Se em 1971, "Encurralado" mostrou para o mercado o potencial do diretor Steven Spielberg; dadas as devidas proporções, "A Viatura" representou a mesma coisa para o jovem diretor de 34 anos, Jon Watts, em 2015 - ano em que esse filme esteve Top Ten Independent Films pela National Board of Review dos EUA. Aliás, foi graças a "Cop Car" (no original), que Watts recebeu o convite para dirigir a nova trilogia do "Homem- Aranha" para a Sony.

Em um ótimo filme de ação com inúmeras referências ao estilo "Vince Gilligan" (de "Breaking Bad") de contar uma história que transita entre a angustia e a tensão (cheia de humor ácido), dois amigos com 10 anos de idade encontram um carro da polícia abandonado e decidem dirigi-lo para se divertir. Porém, ambos não sabem como fazer isso e acabam se afastando do local onde estavam. Acontece que a viatura pertence ao corrupto xerife da cidade que, claro, decide reaver seu carro para não se complicar - é aí que o jogo de gato e rato começa. Confira o trailer (em inglês):

Para entender o caráter independente de  "A Viatura", o filme foi destaque no Festival de Sundance em 2015 - o mesmo festival que também catapultou as carreiras de nomes (hoje) consagrados como Kevin Smith, Quentin Tarantino, Bryan Singer, Noah Baumbach, David O. Russell. De fato Watts conseguiu a mesma coisa ao transportar para o filme, em pouco menos de 90 minutos, toda a ingenuidade de dois garotos que só queriam se divertir, mas que tomaram decisões erradas por não entenderem o real perigo que estavam passando - sair dirigindo qualquer carro com dez anos de idade já seria um absurdo, imagina uma viatura de policia no interior dos EUA?

O interessante do roteiro escrito por Watts e Christopher Ford (de "Mundo em Caos") é que é a partir dessa ingenuidade que a tensão vai se construindo. Aquele principio da "bola de neve" que Gilligan usou em "Breaking Bad" é exatamente o mesmo aqui. As similaridades não são apenas narrativas, mas também conceituais, já que Watts está sempre procurando posicionar sua câmera de uma forma criativa para contar a história certa, no momento certo, aproveitando todos os detalhes que a própria ação deixou para trás - reparem nos gravetos deixados pelos garotos e na garrafa quebrada na estrada (pode parecer besteira, mas não, tudo tem uma razão de ser e de estar em cena). O desenho de som é outra forte referência de Gilligan - ele conta a história, mas mais do que isso, também serve para potencializar a tensão que está sendo construída ou que está prestes a estourar. Reparem no som "ensurdecedor" dos moinhos de vento no terceiro ato do filme.

De fato "A Viatura" não é um filme inesquecível, mas é tão bom dentro da sua simplicidade que fica fácil entender porque Watts foi exaltado. Seu trabalho com os jovens atores James Freedson-Jackson e Hays Wellford, foi sensacional. O direcionamento para que Kevin Bacon, mais uma vez, também brilhasse, merece elogios. Sua habilidade em subverter algumas ações simples em algo aterrorizante ditou o ritmo do filme (dois meninos mexendo em armas de fogo com nenhum cuidado, ajuda a definir essa sensação). Tendo em mente que o filme custou menos de um milhão de dólares, posso te garantir que saiu barato pelo entretenimento que ele proporciona!

Vale o play! 

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Assistir "Alerta Máximo" é como jogar uma boa partida de "Fair Cry" ou como viajar para os anos 80 ou 90 e reviver os clássicos filmes de ação onde um herói improvável ao melhor estilo Nicolas Cage, Bruce Willis, Steven Seagal ou até Sylvester Stallone, busca sua redenção tentando salvar um grupo de pessoas em uma perigosa (para não dizer suicida) jornada contra mercenários infinitamente melhor equipados que ele. Dito isso, já dá para imaginar o tamanho da abstração da realidade que será necessário para embarcar nessa aventura , certo? Então soma-se o fato de um piloto tentando pousar um avião comercial em uma estrada de terra, com árvores para todo lado, durante uma forte tempestade noturna e sem nenhum tipo de instrumento de navegação para auxiliá-lo. Difícil, né? Mas acredite: tudo isso é muito (mais muito) divertido!

O experiente piloto Brodie Torrance (Gerard Butler), após ser atingido por um raio em meio a uma forte tempestade, salva seus passageirosfazendo um pouso arriscado em uma ilha devastada pela guerra civil – é ali que ele descobre que sobreviver a um acidente aéreo será apenas o começo de uma perigosa jornada. Quando a maioria dos passageiros são feitos de reféns por perigosos rebeldes, a única pessoa com quem Torrance pode contar para ajudar no resgate é Louis Gaspare (Mike Colter), um acusado de assassinato que estava sendo transportado pelo FBI. Confira o trailer:

Como um bom filme de ação deve ser, os roteiristas J. P. Davis (de "Contrato Perigoso) e o estreante Charles Cumming não perdem muito tempo na apresentação dos personagens, muito menos nas motivações que os colocaram naquela situação - mesmo que o gatilho emocional seja a conexão familiar, sua exposição superficial praticamente não interfere no andamento da trama, ou seja, você até vai encontrar algum sentimentalismo barato (natural), mas o que vai te divertir mesmo serão os tiros para tudo quanto é lado. Obviamente que essa dinâmica narrativa tão particular nos exige certo relaxamento intelectual, porém é de se elogiar a forma como o diretor francês Jean-François Richet (de "Assalto ao 13° Distrito" e "Inimigo Público") se alinha ao texto e nos entrega um excelente entretenimento de pouco mais de 90 minutos.

Richet não esconde suas referências que vão de "Duro de Matar" ao game "Call of Duty" em apenas um corte de câmera - ele conduz a narrativa com uma eficaz alternância de estilos, chancelando sua capacidade e conhecimento sobre a gramática cinematográfica do gênero. Se no primeiro ato ele se apoia no tradicional da câmera fixa, a partir do segundo sua câmera nervosa tira a audiência do papel de observador e rapidamente nos coloca como parte da tropa, aproveitando todo clima de tensão e angustia que os personagens estão vivendo - e aqui cabe um comentário: a sequência de caos quando o avião é atingido pelo raio e as consequências desse acidente funcionam lindamente (que chega a dar uma saudade de "Lost").

No final das contas, "Plane" (no original) pode até parecer um emaranhado de referências e estilos narrativos, mas na verdade ele simplesmente segue, linha a linha, a cartilha do bom filme de ação dos anos 80 e 90 - e com muitos méritos eu diria! Então se você viveu esses anos dourados do cinema de gênero e gostou de "obras-primas" como "Con Air", "A Outra Face", "A Força em Alerta", etc; pode ter certeza que você vai se amarrar em "Alerta Máximo" e ainda colocar o ator escocês Gerard Butler naquela prateleira que poucos tem a honra de estar!

Vale muito a pena!

