"Educação Americana - Fraude e Privilégio" é um docudrama da Netflix do mesmo diretor dos excelentes "Fyre Festival: Fiasco no Caribe" e do "O Desaparecimento de Madeleine McCann". Para quem não sabe, docudrama é aquele tipo de documentário que usa de encenações com atores para construir uma narrativa visual que sente a falta de um bom material de arquivo para ilustrar o texto sobre uma determinada passagem da história.
O filme mostra os detalhes de uma investigação do FBI que desvendou um enorme esquema de suborno que simplesmente desqualificava todos os meios legais que um jovem tinha para ingressar em grandes universidades dos EUA. "Operation Varsity Blues: The College Admissions Scandal" (título original) coloca Rick Singer no centro de uma verdadeira conspiração mafiosa que usava da credibilidade de "Life Planner" do seu idealizador, para criar oportunidades para jovens de famílias muito ricas nos programas esportivos de instituições como Georgetown, Yale, Stanford, entre outras. A grande questão, no entanto, era que esses jovens nunca foram esportistas de verdade e muito menos tinham notas que justificassem uma admissão genuína. Confira o trailer:
O grande problema de "Educação Americana" é justamente o conceito narrativo escolhido para contar essa história impressionante - o docudrama, por si só, não possui o orçamento compatível com os recursos que uma obra dessa magnitude merece. O que eu quero dizer é que as encenações soam falsas, já que os atores são fracos, a produção das cenas são medianas e a direção está completamente fora de sua zona de conforto. Porém, quando o diretor Chris Smith consegue montar as cenas fictícias dentro de um contexto histórico real, usando o audio original das conversas telefônicas e depois mesclando com os depoimentos de personagens que, de alguma forma, participaram daquele universo, tudo funciona muito melhor e acaba ganhando um ritmo bem interessante.
O próprio Rick Singer é um personagem dos mais interessantes, já que consegue unir na mesma pessoa, uma capacidade de comunicação absurda, inteligência acima da média e excelente visão de negócios com um caráter dos mais desprezíveis - o cara além de ser um bandido, ainda é um grande traidor! Quanto ao roteiro, senti que ele talvez tenha derrapado um pouco, pois da forma como é contada a história, faltam algumas explicações de como os esquemas eram construídos em detalhes - só as conversas telefônicas criaram a linha narrativa, mas faltaram elementos que pudessem unir os casos particulares de cada uma das "vítimas" com o esquema como um todo. O próprio modus operandi vai se transformando durante a linha temporal e isso acaba sendo pouco explorado: reparem no personagem que fazia os testes para os alunos incapazes de conseguir a nota exigida pela Universidade - ele entra, sai da história e nem nos relacionamos com ele!
"Educação Americana - Fraude e Privilégio" serve muito como critica ao sistema educacional americano, a sociedade e a hipocrisia do ser humano, e nesse ponto alcançou seu objetivo. O documentário também funciona como um excelente entretenimento, cheio de informações pontuais e relevantes para quem quer ampliar sua visão de mundo.
Enfim, vale o play? Claro que sim!
"Educação Americana - Fraude e Privilégio" é um docudrama da Netflix do mesmo diretor dos excelentes "Fyre Festival: Fiasco no Caribe" e do "O Desaparecimento de Madeleine McCann". Para quem não sabe, docudrama é aquele tipo de documentário que usa de encenações com atores para construir uma narrativa visual que sente a falta de um bom material de arquivo para ilustrar o texto sobre uma determinada passagem da história.
