte, mas ganhou apenas em Melhor Figurino.
A Disney deveria seguir o exemplo da DC e criar um selo focado apenas em releituras menos convencionais de seus clássicos, como fez com "Cruella". Eu diria, inclusive, que esse filme é uma das estreias mais surpreendentes do ano - tecnicamente perfeito e narrativamente muito bem construído, equilibrando elementos clássicos da personagem, com a modernidade, beleza e a liberdade criativa para se aplaudir de pé - mais ou menos como Baz Luhrmann fez em "Romeu e Julieta".
Ambientado na Londres dos anos 70 em meio a revolução do punk rock, "Cruella" mostra a história de uma jovem vigarista chamada Estella (Emma Stone) que, desde a morte trágica de sua mãe, vive de pequenos golpes ao lado dos amigos Jasper (Joel Fry) e Horace (Paul Walter Hauser). Inteligente, criativa e determinada a mudar de vida e fazer seu nome através de seu talento na moda, ela acaba chamando a atenção da Baronesa Von Hellman (Emma Thompson), uma lenda fashion que é devastadoramente chique e assustadoramente egocêntrica. Entretanto, o relacionamento entre elas desencadeia uma série de eventos e revelações que farão com que Estella abrace seu lado mais rebelde, sombrio até, e se torne a impiedosa Cruella que, mesmo elegante, tem a vingança como seu maior combustível. Confira o trailer:
Antes de falar do bom roteiro de Dana Fox (Megarrromântico) e Tony McNamara (A Favorita), destaco como o visual de "Cruella" chama atenção - e aqui fica claro o enorme talento do diretor Craig Gillespie (Eu, Tonya) que, referenciado por uma respeitável carreira na publicidade, usa toda sua habilidade em construir uma atmosfera moderna e dinâmica para contar uma história mais adulta, mas sem perder a essência da fantasia clássica. Gillespie nos leva em viagem divertida, usando uma câmera quase sempre em movimento, criando um balé técnico pouco convencional e muito bem executado. A fotografia do Nicolas Karakatsanis, parceiro de Gillespie em "Eu, Tonya"- que também trouxe esse balé "Cisne Negro" para a arena de patinação no gelo), está 100% alinhada com um trabalho do departamento de direção de arte dos mais bonitos (e que fatalmente será indicado em algumas categorias do Oscar 2022 com muito mérito). Criados por Jenny Beavan (Mad Max: Estrada da Fúria), o figurino tem uma estética punk e funciona como um gatilho de transgressão, quebrando padrões que dialogam exatamente com o surgimento de Cruella - os cenários para isso são instalações criativas que vão de caminhões de lixo a shows cheios de pirotecnia ao som de uma trilha sonora com versões de Supertramp, Bee Gees, Queen e The Clash intercaladas com composições originais de Nicholas Britell (a mente brilhante por traz de "Sussession", "The Underground Railroad", "Moonlight" e "Se a rua Beale falasse").
O roteiro é ótimo, criativo, cheio de easter eggs que fazem referências à animação original de uma forma muito orgânica. No entanto, talvez o seu único deslize tenha sido a falta de sutileza na transição de Estella para Cruella - para os mais atentos e críticos, vai parecer uma falta de um cuidado maior, talvez com soluções menos óbvias, para aí sim se aproximar de um ápice de protagonista com momentos memoráveis como de "Coringa" por exemplo. Aliás, seguindo o trabalho exemplar de Joaquin Phoenix, Emma Stone está fantástica e não se surpreenda se ela for indicada mais uma vez ao Oscar - o mesmo eu digo para Emma Thompson, a implacável Baronesa, como coadjuvante.
Bem mais divertido do que eu esperava, "Cruella" é entretenimento de ótima qualidade - sem a pretensão de ser inesquecível, certamente o filme marca pela originalidade, inteligência e qualidade! Vale muito a pena, mesmo!
Up-date: "Cruella" foi indicado em duas das três categorias de arte, mas ganhou apenas em Melhor Figurino.
"Drive" é um excelente filme de ação carregado de drama, filmado pela lente poética de um grande diretor que em nenhum momento teve a preocupação de se apoiar em elementos narrativos que colocariam a história no lugar comum. "Drive" sem Nicolas Winding Refn ("Demônio de Neon") seria como "Breaking Bad" sem Vince Gilligan!
Na trama, Ryan Gosling é um habilidoso motorista que trabalha como dublê de Hollywood, mas que costuma usar seu talento no volante, pontualmente, dirigindo em fugas de assaltos. Quando ele se vê envolvido emocionalmente com sua vizinha Irene (Carey Mulligan) e com o filho, Benício (Kaden Leos), esse motorista (que propositalmente não tem um nome) tenta salvar a pele do marido dela, Standard (Oscar Isaac), que acaba de sair da prisão, para que eles possam viver em paz e em família, mas, claro, as coisas não saem exatamente como planejado. Confira o trailer (em inglês):
Em inglês,drive não significa apenas dirigir, pilotar, mas também tem uma outra conotação: algo como impulso ou motivação. O personagem de Gosling é justamente um homem movido pela ação nessa dupla interpretação do título original do filme - o interessante é que essa dualidade também brinca com a cadência da história e de como o protagonista se posiciona perante seus desafios - sua introspecção e o silêncio se opõem a velocidade (olha que sensacional) das suas ações de uma forma infinitamente mais lenta que sua principal habilidade exige. Mérito dessa leitura quase poética é do dinamarquês Nicolas Winding Refn, que ganhou o prêmio de Melhor Diretor no Festival de Cannes de 2012 e levou esse filme até a disputa da Palma de Ouro - mesmo com a Academia supreendentemente tendo ignorado "Drive" para o Oscar daquele ano, o indicando apenas em "Edição de Som".
É importante pontuar que o roteiro de "Drive", escrito por Hossein Amini (de "McMafia") a partir da adaptação do livro homônimo de James Sallis, busca expor uma personalidade pacata do protagonista como gatilho para nos conectarmos com sua jornada - é na tentativa de ajudar alguém que nunca esteve ao seu lado, que faz o personagem se transformar pelo meio em que se inseriu ou pelas próprias circunstâncias - e aqui é impossível não lembrar de Gilligan novamente e do seu Walter White. A forma como Winding Refn nos faz experienciar a jornada desse motorista é muito potente - por mais que tenhamos poucas informações sobre ele, estamos sempre ao seu lado, como testemunhas de suas ações e transformações.
A fotografia do talentoso Newton Thomas Sigel (de "Os Suspeitos") traz uma sensação de solidão impressionante, mesmo o filme se passando em Los Angeles. Mais uma vez o diretor brinca com essa dualidade narrativa e é por isso que coloco "Drive" como uma obra de arte, muito mais profundo que a maioria dos filmes de ação, mas sem perder a emoção e a tensão do gênero.
"Drive" merece ser apreciado, no seu tempo, mesmo que ele seja completamente diferente do que se espera de um filme de ação, mas não se engane: ele é muito violento e impactante visualmente - como se fosse um "Tarantino", com aquele esmero artístico e conceitual. Lindo de ver!
Vale muito a pena!
"Drive" é um excelente filme de ação carregado de drama, filmado pela lente poética de um grande diretor que em nenhum momento teve a preocupação de se apoiar em elementos narrativos que colocariam a história no lugar comum. "Drive" sem Nicolas Winding Refn ("Demônio de Neon") seria como "Breaking Bad" sem Vince Gilligan!
Na trama, Ryan Gosling é um habilidoso motorista que trabalha como dublê de Hollywood, mas que costuma usar seu talento no volante, pontualmente, dirigindo em fugas de assaltos. Quando ele se vê envolvido emocionalmente com sua vizinha Irene (Carey Mulligan) e com o filho, Benício (Kaden Leos), esse motorista (que propositalmente não tem um nome) tenta salvar a pele do marido dela, Standard (Oscar Isaac), que acaba de sair da prisão, para que eles possam viver em paz e em família, mas, claro, as coisas não saem exatamente como planejado. Confira o trailer (em inglês):
Em inglês,drive não significa apenas dirigir, pilotar, mas também tem uma outra conotação: algo como impulso ou motivação. O personagem de Gosling é justamente um homem movido pela ação nessa dupla interpretação do título original do filme - o interessante é que essa dualidade também brinca com a cadência da história e de como o protagonista se posiciona perante seus desafios - sua introspecção e o silêncio se opõem a velocidade (olha que sensacional) das suas ações de uma forma infinitamente mais lenta que sua principal habilidade exige. Mérito dessa leitura quase poética é do dinamarquês Nicolas Winding Refn, que ganhou o prêmio de Melhor Diretor no Festival de Cannes de 2012 e levou esse filme até a disputa da Palma de Ouro - mesmo com a Academia supreendentemente tendo ignorado "Drive" para o Oscar daquele ano, o indicando apenas em "Edição de Som".
É importante pontuar que o roteiro de "Drive", escrito por Hossein Amini (de "McMafia") a partir da adaptação do livro homônimo de James Sallis, busca expor uma personalidade pacata do protagonista como gatilho para nos conectarmos com sua jornada - é na tentativa de ajudar alguém que nunca esteve ao seu lado, que faz o personagem se transformar pelo meio em que se inseriu ou pelas próprias circunstâncias - e aqui é impossível não lembrar de Gilligan novamente e do seu Walter White. A forma como Winding Refn nos faz experienciar a jornada desse motorista é muito potente - por mais que tenhamos poucas informações sobre ele, estamos sempre ao seu lado, como testemunhas de suas ações e transformações.
A fotografia do talentoso Newton Thomas Sigel (de "Os Suspeitos") traz uma sensação de solidão impressionante, mesmo o filme se passando em Los Angeles. Mais uma vez o diretor brinca com essa dualidade narrativa e é por isso que coloco "Drive" como uma obra de arte, muito mais profundo que a maioria dos filmes de ação, mas sem perder a emoção e a tensão do gênero.
"Drive" merece ser apreciado, no seu tempo, mesmo que ele seja completamente diferente do que se espera de um filme de ação, mas não se engane: ele é muito violento e impactante visualmente - como se fosse um "Tarantino", com aquele esmero artístico e conceitual. Lindo de ver!
Vale muito a pena!
"El Camino" não é um grande filme! Mas antes que as pessoas me destruam por aqui, deixe-me explicar: os 120 minutos de "El Camino" são, na verdade, um Epílogo de "Breaking Bad", um episódio de final de temporada, daqueles de 2 horas, que nos fazem torcer para que nunca acabe de tão contagiante que a história é! Se você não assistiu toda temporada de "Breaking Bad", a chance de você achar "El Camino" apenas "OK" é grande, mas nós que esperamos anos por um pouco mais do que consideramos uma das melhores séries de todos os tempos, aproveitamos cada frame dessa maravilhosa experiência que o Vince Gilligan nos entregou.
Como o Teaser e o Trailer já anunciavam, o filme gira em torno de um Jesse Pinkman (Aaron Paul) atordoado, logo após fugir do cativeiro (fato que acontece justamente no último episódio da série), tentando reencontrar um caminho para sua vida e deixar todo esse passado para trás! O que me surpreendeu é a jornada de transformação que, mais uma vez, Gilligan foi capaz de construir - mas para entender exatamente o que estou falando será preciso ler nossa análise completa. Para você, que precisa apenas da nossa sugestão temos duas opções: 1- Se assistiu a série inteira, assista o filme agora e agradeça a Netflix por ter nos proporcionado mais duas horas de êxtase. 2- Se não se interessou pela série, mas quer ver mesmo assim, se prepare para duas horas de diversão, mas não espere um filme transformador ou inesquecível!
Se arriscar na construção de um novo capítulo depois de alcançar o "Céu" com um final como o de Breaking Bad, 6 anos depois, é algo que poucos fariam! Vince Gilligan fez; e mesmo depois de 4 temporadas de "Better Call Saul", uma ponta parecia solta: o que teria acontecido com Jesse Pinkman? "El Camino" não só responde essa pergunta, como prova, mais uma vez, que além de louco, Gilligan tem total controle sobre suas idéias e sobre todo um universo que ele construiu! "El Camino" não pode ser visto como uma obra isolada, ele é parte de uma estrutura que nos transporta mais uma vez para o Novo Mexico, mas com uma Albuquerque diferente, menos contrastada, quente; agora ela é mais fria, melancólica, angustiante! Em um mês onde "Coringa" bagunçou a mente de quem assistiu, pela sua profundidade psicológica, Jessie Pinkman assume o mesmo papel em "El Camino" - e aqui vai mais um dica: assistam o resumo antes de começar o filme ou, melhor, assistam os 5 últimos episódios de "Breaking Bad" para ter uma imersão 100% segura!
A trama é simples ao mesmo tempo que complexa: Jesse está escapando em um carro El Camino (ah, Vince Gilligan por favor não pare por aqui!!!) após ter sido libertado por Walter White (Bryan Cranston) do cativeiro onde foi forçado a cozinhar metanfetamina por meses - esse momento é imediatamente depois de tudo que vimos em "Felina", episódio final de "Breaking Bad". Com a polícia atrás, já que ele foi reconhecido como cúmplice de Heisenberg encontrado morto no local da chacina, Pinkman é obrigado a procurar alguns personagens marcantes da série para conseguir algum dinheiro ou ter uma oportunidade de um recomeço - aqui é preciso dizer que alguns flashbacks funcionam melhores que outros, pois em alguns momentos Gilligan parece "roubar no jogo" para explicar uma ação do personagem, mas em outros momentos, mesmo ele "roubando no jogo", temos a impressão que tudo aquilo já tinha sido construído anteriormente de tão orgânico que ficou. Pois bem, toda essa jornada é pontuada com uma fotografia típica de Marshall Adams, parceiro conceitual de Gilligan. Grandes angulares, time-lapses, planos inventivos e inesperados, tudo está ali - como deveria ser!
O roteiro é enxuto, direto e cheio de detalhes como Breaking Bad adorava nos presentear. Agora, Aaron Paul, ou melhor, Jesse Pinkman, se transformando em tudo que ele mais odiava no Walter White e comprovando que o discurso transformador de Heisenberg era, no mínimo, coerente - meu Deus, isso foi genial! O ponto alto do filme! Outro detalhe bacana que merece ser observado é a importância que personagens satélites ganharam - pode até soar como Fan Service, mas não dá para negar que foi mais uma jogada inteligente de Gilligan: Old Joe, Skinny Pete (agora o Teaser faz ainda mais sentido), Badger, Neil e até o Ed - olha, que criatividade a favor da história como um todo! Muito legal!
"El Camino" não pode ser o ponto final. Muito do que você vai encontrar deve aparecer em algum flashfoward de "Better Call Saul" ainda e, quem sabe, em algum outro "filme" ou "série", pois o material, ou melhor, as histórias paralelas parecem ter um força impensável - Pinkman é um exemplo, já que seu personagem não passaria da 1ª temporada de "Breaking Bad". Só torço para que essas surpresas em torno das idéias do Vince Gilligan nunca acabem!!!
Por favor, dê o play e divirta-se com aquela sensação deliciosa de nostalgia temperada com uma espécie de inspiração criativa do mais alto nível!
"El Camino" não é um grande filme! Mas antes que as pessoas me destruam por aqui, deixe-me explicar: os 120 minutos de "El Camino" são, na verdade, um Epílogo de "Breaking Bad", um episódio de final de temporada, daqueles de 2 horas, que nos fazem torcer para que nunca acabe de tão contagiante que a história é! Se você não assistiu toda temporada de "Breaking Bad", a chance de você achar "El Camino" apenas "OK" é grande, mas nós que esperamos anos por um pouco mais do que consideramos uma das melhores séries de todos os tempos, aproveitamos cada frame dessa maravilhosa experiência que o Vince Gilligan nos entregou.