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Por que "raios" eu não assisti esse filme antes? Provavelmente você vai se fazer a mesma pergunta assim que os créditos de "Alpha Dog" subirem - pode acreditar! Dirigido pelo experiente Nick Cassavetes (de "Um Ato de Coragem"), esse filme de 2006 é uma montanha-russa emocional que nos leva para uma jornada pelo submundo juvenil do final dos anos 90 na Califórnia para discutir como algumas decisões erradas resultam em consequências irreversíveis. Aqui temos uma narrativa tão intensa quanto algumas referências mais contemporâneas como "Breaking Bad", por exemplo, no entanto a habilidade de Cassavetes em capturar a complexidade das relações entre os personagens já naquela época, é de se aplaudir de pé. Embora não tenha recebido o reconhecimento que merecia, "Alpha Dog" é uma obra que hoje, em época de um true crime atrás do outro, certamente vai ressoar com muito mais propriedade para aqueles que buscam um drama real extremamente visceral. Se você gostou de filmes como "Kids" ou "Ken Park", você encontrará em "Alpha Dog" uma história poderosa e inquietante com o mesmo vigor!

Johnny Truelove (Emile Hirsch) e seus amigos sequestram o irmão de 15 anos de Jake Mazursky (Ben Foster), Zach (Anton Yelchin), como estratégia para fazer com que ele pague uma dívida de drogas. No entanto, ao designar Frankie (Justin Timberlake) para ser o guardião do garoto, as relações acabam se transformando e eles desenvolvem uma amizade quase fraternal, o que coloca todo plano de Truelove em cheque. Porém o crime de sequestro já está configurado, a policia está envolvida, então agora é preciso achar uma forma de sair dessa confusão sem ir direto para cadeia. Assista o trailer (em inglês):

Esse é o tipo do filme que o fato dele ser inspirado em eventos reais, sem dúvida, o coloca em outro patamar - pensar que tudo aquilo foi acontecendo daquela maneira, chega a ser angustiante. Reparem como o roteiro do próprio Cassavetes brinca com o desequilíbrio emocional dos jovens personagens nos convidando para um mergulho nas motivações e dilemas morais de cada um deles como se estivéssemos ao lado de amigos fazendo besteira - lembrando que o filme se passa em 1999, ou seja, quem nunca? A escolha de não retratar os eventos de maneira linear, mas sim através de diferentes perspectivas, acrescenta camadas à narrativa nos desafiando a questionar nossa própria compreensão sobre aqueles acontecimentos. Veja, não será uma ou duas vezes que você vai pensar como tudo aquilo poderia ser resolvido tão facilmente, e vai se irritar por atestar que ninguém é capaz de enxergar isso!

A força de "Alpha Dog" reside não apenas em sua narrativa intrigante, envolvente, provocadora; mas também na maestria técnica e artística com que Cassavetes constrói sua obra. A fotografia de Robert Fraisse (indicado ao Oscar por "O Amante") destaca-se por capturar a atmosfera crua e frenética da vida daqueles jovens que cresceram juntos, cheios de possibilidades, ricos (eu diria), mas que resolveram se envolver com o crime por achar cool. A trilha sonora é um elemento importante para essa geração MTV - no filme ela é repleta de músicas contemporâneas, o que amplifica a energia de um elenco impressionante que vai de Timberlake, passando pelas promissoras Olivia Wilde e Amanda Seyfried até chegar em uma Sharon Stone na melhor forma - o seu monólogo no terceiro ato, transformada pelos quilos a mais de maquiagem, é impressionante de bom!

"Alpha Dog" não é um filme fácil de ser digerido, mas sua intensidade e complexidade o tornam uma experiência das mais interessantes - essa proposta de transitar pelos meandros do crime e pela amizade entre os jovens que parecem boas pessoas, apenas ingênuos, chega a ser cruel. O roteiro sabe disso e de fato desafia nossos limites emocionais - existe um sentimento de "vai dar ruim" constante que mexe com a gente, por outro lado, ao apresentar uma visão brutal daquela juventude, fica impossível não refletir sobre o quanto as relações familiares impactam na vida dos filhos.

Vale muito o seu play!

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"Anna" é aquele típico filme de ação e espionagem anos 90, com um pouco mais de sangue! Se você gostou de "Nikita" (1990) e "A Assassina" (1993) você não pode deixar de assistir o filme de Luc Besson (de "O Quinto Elemento"). Como seus antecessores, não espere de "Anna" um filme digno de Oscar, mas um entretenimento despretensioso muito bem filmado - Besson continua em forma! Tendo como pano de fundo o mundo da moda parisiense ou uma charmosa Moscou, "Anna" mistura elegância com pancadaria em uma história que, mesmo sem grande profundidade, diverte do começo ao fim.

"Anna" mostra a história de uma jovem russa que vive em meio a um relacionamento abusivo na Moscou dos anos 90, até receber a visita do agente da KGB, Alex Tchenkov, que lhe oferece uma oportunidade única de mudar de vida. Por causa de algumas habilidades específicas, Anna foi selecionada para participar de um programa de treinamento ultra-secreto da agência soviética para missões especiais. Sem muita opção, e isso fica claro depois de uma sequência marcante do filme, ela acaba aceitando a proposta de Tchenkov: 5 anos trabalhando "full-time" para o governo e depois liberdade total para seguir sua vida. Como todo filme de espionagem que se preze, obviamente, as coisas não saem como esperado e Anna acaba sendo obrigada a lidar com uma série de missões suicidas ao mesmo tempo em que busca uma outra maneira de recomeçar sua vida sem o peso de ser uma assassina à serviço da União Soviética.

É preciso dizer que o diretor Luc Besson realmente conhece a gramatica cinematográfica de filmes de ação. "Anna" tem de tudo: perseguição nas ruas de Moscou, pancadaria em restaurante de luxo, missões quase impossíveis em hotéis, parques e até no quartel general da KGB (aqui a referência é até mais anos 80 do que 90. mas mesmo assim muito divertida), disfarces, espionagem e tudo que o gênero tem direito! O bacana do roteiro é a estrutura não-linear como a história é contada - confesso que essa dinâmica acaba cansando um pouco, mas não há como negar também, que ajuda (e muito) na narrativa e na dinâmica do filme. Ter Moscou e Paris como locações dá um charme para fotografia que inclusive, funciona muito nas cenas de luta - super bem coreografadas ao melhor estilo "Demolidor" (Netflix).

"Anna" é um conjunto de clichês que combinados funciona exatamente como tem que funcionar!!! É um excelente exemplo de um filme muito bem realizado sem a pretenção de se tornar uma obra inesquecível, mas que proporciona duas horas de entretenimento puro! Eu me diverti, mesmo não sendo um grande fã de filmes de ação e confesso que me surpreendi com a qualidade do trabalho da Sasha Luss - que além de linda, mostra segurança como atriz nos momentos que a personagem mais exigiu dela. Vale o ingresso, e se vier com um balde de pipoca e a desprendimento de aceitar que o filme é só um thriller de espionagem e ação, a experiência melhora muito!!!

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Se você gostou de "Breaking Bad", pode dar o play com a mais absoluta certeza, pois você vai amar "Nobody" (título original de "Anônimo" e que, cá entre nós, faz muito mais sentido que o título nacional). Seguindo a cartilha narrativa (e não visual) do Vince Gilligan, o filme é uma mistura perfeita de gêneros, cirurgicamente equilibrados entre as excelentes sequências de ação (bastante intensas, eu diria), aquele toque de humor quase sádico, além, é claro, de um drama de personagem cheio de camadas que, por incrível que pareça, colocam o filme em outro patamar - aliás aqui, de fato, temos uma experiência cinematográfica completa e que certamente agradará muita gente!