O filme mostra os detalhes de uma investigação do FBI que desvendou um enorme esquema de suborno que simplesmente desqualificava todos os meios legais que um jovem tinha para ingressar em grandes universidades dos EUA. "Operation Varsity Blues: The College Admissions Scandal" (título original) coloca Rick Singer no centro de uma verdadeira conspiração mafiosa que usava da credibilidade de "Life Planner" do seu idealizador, para criar oportunidades para jovens de famílias muito ricas nos programas esportivos de instituições como Georgetown, Yale, Stanford, entre outras. A grande questão, no entanto, era que esses jovens nunca foram esportistas de verdade e muito menos tinham notas que justificassem uma admissão genuína. Confira o trailer:
O grande problema de "Educação Americana" é justamente o conceito narrativo escolhido para contar essa história impressionante - o docudrama, por si só, não possui o orçamento compatível com os recursos que uma obra dessa magnitude merece. O que eu quero dizer é que as encenações soam falsas, já que os atores são fracos, a produção das cenas são medianas e a direção está completamente fora de sua zona de conforto. Porém, quando o diretor Chris Smith consegue montar as cenas fictícias dentro de um contexto histórico real, usando o audio original das conversas telefônicas e depois mesclando com os depoimentos de personagens que, de alguma forma, participaram daquele universo, tudo funciona muito melhor e acaba ganhando um ritmo bem interessante.
O próprio Rick Singer é um personagem dos mais interessantes, já que consegue unir na mesma pessoa, uma capacidade de comunicação absurda, inteligência acima da média e excelente visão de negócios com um caráter dos mais desprezíveis - o cara além de ser um bandido, ainda é um grande traidor! Quanto ao roteiro, senti que ele talvez tenha derrapado um pouco, pois da forma como é contada a história, faltam algumas explicações de como os esquemas eram construídos em detalhes - só as conversas telefônicas criaram a linha narrativa, mas faltaram elementos que pudessem unir os casos particulares de cada uma das "vítimas" com o esquema como um todo. O próprio modus operandi vai se transformando durante a linha temporal e isso acaba sendo pouco explorado: reparem no personagem que fazia os testes para os alunos incapazes de conseguir a nota exigida pela Universidade - ele entra, sai da história e nem nos relacionamos com ele!
"Educação Americana - Fraude e Privilégio" serve muito como critica ao sistema educacional americano, a sociedade e a hipocrisia do ser humano, e nesse ponto alcançou seu objetivo. O documentário também funciona como um excelente entretenimento, cheio de informações pontuais e relevantes para quem quer ampliar sua visão de mundo.
Enfim, vale o play? Claro que sim!
É preciso muito cuidado ao analisar o filme "Eike - Tudo ou Nada" - primeiro como obra cinematográfica e depois pelo valor de seu personagem e do que ele representou para universo empreendedor por muitos anos, mas vamos por partes. Eike, o personagem, tem aura de Bernie Madoff com o mindset de Elizabeth Holmes (da Theranos), ou seja, ele era uma bomba relógio prestes a explodir e por isso é tão fascinante (independente de julgamentos pré-estabelecidos ou opniões pessoais) - e aqui cabe citar uma passagem do próprio roteiro que ilustra isso: "na vida não se pode pensar pequeno demais, mas também não se pode acreditar ser maior do que realmente é". Já como um filme de longa-metragem, muito bem produzido por sinal, a narrativa está repleta de problemas e escolhas criativas (ou conceituais) de qualidade muito duvidosa e passagens tão mal resolvidas que, infelizmente, beiram o constrangimento - se você acha que posso estar exagerando, reparem na forma que o texto explica o que é um IPO e como o passado do personagem com a atriz Luma de Oliveira foi retratado.