Como o Teaser e o Trailer já anunciavam, o filme gira em torno de um Jesse Pinkman (Aaron Paul) atordoado, logo após fugir do cativeiro (fato que acontece justamente no último episódio da série), tentando reencontrar um caminho para sua vida e deixar todo esse passado para trás! O que me surpreendeu é a jornada de transformação que, mais uma vez, Gilligan foi capaz de construir - mas para entender exatamente o que estou falando será preciso ler nossa análise completa. Para você, que precisa apenas da nossa sugestão temos duas opções: 1- Se assistiu a série inteira, assista o filme agora e agradeça a Netflix por ter nos proporcionado mais duas horas de êxtase. 2- Se não se interessou pela série, mas quer ver mesmo assim, se prepare para duas horas de diversão, mas não espere um filme transformador ou inesquecível!
Se arriscar na construção de um novo capítulo depois de alcançar o "Céu" com um final como o de Breaking Bad, 6 anos depois, é algo que poucos fariam! Vince Gilligan fez; e mesmo depois de 4 temporadas de "Better Call Saul", uma ponta parecia solta: o que teria acontecido com Jesse Pinkman? "El Camino" não só responde essa pergunta, como prova, mais uma vez, que além de louco, Gilligan tem total controle sobre suas idéias e sobre todo um universo que ele construiu! "El Camino" não pode ser visto como uma obra isolada, ele é parte de uma estrutura que nos transporta mais uma vez para o Novo Mexico, mas com uma Albuquerque diferente, menos contrastada, quente; agora ela é mais fria, melancólica, angustiante! Em um mês onde "Coringa" bagunçou a mente de quem assistiu, pela sua profundidade psicológica, Jessie Pinkman assume o mesmo papel em "El Camino" - e aqui vai mais um dica: assistam o resumo antes de começar o filme ou, melhor, assistam os 5 últimos episódios de "Breaking Bad" para ter uma imersão 100% segura!
A trama é simples ao mesmo tempo que complexa: Jesse está escapando em um carro El Camino (ah, Vince Gilligan por favor não pare por aqui!!!) após ter sido libertado por Walter White (Bryan Cranston) do cativeiro onde foi forçado a cozinhar metanfetamina por meses - esse momento é imediatamente depois de tudo que vimos em "Felina", episódio final de "Breaking Bad". Com a polícia atrás, já que ele foi reconhecido como cúmplice de Heisenberg encontrado morto no local da chacina, Pinkman é obrigado a procurar alguns personagens marcantes da série para conseguir algum dinheiro ou ter uma oportunidade de um recomeço - aqui é preciso dizer que alguns flashbacks funcionam melhores que outros, pois em alguns momentos Gilligan parece "roubar no jogo" para explicar uma ação do personagem, mas em outros momentos, mesmo ele "roubando no jogo", temos a impressão que tudo aquilo já tinha sido construído anteriormente de tão orgânico que ficou. Pois bem, toda essa jornada é pontuada com uma fotografia típica de Marshall Adams, parceiro conceitual de Gilligan. Grandes angulares, time-lapses, planos inventivos e inesperados, tudo está ali - como deveria ser!
O roteiro é enxuto, direto e cheio de detalhes como Breaking Bad adorava nos presentear. Agora, Aaron Paul, ou melhor, Jesse Pinkman, se transformando em tudo que ele mais odiava no Walter White e comprovando que o discurso transformador de Heisenberg era, no mínimo, coerente - meu Deus, isso foi genial! O ponto alto do filme! Outro detalhe bacana que merece ser observado é a importância que personagens satélites ganharam - pode até soar como Fan Service, mas não dá para negar que foi mais uma jogada inteligente de Gilligan: Old Joe, Skinny Pete (agora o Teaser faz ainda mais sentido), Badger, Neil e até o Ed - olha, que criatividade a favor da história como um todo! Muito legal!
"El Camino" não pode ser o ponto final. Muito do que você vai encontrar deve aparecer em algum flashfoward de "Better Call Saul" ainda e, quem sabe, em algum outro "filme" ou "série", pois o material, ou melhor, as histórias paralelas parecem ter um força impensável - Pinkman é um exemplo, já que seu personagem não passaria da 1ª temporada de "Breaking Bad". Só torço para que essas surpresas em torno das idéias do Vince Gilligan nunca acabem!!!
Por favor, dê o play e divirta-se com aquela sensação deliciosa de nostalgia temperada com uma espécie de inspiração criativa do mais alto nível!
Muito divertido!
Sim, você está prestes a dar um play em um filme muito divertido, dinâmico e envolvente - ao melhor estilo Guy Ritchie! Em "Esquema de Risco" você vai encontrar muita ação, alguns elementos de comédia, toques de conspiração e espionagem, e, claro, muitos tiros, pancadarias, explosões, perseguições. De fato temos tudo que um bom entretenimento-pipoca pede em uma trama: muitas reviravoltas, personagens dos mais carismáticos e diálogos cheios de sagacidade, ironia, inteligência... Enfim, esse é o tipo do filme que torcemos para ter um segundo capítulo!
O espião Orson Fortune (Jason Statham) precisa rastrear e conter a venda de uma nova tecnologia que está sendo realizada pelo bilionário Greg Simmonds (Hugh Grant). Junto com uma das melhores equipes de operações especiais do mundo, Fortune recruta o astro de Hollywood Danny Francesco (Josh Hartnett) para ajudá-los a passar despercebidos na missão de salvar o mundo. Confira o trailer:
Poucos diretores dominam tão bem a gramática cinematográfica de filmes de ação como Guy Ritchie - e melhor, sempre impondo sua identidade, seu estilo. Em "Esquema de Risco - Operação Fortune", mais uma vez, sua direção é impecável. Ele conduz a narrativa com uma habilidade impressionante, trabalhando todos os elementos técnicos e artísticos para criar uma dinâmica muito particular. Veja, Ritchie usa uma edição rápida e estilizada para manter um ritmo tão acelerado que fica impossível tirar os olhos da tela - ele (ao lado do seu montador e parceiro de "Magnatas do Crime", James Herbert) combinam perfeitamente as cenas de ação com momentos de humor e drama, com muito equilíbrio, criatividade e fluidez. A trilha sonora mais enérgica do Christopher Benstead e a fotografia vibrante do Alan Stewart, ambos de "Magnatas" também, contribuem para criar uma atmosfera das mais empolgantes em um cenário, olha, de cair o queixo.
O elenco também brilha! Ritchie é mestre em reunir um grupo de atores experientes e carismáticos, incluindo alguns de seus colaboradores frequentes, como Jason Statham, Mark Strong e Hugh Grant. A química entre eles é visível - reparem como todos, sem exceção, funcionam perfeitamente em pró da narrativa, entregando performances divertidas e convincentes, elevando ainda mais a qualidade do roteiro escrito pelo próprio diretor, pelo Ivan Atkinson e pelo Marn Davies (os dois acompanharam Ritchie em pelo menos quatro de seus filmes). Aqui, é impossível não destacar o trabalho exagerado (propositalmente) de Hugh Grant que funciona como um eficaz alívio cômico quase que permanente e a ironia cheia de sensualidade da ótima Aubrey Plaza.
Embora "Esquema de Risco - Operação Fortune" possa ser um filme extremamente divertido, ele pode não agradar aqueles que não são tão fãs do estilo de Ritchie - de fato, em algumas momentos, a narrativa pode parecer confusa, devido às reviravoltas e à estrutura fragmentada da história (além de se apoiar em alguns estereótipos e convenções do gênero de ação e do subgênero de "filmes de assalto"). No entanto, para quem estiver disposto a encarar essa experiência, como em "O Infiltrado", eu garanto: o filme é uma diversão no ponto certo, tão despretensioso quanto inteligente - daqueles que tanto faz falta no mundo das grandes franquias de hoje!
Vale muito o seu play!
Muito divertido!
Sim, você está prestes a dar um play em um filme muito divertido, dinâmico e envolvente - ao melhor estilo Guy Ritchie! Em "Esquema de Risco" você vai encontrar muita ação, alguns elementos de comédia, toques de conspiração e espionagem, e, claro, muitos tiros, pancadarias, explosões, perseguições. De fato temos tudo que um bom entretenimento-pipoca pede em uma trama: muitas reviravoltas, personagens dos mais carismáticos e diálogos cheios de sagacidade, ironia, inteligência... Enfim, esse é o tipo do filme que torcemos para ter um segundo capítulo!
O espião Orson Fortune (Jason Statham) precisa rastrear e conter a venda de uma nova tecnologia que está sendo realizada pelo bilionário Greg Simmonds (Hugh Grant). Junto com uma das melhores equipes de operações especiais do mundo, Fortune recruta o astro de Hollywood Danny Francesco (Josh Hartnett) para ajudá-los a passar despercebidos na missão de salvar o mundo. Confira o trailer:
Poucos diretores dominam tão bem a gramática cinematográfica de filmes de ação como Guy Ritchie - e melhor, sempre impondo sua identidade, seu estilo. Em "Esquema de Risco - Operação Fortune", mais uma vez, sua direção é impecável. Ele conduz a narrativa com uma habilidade impressionante, trabalhando todos os elementos técnicos e artísticos para criar uma dinâmica muito particular. Veja, Ritchie usa uma edição rápida e estilizada para manter um ritmo tão acelerado que fica impossível tirar os olhos da tela - ele (ao lado do seu montador e parceiro de "Magnatas do Crime", James Herbert) combinam perfeitamente as cenas de ação com momentos de humor e drama, com muito equilíbrio, criatividade e fluidez. A trilha sonora mais enérgica do Christopher Benstead e a fotografia vibrante do Alan Stewart, ambos de "Magnatas" também, contribuem para criar uma atmosfera das mais empolgantes em um cenário, olha, de cair o queixo.
O elenco também brilha! Ritchie é mestre em reunir um grupo de atores experientes e carismáticos, incluindo alguns de seus colaboradores frequentes, como Jason Statham, Mark Strong e Hugh Grant. A química entre eles é visível - reparem como todos, sem exceção, funcionam perfeitamente em pró da narrativa, entregando performances divertidas e convincentes, elevando ainda mais a qualidade do roteiro escrito pelo próprio diretor, pelo Ivan Atkinson e pelo Marn Davies (os dois acompanharam Ritchie em pelo menos quatro de seus filmes). Aqui, é impossível não destacar o trabalho exagerado (propositalmente) de Hugh Grant que funciona como um eficaz alívio cômico quase que permanente e a ironia cheia de sensualidade da ótima Aubrey Plaza.
Embora "Esquema de Risco - Operação Fortune" possa ser um filme extremamente divertido, ele pode não agradar aqueles que não são tão fãs do estilo de Ritchie - de fato, em algumas momentos, a narrativa pode parecer confusa, devido às reviravoltas e à estrutura fragmentada da história (além de se apoiar em alguns estereótipos e convenções do gênero de ação e do subgênero de "filmes de assalto"). No entanto, para quem estiver disposto a encarar essa experiência, como em "O Infiltrado", eu garanto: o filme é uma diversão no ponto certo, tão despretensioso quanto inteligente - daqueles que tanto faz falta no mundo das grandes franquias de hoje!
Vale muito o seu play!
"Exército de Ladrões" é entretenimento puro, divertido e muito bem realizado! Dito isso, é preciso apontar, na minha concepção, seu único ponto fraco - a necessidade absurda do roteiro em ter que conectar o filme ao seu "produto principal", "Army of the Dead: Invasão em Las Vegas". Aliás, para quem não se lembra, "Exército de Ladrões" funciona como uma espécie de prequel do filme dirigido pelo Zack Snyder para a Netflix - sem ao menos precisar que ele existisse, mas com o intuito estratégico de expandir um universo e criar uma franquia promissora.
O filme, que se passa algum tempo antes de "Army of the Dead", acompanha Sebastian Schlencht-Wöhnert (Matthias Schweighöfer, antes de se tornar Ludwig Dieter), um pacato caixa de banco que trabalha na cidade de Munique. Sebastian acaba sendo atraído para a aventura de sua vida após uma jovem misteriosa, a experiente ladra Gwendoline (Nathalie Emmanuel), o recrutar para ser parte de uma equipe formada por alguns dos criminosos mais procurados da Interpol, com o claro objetivo de roubar uma sequência de cofres lendários por toda Europa - esses desenhados de forma ornamentada por um dos maiores artesãos do história e praticamente impossíveis de arrobar. Confira o trailer:
"Exército de Ladrões: Invasão da Europa" também funciona como uma história de origem do carismático personagem Ludwig Dieter. Por si só, essa conexão já seria suficiente para criar um laço emocional com tudo que viria a seguir, porém a forma escolhida pelo roteirista Shay Hatten mais atrapalha do que ajuda - o fato é que não precisava de tantas citações sobre uma pandemia zumbi nos EUA. Por outro lado, Matthias Schweingöfer (que aqui também assume a direção) foi muito inteligente em se afastar do estilo de Snyder e assim criar uma identidade para o prequel que impõe um certo ar de independência - ao lado do diretor de fotografia alemão Bernhard Jasper, eles optaram por uma linguagem mais clean, com um mood sofisticado, apoiado nos tons mais frios da Europa e do aço dos cofres que os protagonistas pretendem roubar.
Embora construído em uma base completamente fantasiosa, "Exército de Ladrões" trabalha seu conceito estético (e narrativo) para se aproximar muito mais de "La Casa de Papel", "Onze Homens e um Segredo" e "Um Truque de Mestre" do que propriamente de "Army of the Dead". Essa escolha cria uma atmosfera perfeita para nos conectarmos com os personagens e torcermos por eles - na trama a expectativa de superar algo que parecia impossível é muito mais importante do que as cenas de ação em si. Claro que existe ação, mas a diversão parte da relação entre os personagens. Schweingöfer mostra uma genuína paixão pelo seu Ludwig Dieter, fortalecendo ainda mais os alívios cômicos com os quais ele já havia trabalhado no filme anterior e transformando definitivamente o personagem em um protagonista carismático e cheio de potencial para mais produtos.
"Exército de Ladrões: Invasão da Europa" explora a gênese de Dieter a partir de uma história que vai se completando com parte do material que já conhecíamos - e isso funciona muito bem. Existe um tom mais intimista ao propor o primeiro amor ao herói improvável e uma direção para a construção de um mito capaz de arrombar qualquer tipo de cofre? Sim - e isso funciona também. Eu diria que dadas as devidas diferenças, muitos elementos que nos conquistaram em "Lupin", retorna por aqui - com a mesma proposta de suspensão da realidade, mas igualmente gostoso de assistir!
Vela o play!
"Exército de Ladrões" é entretenimento puro, divertido e muito bem realizado! Dito isso, é preciso apontar, na minha concepção, seu único ponto fraco - a necessidade absurda do roteiro em ter que conectar o filme ao seu "produto principal", "Army of the Dead: Invasão em Las Vegas". Aliás, para quem não se lembra, "Exército de Ladrões" funciona como uma espécie de prequel do filme dirigido pelo Zack Snyder para a Netflix - sem ao menos precisar que ele existisse, mas com o intuito estratégico de expandir um universo e criar uma franquia promissora.