O roteiro, escrito por Derek Kolstad, o mesmo criador de "John Wick", acompanha a história de Hutch Mansell (Bob Odenkirk), um pacato pai e marido que sempre arca com as injustiças da vida, sem revidar. Quando dois ladrões invadem sua casa, Hutch se recusa a defender a si mesmo e sua família na esperança de evitar qualquer violência - o que acaba desapontando seu filho por sua passividade e, para ele, covardia. As consequências do incidente, no entanto, acabam despertando uma raiva latente em Hutch, desencadeando instintos adormecidos e impulsionando-o em um caminho brutal que irá trazer à tona segredos sombrios e habilidades letais de seu passado. Confira o trailer:

Obviamente que as referências de Gilligan vão além do processo de redenção e da transformação de seu personagem em algo muito maior do que a própria sociedade (daquele universo) estaria disposta a reconhecer - o filme traz o rosto conhecido de Odenkirk (o eterno Jimmy McGill) que oferece uma performance impressionante, mostrando uma versatilidade surpreendente. Ele é capaz de transitar habilmente entre os momentos de ação explosiva com as passagens mais introspectivas, que expõem sua vulnerabilidade emocional, adicionando profundidade ao personagem e fazendo com que nos importemos com sua jornada logo de cara. Além de Odenkirk, o elenco de apoio também merece elogios - o destaque, para mim, fica com Christopher Lloyd, o pai de Hutch, um personagem carismático e cheio de camadas que vai te surpreender..

A direção de Ilya Naishuller é outro ponto que merece muitos elogios - e se aqui ele não mostra a mesma capacidade criativa de Gilligan, certamente ele impõe sua identidade com uma tocada ágil e precisa, garantindo que as cenas de ação sejam realizadas de forma magistral. As sequências de luta são coreografadas de uma maneira quase realista, porém muito brutal, ou seja, Naishuller não se apoia em exageros desnecessários, porém nos mantém envolvidos visualmente com aquele toque "filme de herói" das cenas. A fotografia de Pawel Pogorzelski (de "Fresh") e a trilha sonora de David Buckley (de "Destruição Final") merecem sua atenção - reparem como tudo contribui para a construção de uma atmosfera tensa, potencializando nossa imersão de uma forma impressionante..

Veja, embora priorize a ação, "Anônimo" não é apenas um festival de pancadarias. Ele aborda temas mais profundos e sensíveis, como o valor que a identidade pode ter para um ser humano mesmo com as marcas do arrependimento e a necessidade da redenção para encontrar seu lugar de paz. Tudo isso sem soar pretensioso demais para um filme de pouco mais de 90 minutos, onde através da jornada interna de seu protagonista, somos provocados a refletir sobre o real significado da vida e o impacto de nossas escolhas em nós e nos que estão ao nosso redor.

Vale muito o seu play!

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Vamos lá: "Anora" é um filme de muita personalidade, mas que traz em seu DNA um caráter que nos remete aos filmes mais independentes e autorais, mesmo que transitando por um conceito narrativo que tende a quebrar algumas objeções ao se apropriar do drama e da ironia com o único intuito de entreter. O mérito dessa "disrupção", sem dúvida, é de Sean Baker. Baker é um cineasta que construiu sua carreira explorando personagens à margem da sociedade, revelando com sensibilidade e autenticidade as realidades invisibilizadas pelo cinema mais mainstream. Depois de filmes marcantes como "Tangerine" e "Projeto Flórida", ele retorna com "Anora", vencedor da Palma de Ouro em Cannes 2024, consolidando seu status como um dos diretores mais instigantes da atualidade - mas é preciso que se diga: nem todos vão comprar suas ideias. Assim como "Zola"e "Victoria", "Anora" transita entre a crueldade do realismo social e a intensidade emocional de uma narrativa que escapa dos clichês habituais para entregar uma jornada realmente provocadora!

Na trama, conhecemos Ani (Mikey Madison), uma jovem dançarina e stripper que se vê inesperadamente envolvida em um casamento com o jovem e irresponsável filho de um oligarca russo. O que começa como uma oportunidade de ganhar um bom dinheiro, logo se transforma em um conto de fadas improvável que, mais rápido ainda, se torna uma batalha pelo controle de sua própria vida, assim que a família bilionária do rapaz intervém brutalmente para anular o tal casamento. Confira o trailer:

"Anora" é uma jornada tensa e emocional que desconstrói a ilusão de poder e autonomia quando até os sonhos mais simples podem ser esmagados pelo privilégio e por uma impressionante posição de desigualdade. No entanto, Baker não suaviza em um elemento que define a forma como nos relacionamos com a história de Ani (que na verdade se chama Anora): a intenção! O diretor, mais uma vez, prova sua habilidade em criar personagens autênticos e cheios de camadas. Ani não é apenas uma protagonista cativante, mas uma força de resistência contra as estruturas que tentam defini-la, porém cheia de falhas (e até oportunista). Mikey Madison, nesse sentido, entrega uma atuação visceral, equilibrando a fragilidade e a resiliência de sua personagem com uma naturalidade impressionante. Seu desempenho carrega a narrativa, conferindo credibilidade para a história e tornando a jornada da protagonista ainda mais impactante e dúbia. 

A direção de Baker entende a potência de sua criação e por isso aposta no estilo quase documental para acompanhar a protagonista - essa câmera mais observadora, que usa e abusa de movimentos mais nervosos, já se tornou uma assinatura do cineasta. A fotografia do Drew Daniels (não por acaso de "The Idol") é granulada e totalmente naturalista, captando as ruas de Nova York com um olhar sem filtros - o que nos aproxima da realidade de Ani. Veja, a câmera de Baker está sempre em movimento, acompanhando a protagonista em longos planos-sequência que aumentam a imersão na história e ao se conectar com esse uso de luzes neon e com a ambientação urbana, temos a exata (e desconfortável) sensação de viver um certo romantismo decadente que reforça o contraste entre os sonhos da protagonista e a brutalidade do mundo que ela vive.

O roteiro, escrito pelo próprio Baker, combina um humor mais ácido, muita simbologia e um drama cheio de tensão - tudo flui de maneira bem orgânica, sem jamais perder o tom realista. Com uma trilha sonora, que mistura hip-hop, música eletrônica e composições bem melancólicas para pontuar os momentos mais intensos da narrativa, "Anora" mantém o ritmo envolvente, garantindo que cada cena contribua para a evolução da protagonista até o impacto de um desfecho que vai dividir opiniões, mas que observado mais profundamente, entrega algumas verdades que o diretor nunca fez questão de esconder. Dito isso, entenda que a história de "Anora" evita armadilhas narrativas convencionais, optando por um desenvolvimento mais imprevisível e emocionalmente honesto - ao invés de demonizar ou romantizar seus personagens, o filme os apresenta toda a sua complexidade que provoca a audiência a tirar suas próprias conclusões , especialmente sobre dilemas morais e intenções!