Feita essa introdução e colocando as cartas na mesa, admito que dei o play apenas pela curiosidade e, mesmo longe (mas muito longe) de ser um grande filme, saí satisfeito com o que encontrei. Baseado na obra de Malu Gaspar, "Eike - Tudo ou Nada" acompanha o processo de ascensão e queda do Grupo X pelos olhos do empresário e ex-bilionário Eike Batista. A história que começa em 2006, quando a economia brasileira estava borbulhando por conta do pré-sal, Eike decide criar a OGX, petroleira que o transforma no sétimo homem mais rico do mundo mesmo que acompanhado de especulações e mentiras - razões, inclusive, pela qual a empresa vai à falência, levando com ela tanto o seu patrimônio quanto o poder e prestígio que demorou anos para ele construir. Confira o trailer:
Assim como nos acostumamos a encontrar nos catálogos dos streamings obras que expõem os bastidores nada glamourosos do empreendedorismo (e de seus fundadores) como no Facebook, no Spotify, no Uber, na Theranos e até no WeWork, é notável a iniciativa de trazer para o grande público a história do grupo X, uma empresa brasileira, e os conceitos e ideias que fizeram um brasileiro, Eike Batista, convencer inúmeros investidores a entrar no negócio e assim captar mais de 1 bilhão de dólares. Veja, não tem nada de errado em acreditar que sua ideia pode dar certo e lutar por ela, o complicado é fechar os olhos para a realidade que teima em te mostrar que o caminho não é bem esse que o powerpoint aceitou - e pasmem, no caso do Eike, até o governo deu uma forcinha (mesmo que daquele jeito que estamos acostumados) ao mudar a regra do jogo no meio do campeonato quando resolveu retirar 41 blocos (os mais aptos a encontrar petróleo) do leilão do pré-sal para proteger a Petrobras.
O ponto alto do filme, como não poderia deixar de ser, está em abordar essas nuances em um recorte cruel do capitalismo pelos olhos de um empreendedor considerado visionário - e aqui pontuo elementos marcantes dessa trajetória de Eike, desde o risco de uma aposta, a busca por investimentos, os equívocos muitas vezes pautados pelo ego, a montanha-russa de emoções a cada movimento estratégico e, claro, até chegar na corrupção. Dirigido e roteirizado por Dida Andrade e Andradina Azevedo, "Eike - Tudo ou Nada" teria material para ser uma série, mas o recorte escolhido para o filme conecta muito bem a jornada com o personagem, mesmo que soe um pouco ingênuo nos dias de hoje. O que foge disso, é o que na verdade incomoda: embora compreensível, o arco do investidor amador que perde tudo com a queda do grupo X, especificamente da OGX, é tão dispensável quanto a discussão sobre a calvice de Eike!
Não serão poucas as vezes que você vai se perguntar se Eike era um mentiroso compulsivo ou um empreendedor genial, um nacionalista empenhado no progresso do país ou um egocêntrico sem limites e sem moral na busca pelo poder, um homem à frente do seu tempo ou mais um estelionatário que usou de seu passado para ganhar muito dinheiro; o fato é que se "Eike - Tudo ou Nada" não deve ser considerado um grande filme, mas certamente ele é um retrato curioso de um megalomaníaco, egocêntrico e manipulador que se encaixou dentro de um sistema mentiroso para ganhar muito dinheiro - mesmo sabendo que haveria um preço a se pagar!
Pela história, pelo personagem, vale seu play!
É preciso muito cuidado ao analisar o filme "Eike - Tudo ou Nada" - primeiro como obra cinematográfica e depois pelo valor de seu personagem e do que ele representou para universo empreendedor por muitos anos, mas vamos por partes. Eike, o personagem, tem aura de Bernie Madoff com o mindset de Elizabeth Holmes (da Theranos), ou seja, ele era uma bomba relógio prestes a explodir e por isso é tão fascinante (independente de julgamentos pré-estabelecidos ou opniões pessoais) - e aqui cabe citar uma passagem do próprio roteiro que ilustra isso: "na vida não se pode pensar pequeno demais, mas também não se pode acreditar ser maior do que realmente é". Já como um filme de longa-metragem, muito bem produzido por sinal, a narrativa está repleta de problemas e escolhas criativas (ou conceituais) de qualidade muito duvidosa e passagens tão mal resolvidas que, infelizmente, beiram o constrangimento - se você acha que posso estar exagerando, reparem na forma que o texto explica o que é um IPO e como o passado do personagem com a atriz Luma de Oliveira foi retratado.