O filme, que se passa algum tempo antes de "Army of the Dead", acompanha Sebastian Schlencht-Wöhnert (Matthias Schweighöfer, antes de se tornar Ludwig Dieter), um pacato caixa de banco que trabalha na cidade de Munique. Sebastian acaba sendo atraído para a aventura de sua vida após uma jovem misteriosa, a experiente ladra Gwendoline (Nathalie Emmanuel), o recrutar para ser parte de uma equipe formada por alguns dos criminosos mais procurados da Interpol, com o claro objetivo de roubar uma sequência de cofres lendários por toda Europa - esses desenhados de forma ornamentada por um dos maiores artesãos do história e praticamente impossíveis de arrobar. Confira o trailer:
"Exército de Ladrões: Invasão da Europa" também funciona como uma história de origem do carismático personagem Ludwig Dieter. Por si só, essa conexão já seria suficiente para criar um laço emocional com tudo que viria a seguir, porém a forma escolhida pelo roteirista Shay Hatten mais atrapalha do que ajuda - o fato é que não precisava de tantas citações sobre uma pandemia zumbi nos EUA. Por outro lado, Matthias Schweingöfer (que aqui também assume a direção) foi muito inteligente em se afastar do estilo de Snyder e assim criar uma identidade para o prequel que impõe um certo ar de independência - ao lado do diretor de fotografia alemão Bernhard Jasper, eles optaram por uma linguagem mais clean, com um mood sofisticado, apoiado nos tons mais frios da Europa e do aço dos cofres que os protagonistas pretendem roubar.
Embora construído em uma base completamente fantasiosa, "Exército de Ladrões" trabalha seu conceito estético (e narrativo) para se aproximar muito mais de "La Casa de Papel", "Onze Homens e um Segredo" e "Um Truque de Mestre" do que propriamente de "Army of the Dead". Essa escolha cria uma atmosfera perfeita para nos conectarmos com os personagens e torcermos por eles - na trama a expectativa de superar algo que parecia impossível é muito mais importante do que as cenas de ação em si. Claro que existe ação, mas a diversão parte da relação entre os personagens. Schweingöfer mostra uma genuína paixão pelo seu Ludwig Dieter, fortalecendo ainda mais os alívios cômicos com os quais ele já havia trabalhado no filme anterior e transformando definitivamente o personagem em um protagonista carismático e cheio de potencial para mais produtos.
"Exército de Ladrões: Invasão da Europa" explora a gênese de Dieter a partir de uma história que vai se completando com parte do material que já conhecíamos - e isso funciona muito bem. Existe um tom mais intimista ao propor o primeiro amor ao herói improvável e uma direção para a construção de um mito capaz de arrombar qualquer tipo de cofre? Sim - e isso funciona também. Eu diria que dadas as devidas diferenças, muitos elementos que nos conquistaram em "Lupin", retorna por aqui - com a mesma proposta de suspensão da realidade, mas igualmente gostoso de assistir!
Vela o play!
“Free Guy" que no Brasil ganhou o subtítulo de "Assumindo o Controle” é uma mistura de vários filmes que deram certo como, por exemplo, “Jogador Nº 1” e “O Show de Truman”, mas as semelhanças vão além!
Na trama, Guy (Ryan Reynalds) é um personagem "não-jogável" (NPC) em Free City, um jogo de RPG online. Sem saber que o mundo em que vive é um videogame, ele trabalha como caixa de banco em uma entediante rotina, que se repete diversas vezes (como no clássico “O Feitiço do Tempo”). No jogo, Millie (Jodie Comer), conhecida como Molotov Girl, chama a atenção de Guy cantando sua música favorita da Mariah Carey, é aí que ele começa a se desviar de sua programação. Mas é quando Guy pega um óculos de um jogador, que ele passa a ver Free City através de uma versão única da interface e, surpreendentemente, acaba virando um jogador. Agora ele precisa aceitar sua realidade e lidar com o fato de que é o único personagem-jogável que pode salvar o mundo. Confira o trailer:
Os clichês frequentes acabam tirando o brilho de um filme que poderia ser tão mais criativo e original quanto “Jogador Nº 1” - ainda mais tendo como um dos roteiristas Zak Penn que também colaborou para o filme de Steven Spielberg. Mas em um longa visualmente atrativo e com os carismáticos Ryan Reynalds e Jodie Comer no elenco, chegar até o final e sentir aquele gostinho de que a aventura tinha muito potencial e foi desperdiçada por excessivos clichês acaba sendo um pouco frustrante.
Ainda assim, os efeitos especiais e visuais são mágicos e criam uma dimensão bastante imersiva. É evidente que a aventura descompromissada funciona e entrega momentos divertidíssimos que incluem ótimas sequências de ação e referências da cultura pop. Uma trilha sonora bem gostosinha (daquelas que procuramos a playlist para ouvir) também é um dos bons ingredientes do filme. A canção “Fantasy” da Mariah Carey gruda como chiclete.
“Free Guy” diverte e garante boas risadas, mas não é nenhuma aventura que você já não tenha visto antes, mas se você gosta do estilo "Ryan Reynalds" de filmes, vale o seu play!
Escrito por Mark Hewes - uma parceria @indiqueipraver
“Free Guy" que no Brasil ganhou o subtítulo de "Assumindo o Controle” é uma mistura de vários filmes que deram certo como, por exemplo, “Jogador Nº 1” e “O Show de Truman”, mas as semelhanças vão além!
Na trama, Guy (Ryan Reynalds) é um personagem "não-jogável" (NPC) em Free City, um jogo de RPG online. Sem saber que o mundo em que vive é um videogame, ele trabalha como caixa de banco em uma entediante rotina, que se repete diversas vezes (como no clássico “O Feitiço do Tempo”). No jogo, Millie (Jodie Comer), conhecida como Molotov Girl, chama a atenção de Guy cantando sua música favorita da Mariah Carey, é aí que ele começa a se desviar de sua programação. Mas é quando Guy pega um óculos de um jogador, que ele passa a ver Free City através de uma versão única da interface e, surpreendentemente, acaba virando um jogador. Agora ele precisa aceitar sua realidade e lidar com o fato de que é o único personagem-jogável que pode salvar o mundo. Confira o trailer:
Os clichês frequentes acabam tirando o brilho de um filme que poderia ser tão mais criativo e original quanto “Jogador Nº 1” - ainda mais tendo como um dos roteiristas Zak Penn que também colaborou para o filme de Steven Spielberg. Mas em um longa visualmente atrativo e com os carismáticos Ryan Reynalds e Jodie Comer no elenco, chegar até o final e sentir aquele gostinho de que a aventura tinha muito potencial e foi desperdiçada por excessivos clichês acaba sendo um pouco frustrante.
Ainda assim, os efeitos especiais e visuais são mágicos e criam uma dimensão bastante imersiva. É evidente que a aventura descompromissada funciona e entrega momentos divertidíssimos que incluem ótimas sequências de ação e referências da cultura pop. Uma trilha sonora bem gostosinha (daquelas que procuramos a playlist para ouvir) também é um dos bons ingredientes do filme. A canção “Fantasy” da Mariah Carey gruda como chiclete.
“Free Guy” diverte e garante boas risadas, mas não é nenhuma aventura que você já não tenha visto antes, mas se você gosta do estilo "Ryan Reynalds" de filmes, vale o seu play!
Escrito por Mark Hewes - uma parceria @indiqueipraver
Se você está em busca de um bom entretenimento sobre assaltos espetaculares em uma mistura de ação com algum drama, "Ida Red - O Preço da Liberdade" pode ser uma boa pedida - mas te adianto: não se trata de um filme inesquecível, pelo contrário, ele é despretensioso ao ponto de abdicar de pelo menos 30 minutos de história, onde as tramas, subtramas e soluções narrativas certamente seriam melhores desenvolvidas, para ganhar em dinâmica e alguma emoção. Isso faz do filme escrito e dirigido por John Swab (do mediano "One Day as a Lion") honesto em sua proposta, tanto que chegou a ser indicado ao Locarno em 2021, mas é inegável que deixa um gostinho de que poderia ser melhor do que realmente é!
"Ida Red - O Preço da Liberdade", basicamente, acompanha a carreira da criminosa Ida ‘Red’ Walker (Melissa Leo), que luta contra uma doença terminal enquanto cumpre uma pena de 25 anos de prisão em Oklahoma. Sob a tutela de Ida, seu filho, Wyatt Walker (Josh Hartnett) sustenta os negócios da família ao lado de seu tio, Dallas Walker (Frank Grillo), até que um assalto dá errado e o detetive local e cunhado de Wyatt, Bodie Collier (George Carroll), se junta ao agente do FBI Lawrence Twilley (William Forsythe) para tentar rastrear os responsáveis pelo crime - e como é de se imaginar, eles já têm seus suspeitos. Confira o trailer:
Embora o filme se apresente como uma montanha-russa emocional que mergulha nas complexidades das relações familiares e do dilema moral para definir o que é certo, o que é errado e em qual circunstâncias isso pode se misturar, "Ida Red" é mesmo um filme de ação. Certo disso, percebemos que durante os 120 minutos de história, assistimos Swab nos negar alguns eventos importantes da trama e isso faz com que todos aqueles conflitos soem mais superficiais do que eles poderiam ser. Ao recortar o grande arco dramático de uma família amplamente envolvida com o mundo do crime e nos apresentar apenas uma parte desse todo, o diretor assume o risco de que sua audiência não se importe realmente com aqueles personagens - isso me pareceu acontecer, por outro lado não impacta no que ele prioriza como fio condutor.
A direção de John Swab respeita suas próprias escolhas conceituais e sua abordagem habilidosa dessa gramática de gênero ao criar uma atmosfera mais sombria do que tensa, especialmente no prólogo e no final do terceiro ato, onde a ação propriamente dita, nos conduz entre os dramas mais existenciais dos personagens. Essa proposta acaba deixando para o elenco todo ônus da falta de tempo de tela - Melissa Leo talvez seja o maior exemplo disso. Ela oferece uma atuação de tirar o fôlego quando é demandada, incorporando uma Ida Red com presença magnética, mas pouco aproveitada. Josh Hartnett e Frank Grillo, esses sim oferecem performances convincentes sem tanta pressa - a química entre eles é palpável, o que adiciona uma camada extra de autenticidade à história, mas infelizmente, mesmo assim, falta aquela conexão.
A fotografia do Matt Clegg (de "What Doesn't Float") é primorosa ao equilibrar o drama mais íntimo com seus planos fechados e quase sempre estáticos, com a ação mais dinâmica das lentes mais abertas e uma câmera mais nervosa. A escolha de locações e a trilha sonora se combinam com essa dualidade da fotografia para criar um ambiente mais imersivo que faz com que a audiência se sinta parte daquele submundo - uma pena que essas sensações sejam tão esporádicas devido aos gaps do roteiro. Em resumo, "Ida Red - O Preço da Liberdade" diverte mais do que nos impacta, mesmo quando escolhe questionar o real valor da família como instituição inabalável em meio aquele cenário imoral de crimes e redenção. Uma pena que não tenha tido o tempo necessário para unificar esses dois elementos dramáticos, que estão lá, mas que acabaram funcionando mais sozinhos do que juntos.
Se você está em busca de um bom entretenimento sobre assaltos espetaculares em uma mistura de ação com algum drama, "Ida Red - O Preço da Liberdade" pode ser uma boa pedida - mas te adianto: não se trata de um filme inesquecível, pelo contrário, ele é despretensioso ao ponto de abdicar de pelo menos 30 minutos de história, onde as tramas, subtramas e soluções narrativas certamente seriam melhores desenvolvidas, para ganhar em dinâmica e alguma emoção. Isso faz do filme escrito e dirigido por John Swab (do mediano "One Day as a Lion") honesto em sua proposta, tanto que chegou a ser indicado ao Locarno em 2021, mas é inegável que deixa um gostinho de que poderia ser melhor do que realmente é!
"Ida Red - O Preço da Liberdade", basicamente, acompanha a carreira da criminosa Ida ‘Red’ Walker (Melissa Leo), que luta contra uma doença terminal enquanto cumpre uma pena de 25 anos de prisão em Oklahoma. Sob a tutela de Ida, seu filho, Wyatt Walker (Josh Hartnett) sustenta os negócios da família ao lado de seu tio, Dallas Walker (Frank Grillo), até que um assalto dá errado e o detetive local e cunhado de Wyatt, Bodie Collier (George Carroll), se junta ao agente do FBI Lawrence Twilley (William Forsythe) para tentar rastrear os responsáveis pelo crime - e como é de se imaginar, eles já têm seus suspeitos. Confira o trailer:
Embora o filme se apresente como uma montanha-russa emocional que mergulha nas complexidades das relações familiares e do dilema moral para definir o que é certo, o que é errado e em qual circunstâncias isso pode se misturar, "Ida Red" é mesmo um filme de ação. Certo disso, percebemos que durante os 120 minutos de história, assistimos Swab nos negar alguns eventos importantes da trama e isso faz com que todos aqueles conflitos soem mais superficiais do que eles poderiam ser. Ao recortar o grande arco dramático de uma família amplamente envolvida com o mundo do crime e nos apresentar apenas uma parte desse todo, o diretor assume o risco de que sua audiência não se importe realmente com aqueles personagens - isso me pareceu acontecer, por outro lado não impacta no que ele prioriza como fio condutor.
A direção de John Swab respeita suas próprias escolhas conceituais e sua abordagem habilidosa dessa gramática de gênero ao criar uma atmosfera mais sombria do que tensa, especialmente no prólogo e no final do terceiro ato, onde a ação propriamente dita, nos conduz entre os dramas mais existenciais dos personagens. Essa proposta acaba deixando para o elenco todo ônus da falta de tempo de tela - Melissa Leo talvez seja o maior exemplo disso. Ela oferece uma atuação de tirar o fôlego quando é demandada, incorporando uma Ida Red com presença magnética, mas pouco aproveitada. Josh Hartnett e Frank Grillo, esses sim oferecem performances convincentes sem tanta pressa - a química entre eles é palpável, o que adiciona uma camada extra de autenticidade à história, mas infelizmente, mesmo assim, falta aquela conexão.
A fotografia do Matt Clegg (de "What Doesn't Float") é primorosa ao equilibrar o drama mais íntimo com seus planos fechados e quase sempre estáticos, com a ação mais dinâmica das lentes mais abertas e uma câmera mais nervosa. A escolha de locações e a trilha sonora se combinam com essa dualidade da fotografia para criar um ambiente mais imersivo que faz com que a audiência se sinta parte daquele submundo - uma pena que essas sensações sejam tão esporádicas devido aos gaps do roteiro. Em resumo, "Ida Red - O Preço da Liberdade" diverte mais do que nos impacta, mesmo quando escolhe questionar o real valor da família como instituição inabalável em meio aquele cenário imoral de crimes e redenção. Uma pena que não tenha tido o tempo necessário para unificar esses dois elementos dramáticos, que estão lá, mas que acabaram funcionando mais sozinhos do que juntos.
Filmes de ação raramente entregam histórias que nos fazem refletir sobre o sistema e a corrupção como deveriam. Na maioria das vezes as cenas frenéticas tomam conta da tela e engolem qualquer história diante de tantas coreografias de lutas, tiros e perseguições. Mas “Justiça Brutal” entrega tudo o que gênero pede e muito mais - você só deve ter em mente que o desenvolvimento da narrativa é um pouco mais lenta que o usual. O filme ainda explora o contexto social e aborda temas relevantes como o racismo, sem deixar sequências espetaculares de perseguição e tiroteio de lado.