Vinte minutos a menos e a percepção de muita gente poderia mudar, mas mesmo assim ainda digo que vale a pena!!

Up-date: "Anora"ganhou em cinco categorias no Oscar 2025, inclusive como "Melhor Filme"!

O filme está em cartaz nos cinemas.

Entretenimento puro - divertido e cheio de referências. Genial? Longe disso, mas bastante honesto pelo que se propõe! Veja, Jaume Collet-Serra construiu sua carreira equilibrando o suspense e a ação com uma eficiência rara. Desde "Águas Rasas" até "O Passageiro", o diretor espanhol se especializou em transformar premissas aparentemente simples em experiências carregadas de tensão, apostando no dinamismo da narrativa e no uso inteligente do espaço cênico. Em "Bagagem de Risco", sua estreia na Netflix, ele retoma essas características dentro de um thriller ambientado inteiramente em um aeroporto durante a véspera de Natal. Com um elenco liderado por Taron Egerton e Jason Bateman, o filme busca recriar a sensação claustrofóbica de clássicos do gênero, como "Plano de Voo" e "Código de Conduta", mas com um toque contemporâneo e um subtexto moral que adiciona mais camadas à trama.

A história gira em torno de Ethan Kopek (Egerton), um jovem agente do TSA (Administração de Segurança de Transporte) que, em um dia de trabalho aparentemente normal no aeroporto de Los Angeles, recebe uma missão impossível de recusar: um estranho enigmático (Bateman) ameaça eliminar sua esposa grávida caso Kopek não consiga deixar passar uma bagagem pela segurança, especificamente pelo seu raio-x, que irá detonar uma bomba durante um voo doméstico. Confira o trailer (em inglês):

Talvez o mais bacana de "Bagagem de Risco" esteja justamente em seu primeiro ato onde, ao melhor estilo "Culpa", o dilema ético é colocado à prova. Dentro de um contexto narrativo bem construído onde o personagem Kopek, que tem um histórico problemático, se vê em um jogo psicológico que qualquer decisão errada que tome, pode resultar em centenas de mortes. Com essa premissa estabelecida, Collet-Serra, como de costume, dosa bem o ritmo e entrega uma atmosfera de tensão, deixando a audiência imersa em uma sufocante sequência de ações dentro de um aeroporto lotado - que, aliás, se torna um personagem tão importante quanto os protagonistas. Lembram de John McClane em "Duro de Matar"?

Repare como a fotografia de Lyle Vincent (de "A Escada" e "Má Educação") trabalha com os tons frios e uma iluminação artificial agressiva (natural de aeroportos mais tradicionais), criando um ambiente quase inóspito, onde a impessoalidade do espaço reflete a angústia crescente de Kopek. É aí que a câmera de Collet-Serra (que está sempre em movimento, alternando entre planos fechados mais sufocantes e composições que exploram a vastidão do aeroporto) destaca como o protagonista, mesmo cercado por milhares de pessoas, está completamente sozinho diante de uma ameaça invisível. Esse jogo visual reforça a sensação de paranoia, lembrando o que o diretor fez em "Sem Escalas".

Taron Egerton entrega uma performance sólida, sustentando a carga dramática do filme com uma presença física e emocional que lembra seu trabalho em "Black Bird". Seu Kopek é um homem pressionado por traumas do passado e pela exigência de um sistema que não perdoa erros. Jason Bateman, por sua vez, assume um papel que destoa de seus personagens mais conhecidos. Seu antagonista não é exatamente ameaçador no sentido físico, mas exerce um domínio psicológico que mantém a tensão elevada na narrativa. A escolha de Bateman para o papel pode parecer inusitada, mas funciona dentro da proposta do filme já que a dinâmica entre os dois personagens, um dos pontos altos da narrativa, se apoia em diálogos carregados de subtexto e de manipulação. O roteiro de TJ Fixman (com longa carreira escrevendo bons jogos de video-game) aposta em uma dinâmica mais cerebral do que explosiva, evitando as tradicionais sequências grandiosas de ação. Isso não significa que "Bagagem de Risco" careça de adrenalina - a tensão aqui está em cada movimento de Kopek, nas escolhas que ele precisa fazer e na dúvida sobre até que ponto ele está disposto a ceder para garantir a segurança das pessoas ao seu redor. 

O uso do tempo real na narrativa é um acerto de Collet-Serra - isso notavelmente amplifica a imersão. À medida que o relógio avança, a urgência se torna mais palpável, e o diretor utiliza isso com maestria a seu favor. No entanto o terceiro ato acaba tropeçando na sua pretensão - muito ao tentar entregar uma resolução impactante sem necessariamente justificar algumas das decisões tomadas no caminho. O fato é que têm momentos em que o roteiro se apoia em tantas conveniências narrativas para conduzir a trama ao clímax, que certamente vai frustrar aqueles mais exigentes. O que eu quero dizer é que o filme se abstém de explorar mais profundamente algumas das questões morais que ele mesmo levantou, optando por um desfecho que privilegia a ação e não a reflexão inteligente. Mesmo assim, posso dizer que "Bagagem de Risco" cumpre seu papel com um thriller eficiente e bem conduzido, que reforça a habilidade de Jaume Collet-Serra em transformar cenários cotidianos em palcos de alta tensão capaz de mexer com nossas sensações - e é isso que importa!

Vale seu play!

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"Banco Central Sob Ataque" é muito interessante, mas é preciso alinhar as expectativas: não espere muita ação - aqui, é o drama (e um perturbador recorte histórico) que vai te mover durante a jornada. Lançada em 2024 pela Netflix, essa minissérie espanhola narra, com uma boa dose de tensão e algum dinamismo, um dos assaltos mais ousados e emblemáticos da história recente da Espanha. Escrita por Patxi Amezcua e dirigida por Daniel Calparsoro, ambos de "O Aviso", a produção foca no olhar crítico sobre as motivações e consequências de um crime que desafiou o sistema financeiro e a ordem social em um período marcado pelo golpe de Estado frustrado que ocorreu na Espanha em 23 de fevereiro de 1981. Assim como "La Casa de Papel", "Asalto al Banco Central" (no original) também explora o fascínio e o impacto dos grandes assaltos na mídia, mas com uma abordagem realista e ancorada em fatos históricos impressionantes - eu diria que por isso, tudo fica ainda mais envolvente.