Feita essa introdução e colocando as cartas na mesa, admito que dei o play apenas pela curiosidade e, mesmo longe (mas muito longe) de ser um grande filme, saí satisfeito com o que encontrei. Baseado na obra de Malu Gaspar, "Eike - Tudo ou Nada" acompanha o processo de ascensão e queda do Grupo X pelos olhos do empresário e ex-bilionário Eike Batista. A história que começa em 2006, quando a economia brasileira estava borbulhando por conta do pré-sal, Eike decide criar a OGX, petroleira que o transforma no sétimo homem mais rico do mundo mesmo que acompanhado de especulações e mentiras - razões, inclusive, pela qual a empresa vai à falência, levando com ela tanto o seu patrimônio quanto o poder e prestígio que demorou anos para ele construir. Confira o trailer:
Assim como nos acostumamos a encontrar nos catálogos dos streamings obras que expõem os bastidores nada glamourosos do empreendedorismo (e de seus fundadores) como no Facebook, no Spotify, no Uber, na Theranos e até no WeWork, é notável a iniciativa de trazer para o grande público a história do grupo X, uma empresa brasileira, e os conceitos e ideias que fizeram um brasileiro, Eike Batista, convencer inúmeros investidores a entrar no negócio e assim captar mais de 1 bilhão de dólares. Veja, não tem nada de errado em acreditar que sua ideia pode dar certo e lutar por ela, o complicado é fechar os olhos para a realidade que teima em te mostrar que o caminho não é bem esse que o powerpoint aceitou - e pasmem, no caso do Eike, até o governo deu uma forcinha (mesmo que daquele jeito que estamos acostumados) ao mudar a regra do jogo no meio do campeonato quando resolveu retirar 41 blocos (os mais aptos a encontrar petróleo) do leilão do pré-sal para proteger a Petrobras.
O ponto alto do filme, como não poderia deixar de ser, está em abordar essas nuances em um recorte cruel do capitalismo pelos olhos de um empreendedor considerado visionário - e aqui pontuo elementos marcantes dessa trajetória de Eike, desde o risco de uma aposta, a busca por investimentos, os equívocos muitas vezes pautados pelo ego, a montanha-russa de emoções a cada movimento estratégico e, claro, até chegar na corrupção. Dirigido e roteirizado por Dida Andrade e Andradina Azevedo, "Eike - Tudo ou Nada" teria material para ser uma série, mas o recorte escolhido para o filme conecta muito bem a jornada com o personagem, mesmo que soe um pouco ingênuo nos dias de hoje. O que foge disso, é o que na verdade incomoda: embora compreensível, o arco do investidor amador que perde tudo com a queda do grupo X, especificamente da OGX, é tão dispensável quanto a discussão sobre a calvice de Eike!
Não serão poucas as vezes que você vai se perguntar se Eike era um mentiroso compulsivo ou um empreendedor genial, um nacionalista empenhado no progresso do país ou um egocêntrico sem limites e sem moral na busca pelo poder, um homem à frente do seu tempo ou mais um estelionatário que usou de seu passado para ganhar muito dinheiro; o fato é que se "Eike - Tudo ou Nada" não deve ser considerado um grande filme, mas certamente ele é um retrato curioso de um megalomaníaco, egocêntrico e manipulador que se encaixou dentro de um sistema mentiroso para ganhar muito dinheiro - mesmo sabendo que haveria um preço a se pagar!
Pela história, pelo personagem, vale seu play!
"El Camino" não é um grande filme! Mas antes que as pessoas me destruam por aqui, deixe-me explicar: os 120 minutos de "El Camino" são, na verdade, um Epílogo de "Breaking Bad", um episódio de final de temporada, daqueles de 2 horas, que nos fazem torcer para que nunca acabe de tão contagiante que a história é! Se você não assistiu toda temporada de "Breaking Bad", a chance de você achar "El Camino" apenas "OK" é grande, mas nós que esperamos anos por um pouco mais do que consideramos uma das melhores séries de todos os tempos, aproveitamos cada frame dessa maravilhosa experiência que o Vince Gilligan nos entregou.