Na trama, o veterano policial Brett Ridgeman (Mel Gibson) e seu parceiro mais jovem e volátil, Anthony Lurasetti (Vince Vaughn), são suspensos quando um vídeo de suas táticas de trabalho brutais vira notícia. Sem dinheiro e sem opções, eles decidem entrar para o mundo do crime. Porém, o que eles encontram na criminalidade é algo muito mais obscuro do que esperavam. Confira o trailer (em inglês):
Com uma premissa interessante, a primeira hora pode decepcionar aquelas pessoas que esperam muito mais por explosões, lutas e tiroteios, mas “Dragged Across Concrete” (no original) se preocupa muito mais em apresentar seus personagens e todo o contexto social antes de chegar no ápice da ação. Ainda assim, devo ressaltar que a ação é contida, existe muito mais uma tensão crescente nos momentos de perseguições do que outros artifícios usados para gerar o êxtase visual - você ficará apreensivo com o decorrer da história, definitivamente. Eu diria que é uma experiência diferente de filmes de ação de atores como Liam Neeson ou Jason Statham.
A direção traz alguns elementos interessantes de séries como ”Breaking Bad”, por exemplo - que praticamente acompanham o dia a dia de seus personagens como se a câmera estivesse escondida, mostrando cada passo, cada detalhe! Ao mesmo tempo, se você gosta de um estilo mais clássico como ”Fogo Contra Fogo”, provavelmente a sua experiência com esse thriller de ação escrito e dirigido por S. Craig Zahler (dos aclamados ”Rastros de Maldade” e ”Confusão no Pavilhão 99”), será completa e te garanto: esse é mais um daqueles achados que só nos resta agradecer ao serviço de streaming.
No elenco todos entregam perfomances marcantes, especialmente os protagonistas Mel Gibson e Vince Vaughn, que poderiam facilmente estrelar uma temporada de ”True Detective”! Que química incrível esses dois tem em cena. Assim como Matthew McConaughey e Woody Harrelson haviam trabalhado juntos anteriormente e anos depois estrelaram a série antológica da HBO.
“Justiça Brutal” se diferencia dos demais filmes de ação por ser bem construído, realista e, de fato, brutal. O filme pode ser facilmente comparado aos clássicos de ação e suspense criminal, e não aos recentes filmes esquecíveis que o gênero vem produzindo.
PS: o que impede o filme ser uma obra-prima "nível Michael Mann", talvez seja o excesso e até mesmo um pouco de pieguice no seu desfecho. Imagino que um certo polimento teria feito muito bem a narrativa, especialmente porque todos os inúmeros acertos da direção e do roteiro são notáveis.
Vale o seu play!
Escrito por Mark Hewes - uma parceria @indiqueipraver
Filmes de ação raramente entregam histórias que nos fazem refletir sobre o sistema e a corrupção como deveriam. Na maioria das vezes as cenas frenéticas tomam conta da tela e engolem qualquer história diante de tantas coreografias de lutas, tiros e perseguições. Mas “Justiça Brutal” entrega tudo o que gênero pede e muito mais - você só deve ter em mente que o desenvolvimento da narrativa é um pouco mais lenta que o usual. O filme ainda explora o contexto social e aborda temas relevantes como o racismo, sem deixar sequências espetaculares de perseguição e tiroteio de lado.
Na trama, o veterano policial Brett Ridgeman (Mel Gibson) e seu parceiro mais jovem e volátil, Anthony Lurasetti (Vince Vaughn), são suspensos quando um vídeo de suas táticas de trabalho brutais vira notícia. Sem dinheiro e sem opções, eles decidem entrar para o mundo do crime. Porém, o que eles encontram na criminalidade é algo muito mais obscuro do que esperavam. Confira o trailer (em inglês):
Com uma premissa interessante, a primeira hora pode decepcionar aquelas pessoas que esperam muito mais por explosões, lutas e tiroteios, mas “Dragged Across Concrete” (no original) se preocupa muito mais em apresentar seus personagens e todo o contexto social antes de chegar no ápice da ação. Ainda assim, devo ressaltar que a ação é contida, existe muito mais uma tensão crescente nos momentos de perseguições do que outros artifícios usados para gerar o êxtase visual - você ficará apreensivo com o decorrer da história, definitivamente. Eu diria que é uma experiência diferente de filmes de ação de atores como Liam Neeson ou Jason Statham.
A direção traz alguns elementos interessantes de séries como ”Breaking Bad”, por exemplo - que praticamente acompanham o dia a dia de seus personagens como se a câmera estivesse escondida, mostrando cada passo, cada detalhe! Ao mesmo tempo, se você gosta de um estilo mais clássico como ”Fogo Contra Fogo”, provavelmente a sua experiência com esse thriller de ação escrito e dirigido por S. Craig Zahler (dos aclamados ”Rastros de Maldade” e ”Confusão no Pavilhão 99”), será completa e te garanto: esse é mais um daqueles achados que só nos resta agradecer ao serviço de streaming.
No elenco todos entregam perfomances marcantes, especialmente os protagonistas Mel Gibson e Vince Vaughn, que poderiam facilmente estrelar uma temporada de ”True Detective”! Que química incrível esses dois tem em cena. Assim como Matthew McConaughey e Woody Harrelson haviam trabalhado juntos anteriormente e anos depois estrelaram a série antológica da HBO.
“Justiça Brutal” se diferencia dos demais filmes de ação por ser bem construído, realista e, de fato, brutal. O filme pode ser facilmente comparado aos clássicos de ação e suspense criminal, e não aos recentes filmes esquecíveis que o gênero vem produzindo.
PS: o que impede o filme ser uma obra-prima "nível Michael Mann", talvez seja o excesso e até mesmo um pouco de pieguice no seu desfecho. Imagino que um certo polimento teria feito muito bem a narrativa, especialmente porque todos os inúmeros acertos da direção e do roteiro são notáveis.
Vale o seu play!
Escrito por Mark Hewes - uma parceria @indiqueipraver
"Killing Eve" é muito divertida! Na verdade é uma jornada de "gato e rato" com pitadas de espionagem, conspirações e... muita ironia. Se você gosta de filmes como "Nikita", "Anna" e até "Viúva Negra"certamente você vai gostar dessa série da BBC America, criada pela Sally Woodward Gentle (Whitechapel), Lee Morris e Phoebe Waller-Bridge (Fleabag), e baseada na saga literária "Codinome Villanelle", escrita por Luke Jennings - porém um detalhe não pode passar batido para alinharmos as expectativas: diferente dos três filmes que comentei acima, o tom de "Killing Eve" é outro, ele se apoia na ironia ao usar tantos clichês do gênero e isso vai exigir uma enorme suspensão da realidade, mas que ao mesmo tempo vai deixar a história leve, despretensiosa e não menos inteligente.
Eve Polastri (Sandra Oh) é uma funcionária de uma “divisão fantasma” do MI5 que fica obcecada em conseguir capturar uma misteriosa, impiedosa e precisa assassina chamada Oxana Vorontsova (Jodie Comer). Ao ser colocada na posição de "agente secreta", Eve embarca em uma perigosa caçada, assumindo riscos impensáveis, iniciando complexas investigações e criando um cenário de tensão que ultrapassa as fronteiras do Reino Unido. Confira o trailer(em inglês):
Um bom roteiro precisa de apenas uma cena para estabelecer um personagem e "Killing Eve" faz isso com maestria. No prólogo conhecemos a assassina Villanelle, codinome de Vorontsova - ela observa uma linda garotinha tomando um sorvete. Depois de uma dificuldade inicial em interagir com a garotinha, Vorontsova troca sorrisos, cheia de simpatia. Porém em um determinado momento, ela se levanta, imponente, chamando a atenção dos olhos masculinos, caminha até a garotinha e simplesmente derruba o sorvete, propositalmente, com um leve sorriso no rosto até sair da sorveteria como se nada tivesse acontecido. Fiz questão de citar essa sequência (que inclusive está editada no trailer acima) justamente para antecipar o que você vai encontrar na série: esse tipo de ironia inteligente que, sem uma única palavra, já pontua exatamente o que podemos esperar de uma personagem.
Do outro lado temos Sandra Oh (a "insuportável" Cristina Yang de "Greys Anatomy"). Aqui ela é apaixonante, teimosa e irresponsável, mas com muito charme e simpatia. Seu estilo, até fisico, se encaixa perfeitamente no tom da série e acaba funcionando como contraponto ao estilo "camaleão com elegância" de Comer - essas diferenças se completam de tal forma que fica impossível pensar na série sem essas duas atrizes. Essa química, inclusive, rendeu para elas inúmeras indicações em várias premiações importantes e um Emmy de "Melhor Atriz" para Comer em 2019. Outra peça importante do elenco é Fiona Shaw - também indicada ao Emmy, mas como coadjuvante. Shaw é o ponto de equilíbrio da série, aquela personagem que não deixa a história descambar para a comédia pastelão e muito menos para o drama denso - é incrível como o roteiro usa os personagens para entregar uma história dinâmica e empolgante, que flerta com o humor de um jeito macabro, sombrio, até escrachado, mas sem esquecer de ser um entretenimento dos mais divertidos.
Antes de finalizar é preciso dizer que a ideia central da trama vai mudando durante a primeira temporada e se expande em outras possibilidades nas demais, mesmo sabendo que a quarta (ainda inédita) será a última. Essa transformação narrativa mais ajuda do que atrapalha, governos que teoricamente seriam os mocinhos e os espiões e assassinos cruéis que seriam os bandidos, na verdade andam de mãos dadas em muitos casos, e é justamente esse tipo de similaridade que o texto passa a trabalhar - onde, mais uma vez, Comer ajuda construir excelentes momentos. É natural a mudança, claro, mas alguns podem não gostar - não foi o meu caso. Achei que a cada reinvenção imposta, a série ganhava mais fôlego e já sabendo que teremos um final logo ali, ajudou muito na escolha de embarcar nessa jornada.
Vale muito a pena!
"Killing Eve" é muito divertida! Na verdade é uma jornada de "gato e rato" com pitadas de espionagem, conspirações e... muita ironia. Se você gosta de filmes como "Nikita", "Anna" e até "Viúva Negra"certamente você vai gostar dessa série da BBC America, criada pela Sally Woodward Gentle (Whitechapel), Lee Morris e Phoebe Waller-Bridge (Fleabag), e baseada na saga literária "Codinome Villanelle", escrita por Luke Jennings - porém um detalhe não pode passar batido para alinharmos as expectativas: diferente dos três filmes que comentei acima, o tom de "Killing Eve" é outro, ele se apoia na ironia ao usar tantos clichês do gênero e isso vai exigir uma enorme suspensão da realidade, mas que ao mesmo tempo vai deixar a história leve, despretensiosa e não menos inteligente.
Eve Polastri (Sandra Oh) é uma funcionária de uma “divisão fantasma” do MI5 que fica obcecada em conseguir capturar uma misteriosa, impiedosa e precisa assassina chamada Oxana Vorontsova (Jodie Comer). Ao ser colocada na posição de "agente secreta", Eve embarca em uma perigosa caçada, assumindo riscos impensáveis, iniciando complexas investigações e criando um cenário de tensão que ultrapassa as fronteiras do Reino Unido. Confira o trailer(em inglês):
Um bom roteiro precisa de apenas uma cena para estabelecer um personagem e "Killing Eve" faz isso com maestria. No prólogo conhecemos a assassina Villanelle, codinome de Vorontsova - ela observa uma linda garotinha tomando um sorvete. Depois de uma dificuldade inicial em interagir com a garotinha, Vorontsova troca sorrisos, cheia de simpatia. Porém em um determinado momento, ela se levanta, imponente, chamando a atenção dos olhos masculinos, caminha até a garotinha e simplesmente derruba o sorvete, propositalmente, com um leve sorriso no rosto até sair da sorveteria como se nada tivesse acontecido. Fiz questão de citar essa sequência (que inclusive está editada no trailer acima) justamente para antecipar o que você vai encontrar na série: esse tipo de ironia inteligente que, sem uma única palavra, já pontua exatamente o que podemos esperar de uma personagem.
Do outro lado temos Sandra Oh (a "insuportável" Cristina Yang de "Greys Anatomy"). Aqui ela é apaixonante, teimosa e irresponsável, mas com muito charme e simpatia. Seu estilo, até fisico, se encaixa perfeitamente no tom da série e acaba funcionando como contraponto ao estilo "camaleão com elegância" de Comer - essas diferenças se completam de tal forma que fica impossível pensar na série sem essas duas atrizes. Essa química, inclusive, rendeu para elas inúmeras indicações em várias premiações importantes e um Emmy de "Melhor Atriz" para Comer em 2019. Outra peça importante do elenco é Fiona Shaw - também indicada ao Emmy, mas como coadjuvante. Shaw é o ponto de equilíbrio da série, aquela personagem que não deixa a história descambar para a comédia pastelão e muito menos para o drama denso - é incrível como o roteiro usa os personagens para entregar uma história dinâmica e empolgante, que flerta com o humor de um jeito macabro, sombrio, até escrachado, mas sem esquecer de ser um entretenimento dos mais divertidos.
Antes de finalizar é preciso dizer que a ideia central da trama vai mudando durante a primeira temporada e se expande em outras possibilidades nas demais, mesmo sabendo que a quarta (ainda inédita) será a última. Essa transformação narrativa mais ajuda do que atrapalha, governos que teoricamente seriam os mocinhos e os espiões e assassinos cruéis que seriam os bandidos, na verdade andam de mãos dadas em muitos casos, e é justamente esse tipo de similaridade que o texto passa a trabalhar - onde, mais uma vez, Comer ajuda construir excelentes momentos. É natural a mudança, claro, mas alguns podem não gostar - não foi o meu caso. Achei que a cada reinvenção imposta, a série ganhava mais fôlego e já sabendo que teremos um final logo ali, ajudou muito na escolha de embarcar nessa jornada.
Vale muito a pena!
“Kingsman: Serviço Secreto” é um filme dos mais divertidos dirigido por Matthew Vaughn, dos ótimos “Kick-Ass” e “X-Men: Primeira Classe”. Você só precisa ter em mente que esse filme não é para ser levado a sério - no bom sentido, claro. As cenas mais piradas e insanas são propositais, e isso é feito com muita energia e paixão pelo diretor - um apaixonado pelo agente 007.
Na trama, Eggsy (Taron Egerton) é um jovem com problemas de disciplina que parece perto de se tornar um criminoso. Determinado dia, ele entra em contato com Harry (Colin Firth), que lhe apresenta a agência de espionagem Kingsman. O jovem então se une a um time de recrutas em busca de uma vaga nessa agência ao mesmo tempo em que Harry tenta impedir a ascensão do vilão Valentine (Samuel L. Jackson). Confira o trailer:
Assim como “Kick-Ass”, que era uma adaptação de uma HQ e fazia uma gozação aos filmes de super-heróis, “Kingsman” (também é uma releitura de HQ, no caso "The Secret Service" de Mark Millar), e não hesita em satirizar os clássicos de espionagem dos anos 70 como os filmes de James Bond, que por si só já eram cheio de momentos estapafúrdicos. Se tratando de uma adaptação de quadrinhos, você pode esperar por um filme frenético que abraça a loucura de forma desvairada. Isso é o que “Kingsman" tem de melhor, pelo menos até certo momento.
Na sequência final, após a ausência de um personagem importante, o ritmo se excede um pouco na megalomania, mas isso não torna o filme menos atrativo. No elenco; Colin Firth e Taron Egerton tem uma química perfeita, e ambos se saem muito bem, independente de quando contracenam ou não. Inclusive, tem uma cena específica do Colin Firth, que é simplesmente alucinante e violenta - e isso pode agradar muitos ou enterrar o filme de vez para outros.