Em cinco episódios, acompanhamos um grupo de criminosos altamente organizados que planeja e executa um roubo audacioso ao Banco Central da Espanha. À medida que o plano se desenrola, a audiência é levada a conhecer não apenas os detalhes históricos sobre o assalto, mas também os conflitos internos do grupo e os desafios enfrentados pelas autoridades para evitar um desastre midiático - já que cerca de 200 pessoas eram mantidas como reféns. A minissérie alterna entre a perspectiva dos assaltantes e dos investigadores ao mesmo tempo que conhecemos a história de Maider (María Pedraza), uma jornalista que desafia as autoridades para descobrir a verdadeira motivação do assalto, criando assim uma narrativa multifacetada que nos mantém envolvidos do início ao fim. Confira o trailer: 

Patxi Amezcua entrega um roteiro que sabe misturar elementos documentais com um drama de diálogos ágeis e bastante incisivos na sua essência. Obviamente que para nós, brasileiros, a dinâmica politica da Espanha pós-ditadura não é um assunto dos mais dominantes, mas é preciso que se diga que a narrativa proposta por Amezcua é eficaz ao explorar a psicologia dos personagens, especialmente no que diz respeito às relações do grupo de assaltantes com suas ideologias e perante as tensões partidárias entre esquerda e extrema direita que ameaçavam a recente democracia do país. A minissérie também é inteligente em abordar os eventos históricos com elementos de ficção que estão 100% alinhados com a proposta de transformar em entretenimento um fato marcante para a sociedade da época. Temas como ganância, corrupção e os limites da moralidade, que questionam as linhas tênues entre certo e errado em um contexto onde todos os envolvidos parecem ter algo a esconder, são muito bem desenvolvidos tanto nos personagens principais quando nos coadjuvantes. 

Nesse sentido a direção de Daniel Calparsoro é marcada não só por sua habilidade em criar cenas de alta tensão, mas também por nunca perder o foco na construção desses personagens. Calparsoro equilibra momentos de adrenalina com sequências mais introspectivas, permitindo que a audiência se conecte com as motivações e vulnerabilidades de ambos os lados da história, provocando julgamentos que, de fato, confundem nossa persepção ao ponto de não sabermos muito bem para quem devemos torcer. O diretor utiliza uma cinematografia sombria e dinâmica, com enquadramentos que intensificam o clima claustrofóbico e a sensação de urgência dentro do banco, enquanto nas cenas externas captura a pressão pública e midiática que se desenrola paralelamente ao assalto - inclusive estabelecendo sua condição histórica inserindo imagens reais de arquivos jornalísticos. 

Mesmo contando com seu grande elenco como um dos trunfos da minissérie, eu destaco três nomes conhecidos do público da Netflix que merecem sua atenção: Miguel Herrán como o líder do grupo de assaltantes, José Juan Martínez Gómez, o "El Rubio" - ele entrega mais uma performance magnética e cheia de nuances, mostrando a dualidade de um homem que combina inteligência estratégica com uma fragilidade emocional oculta com muita precisão dramática. Ao lado dele, María Pedraza e Isak Férriz, o policial Paco López, contribuem demais para a autenticidade dos conflitos e das relações quase sempre dúbias entre uma jovem jornalista e o responsável pelas investigações - repare como o apelo moral daquela sociedade ainda machucada pela ditadura traz para esses personagens um contraponto sólido e humano.

"Banco Central Sob Ataque", embora tenha seus momentos previsíveis, é uma minissérie que compensa por ter uma narrativa envolvente e personagens que capturam a complexidade de um conflito real entre o anarquismo e a politica da época sem soar didática demais. Tanto para os fãs de dramas criminais históricos e intensos quanto para aqueles que buscam só o entretenimento, eu diria que esse é o tipo de obra que tende a agradar a todos!

Vale seu play!

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"Beckett" é o tipo do filme que transita muito bem entre o drama e a ação, mas que acaba demorando um certo tempo para encontrar sua identidade e isso vai causar algum distanciamento da audiência - mas calma, o filme é bom, só precisamos alinhar as expectativas. Se no primeiro ato o foco é estabelecer a relação entre o protagonista e sua namorada, a partir do segundo ele subverte o gênero e traz para cena a correria e as reviravoltas de um bom thriller de ação - ou seja, se você gosta de ação será preciso suportar os primeiros 30 minutos de filme que são bem cadenciados, já se você gosta de um bom drama, é possível que você se decepcione com o andamento da trama.

Enquanto estava de férias no Norte da Grécia, o turista americano Beckett (John David Washington) se torna o alvo de uma caçada após sofrer um acidente de carro que acaba sendo fatal para sua namorada (Alicia Vikander). Devastado, Beckett tenta recompor suas forças enquanto aguarda a liberação do corpo e a investigação do acidente, porém uma série de eventos (aparentemente inexplicáveis) faz com que ele seja forçado a correr para salvar sua vida. Sem saber se comunicar e não podendo confiar em ninguém, Beckett precisa cruzar o pais até chegar na embaixada americana e assim tentar provar sua inocência, seja lá por qual crime ele está sendo procurado. Confira o trailer:

Veja, Samuel Beckett, é um famoso dramaturgo irlandês que escreveu o clássico "Esperando Godot" e acabou se transformando no maior representante do "Teatro do Absurdo" - honraria que acabou se derivando na expressão "beckettiana" que significa, prestem atenção: adjetivo usado para definir situações em que pessoas se veem imobilizadas, em comunicação truncada, sem saída ou mesmo sem propósito, como comentário pessimista da condição humana. 

Não por acaso o diretor italiano Ferdinando Cito Filomarino traz esse mesmo conceito para história que ele mesmo criou e que foi roteirizada pelo estreante Kevin A. Rice. Notadamente, Filomarino quer impor uma narrativa mais autoral, com ares de filme independente e esse mood parece não se encaixar no que vemos na tela - na minha opinião, falta organicidade nas transições de gênero. O diretor acerta no drama, mas derrapa na ação. Quando ele cria as inúmeras barreiras que uma comunicação (truncada) acarreta, sentimos a angustia e o medo de Beckett, mas quando começa a caçada, ele não entrega a mesma qualidade de gramática cinematográfica - nem a montagem consegue consertar alguns planos mal executados. Porém, chega a ser impressionante como isso não impacta na experiência quando mudamos a "chavinha" do drama para a ação - o que foi construído por John David Washington continua ali e convenhamos: o que buscamos no gênero é o entretenimento das perseguições, sentir a raiva quando das traições e alívio de mais um "final feliz", e isso o filme entrega!

A história é de fato boa, cheia de simbolismos que remetem ao absurdo de Beckett (o dramaturgo), mas dois elementos ajudam (e muito) na concepção do ritmo que o filme luta para impor: a fotografia do Sayombhu Mukdeeprom (Me Chame pelo Seu Nome) e a excelente trilha sonora do astro japonêsRyuichi Sakamoto. Tudo se encaixa muito bem com o excelente trabalho de Washington, dando inclusive uma sensação de que tudo foi muito bem orquestrado, mesmo não sendo (como comentamos). A grande questão e talvez o mais difícil paradoxo das escolhas de Filomarino seja justamente encontrar o seu público dentro de dois gêneros que pouco se comunicam, mas que no final do dia vai agradar muito mais do que aborrecer.

"Beckett"é entretenimento puro e que vale o play pela experiência, sem muita preocupação de acertar em todas as escolhas narrativas!

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Se você está disposto a mergulhar em um filme de ação raiz, bem estilo "Sylvester Stallone anos 90", nem perca seu tempo lendo essa análise, role o cursor para baixo e clique em "assista agora" que seu entretenimento está garantido!Dirigido pelo experiente David Ayer (de "Esquadrão Suicida") e estrelado pelo carismático Jason Statham, "Beekeeper: Rede de Vingança" é um verdadeiro jogo de video-game, com muita pancadaria e alguma (mas pouca) história -tudo embalado, obviamente, por uma produção caprichada. O que eu quero dizer é que aqui não dá para esperar um roteiro dos mais inteligentes e complexos, embora ele seja realmente conciso, ou performances inesquecíveis; o inegável é que o filme entrega muita diversão para quem gosta do gênero e isso é mais que suficiente!