Como o Teaser e o Trailer já anunciavam, o filme gira em torno de um Jesse Pinkman (Aaron Paul) atordoado, logo após fugir do cativeiro (fato que acontece justamente no último episódio da série), tentando reencontrar um caminho para sua vida e deixar todo esse passado para trás! O que me surpreendeu é a jornada de transformação que, mais uma vez, Gilligan foi capaz de construir - mas para entender exatamente o que estou falando será preciso ler nossa análise completa. Para você, que precisa apenas da nossa sugestão temos duas opções: 1- Se assistiu a série inteira, assista o filme agora e agradeça a Netflix por ter nos proporcionado mais duas horas de êxtase. 2- Se não se interessou pela série, mas quer ver mesmo assim, se prepare para duas horas de diversão, mas não espere um filme transformador ou inesquecível!
Se arriscar na construção de um novo capítulo depois de alcançar o "Céu" com um final como o de Breaking Bad, 6 anos depois, é algo que poucos fariam! Vince Gilligan fez; e mesmo depois de 4 temporadas de "Better Call Saul", uma ponta parecia solta: o que teria acontecido com Jesse Pinkman? "El Camino" não só responde essa pergunta, como prova, mais uma vez, que além de louco, Gilligan tem total controle sobre suas idéias e sobre todo um universo que ele construiu! "El Camino" não pode ser visto como uma obra isolada, ele é parte de uma estrutura que nos transporta mais uma vez para o Novo Mexico, mas com uma Albuquerque diferente, menos contrastada, quente; agora ela é mais fria, melancólica, angustiante! Em um mês onde "Coringa" bagunçou a mente de quem assistiu, pela sua profundidade psicológica, Jessie Pinkman assume o mesmo papel em "El Camino" - e aqui vai mais um dica: assistam o resumo antes de começar o filme ou, melhor, assistam os 5 últimos episódios de "Breaking Bad" para ter uma imersão 100% segura!
A trama é simples ao mesmo tempo que complexa: Jesse está escapando em um carro El Camino (ah, Vince Gilligan por favor não pare por aqui!!!) após ter sido libertado por Walter White (Bryan Cranston) do cativeiro onde foi forçado a cozinhar metanfetamina por meses - esse momento é imediatamente depois de tudo que vimos em "Felina", episódio final de "Breaking Bad". Com a polícia atrás, já que ele foi reconhecido como cúmplice de Heisenberg encontrado morto no local da chacina, Pinkman é obrigado a procurar alguns personagens marcantes da série para conseguir algum dinheiro ou ter uma oportunidade de um recomeço - aqui é preciso dizer que alguns flashbacks funcionam melhores que outros, pois em alguns momentos Gilligan parece "roubar no jogo" para explicar uma ação do personagem, mas em outros momentos, mesmo ele "roubando no jogo", temos a impressão que tudo aquilo já tinha sido construído anteriormente de tão orgânico que ficou. Pois bem, toda essa jornada é pontuada com uma fotografia típica de Marshall Adams, parceiro conceitual de Gilligan. Grandes angulares, time-lapses, planos inventivos e inesperados, tudo está ali - como deveria ser!
O roteiro é enxuto, direto e cheio de detalhes como Breaking Bad adorava nos presentear. Agora, Aaron Paul, ou melhor, Jesse Pinkman, se transformando em tudo que ele mais odiava no Walter White e comprovando que o discurso transformador de Heisenberg era, no mínimo, coerente - meu Deus, isso foi genial! O ponto alto do filme! Outro detalhe bacana que merece ser observado é a importância que personagens satélites ganharam - pode até soar como Fan Service, mas não dá para negar que foi mais uma jogada inteligente de Gilligan: Old Joe, Skinny Pete (agora o Teaser faz ainda mais sentido), Badger, Neil e até o Ed - olha, que criatividade a favor da história como um todo! Muito legal!