O fato é que mesmo que “Kingsman: Serviço Secreto” faça tributos para vários filmes de espionagem, ele por si só não deixa de ser original pela maneira com que é dirigido por Vaughn, fotografado pelo sempre criativo George Richmond (de "Filhos da Esperança") e desenvolvido pelo roteiro Jane Goldman (parceira do diretor em vários títulos de sua filmografia), porém com uma originalidade e qualidade técnica rara nos filmes do gênero.
Vela muito a pena!
PS: Esse é o primeiro filme da trilogia “Kingsman". Os outros dois filmes, "Círculo Dourado" e o recente "A Origem", também estão disponíveis no Star+!
Escrito por Mark Hewes - uma parceria @indiqueipraver
“Kingsman: Serviço Secreto” é um filme dos mais divertidos dirigido por Matthew Vaughn, dos ótimos “Kick-Ass” e “X-Men: Primeira Classe”. Você só precisa ter em mente que esse filme não é para ser levado a sério - no bom sentido, claro. As cenas mais piradas e insanas são propositais, e isso é feito com muita energia e paixão pelo diretor - um apaixonado pelo agente 007.
Na trama, Eggsy (Taron Egerton) é um jovem com problemas de disciplina que parece perto de se tornar um criminoso. Determinado dia, ele entra em contato com Harry (Colin Firth), que lhe apresenta a agência de espionagem Kingsman. O jovem então se une a um time de recrutas em busca de uma vaga nessa agência ao mesmo tempo em que Harry tenta impedir a ascensão do vilão Valentine (Samuel L. Jackson). Confira o trailer:
Assim como “Kick-Ass”, que era uma adaptação de uma HQ e fazia uma gozação aos filmes de super-heróis, “Kingsman” (também é uma releitura de HQ, no caso "The Secret Service" de Mark Millar), e não hesita em satirizar os clássicos de espionagem dos anos 70 como os filmes de James Bond, que por si só já eram cheio de momentos estapafúrdicos. Se tratando de uma adaptação de quadrinhos, você pode esperar por um filme frenético que abraça a loucura de forma desvairada. Isso é o que “Kingsman" tem de melhor, pelo menos até certo momento.
Na sequência final, após a ausência de um personagem importante, o ritmo se excede um pouco na megalomania, mas isso não torna o filme menos atrativo. No elenco; Colin Firth e Taron Egerton tem uma química perfeita, e ambos se saem muito bem, independente de quando contracenam ou não. Inclusive, tem uma cena específica do Colin Firth, que é simplesmente alucinante e violenta - e isso pode agradar muitos ou enterrar o filme de vez para outros.
O fato é que mesmo que “Kingsman: Serviço Secreto” faça tributos para vários filmes de espionagem, ele por si só não deixa de ser original pela maneira com que é dirigido por Vaughn, fotografado pelo sempre criativo George Richmond (de "Filhos da Esperança") e desenvolvido pelo roteiro Jane Goldman (parceira do diretor em vários títulos de sua filmografia), porém com uma originalidade e qualidade técnica rara nos filmes do gênero.
Vela muito a pena!
PS: Esse é o primeiro filme da trilogia “Kingsman". Os outros dois filmes, "Círculo Dourado" e o recente "A Origem", também estão disponíveis no Star+!
Escrito por Mark Hewes - uma parceria @indiqueipraver
"La Casa de Papel" é uma série espanhola criada por Álex Pina que se tornou um fenômeno global meio que por acaso, conquistando milhões de fãs em todo o mundo e fazendo com que a plataforma que só tinha o direito de distribuição da primeira temporada investisse em mais alguns anos - que cá entre nós, se mostrou uma das decisões mais acertadas de empresa em muitos anos. A produção, que estreou na Netflix em 2017, tem todos os elementos que nos conquista, mas a relação da audiência com seus personagens, de fato, coloca o título em um outro patamar - os personagens são carismáticos e bem desenvolvidos, desde seu líder brilhante, mas também complexo e cheio de segredos, como todos os outros assaltantes também são interessantes, com suas próprias histórias e motivações.
Para quem não sabe, a série acompanha a história de um grupo de assaltantes liderados por um misterioso homem conhecido como "O Professor" (Álvaro Morte), cujo objetivo é realizar o maior assalto da história, roubando 2,4 bilhões de euros da Casa da Moeda Real da Espanha. Veja, embora não seja uma grande novidade (com cenas que já vimos em outros filmes), a forma como a trama é narrada é muito interessante, eu diria que é daquelas séries que surpreendem já no primeiro episódio e nos prendem até o final - e realmente temos um final. Confira o trailer:
"La Casa de Papel" segue uma linha narrativa bem parecida com alguns filmes da Espanha que fizeram muito sucesso na temporada 2017 - um drama (quase non-sense de absurdo) cheio de alívios cômicos inteligentes, muito contraste visual, extremamente bem produzido, com bons atores (atenção para o Pedro Alonso que interpreta o "Berlin") e um roteiro realmente bem construído - mesmo que exija certa suspensão da realidade para embarcar nas soluções "malucas" do Professor!
Um dos elementos que mais chamam a atenção em "La Casa de Papel" é a sua estética. A série é filmada com uma paleta de cores fortes e vibrantes, que criam uma atmosfera envolvente e cheia de energia. A direção também é muito dinâmica, com cenas de ação que são filmadas de forma primorosa - empolgante na sua essência. Outro ponto forte, e que alinha todos eles elementos visuais e narrativos, é sua trilha sonora. A música é usada de forma inteligente para potencializar a atmosfera certa em cada momento - as músicas clássicas, como "Bella Ciao", são criam um senso de nostalgia e emoção, enquanto as músicas eletrônicas são usadas para pontuar a tensão e o suspense.
O que dizer de Úrsula Corberó (Tóquio), Jaime Lorente (Denver), Miguel Herrán (Rio) e Esther Acebo (Estocolmo)? Como pontuei na introdução: a cereja do bolo de uma uma série imperdível que conquista o público de todas as idades com a alma - mesmo que fantasiada por uma dinâmica eletrizante, uma produção impecável e uma estética vibrante de cair o queixo. Se as últimas temporadas perdem o elemento "novidade", saiba que até lá já estamos apaixonados ao ponto de nem ligar para caminho que a trama seguiu, só queremos que aquela aventura nunca acabe mesmo!
Vale muito a pena!
"La Casa de Papel" é uma série espanhola criada por Álex Pina que se tornou um fenômeno global meio que por acaso, conquistando milhões de fãs em todo o mundo e fazendo com que a plataforma que só tinha o direito de distribuição da primeira temporada investisse em mais alguns anos - que cá entre nós, se mostrou uma das decisões mais acertadas de empresa em muitos anos. A produção, que estreou na Netflix em 2017, tem todos os elementos que nos conquista, mas a relação da audiência com seus personagens, de fato, coloca o título em um outro patamar - os personagens são carismáticos e bem desenvolvidos, desde seu líder brilhante, mas também complexo e cheio de segredos, como todos os outros assaltantes também são interessantes, com suas próprias histórias e motivações.
Para quem não sabe, a série acompanha a história de um grupo de assaltantes liderados por um misterioso homem conhecido como "O Professor" (Álvaro Morte), cujo objetivo é realizar o maior assalto da história, roubando 2,4 bilhões de euros da Casa da Moeda Real da Espanha. Veja, embora não seja uma grande novidade (com cenas que já vimos em outros filmes), a forma como a trama é narrada é muito interessante, eu diria que é daquelas séries que surpreendem já no primeiro episódio e nos prendem até o final - e realmente temos um final. Confira o trailer:
"La Casa de Papel" segue uma linha narrativa bem parecida com alguns filmes da Espanha que fizeram muito sucesso na temporada 2017 - um drama (quase non-sense de absurdo) cheio de alívios cômicos inteligentes, muito contraste visual, extremamente bem produzido, com bons atores (atenção para o Pedro Alonso que interpreta o "Berlin") e um roteiro realmente bem construído - mesmo que exija certa suspensão da realidade para embarcar nas soluções "malucas" do Professor!
Um dos elementos que mais chamam a atenção em "La Casa de Papel" é a sua estética. A série é filmada com uma paleta de cores fortes e vibrantes, que criam uma atmosfera envolvente e cheia de energia. A direção também é muito dinâmica, com cenas de ação que são filmadas de forma primorosa - empolgante na sua essência. Outro ponto forte, e que alinha todos eles elementos visuais e narrativos, é sua trilha sonora. A música é usada de forma inteligente para potencializar a atmosfera certa em cada momento - as músicas clássicas, como "Bella Ciao", são criam um senso de nostalgia e emoção, enquanto as músicas eletrônicas são usadas para pontuar a tensão e o suspense.
O que dizer de Úrsula Corberó (Tóquio), Jaime Lorente (Denver), Miguel Herrán (Rio) e Esther Acebo (Estocolmo)? Como pontuei na introdução: a cereja do bolo de uma uma série imperdível que conquista o público de todas as idades com a alma - mesmo que fantasiada por uma dinâmica eletrizante, uma produção impecável e uma estética vibrante de cair o queixo. Se as últimas temporadas perdem o elemento "novidade", saiba que até lá já estamos apaixonados ao ponto de nem ligar para caminho que a trama seguiu, só queremos que aquela aventura nunca acabe mesmo!
Vale muito a pena!
Divertido como um "filme de assalto" deve ser - mas, sim, será preciso uma boa dose de suspensão da realidade para embarcar na proposta narrativa do diretor F. Gary Gray (de "Código de Conduta") e do roteirista Daniel Kunka (de "12 rounds"). "Lift: Roubo nas Alturas" é entretenimento puro, uma mistura de ação com ótimos toques de comédia que realmente prende a atenção da audiência do início ao fim pela forma despretensiosa com que conduz sua narrativa. Essa produção original da Netflixsegue a fórmula mirabolante do roubo improvável com uma equipe de ladrões, com diferentes habilidades, que se reune para realizar o maior golpe de suas vidas. Inovador? Longe disso, aliás é cheio de clichês, o que é ótimo para o gênero, no entanto aqui temos um ponto que triunfa, mesmo tendo essa premissa, digamos, batida: seu elenco, e a interação entre todos os atores, é excelente!
A trama segue um grupo de criminosos internacionais liderado por Cyrus (Kevin Hart) que acabam de ser contratados por Abby (Gugu Mbatha-Raw), uma agente federal, para que cumpram uma missão ambiciosa: roubar meio bilhão de dólares em barras de ouro que estão sendo transportadas para uma célula terrorista. Para deixar tudo ainda mais insano, a carga está sendo transportada em um Boeing 777 que parte de Londres rumo a Zurique, e eles devem roubá-la em pleno vôo. Confira o trailer:
"Lift: Roubo nas Alturas" é "cinema pipoca", um prato cheio para quem gosta de filmes de ação e não quer pensar muito. Como obra ele até repete aquela atmosfera "La Casa de Papel" com um dinamismo que a própria série teve dificuldade de emplacar em sua primeira temporada. Se você reparar bem, aqui no filme, a sequência que mostra toda a preparação do golpe é menor, claro, mas tão divertida quanto da série espanhola. Enquanto o texto brinca com as diferentes possibilidades e soluções para que tudo dê certo na hora do roubo (e nunca dá), também temos a oportunidade de ver o elenco de apoio ter seu momento - talvez sem o mesmo charme, mas igualmente simpáticos, eu diria. Olhando já pelo lado da ação, as sequências de perseguição são, de fato, bem realizadas - a do plot inicial, que acompanha o roubo no leilão, achei até melhor que a do plot principal (especialmente porque exige menos das composições em CGI - e algumas não estão 100% no filme).
Olhando pela perspectiva do roteiro, é até fácil dizer que o filme não decepciona, que tem um bom senso de humor, com piadas que funcionam na maioria das vezes, de forma equilibrada e sem forçar muito a barra. O que pega, é a falta de originalidade ou até de coragem para propor algo menos previsível - é aqui que a química de todo o elenco segura o rojão. Kevin Hart está engraçado, irônico - parece que está se divertindo em cena (o que mostra sua capacidade como um comediante que amadurece como ator). Hart tem ótimas sacadas com Gugu Mbatha-Raw - que chega até aqui depois de uma ótima jornada em "The Morning Show". Tenho certeza que ainda vamos ver ótimos e mais profundos trabalhos desses dois atores.
A direção de F. Gary Gray é segura e competente - ele sabe como criar cenas de ação e como equilibrar drama e humor. Ele brinca com a câmera, é coerente na forma como conta a história, mas acho que seu principal valor está em saber os limites da produção, do roteiro e do orçamento. Dentro dos limites, tudo é bacana! Sabe aquele filme que a gente reservava na quinta-feira para alugar no fim de semana, e quando devolvíamos na segunda achando divertido, até dávamos boas recomendações, só que nunca mais pensávamos nele? Pois é, "Lift: Roubo nas Alturas" é isso: uma ótima opção para quem está procurando um filme de ação mais descartável, no bom sentido, mais ou menos como foi aquele "O Fugitivo" de 1993.
Divertido como um "filme de assalto" deve ser - mas, sim, será preciso uma boa dose de suspensão da realidade para embarcar na proposta narrativa do diretor F. Gary Gray (de "Código de Conduta") e do roteirista Daniel Kunka (de "12 rounds"). "Lift: Roubo nas Alturas" é entretenimento puro, uma mistura de ação com ótimos toques de comédia que realmente prende a atenção da audiência do início ao fim pela forma despretensiosa com que conduz sua narrativa. Essa produção original da Netflixsegue a fórmula mirabolante do roubo improvável com uma equipe de ladrões, com diferentes habilidades, que se reune para realizar o maior golpe de suas vidas. Inovador? Longe disso, aliás é cheio de clichês, o que é ótimo para o gênero, no entanto aqui temos um ponto que triunfa, mesmo tendo essa premissa, digamos, batida: seu elenco, e a interação entre todos os atores, é excelente!
A trama segue um grupo de criminosos internacionais liderado por Cyrus (Kevin Hart) que acabam de ser contratados por Abby (Gugu Mbatha-Raw), uma agente federal, para que cumpram uma missão ambiciosa: roubar meio bilhão de dólares em barras de ouro que estão sendo transportadas para uma célula terrorista. Para deixar tudo ainda mais insano, a carga está sendo transportada em um Boeing 777 que parte de Londres rumo a Zurique, e eles devem roubá-la em pleno vôo. Confira o trailer:
"Lift: Roubo nas Alturas" é "cinema pipoca", um prato cheio para quem gosta de filmes de ação e não quer pensar muito. Como obra ele até repete aquela atmosfera "La Casa de Papel" com um dinamismo que a própria série teve dificuldade de emplacar em sua primeira temporada. Se você reparar bem, aqui no filme, a sequência que mostra toda a preparação do golpe é menor, claro, mas tão divertida quanto da série espanhola. Enquanto o texto brinca com as diferentes possibilidades e soluções para que tudo dê certo na hora do roubo (e nunca dá), também temos a oportunidade de ver o elenco de apoio ter seu momento - talvez sem o mesmo charme, mas igualmente simpáticos, eu diria. Olhando já pelo lado da ação, as sequências de perseguição são, de fato, bem realizadas - a do plot inicial, que acompanha o roubo no leilão, achei até melhor que a do plot principal (especialmente porque exige menos das composições em CGI - e algumas não estão 100% no filme).