Aposentado da organização secreta “Beekeepers”, Adam Clay (Statham) volta à ativa quando sua vizinha sofre um golpe financeiro e acaba morrendo. Ao descobrir uma rede criminosa gerenciada por um grupo influente politicamente, a missão de Adam evolui, expondo um sistema de corrupção que ameaça toda sociedade americana. Confira o trailer:

Mesmo que Ayer se esforce para criar camadas mais profundas para um mero filme de ação com uma história onde o pano de fundo explora temas como ganância, impunidade e busca por justiça, "The Beekeeper" (no original) é bom mesmo por causa da pancadaria e dos tiroteios. O roteiro, escrito por Kurt Wimmer (de "Código de Conduta") é até que bem construído, com uma dinâmica bem estabelecida, mas os diálogos, meu Deus, são fracos demais - os paralelos entre os males da sociedade contemporânea e as particularidades do ecossistema das abelhas chegam a ser constrangedores. Mas isso é um problema? Claro que não, pois quem se propõe a dar um play em um filme de Jason Statham quer mesmo é assistir as cenas de ação - muito bem coreografadas e executadas com perfeição pelo protagonista, diga-se de passagem.

A direção de Ayer, como não podia deixar de ser, sabe muito bem como é potente sua estrela. Com uma condução precisa e muito dinâmica, o diretor se apropria de takes longos e planos bem pensados para aumentar a imersão da audiência em uma história que tem o mérito de nos prender desde o início. Veja, essa é uma  história de um herói rústico, um Rambo da vida, que solitário detona os falsos mocinhos e não se importa quem é o Papa ou o Presidente dos EUA, mas simcom o que está certo e o que está errado. Em cima desse conceito que a fotografia de Gabriel Beristain (de "Viúva Negra") gira, capturando a beleza ostensiva do sucesso (leia-se dinheiro e poder) a qualquer custo e a brutalidade de um homem em busca de justiça.

"Beekeeper" é só um filme de vingança - fácil na sua essência e divertido na sua proposta. Eu diria até que em tempos tão complexos como o nosso, normalmente retratado em filmes tão mais pretensiosos, ganhar quase duas horas se entretendo com uma história tão fantasiosa quanto inocente como essa, olha, é de se aplaudir sem o receio de parecer superficial. 

Vale o seu play e a pipoca que nos acompanha!

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"Black Doves" é entretenimento puro - especialmente se você gostou de séries como "Killing Eve" e "Sr. & Sra. Smith". Essa produção britânica da Sister and Noisy Bear para a Netflix é um thriller dos mais envolventes que mistura espionagem, crime e drama, com um toque de humor negro, em uma trama intricada e repleta de tensão. Com uma narrativa centrada em personagens complexos e motivações, digamos, ambíguas, a série se destaca por explorar as linhas tênues entre a lealdade, o amor e a traição, oferecendo ao público uma experiência cativante e cheia de reviravoltas inseridas em um contexto politico de escala global. A verdade é que "Black Doves" acerta ao combinar uma atmosfera sombria com um desenvolvimento psicológico profundo, elevando o tom da espionagem para um território mais íntimo e emocional que faz toda diferença na nossa jornada.

A trama gira em torno de Helen Webb (Keira Knightley) uma espiã profundamente infiltrada no governo britânico que, após um trágico evento pessoal, se vê envolvida em uma conspiração que ameaça não apenas sua segurança, mas também a estabilidade de um sistema político e social em crise. Enquanto lida com as consequências de seu recente passado e com relacionamentos que desafiam sua lealdade, Helen é forçada a navegar em um mundo de intrigas onde confiar em alguém pode significar sua própria destruição. Confira o trailer (dublado):

Joe Barton, conhecido por "Encounter", traz para "Black Doves" sua assinatura narrativa de equilibrar ação e tensão com uma escrita ágil e repleta de nuances. O roteiro é carregado de diálogos incisivos e momentos de introspecção que mergulham profundamente nas motivações de personagens muito bem desenvolvidos, ao mesmo tempo em que mantém o ritmo acelerado e a tensão constante - aliás, esse é um ótimo exemplo de como os britânicos sabem fazer temporadas curtas que entregam tudo o que precisam entregar, no tempo disponível e fazendo de cada minuto um gatilho para construir personagens complexos que são os destaques da obra (e aqui eu preciso incluir o Sam Young de Ben Whishaw), Veja, a direção de Alex Gabassi (de "The Crown") e de Lisa Gunning (de "The Power") brinca com a dinâmica entre ação e mistério a partir de situações que fortalecem esse ar de paranoia e urgência como em "Sr. & Sra. Smith", no entanto, a impressão que fica é que tudo parece menos expositivo. 

Knightley equilibra a vulnerabilidade de sua versão "mulher do lar" com a força de uma espiã altamente letal - sua atuação transmite tanto o peso de suas decisões pessoais quanto a determinação na busca por vingança e proteção para aqueles que ama. Repare como os cenários são cuidadosamente escolhidos para refletir a dualidade de Helen, de um vida "pacata" aos momentos de ação visceral quando o bicho pega para o seu lado - o foco da criação de Barton repousa sobre Helen e Sam, sozinhos ou juntos, com os dois formando uma dupla bem improvável, mas que é ao mesmo tempo irresistível, ou seja, as bem coreografadas, violentas e sanguinolentas sequências de ação existem, mas não são prioridade. A gênese da espionagem na série é essencialmente clássica, onde é a infiltração sorrateira que faz a diferença para uma agente adormecida há muitos e muitos anos e que vive uma vida que não é a dela!

Algumas escolhas narrativas de "Black Doves"podem parecer previsíveis para aqueles mais familiarizados com o gênero, e certos arcos secundários até carecem de desenvolvimento mais profundo, ainda assim, essas limitações não comprometem em nada a nossa experiência que é sustentada por uma escrita dinâmica e por performances envolventes. Como eu pontuei no inicio da análise, "Black Doves" é entretenimento, com uma história bem arquitetada que combina espionagem de alto risco com um drama humano capaz de prender a audiência do início ao fim!

Vale o seu play. Diversão garantida e rápida, já que a primeira temporada só tem seis episódios!

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"Bloodshot" é uma agradável surpresa para quem gosta de filmes de ação, de heróis e quer entretenimento enquanto saboreia um pacote de pipoca! Partindo do principio que eu não conhecia a história do herói dos quadrinhos da editora americanaValiant Comics, posso afirmar tranquilamente que "Bloodshot" é muito divertido e extremamente bem filmado pelo diretor estreante Dave Wilson - e aqui, meu amigo, vem uma informação essencial e que refletiu perfeitamente na tela: Wilson foi Supervisor Criativo dos efeitos visuais de "Vingadores - Era de Ultron" e trabalhou em vários games como "The Division", "Mass Effect 2" e "BioShock Infinite", esse último, inclusive, foi referência fundamental na construção do mooddas cenas de ação de "Bloodshot". Confira o trailer:

Vin Diesel interpreta Ray Garrison, um soldado morto recentemente em combate que foi trazido de volta à vida pela corporação RST como um super-humano. Com um exército nano-tecnológico correndo em suas veias que regeneram os danos do seu corpo, ele se torna uma força insuperável – mais forte do que nunca e com o poder de cura instantâneo. Mas, ao controlar seu corpo, a corporação também toma controle de sua mente, especialmente das suas memórias - afinal, a forma mais eficaz de potencializar uma arma como Ray é através da vingança! Como Ray não sabe diferenciar o que é real do que não é; ele precisa descobrir a verdade a qualquer custo para se tornar independente!