"El Camino" não pode ser o ponto final. Muito do que você vai encontrar deve aparecer em algum flashfoward de "Better Call Saul" ainda e, quem sabe, em algum outro "filme" ou "série", pois o material, ou melhor, as histórias paralelas parecem ter um força impensável - Pinkman é um exemplo, já que seu personagem não passaria da 1ª temporada de "Breaking Bad". Só torço para que essas surpresas em torno das idéias do Vince Gilligan nunca acabem!!!
Por favor, dê o play e divirta-se com aquela sensação deliciosa de nostalgia temperada com uma espécie de inspiração criativa do mais alto nível!
"El Camino" não é um grande filme! Mas antes que as pessoas me destruam por aqui, deixe-me explicar: os 120 minutos de "El Camino" são, na verdade, um Epílogo de "Breaking Bad", um episódio de final de temporada, daqueles de 2 horas, que nos fazem torcer para que nunca acabe de tão contagiante que a história é! Se você não assistiu toda temporada de "Breaking Bad", a chance de você achar "El Camino" apenas "OK" é grande, mas nós que esperamos anos por um pouco mais do que consideramos uma das melhores séries de todos os tempos, aproveitamos cada frame dessa maravilhosa experiência que o Vince Gilligan nos entregou.
Como o Teaser e o Trailer já anunciavam, o filme gira em torno de um Jesse Pinkman (Aaron Paul) atordoado, logo após fugir do cativeiro (fato que acontece justamente no último episódio da série), tentando reencontrar um caminho para sua vida e deixar todo esse passado para trás! O que me surpreendeu é a jornada de transformação que, mais uma vez, Gilligan foi capaz de construir - mas para entender exatamente o que estou falando será preciso ler nossa análise completa. Para você, que precisa apenas da nossa sugestão temos duas opções: 1- Se assistiu a série inteira, assista o filme agora e agradeça a Netflix por ter nos proporcionado mais duas horas de êxtase. 2- Se não se interessou pela série, mas quer ver mesmo assim, se prepare para duas horas de diversão, mas não espere um filme transformador ou inesquecível!
Se arriscar na construção de um novo capítulo depois de alcançar o "Céu" com um final como o de Breaking Bad, 6 anos depois, é algo que poucos fariam! Vince Gilligan fez; e mesmo depois de 4 temporadas de "Better Call Saul", uma ponta parecia solta: o que teria acontecido com Jesse Pinkman? "El Camino" não só responde essa pergunta, como prova, mais uma vez, que além de louco, Gilligan tem total controle sobre suas idéias e sobre todo um universo que ele construiu! "El Camino" não pode ser visto como uma obra isolada, ele é parte de uma estrutura que nos transporta mais uma vez para o Novo Mexico, mas com uma Albuquerque diferente, menos contrastada, quente; agora ela é mais fria, melancólica, angustiante! Em um mês onde "Coringa" bagunçou a mente de quem assistiu, pela sua profundidade psicológica, Jessie Pinkman assume o mesmo papel em "El Camino" - e aqui vai mais um dica: assistam o resumo antes de começar o filme ou, melhor, assistam os 5 últimos episódios de "Breaking Bad" para ter uma imersão 100% segura!
A trama é simples ao mesmo tempo que complexa: Jesse está escapando em um carro El Camino (ah, Vince Gilligan por favor não pare por aqui!!!) após ter sido libertado por Walter White (Bryan Cranston) do cativeiro onde foi forçado a cozinhar metanfetamina por meses - esse momento é imediatamente depois de tudo que vimos em "Felina", episódio final de "Breaking Bad". Com a polícia atrás, já que ele foi reconhecido como cúmplice de Heisenberg encontrado morto no local da chacina, Pinkman é obrigado a procurar alguns personagens marcantes da série para conseguir algum dinheiro ou ter uma oportunidade de um recomeço - aqui é preciso dizer que alguns flashbacks funcionam melhores que outros, pois em alguns momentos Gilligan parece "roubar no jogo" para explicar uma ação do personagem, mas em outros momentos, mesmo ele "roubando no jogo", temos a impressão que tudo aquilo já tinha sido construído anteriormente de tão orgânico que ficou. Pois bem, toda essa jornada é pontuada com uma fotografia típica de Marshall Adams, parceiro conceitual de Gilligan. Grandes angulares, time-lapses, planos inventivos e inesperados, tudo está ali - como deveria ser!