Olhando pela perspectiva do roteiro, é até fácil dizer que o filme não decepciona, que tem um bom senso de humor, com piadas que funcionam na maioria das vezes, de forma equilibrada e sem forçar muito a barra. O que pega, é a falta de originalidade ou até de coragem para propor algo menos previsível - é aqui que a química de todo o elenco segura o rojão. Kevin Hart está engraçado, irônico - parece que está se divertindo em cena (o que mostra sua capacidade como um comediante que amadurece como ator). Hart tem ótimas sacadas com Gugu Mbatha-Raw - que chega até aqui depois de uma ótima jornada em "The Morning Show". Tenho certeza que ainda vamos ver ótimos e mais profundos trabalhos desses dois atores.
A direção de F. Gary Gray é segura e competente - ele sabe como criar cenas de ação e como equilibrar drama e humor. Ele brinca com a câmera, é coerente na forma como conta a história, mas acho que seu principal valor está em saber os limites da produção, do roteiro e do orçamento. Dentro dos limites, tudo é bacana! Sabe aquele filme que a gente reservava na quinta-feira para alugar no fim de semana, e quando devolvíamos na segunda achando divertido, até dávamos boas recomendações, só que nunca mais pensávamos nele? Pois é, "Lift: Roubo nas Alturas" é isso: uma ótima opção para quem está procurando um filme de ação mais descartável, no bom sentido, mais ou menos como foi aquele "O Fugitivo" de 1993.
Não tem como não gostar de "Line of Duty", especialmente se você (como eu) foi um grande fã de "24 Horas"! Mas calma, nada é por acaso - para minha surpresa, eu já tinha comentado sobre as referências do criador dessa série em uma análise de outra de suas produções, a minissérie sensação de 2018, "Segurança em Jogo"da Netflix! É isso, criada por Jed Mercurio, "Line of Duty" é daquelas séries raras que prende a atenção da audiência pela dinâmica narrativa, pela inteligência de suas reviravoltas, pela tensão constante de sua sequências de ação e pela habilidade de se reinventar a cada temporada, mantendo um altíssimo nível do início ao fim. Olha, se prepare para não sair do sofá, pois são seis temporadas (com uma média de seis episódios cada) de muito (mas, muito) entretenimento de qualidade!
"Line of Duty" é um premiadíssimo drama britânico que, basicamente, mergulha no universo da corrupção policial. Após uma delicada incursão contraterrorista dar muito errado, o Sargento Steve Arnott (Martin Compston) se recusa a encobertar os erros de sua equipe. Ao ser hostilizado pelos seus superiores, Arnott então se transfere para uma unidade anti-corrupção da policia local comandada pelo peculiar superintendente Ted Hastings (Adrian Dunbar). Lançada em 2012 pela BBC, a série rapidamente se consolidou como uma das melhores obras policiais das últimas décadas, graças à sua capacidade excepcional de equilibrar mistério, ação e uma reflexão crítica sobre poder, ética e integridade institucional. Confira o trailer (em inglês):
Mercurio já é conhecido por uma escrita, ao mesmo tempo, sofisticada e criativa. Dessa vez ele entrega uma jornada ainda mais empolgante que "Segurança em Jogo" e sem perder sua marca registrada: oferecer um olhar minucioso sobre os meandros da corrupção policial e sobre as complexidades morais enfrentadas por aqueles que tentam combatê-la. A cada temporada, a série apresenta um caso diferente, com personagens centrais que trazem consigo uma narrativa própria, mergulhando profundamente em dilemas éticos, pontuando as relações de poder e escolhas difíceis que cada um precisa tomar ao longo da jornada. Porém, o núcleo permanente formado pelo trio de investigadores Steve Arnott, Kate Fleming (Vicky McClure) e Ted Hastings (Adrian Dunbar) funciona como a espinha dorsal de "Line of Duty", trazendo muito do conceito de antologia procedural, bem anos 2000, para a produção.
A série, impossível negar, se destaca especialmente pelo seu roteiro inteligente e elaborado, que raramente oferece respostas fáceis - mesmo exigindo uma certa suspensão da realidade graças a alguns atalhos dramáticos que Mercurio insiste em pegar. Repare como cada episódio é construído com muita precisão, repleto de diálogos rápidos e referências técnicas de investigação bastante detalhadas que criam um ritmo intenso, potencializado por reviravoltas, de fato, inesperadas. As entrevistas conduzidas pela equipe da AC-12, aliás, são particularmente memoráveis - filmadas em espaços claustrofóbicos e com enquadramentos fechados, elas aumentam a tensão e frequentemente geram momentos de grande impacto emocional e narrativo. Outro elemento marcante em "Line of Duty" é a excelência do elenco convidado a cada temporada: atores e atrizes consagrados como Keeley Hawes, Lennie James, Thandiwe Newton, Kelly Macdonald e até Stephen Graham tiveram interpretações brilhantes, trazendo complexidade aos seus personagens e deixando um forte legado para a história da série.
A direção ao longo das temporadas, mesmo com vários profissionais no comando, também mantém uma solidez e um refinamento elogiável. Os episódios contam com um trabalho excepcional de câmera, especialmente na construção das cenas de ação e das perseguições, que nunca se limitam ao mero espetáculo. Ao contrário, elas sempre servem à narrativa, reforçando a sensação de urgência e de perigo iminente enfrentado pelos personagens. Além de ser um mestre em narrativas como essa, Mercurio é também um observador sagaz dos conflitos internos de seus personagens, ou seja, os protagonistas carregam suas próprias sombras e lutas pessoais, sendo colocados à prova constantemente - é essa dinâmica que funciona como um elo praticamente inquebrável de uma temporada até a outra. Embora mantenha um ritmo empolgante e um tom bastante investigativo, a obra nunca deixa de apresentar reflexões críticas sobre temas contemporâneos, o que coloca "Line of Duty" em um patamar tão elevado entre as produções policiais que, para mim, entra no hall das melhores do gênero já produzidas! Sem exageros!
Com sua mistura impecável de suspense, drama e crítica, "Line of Duty" é mais um exemplo primoroso do que a televisão britânica é capaz de produzir de melhor!
Não tem como não gostar de "Line of Duty", especialmente se você (como eu) foi um grande fã de "24 Horas"! Mas calma, nada é por acaso - para minha surpresa, eu já tinha comentado sobre as referências do criador dessa série em uma análise de outra de suas produções, a minissérie sensação de 2018, "Segurança em Jogo"da Netflix! É isso, criada por Jed Mercurio, "Line of Duty" é daquelas séries raras que prende a atenção da audiência pela dinâmica narrativa, pela inteligência de suas reviravoltas, pela tensão constante de sua sequências de ação e pela habilidade de se reinventar a cada temporada, mantendo um altíssimo nível do início ao fim. Olha, se prepare para não sair do sofá, pois são seis temporadas (com uma média de seis episódios cada) de muito (mas, muito) entretenimento de qualidade!
"Line of Duty" é um premiadíssimo drama britânico que, basicamente, mergulha no universo da corrupção policial. Após uma delicada incursão contraterrorista dar muito errado, o Sargento Steve Arnott (Martin Compston) se recusa a encobertar os erros de sua equipe. Ao ser hostilizado pelos seus superiores, Arnott então se transfere para uma unidade anti-corrupção da policia local comandada pelo peculiar superintendente Ted Hastings (Adrian Dunbar). Lançada em 2012 pela BBC, a série rapidamente se consolidou como uma das melhores obras policiais das últimas décadas, graças à sua capacidade excepcional de equilibrar mistério, ação e uma reflexão crítica sobre poder, ética e integridade institucional. Confira o trailer (em inglês):
Mercurio já é conhecido por uma escrita, ao mesmo tempo, sofisticada e criativa. Dessa vez ele entrega uma jornada ainda mais empolgante que "Segurança em Jogo" e sem perder sua marca registrada: oferecer um olhar minucioso sobre os meandros da corrupção policial e sobre as complexidades morais enfrentadas por aqueles que tentam combatê-la. A cada temporada, a série apresenta um caso diferente, com personagens centrais que trazem consigo uma narrativa própria, mergulhando profundamente em dilemas éticos, pontuando as relações de poder e escolhas difíceis que cada um precisa tomar ao longo da jornada. Porém, o núcleo permanente formado pelo trio de investigadores Steve Arnott, Kate Fleming (Vicky McClure) e Ted Hastings (Adrian Dunbar) funciona como a espinha dorsal de "Line of Duty", trazendo muito do conceito de antologia procedural, bem anos 2000, para a produção.
A série, impossível negar, se destaca especialmente pelo seu roteiro inteligente e elaborado, que raramente oferece respostas fáceis - mesmo exigindo uma certa suspensão da realidade graças a alguns atalhos dramáticos que Mercurio insiste em pegar. Repare como cada episódio é construído com muita precisão, repleto de diálogos rápidos e referências técnicas de investigação bastante detalhadas que criam um ritmo intenso, potencializado por reviravoltas, de fato, inesperadas. As entrevistas conduzidas pela equipe da AC-12, aliás, são particularmente memoráveis - filmadas em espaços claustrofóbicos e com enquadramentos fechados, elas aumentam a tensão e frequentemente geram momentos de grande impacto emocional e narrativo. Outro elemento marcante em "Line of Duty" é a excelência do elenco convidado a cada temporada: atores e atrizes consagrados como Keeley Hawes, Lennie James, Thandiwe Newton, Kelly Macdonald e até Stephen Graham tiveram interpretações brilhantes, trazendo complexidade aos seus personagens e deixando um forte legado para a história da série.
A direção ao longo das temporadas, mesmo com vários profissionais no comando, também mantém uma solidez e um refinamento elogiável. Os episódios contam com um trabalho excepcional de câmera, especialmente na construção das cenas de ação e das perseguições, que nunca se limitam ao mero espetáculo. Ao contrário, elas sempre servem à narrativa, reforçando a sensação de urgência e de perigo iminente enfrentado pelos personagens. Além de ser um mestre em narrativas como essa, Mercurio é também um observador sagaz dos conflitos internos de seus personagens, ou seja, os protagonistas carregam suas próprias sombras e lutas pessoais, sendo colocados à prova constantemente - é essa dinâmica que funciona como um elo praticamente inquebrável de uma temporada até a outra. Embora mantenha um ritmo empolgante e um tom bastante investigativo, a obra nunca deixa de apresentar reflexões críticas sobre temas contemporâneos, o que coloca "Line of Duty" em um patamar tão elevado entre as produções policiais que, para mim, entra no hall das melhores do gênero já produzidas! Sem exageros!
Com sua mistura impecável de suspense, drama e crítica, "Line of Duty" é mais um exemplo primoroso do que a televisão britânica é capaz de produzir de melhor!
"Lupin" chega na Netflix para cobrir o gap deixado por "La Casa de Papel" e, de fato, deve conseguir. Essa série francesa é bem divertida e rápida - já que vem com apenas 5 episódios de 40 minutos, seguindo a mesma estratégia da sua antecessora espanhola, de dividir uma temporada em "partes". Só para contextualizar, é preciso pontuar a importância do famoso personagem literário, criado porMaurice Leblanc, Arsène Lupin - ele é uma espécie de Sherlock Holmes francês as avessas, um ladrão sofisticado e esperto, especialmente habilidoso na arte dos disfarces.
Pois bem, na série, acompanhamos Assane Diop (Omar Sy), um imigrante senegalês que, na adolescência, viu seu pai ser incriminado (injustamente) pelo roubo de um colar valioso pela poderosa família endinheirada e mesquinha de quem era motorista particular. Antes de ser mandado para a prisão, porém, Diop deixou um último presente para o filho: um romance de Arsène Lupin. Respeitando a obra como o último vínculo afetivo com seu pai, Assane transforma as histórias de Lupin em inspiração para elaborar sua vingança contra os responsáveis por sujar a honra de sua família. Confira o trailer:
Um elemento narrativo que me chamou a atenção e que tem que ser destacado é que "Lupin" não tem a menor preocupação em criar explicações "técnicas" para justificar as ações do protagonista como fazia, mesmo que fantasiosamente, o roteiro de "La Casa de Papel"; ou seja, não se preocupe com a veracidade, embarque na fantasia, porque a série propositalmente manipula o misticismo em torno do legado original de Lupin, transformando a história de Assane em uma homenagem ao clássico personagem.
Antes de finalizar vale o registro: Omar Sy esbanja carisma e acrescenta uma dose de malícia ao personagem que fica difícil não torcer para o sucesso dos seus crimes. Golaço na escolha do protagonista dessa produção de extrema qualidade visual, com uma fotografia que "abusa" de uma Paris cinematográfica e que tem um roteiro fácil e dinâmico! Vale muito a pena pelo entretenimento puro e pela diversão sem compromisso!
"Lupin" chega na Netflix para cobrir o gap deixado por "La Casa de Papel" e, de fato, deve conseguir. Essa série francesa é bem divertida e rápida - já que vem com apenas 5 episódios de 40 minutos, seguindo a mesma estratégia da sua antecessora espanhola, de dividir uma temporada em "partes". Só para contextualizar, é preciso pontuar a importância do famoso personagem literário, criado porMaurice Leblanc, Arsène Lupin - ele é uma espécie de Sherlock Holmes francês as avessas, um ladrão sofisticado e esperto, especialmente habilidoso na arte dos disfarces.
Pois bem, na série, acompanhamos Assane Diop (Omar Sy), um imigrante senegalês que, na adolescência, viu seu pai ser incriminado (injustamente) pelo roubo de um colar valioso pela poderosa família endinheirada e mesquinha de quem era motorista particular. Antes de ser mandado para a prisão, porém, Diop deixou um último presente para o filho: um romance de Arsène Lupin. Respeitando a obra como o último vínculo afetivo com seu pai, Assane transforma as histórias de Lupin em inspiração para elaborar sua vingança contra os responsáveis por sujar a honra de sua família. Confira o trailer:
Um elemento narrativo que me chamou a atenção e que tem que ser destacado é que "Lupin" não tem a menor preocupação em criar explicações "técnicas" para justificar as ações do protagonista como fazia, mesmo que fantasiosamente, o roteiro de "La Casa de Papel"; ou seja, não se preocupe com a veracidade, embarque na fantasia, porque a série propositalmente manipula o misticismo em torno do legado original de Lupin, transformando a história de Assane em uma homenagem ao clássico personagem.
Antes de finalizar vale o registro: Omar Sy esbanja carisma e acrescenta uma dose de malícia ao personagem que fica difícil não torcer para o sucesso dos seus crimes. Golaço na escolha do protagonista dessa produção de extrema qualidade visual, com uma fotografia que "abusa" de uma Paris cinematográfica e que tem um roteiro fácil e dinâmico! Vale muito a pena pelo entretenimento puro e pela diversão sem compromisso!
"Mayor of Kingstown" é excelente e te falo: ela tem uma vibe meio "Ozark" que é muito envolvente! Criada pelo novato Hugh Dillon e pelo "Rock Star" Taylor Sheridan (de "Yellowstone" e "Tulsa King"), "Mayor of Kingstown" é um drama criminal que mergulha profundamente nas entranhas do sistema penitenciário dos Estados Unidos pelo viés de quem está do lado de fora, mas (in)diretamente envolvido com o sistema. Lançada em 2021 pela Paramount+, a série explora temas como poder, corrupção e traição com o enfoque de quem luta pela sobrevivência em uma cidade onde as prisões são o principal ativo financeiro da região. Com uma narrativa realmente sombria e intensa, performances que vão chamar sua atenção e uma direção muito competente, "Mayor of Kingstown" se destaca como um dos melhores entretenimentos do gênero nos últimos tempos. Com uma mistura equilibrada de "Oz" com "The Wire", aqui temos uma visão igualmente implacável e perturbadora da realidade carcerária que vai fazer valer seu play!