QueVin Diesel consegue segurar uma franquia, isso não é segredo para ninguém. Sabemos do que ele é capaz e por isso nem nos importamos com o tamanho da sua canastrice - tem um diálogo no filme onde ele confronta o Dr. Emil Harting (Guy Pearce), que chega a ser constrangedor, mas, sinceramente, o que vale é a pancadaria e isso ele segura bem! Embora o roteiro de "Bloodshot" não seja lá um primor de originalidade, ele cumpre muito bem o seu papel - ele estabelece o universo, apresenta os personagens (novos para a grande maioria) e ainda entrega muita ação. Mesmo sendo o primeiro longa-metragem dirigido pelo Dave Wilson, ele equilibra muito bem as cenas mais poéticas com as de ação completamente frenética - ele trabalha muito bem a velocidade de captação, usando cirurgicamente as técnicas de Matrix (mas sem o movimento de eixo). A fotografia do Jacques Jouffret se encaixou perfeitamente com o estilo de Wilson - a cena no túnel é um belíssimo exemplo! Reparem!

Olha, eu diria que o diretor Dave Wilson trouxe o melhor do games de ação, um cuidado muito interessante com os efeitos visuais (seu forte) e uma sensibilidade muito grande na humanização da câmera no enquadramento dos personagens em cenas de diálogo - o que faltou então? Direção de Atores, mas se tratando de um filme de herói, não impactou no resultado final. Gostei muito, vou acompanhar esse diretor mais de perto, "Bloodshot" terá uma continuação e eu diria que a parceria Sony e Valiant Comics pode render bons frutos para ambos!

Vale a pena!

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Assistir "Caminhos da Memória" é como acompanhar a história de um bom jogo de video-game que mistura ficção científica com vários elementos de ação e investigação. Eu diria que o filme da estreante Lisa Joy (de "Westworld") é entretenimento puro, na linha de "Minority Report" com toques de "Max Payne" (o jogo).

Na história, Nick Bainnister (Hugh Jackman) é um veterano de guerra que vive em uma Miami do futuro, parcialmente submersa pelas águas do oceano que invadiram a cidade por causa do aquecimento global. Ele trabalha com a policia local operando uma “máquina da reminiscência” - uma tecnologia que permite que indivíduos revisitem memórias, experimentando-as novamente como se estivessem lá. Quando a cantora de boate Mae (Rebecca Ferguson) busca os serviços de Nick, os dois acabam se apaixonando e vivendo um caso intenso até que ela desaparece sem deixar vestígios, deixando o Nick obcecado por encontrá-la, custe o que custar. Confira o trailer:

Antes de mais nada é preciso dizer que muitas pessoas criticaram o filme por criarem uma espécie de comparação bastante injusta pela própria proposta de Lisa Joy - "Caminhos da Memória" não é (embora pudesse ser) um filme do Christopher Nolan. Ele não tem a profundidade narrativa, a complexidade conceitual entre texto e imagem e muito menos a genialidade estética do diretor. Joy foi roteirista e co-criadora de "Westworld", é casada com o irmão de Christopher Nolan, Jonathan, e certamente foi influenciada por uma gramática cinematográfica muito próxima de "Amnésia", "A Origem" e "Tenet", principalmente ao guardar na manga algumas cartas que ajudam a complicar, e não propriamente simplificar, seus personagens, ou seja, nem tudo é exatamente o que parece ser - mas continua sendo um filme de Joy, não de Nolan.

Um dos maiores acertos do filme, sem dúvida, foi ter Paul Cameron ("Déjà Vu" e "Westworld") como diretor de fotografia. A imersão naquela realidade distópica é imediata e tão palpável quanto nos trabalhos de Roger Deakins em "Nova York Sitiada" ou "Blade Runner 2049". A ambientação feita em CGI também impressiona pelo alinhamento com um excelente design de produção, do competente Howard Cummings ("Westworld" e "Contágio"). O que eu quero dizer é que Lisa Joy contou com o que existe de melhor, técnica e artisticamente, para entregar um filme de ficção científica e ação focado no público adulto, que busca uma história madura e emocionalmente inteligente.

Minha única observação, em tempos de tantos projetos de séries sensacionais para o streaming, diz respeito ao potencial do roteiro para um desenvolvimento melhor das histórias paralelas. Veja, a sub-trama dos Barões que comandam essa Miami destruída pelas águas e que tem o controle das terras secas, merecia, de fato, uma atenção maior até para justificar o final (sem spoiler, mas será que viria um série por aí?). O arco da família do Barão Walter Sylvan (Brett Cullen), de sua esposa Tamara (Marina de Tavira) e do filho Sebastian (Mojean Aria), funciona, mas é apressada. O mesmo serve para Saint Joe (Daniel Wu) e sua conexão com as drogas e com a corrupção da policia local.

Com uma certa "poesia Noir", "Reminiscence" (no original) faz uma reflexão romântica sobre o impacto da memória nas nossas vidas, sem fugir dos perigos que ela pode representar quando da sua dualidade perante as escolhas na jornada do protagonista - como muito já foi discutido nos filmes do Nolan. Mais uma vez, o filme é competente e será um excelente entretenimento para quem embarcar na trama, para depois desligar a TV ou quem sabe mudar de canal com aquela sensação de boas duas horas de diversão sem a pretensão de serem inesquecíveis.

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Quanto menos você souber sobre a minissérie da Netflix, "Clark", mais você vai se surpreender - e imagino que positivamente. Se você ainda não clicou em "assista agora" presumo que queira entender se essa produção sueca, dirigida pelo talentoso Jonas Akerlund, é realmente para você. Pois bem, antes de mais nada é preciso dizer que Akerlund tem uma sólida carreira como diretor de publicidade e videoclipes, trabalhando com artistas do nível de Madonna, U2, Coldplay e Lady Gaga, apenas para citar alguns - assim você vai entender o tamanho do potencial desse cara que está estreando na ficção e te garanto: criatividade é o que não faltou para contar a história de Clark Olofsson.