A trama acompanha a família McLusky, que há gerações controla a cidade de Kingstown, no Michigan. Liderada por Mike McLusky (Jeremy Renner), a família atua como intermediária entre os presos, as autoridades e as várias facções que operam dentro e fora das prisões. Mike, que assume o papel de "prefeito" informal da cidade após a morte de seu irmão Mitch (Kyle Chandler), tenta manter uma frágil paz em um ambiente onde a violência e a corrupção são onipresentes. Confira o trailer:
Taylor Sheridan e Hugh Dillon (que também estrela na série como Ian), trazem uma abordagem crua e realista à narrativa que faz muita diferença na nossa experiência como audiência. Com um roteiro denso e cheio de camadas interessantes, a série é muito feliz ao explorar as complexas relações de poder e a moralidade, digamos, ambígua dos personagens construindo um entretenimento de altíssima qualidade - mesmo que algumas situações soem absurdas, o contexto mais realista é muito provocador. O time de roteiristas foi capaz de criar uma dinâmica bastante afiada, com diálogos potentes e um enredo que nos mantém engajados através de reviravoltas inesperadas e momentos de alta tensão. Mesmo que inicialmente demore para entendermos a conexão entre histórias e personagens, a série ainda assim se destaca por trazer para os holofotes temas como a injustiça social e a brutalidade policial, além de discutir a natureza cíclica da violência, oferecendo uma crítica incisiva do sistema penitenciário americano.
A direção de um time talentoso de profissionais com passagens por obras relevantes para o gênero como a já citada "The Wire", além de "O Justiceiro", "Mare of Easttown" e "SWAT", é meticulosa, capaz de capturar a brutalidade e a desesperança do sistema prisional com a atmosfera realmente depressiva e caótica das ruas. A série tem uma identidade visual forte, com uma paleta de cores desbotada e uma iluminação que enfatiza a opressão e a deterioração da cidade, criando uma sensação constante de angústia e perigo iminente. Jeremy Renner também entrega uma performance impressionante para compor essa pintura - ele tem uma intensidade e um carisma que sustentam a narrativa. Seu personagem é complexo, um homem endurecido pelas circunstâncias que, apesar de suas ações moralmente questionáveis, luta por um senso de ordem e justiça em um ambiente caótico. Kyle Chandler, embora sua presença na série seja breve, deixa uma marca indelével como Mitch, o irmão mais velho e ex-líder da família. O elenco de apoio, incluindo Dianne Wiest como a matriarca Mariam McLusky e Hugh Dillon como Ian, contribui significativamente para a riqueza da narrativa, oferecendo atuações que são ao mesmo tempo cheia de nuances e impactantes.
"Mayor of Kingstown" segue a abordagem conceitual mais sombria e muitas vezes excessivamente brutal, que para muitos pode soar deprimente ou difícil de assistir, de "Ozark". Além disso, a complexidade da trama e a densidade dos personagens podem ser um desafio para aqueles que preferem narrativas mais diretas e simples, no entanto, para quem está disposto a enfrentar a jornada dos McLusky proposta por Taylor Sheridan e Hugh Dillon, eu garanto: você não vai se arrepender e muito menos conseguir parar de assistir a série!
Vale muito o seu play!
"Mayor of Kingstown" é excelente e te falo: ela tem uma vibe meio "Ozark" que é muito envolvente! Criada pelo novato Hugh Dillon e pelo "Rock Star" Taylor Sheridan (de "Yellowstone" e "Tulsa King"), "Mayor of Kingstown" é um drama criminal que mergulha profundamente nas entranhas do sistema penitenciário dos Estados Unidos pelo viés de quem está do lado de fora, mas (in)diretamente envolvido com o sistema. Lançada em 2021 pela Paramount+, a série explora temas como poder, corrupção e traição com o enfoque de quem luta pela sobrevivência em uma cidade onde as prisões são o principal ativo financeiro da região. Com uma narrativa realmente sombria e intensa, performances que vão chamar sua atenção e uma direção muito competente, "Mayor of Kingstown" se destaca como um dos melhores entretenimentos do gênero nos últimos tempos. Com uma mistura equilibrada de "Oz" com "The Wire", aqui temos uma visão igualmente implacável e perturbadora da realidade carcerária que vai fazer valer seu play!
A trama acompanha a família McLusky, que há gerações controla a cidade de Kingstown, no Michigan. Liderada por Mike McLusky (Jeremy Renner), a família atua como intermediária entre os presos, as autoridades e as várias facções que operam dentro e fora das prisões. Mike, que assume o papel de "prefeito" informal da cidade após a morte de seu irmão Mitch (Kyle Chandler), tenta manter uma frágil paz em um ambiente onde a violência e a corrupção são onipresentes. Confira o trailer:
Taylor Sheridan e Hugh Dillon (que também estrela na série como Ian), trazem uma abordagem crua e realista à narrativa que faz muita diferença na nossa experiência como audiência. Com um roteiro denso e cheio de camadas interessantes, a série é muito feliz ao explorar as complexas relações de poder e a moralidade, digamos, ambígua dos personagens construindo um entretenimento de altíssima qualidade - mesmo que algumas situações soem absurdas, o contexto mais realista é muito provocador. O time de roteiristas foi capaz de criar uma dinâmica bastante afiada, com diálogos potentes e um enredo que nos mantém engajados através de reviravoltas inesperadas e momentos de alta tensão. Mesmo que inicialmente demore para entendermos a conexão entre histórias e personagens, a série ainda assim se destaca por trazer para os holofotes temas como a injustiça social e a brutalidade policial, além de discutir a natureza cíclica da violência, oferecendo uma crítica incisiva do sistema penitenciário americano.
A direção de um time talentoso de profissionais com passagens por obras relevantes para o gênero como a já citada "The Wire", além de "O Justiceiro", "Mare of Easttown" e "SWAT", é meticulosa, capaz de capturar a brutalidade e a desesperança do sistema prisional com a atmosfera realmente depressiva e caótica das ruas. A série tem uma identidade visual forte, com uma paleta de cores desbotada e uma iluminação que enfatiza a opressão e a deterioração da cidade, criando uma sensação constante de angústia e perigo iminente. Jeremy Renner também entrega uma performance impressionante para compor essa pintura - ele tem uma intensidade e um carisma que sustentam a narrativa. Seu personagem é complexo, um homem endurecido pelas circunstâncias que, apesar de suas ações moralmente questionáveis, luta por um senso de ordem e justiça em um ambiente caótico. Kyle Chandler, embora sua presença na série seja breve, deixa uma marca indelével como Mitch, o irmão mais velho e ex-líder da família. O elenco de apoio, incluindo Dianne Wiest como a matriarca Mariam McLusky e Hugh Dillon como Ian, contribui significativamente para a riqueza da narrativa, oferecendo atuações que são ao mesmo tempo cheia de nuances e impactantes.
"Mayor of Kingstown" segue a abordagem conceitual mais sombria e muitas vezes excessivamente brutal, que para muitos pode soar deprimente ou difícil de assistir, de "Ozark". Além disso, a complexidade da trama e a densidade dos personagens podem ser um desafio para aqueles que preferem narrativas mais diretas e simples, no entanto, para quem está disposto a enfrentar a jornada dos McLusky proposta por Taylor Sheridan e Hugh Dillon, eu garanto: você não vai se arrepender e muito menos conseguir parar de assistir a série!
Vale muito o seu play!
"O Agente Noturno" poderia tranquilamente ser uma segunda temporada de "Segurança em Jogo" - e se você sabe do que eu estou falando, também sabe o que te espera! Lançada em 2023 pela Netflix, essa série tem uma mistura de elementos de suspense e de ação das mais envolventes, que simplesmente nos mergulha em um mundo complexo de conspirações governamentais, espionagem e traições. Baseada no livro homônimo de Matthew Quirk, "O Agente Noturno" oferece uma narrativa cheia de tensão, seguindo a trajetória de um agente de baixo escalão que se vê no centro de uma trama maior do que ele poderia imaginar. Para os fãs das saudosas "24 Horas" e "Homeland", aqui temos uma experiência igualmente eletrizante e cheia de surpresas!
A trama segue Peter Sutherland (Gabriel Basso), um jovem agente do FBI que trabalha em um turno noturno aparentemente monótono, respondendo chamadas de emergência em uma linha direta destinada a casos de extrema confidencialidade. Sua rotina muda drasticamente quando ele recebe uma ligação de Rose Larkin (Luciane Buchanan), uma mulher em pânico que se encontra em perigo após um ataque contra sua tia e tio, ambos envolvidos em atividades, no mínimo, suspeitas. À medida que Peter e Rose vão se comprometendo com o caso, eles descobrem uma conspiração que vai até as mais altas posições do governo, colocando suas vidas em risco. Confira o trailer:
Criada e adaptada por Shawn Ryan (de "The Shield"), a trama da série é habilmente construída para manter a audiência engajada do inicio ao fim. Sério, é preciso ter o autocontrole de um monge budista para deixar de assistir o próximo episódio - os "ganchos" são tão bem construídos que chega a irritar! Com reviravoltas inesperadas e uma rede de intrigas que se desenrola gradualmente, a narrativa equilibra habilmente a tensão daqueles momentos de mais ação com um desenvolvimento de personagens bastante cuidadoso, explorando assim, temas como lealdade, corrupção e luta pelo poder. Veja, embora a série siga muitas das convenções do gênero de espionagem, ela consegue se destacar ao introduzir uma camada mais humana aos personagens que ganham cada vez mais força com diálogos, de fato, bastante afiados.
"O Agente Noturno" é comandada por Seth Gordon e uma equipe talentosa de diretores que mantém um ritmo acelerado e constante durante todos os episódios - eu diria até que essa dinâmica é essencial para manter a tensão e o suspense de maneira a nos tirar o fôlego em muitos momentos. A fotografia desenhada pelo Michael Wale (o mesmo de "A Origem") é estilosa - um conceito visual que caminha tranquilamente entre um "House of Cards" e um "Homeland". Wale utiliza muito o jogo de sombras, priorizando uma iluminação mais densa para refletir o tom mais conspiratório de Washington, D.C. Agora vale um comentário: repare como as cenas de ação são bem coreografadas, como as perseguições, as lutas e os tiroteios são bem construídos - é emocionante e plausível dentro do contexto da história. Ah, e sim, será preciso uma certa abstração da realidade para embarcar na jornada do protagonista, mas te garanto que isso não atrapalha em nada na experiência de assistir qualquer que seja a sequência da série. Aliás, Gabriel Basso oferece uma performance sólida, retratando um agente determinado e competente, mas também alguém que luta com questões de confiança e insegurança. Basso consegue nivelar a intensidade exigida pelas cenas de ação com momentos de vulnerabilidade emocional, tornando seu Peter um protagonista fácil de se conectar. Luciane Buchanan, como Rose, também entrega uma atuação convincente, mostrando uma evolução de personagem das mais interessantes: de uma vítima em fuga à uma aliada corajosa.
Como cada personagem traz suas próprias motivações e conflitos, criando uma rede complexa de alianças e traições que nos mantém em dúvida sobre quem realmente está do lado certo, é fácil afirmar que "O Agente Noturno" é muito eficaz ao que se propõe, mesmo que seguindo uma fórmula já familiar do gênero de espionagem, o que pode levar a uma sensação de previsibilidade em certos momentos, mas quem se importa? Com uma narrativa bem estruturada, performances das mais competentes e uma atmosfera tensa em todos os episódios, a série cumpre o que promete: entreter com a qualidade de quem sabe o que está fazendo e onde quer chegar!
Diversão garantida!
"O Agente Noturno" poderia tranquilamente ser uma segunda temporada de "Segurança em Jogo" - e se você sabe do que eu estou falando, também sabe o que te espera! Lançada em 2023 pela Netflix, essa série tem uma mistura de elementos de suspense e de ação das mais envolventes, que simplesmente nos mergulha em um mundo complexo de conspirações governamentais, espionagem e traições. Baseada no livro homônimo de Matthew Quirk, "O Agente Noturno" oferece uma narrativa cheia de tensão, seguindo a trajetória de um agente de baixo escalão que se vê no centro de uma trama maior do que ele poderia imaginar. Para os fãs das saudosas "24 Horas" e "Homeland", aqui temos uma experiência igualmente eletrizante e cheia de surpresas!
A trama segue Peter Sutherland (Gabriel Basso), um jovem agente do FBI que trabalha em um turno noturno aparentemente monótono, respondendo chamadas de emergência em uma linha direta destinada a casos de extrema confidencialidade. Sua rotina muda drasticamente quando ele recebe uma ligação de Rose Larkin (Luciane Buchanan), uma mulher em pânico que se encontra em perigo após um ataque contra sua tia e tio, ambos envolvidos em atividades, no mínimo, suspeitas. À medida que Peter e Rose vão se comprometendo com o caso, eles descobrem uma conspiração que vai até as mais altas posições do governo, colocando suas vidas em risco. Confira o trailer:
Criada e adaptada por Shawn Ryan (de "The Shield"), a trama da série é habilmente construída para manter a audiência engajada do inicio ao fim. Sério, é preciso ter o autocontrole de um monge budista para deixar de assistir o próximo episódio - os "ganchos" são tão bem construídos que chega a irritar! Com reviravoltas inesperadas e uma rede de intrigas que se desenrola gradualmente, a narrativa equilibra habilmente a tensão daqueles momentos de mais ação com um desenvolvimento de personagens bastante cuidadoso, explorando assim, temas como lealdade, corrupção e luta pelo poder. Veja, embora a série siga muitas das convenções do gênero de espionagem, ela consegue se destacar ao introduzir uma camada mais humana aos personagens que ganham cada vez mais força com diálogos, de fato, bastante afiados.
"O Agente Noturno" é comandada por Seth Gordon e uma equipe talentosa de diretores que mantém um ritmo acelerado e constante durante todos os episódios - eu diria até que essa dinâmica é essencial para manter a tensão e o suspense de maneira a nos tirar o fôlego em muitos momentos. A fotografia desenhada pelo Michael Wale (o mesmo de "A Origem") é estilosa - um conceito visual que caminha tranquilamente entre um "House of Cards" e um "Homeland". Wale utiliza muito o jogo de sombras, priorizando uma iluminação mais densa para refletir o tom mais conspiratório de Washington, D.C. Agora vale um comentário: repare como as cenas de ação são bem coreografadas, como as perseguições, as lutas e os tiroteios são bem construídos - é emocionante e plausível dentro do contexto da história. Ah, e sim, será preciso uma certa abstração da realidade para embarcar na jornada do protagonista, mas te garanto que isso não atrapalha em nada na experiência de assistir qualquer que seja a sequência da série. Aliás, Gabriel Basso oferece uma performance sólida, retratando um agente determinado e competente, mas também alguém que luta com questões de confiança e insegurança. Basso consegue nivelar a intensidade exigida pelas cenas de ação com momentos de vulnerabilidade emocional, tornando seu Peter um protagonista fácil de se conectar. Luciane Buchanan, como Rose, também entrega uma atuação convincente, mostrando uma evolução de personagem das mais interessantes: de uma vítima em fuga à uma aliada corajosa.
Como cada personagem traz suas próprias motivações e conflitos, criando uma rede complexa de alianças e traições que nos mantém em dúvida sobre quem realmente está do lado certo, é fácil afirmar que "O Agente Noturno" é muito eficaz ao que se propõe, mesmo que seguindo uma fórmula já familiar do gênero de espionagem, o que pode levar a uma sensação de previsibilidade em certos momentos, mas quem se importa? Com uma narrativa bem estruturada, performances das mais competentes e uma atmosfera tensa em todos os episódios, a série cumpre o que promete: entreter com a qualidade de quem sabe o que está fazendo e onde quer chegar!
Diversão garantida!
É difícil não se apaixonar por "O Assassino" logo de cara - a forma como o grande David Fincher (de "Se7en") conceitualiza a narrativa dessa adaptação do seu parceiro Andrew Kevin Walker a partir da graphic novel "The Killer", escrita por Alexis Nolent, é simplesmente genial! Existe uma certa poesia na narração feita pelo protagonista (certamente referenciada por jogos de video-game como "Max Payne"), onde ele compartilha com a audiência seu estado de espirito mais íntimo, criando uma espécie de filosofia de ação por trás de sua rotina meticulosa como um assassino de aluguel, explorando as nuances mais particulares do seu trabalho e ainda destacando o perfeccionismo como um sintoma da obsessão pela necessidade de cumprir sua missão. Olha, esse filme é, sem dúvida, um dos melhores do ano (2023) e possivelmente um dos mais autorais de Fincher.
A história ganha tons de tensão permanente logo de início quando, após um erro desastroso em uma missão em Paris, o assassino (Michael Fassbender) começa a colapsar psicologicamente enquanto busca por vingança depois que sua mulher sofre um atentado e tudo leva a crer que um de seus clientes queria a sua morte. Confira o trailer:
No coração da trama está um protagonista que entrega uma performance eletrizante como o assassino profissional em busca por respostas. Mesmo com a história se desenrolando de maneira intensa, explorando os dilemas morais e éticos do personagem, o que chama muito a atenção é maneira como o Assassino enfrenta um mundo obscuro e impiedoso que ele mesmo ajudou a construir - eu diria que Fincher propõe uma reflexão ácida sobre a selvageria do mundo moderno pelo olhar de quem não se permite errar, mas erra.
A genialidade de Fincher, obviamente, brilha nos aspectos técnicos e artísticos de "The Killer" (no original). A fotografia do Erik Messerschmidt (de "Mindhunter") captura exatamente a essência sombria da graphic novel, fazendo com que o diretor nos arremesse em uma atmosfera densa e provocativa que mistura as sensações de uma profunda solidão com caos cotidiano de uma metrópole - mais ou menos como vimos Michael Mann fazer em "Colateral". Aliás, como no filme de 2004 de Mann, "O Assassino" também se aproveita de uma relação sensorial que uma edição de som fora da curva do Steve Bissinger (de "Transformers") e uma trilha sonora digna de muito prêmios do Atticus Ross e do Trent Reznor (ambos vencedores do Oscar por "A Rede Social"), podem proporcionar - eu diria que essa relação som e imagem é uma peça fundamental que intensifica nossas emoções e nos envolve demais com a trama. Uma aula!
Dito tudo isso, é inegável que o que diferencia essa adaptação está no detalhe como obra cinematográfica e na habilidade de Fincher em explorar as nuances psicológicas do protagonista, proporcionando uma profundidade emocional que dificilmente encontramos em um filme de ação - e sim, "O Assassino" é um clássico filme de ação dos anos 90, fantasiado de drama existencial na mão de um diretor muito acima da média! "The Killer" não é apenas um filme de vingança, é uma experiência visceral que desafia as expectativas de quem assiste e oferece uma nova perspectiva sobre o gênero. Indo um pouco mais longe (com o risco de soar exagerado), eu diria que é uma obra-prima que vai deixar uma marca duradoura na biografia do diretor e que merece o nosso reconhecimento!
Imperdível!
É difícil não se apaixonar por "O Assassino" logo de cara - a forma como o grande David Fincher (de "Se7en") conceitualiza a narrativa dessa adaptação do seu parceiro Andrew Kevin Walker a partir da graphic novel "The Killer", escrita por Alexis Nolent, é simplesmente genial! Existe uma certa poesia na narração feita pelo protagonista (certamente referenciada por jogos de video-game como "Max Payne"), onde ele compartilha com a audiência seu estado de espirito mais íntimo, criando uma espécie de filosofia de ação por trás de sua rotina meticulosa como um assassino de aluguel, explorando as nuances mais particulares do seu trabalho e ainda destacando o perfeccionismo como um sintoma da obsessão pela necessidade de cumprir sua missão. Olha, esse filme é, sem dúvida, um dos melhores do ano (2023) e possivelmente um dos mais autorais de Fincher.
A história ganha tons de tensão permanente logo de início quando, após um erro desastroso em uma missão em Paris, o assassino (Michael Fassbender) começa a colapsar psicologicamente enquanto busca por vingança depois que sua mulher sofre um atentado e tudo leva a crer que um de seus clientes queria a sua morte. Confira o trailer:
No coração da trama está um protagonista que entrega uma performance eletrizante como o assassino profissional em busca por respostas. Mesmo com a história se desenrolando de maneira intensa, explorando os dilemas morais e éticos do personagem, o que chama muito a atenção é maneira como o Assassino enfrenta um mundo obscuro e impiedoso que ele mesmo ajudou a construir - eu diria que Fincher propõe uma reflexão ácida sobre a selvageria do mundo moderno pelo olhar de quem não se permite errar, mas erra.
A genialidade de Fincher, obviamente, brilha nos aspectos técnicos e artísticos de "The Killer" (no original). A fotografia do Erik Messerschmidt (de "Mindhunter") captura exatamente a essência sombria da graphic novel, fazendo com que o diretor nos arremesse em uma atmosfera densa e provocativa que mistura as sensações de uma profunda solidão com caos cotidiano de uma metrópole - mais ou menos como vimos Michael Mann fazer em "Colateral". Aliás, como no filme de 2004 de Mann, "O Assassino" também se aproveita de uma relação sensorial que uma edição de som fora da curva do Steve Bissinger (de "Transformers") e uma trilha sonora digna de muito prêmios do Atticus Ross e do Trent Reznor (ambos vencedores do Oscar por "A Rede Social"), podem proporcionar - eu diria que essa relação som e imagem é uma peça fundamental que intensifica nossas emoções e nos envolve demais com a trama. Uma aula!
Dito tudo isso, é inegável que o que diferencia essa adaptação está no detalhe como obra cinematográfica e na habilidade de Fincher em explorar as nuances psicológicas do protagonista, proporcionando uma profundidade emocional que dificilmente encontramos em um filme de ação - e sim, "O Assassino" é um clássico filme de ação dos anos 90, fantasiado de drama existencial na mão de um diretor muito acima da média! "The Killer" não é apenas um filme de vingança, é uma experiência visceral que desafia as expectativas de quem assiste e oferece uma nova perspectiva sobre o gênero. Indo um pouco mais longe (com o risco de soar exagerado), eu diria que é uma obra-prima que vai deixar uma marca duradoura na biografia do diretor e que merece o nosso reconhecimento!
Imperdível!
Viciante e muito envolvente - não existe outra forma de definir a série produzida pela Sky em parceria com o Peacock e aqui distribuída pela Disney+. "O Dia do Chacal", criada pelo showrunner irlandês Ronan Bennett (de "Top Boy") e baseada no clássico de espionagem de Frederick Forsyth, oferece uma releitura moderna e sofisticada da história que se tornou um marco do gênero. Ao mesmo tempo em que permanece fiel à essência do romance original, a série expande suas temáticas e personagens, atualizando o contexto para ressoar com questões mais contemporâneas misturando intrigas políticas, uma ação meticulosa e um suspense psicológico dos mais provocadores. Na linha de "Anna" e de "O Assassino", "The Day of the Jackal" (no original) acerta demais ao explorar os bastidores sombrios de missões clandestinas altamente perigosas e das complexidades morais de ser um assassino de aluguel.
Aqui, a trama gira em torno de um assassino misterioso, conhecido como "O Chacal" (Eddie Redmayne), que acabara de realizar um atentado contra um líder político alemão, mas que agora precisa realizar a missão de eliminar o bilionário Ulle Dag Charles (Khalid Abdalla), conhecido pela sigla UDC, que planeja lançar um produto digital batizado de River - cujo objetivo é tornar transparentes todas as operações financeiras de bilionários como ele. Enquanto o assassino usa de sua inteligência, precisão e habilidades excepcionais para planejar o ataque, forças policiais e de inteligência, liderada pela agente do MI-6, Bianca (Lashana Lynch), correm contra o tempo para impedir o que parece ser uma operação definitiva para o criminoso. Confira o trailer:
O confronto entre o "caçador" e aqueles que o perseguem forma o núcleo principal dessa narrativa que nos impede de parar de assistir. É impressionante como Bennett constrói uma narrativa que alterna momentos de uma tensão realmente palpável com reflexões mais profundas sobre lealdade, ideologia e o impacto da violência na vida da sociedade - sem falar em todas as reviravoltas e traições, além do olhar detalhado sobre os sistemas de poder no mundo da espionagem. O roteiro traz com muita sabedoria toda a atmosfera e o conceito mais misterioso do romance original, porém com um desenvolvimento mais robusto dos personagens, dando maior profundidade tanto para o Chacal quanto para aqueles que tentam detê-lo. Essa abordagem moderna do texto de Forsyth humaniza os personagens sem perder aquela frieza e o rigor técnico que ajudou a obra definir o gênero "thriller".
A direção estabelecida pelo talentoso Brian Kirk (de "Game of Thrones") e pelo Paul Wilmshurst (de "The Last Kingdom) destaca a sensação constante de paranoia e perigo, utilizando inúmeras locações internacionais que reforçam a escala e a urgência de uma missão global que não permite erro. Repare como a fotografia explora a claustrofobia do universo da espionagem mesmo enquadrando os vastos cenários urbanos e rurais que abrigam as operações do Chacal - é o contraste entre os espaços íntimos e públicos que enfatiza a vulnerabilidade dos personagens e a capacidade quase mística do assassino operar nas sombras. Aliás, Redmayne entrega uma performance fantástica, capturando a frieza e a astúcia calculada do seu personagem, com a mesma habilidade com que insinua nuances de motivação e moralidade perfeitamente discutíveis. Outro destaque do elenco que vale o registro é Lashana Lynch - ela é o equilíbrio entre a determinação implacável e o desgaste emocional causado por ter que se dividir entre uma missão ultra-secreta e sua família - sim, eu sei que a premissa é batida, mas não pra negar que ela funciona, né?
Apesar de sua qualidade absurda, é verdade que "O Dia do Chacal" pode enfrentar algumas críticas pela familiaridade de sua história (especialmente para aqueles que já conhecem o romance ou a adaptação cinematográfica de 1973). No entanto, a atualização de contexto proposta por Ronan Bennettjustifica sua existência e oferece uma visão renovada que alinha aos desafios e complexidades do mundo contemporâneo, ou seja, esteja preparado para uma experiência rica e instigante, que reafirma a atemporalidade e a universalidade das questões abordadas por Forsyth em seu romance.
"O Dia do Chacal"captura tanto o coração da história original quanto o espírito de nossa era. Então, pode dar o play sem medo de errar que seu entretenimento está garantido!
Viciante e muito envolvente - não existe outra forma de definir a série produzida pela Sky em parceria com o Peacock e aqui distribuída pela Disney+. "O Dia do Chacal", criada pelo showrunner irlandês Ronan Bennett (de "Top Boy") e baseada no clássico de espionagem de Frederick Forsyth, oferece uma releitura moderna e sofisticada da história que se tornou um marco do gênero. Ao mesmo tempo em que permanece fiel à essência do romance original, a série expande suas temáticas e personagens, atualizando o contexto para ressoar com questões mais contemporâneas misturando intrigas políticas, uma ação meticulosa e um suspense psicológico dos mais provocadores. Na linha de "Anna" e de "O Assassino", "The Day of the Jackal" (no original) acerta demais ao explorar os bastidores sombrios de missões clandestinas altamente perigosas e das complexidades morais de ser um assassino de aluguel.
Aqui, a trama gira em torno de um assassino misterioso, conhecido como "O Chacal" (Eddie Redmayne), que acabara de realizar um atentado contra um líder político alemão, mas que agora precisa realizar a missão de eliminar o bilionário Ulle Dag Charles (Khalid Abdalla), conhecido pela sigla UDC, que planeja lançar um produto digital batizado de River - cujo objetivo é tornar transparentes todas as operações financeiras de bilionários como ele. Enquanto o assassino usa de sua inteligência, precisão e habilidades excepcionais para planejar o ataque, forças policiais e de inteligência, liderada pela agente do MI-6, Bianca (Lashana Lynch), correm contra o tempo para impedir o que parece ser uma operação definitiva para o criminoso. Confira o trailer:
O confronto entre o "caçador" e aqueles que o perseguem forma o núcleo principal dessa narrativa que nos impede de parar de assistir. É impressionante como Bennett constrói uma narrativa que alterna momentos de uma tensão realmente palpável com reflexões mais profundas sobre lealdade, ideologia e o impacto da violência na vida da sociedade - sem falar em todas as reviravoltas e traições, além do olhar detalhado sobre os sistemas de poder no mundo da espionagem. O roteiro traz com muita sabedoria toda a atmosfera e o conceito mais misterioso do romance original, porém com um desenvolvimento mais robusto dos personagens, dando maior profundidade tanto para o Chacal quanto para aqueles que tentam detê-lo. Essa abordagem moderna do texto de Forsyth humaniza os personagens sem perder aquela frieza e o rigor técnico que ajudou a obra definir o gênero "thriller".
A direção estabelecida pelo talentoso Brian Kirk (de "Game of Thrones") e pelo Paul Wilmshurst (de "The Last Kingdom) destaca a sensação constante de paranoia e perigo, utilizando inúmeras locações internacionais que reforçam a escala e a urgência de uma missão global que não permite erro. Repare como a fotografia explora a claustrofobia do universo da espionagem mesmo enquadrando os vastos cenários urbanos e rurais que abrigam as operações do Chacal - é o contraste entre os espaços íntimos e públicos que enfatiza a vulnerabilidade dos personagens e a capacidade quase mística do assassino operar nas sombras. Aliás, Redmayne entrega uma performance fantástica, capturando a frieza e a astúcia calculada do seu personagem, com a mesma habilidade com que insinua nuances de motivação e moralidade perfeitamente discutíveis. Outro destaque do elenco que vale o registro é Lashana Lynch - ela é o equilíbrio entre a determinação implacável e o desgaste emocional causado por ter que se dividir entre uma missão ultra-secreta e sua família - sim, eu sei que a premissa é batida, mas não pra negar que ela funciona, né?
Apesar de sua qualidade absurda, é verdade que "O Dia do Chacal" pode enfrentar algumas críticas pela familiaridade de sua história (especialmente para aqueles que já conhecem o romance ou a adaptação cinematográfica de 1973). No entanto, a atualização de contexto proposta por Ronan Bennettjustifica sua existência e oferece uma visão renovada que alinha aos desafios e complexidades do mundo contemporâneo, ou seja, esteja preparado para uma experiência rica e instigante, que reafirma a atemporalidade e a universalidade das questões abordadas por Forsyth em seu romance.
"O Dia do Chacal"captura tanto o coração da história original quanto o espírito de nossa era. Então, pode dar o play sem medo de errar que seu entretenimento está garantido!
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