Mas você sabe quem é Clark Olofsson? Se não sabe, não se preocupe, porque até o lançamento de "Clark" pouca gente sabia. A minissérie de seis episódios se propõe a contar a história do personagem que cunhou a expressão “Síndrome de Estocolmo”. Um criminoso que conseguiu enganar toda a Suécia por muitos anos e fez todo um país se apaixonar por ele, apesar de ter sido acusado de tráfico de drogas, tentativa de homicídio, agressão, roubos e centenas de assaltos a bancos. Confira o trailer (em inglês):

Embora a história de "Clark" seja incrível, é inegável que o conceito narrativo e visual que Akerlund imprime no projeto é o que chama mais a atenção - veja, é uma mistura de Jean-Pierre Jeunet (de "Amélie Poulain"), com Spike Lee (de "Infiltrado Na Klan") e ainda com um toque de Adam McKay (de "Vice"). Eu diria que é um sopro de criatividade (e inventividade) que pouco encontramos nas produções da Netflix (tirando algumas raras exceções). Com uma montagem primorosa e inserções gráficas divertidíssimas, o diretor nos leva para uma jornada tão absurda quanto empolgante.

A "síndrome de Estocolmo" define um estado bem particular daqueles que, uma vez submetidos a um período prolongado de intimidação, desenvolvem uma traumática conexão de empatia (e até mesmo simpatia) pelo agressor - resultado de uma complexa estratégia mental de sobrevivência ao abuso. Lendo essa definição, é bem possível que a premissa te transporte para uma outra minissérie da Netflix, "O Paraíso e a Serpente"- e de fato existem inúmeros elementos dramáticos que se assemelham, porém o tom é completamente diferente. Aqui a ação está apoiada na comédia, no non-sense e até no estereótipo (quase escrachado), ditando um ritmo alucinante para os episódios. O total controle da gramática cinematográfica proveniente de um certo estilo de publicidade e dos clipes, fazem com que "Clark" salte aos olhos, mesmo discutindo assuntos tão densos - e a proposta é tão genial, que até podemos suspeitar que "talvez" estejamos sofrendo uma, digamos, "versão lite-digital" da mesma síndrome que é discutida na história.

Baseada, obviamente, em uma história real, a minissérie reconta "as verdades e mentiras presentes" na autobiografia de Olofsson. São muitas passagens, recortes extensos, mas muito bem conectados pelo roteiro de Fredrik Agetoft e de Peter Arrhenius. Outro destaque (e que pode esperar estará em muitas premiações daqui para frente) é Bill Skarsgard - o Pennywise de "It: A Coisa". Ele está simplesmente incrível, capaz de construir uma personalidade doentia com tanto charme e veracidade que até suas enormes falhas de caráter soam como refutáveis.

"Clark" pode até causar um certo estranhamento inicial, mas embarque na proposta do diretor e repare como um personagem complexo, independente do tom imposto pela narrativa, é capaz de se humanizar através de uma construção muito cuidadosa, pouco expositiva e, principalmente, bastante sensível aos valores sobre si mesmo, trazendo uma verdade tão essencial para a história que em nenhum momento se propõe a ser documental ou tendenciosa - e isso é muito divertido!

Vale muito a pena e já se estabelece como uma das melhores produções do ano de 2022! 

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"Crash" é um daqueles filmes polêmicos que dividem opiniões - a minha, no entanto, é a melhor possível! "Crash" tem intensidade emocional e nos remete para aquela potência narrativa de "Amores Brutos", por exemplo - talvez com um toque a mais de provocação que faz toda a diferença durante a jornada. Com algumas passagens de difícil digestão, o vencedor do Oscar de "Melhor Filme" em 2006, dirigida por Paul Haggis, é uma obra que se propõe a ser um retrato cru das complexas relações raciais e sociais em Los Angeles, trazendo uma estrutura de múltiplas narrativas entrelaçadas que, de fato, transformam nossa experiência em algo único e visceral! Com um elenco cheio de estrelas e um roteiro realmente ambicioso, o filme escancara os preconceitos enraizados na sociedade moderna onde as dinâmicas de poder afetam não só o cotidiano de cada um dos personagens como também o seu íntimo - cada qual com sua dor e desprezo. 

A sinopse oficial descreve "Crash" da seguinte maneira: Em Los Angeles, uma série de histórias se cruzam ao longo de 36 horas, revelando o impacto do racismo e da intolerância no dia a dia de pessoas de diferentes origens e classes sociais. Policiais corruptos, uma promotora branca privilegiada, um diretor de TV negro, um casal imigrante iraniano e um ladrão que questiona o próprio preconceito, são alguns dos personagens cujas vidas se chocam de maneiras inesperadas. Confira o belíssimo trailer (em inglês):

Paul Haggis conduz a trama com maestria, estruturando o filme de forma a criar conexões entre personagens que, à primeira vista, parecem não ter nada em comum. A montagem do vencedor do Oscar da categoria, Hughes Winborne, se alinha a esse conceito de forma ágil, enquanto o roteiro, também vencedor do ano, é bem estruturado ao ponto de fazer com que os acontecimentos fluam naturalmente, resultando em momentos de grande impacto emocional - para o bem e para o mal. Veja, a intenção do filme não é apenas apontar o preconceito alheio, mas provocar uma reflexão sobre nossas próprias percepções e como elas podem influenciar algumas ações que soam até inofensivas pelo olhar menos sensível e empático. O formato proposto por Haggis permite que a audiência experiencie diferentes perspectivas, julgue e tente (ou não) entender como o racismo pode surgir de formas tão inesperadas, até mesmo nas pessoas que acreditam ser imunes a ele.

Don Cheadle, Matt Dillon, Thandiwe Newton, Sandra Bullock, Michael Peña, Brendan Fraser, Terrence Howard e Ryan Phillippe entregam performances intensas, cada um trazendo nuances e humanidade para seus personagens. Dillon, em especial, se destaca interpretando um policial com atitudes questionáveis, mas que carrega uma certa complexidade que o torna mais do que apenas um vilão unidimensional. Já Michael Peña protagoniza uma das cenas mais emocionantes do filme, trazendo momentos de vulnerabilidade e conexão que sintetizam exatamente a mensagem que "Crash" se esforça tanto em passar - e que muitos não engoliram. Visualmente, o filme brinca com uma fotografia mais  sóbria e realista possível - tudo para capturar o clima urbano e a sensação de tensão latente entre os personagens. A direção de fotografia do J. Michael Muro opta por uma iluminação dramática primorosa, eu diria até poética, criando um ambiente que reflete exatamente as emoções conflitantes presentes na narrativa. A trilha sonora de Mark Isham (de "Nada é para Sempre") traz composições melancólicas que reforçam a carga emocional dos eventos do filme - repare em "In the Deep" de Kathleen York e Michael Becker. Linda demais!

"Crash" constrói um estudo de personagens envolvente, trazendo diálogos afiados e cenas memoráveis. Em vez de tratar o racismo de maneira didática, o filme prefere mostrar como ele se manifesta no cotidiano, muitas vezes de formas sutis e inesperadas. A estrutura narrativa permite que os personagens sejam apresentados em situações que desafiam suas crenças e comportamentos, mostrando que ninguém é completamente bom ou mau, mas sim produto de suas experiências e do meio em que vivem. Mesmo que sua recepção tenha gerado discussões ao longo dos anos, especialmente pela sua sua abordagem, é inegável que o filme possui méritos significativos, técnicos e artísticos, além, é claro, de ser um catalizador disposto a estimular debates importantes.

Vale muito o seu play!

Up Date: "Crash" ganhou em três categorias das seis que disputou no Oscar 2006! 

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