O roteiro é enxuto, direto e cheio de detalhes como Breaking Bad adorava nos presentear. Agora, Aaron Paul, ou melhor, Jesse Pinkman, se transformando em tudo que ele mais odiava no Walter White e comprovando que o discurso transformador de Heisenberg era, no mínimo, coerente - meu Deus, isso foi genial! O ponto alto do filme! Outro detalhe bacana que merece ser observado é a importância que personagens satélites ganharam - pode até soar como Fan Service, mas não dá para negar que foi mais uma jogada inteligente de Gilligan: Old Joe, Skinny Pete (agora o Teaser faz ainda mais sentido), Badger, Neil e até o Ed - olha, que criatividade a favor da história como um todo! Muito legal!
"El Camino" não pode ser o ponto final. Muito do que você vai encontrar deve aparecer em algum flashfoward de "Better Call Saul" ainda e, quem sabe, em algum outro "filme" ou "série", pois o material, ou melhor, as histórias paralelas parecem ter um força impensável - Pinkman é um exemplo, já que seu personagem não passaria da 1ª temporada de "Breaking Bad". Só torço para que essas surpresas em torno das idéias do Vince Gilligan nunca acabem!!!
Por favor, dê o play e divirta-se com aquela sensação deliciosa de nostalgia temperada com uma espécie de inspiração criativa do mais alto nível!
"Elas Contra o Serial Killer" é um documentário de "true crime" com um conceito narrativo um pouco diferente do que assistimos ultimamente no gênero, já que a história não pretende te conquistar pelas dificuldades ou pela jornada de investigação até a descoberta do assassino ou o entendimento das suas motivações mais íntimas e, eventualmente, por todo o processo nos tribunais, entre provas e teorias, até o veredito final - obviamente que com aquele plot twistsurpreendente em algum momento da trama que tornaria o filme inesquecível. Não, essa produção francesa da Netflix quer "apenas" contar uma história que marcou uma época - saindo do ponto A, chegando no ponto B, sem surpresas ou enormes indagações.
"Elas Contra o Serial Killer"acompanha, basicamente, a história de várias mulheres envolvidas em uma busca incansável por justiça e para colocar um Serial Killer que assombrou Paris durante anos 1990, na cadeia - a quem diga que esse seria o primeiro caso de Serial Killer da França, inclusive. Entre essas mulheres, conhecemos uma chefe de polícia e a mãe de uma das vítimas do assassino que não descansaram até descobrir quem cometia os crimes e se, de fato, esses crimes tinham alguma conexão entre si.
As diretoras Mona Achache e Patricia Tourancheau claramente se posicionam como porta-vozes do empoderamento feminino no meio de uma narrativa que, sinceramente, já seria impactante por si só sem essa necessidade feminista de se impor perante os fatos. Em nenhum momento temos algum depoimento de homens e isso não faz a menor falta, porém é impensável imaginar que apenas mulheres participaram da caçada. Por outro lado, o título "Elas Contra o Serial Killer" expõe a força de algumas personagens-chave na busca por justiça de uma forma muito natural, afinal as vitimas eram mulheres, foi a mãe de uma delas que iniciou a busca por respostas e a chefe de policia responsável também era uma mulher em uma época onde cartazes indicavam que trabalhar na corporação era "coisa de homem" - isso é até citado no filme!
O problema dessa abordagem não é ideológica (que fique claro) e sim técnica, pois a sensação de que faltaram alguns peças no quebra-cabeça e que mesmo com um roteiro que segue uma linha temporal tradicional, parece que a trama não decola. É um fato que a história é tão impactante quanto "Os Filhos de Sam" ou "Night Stalker", mas sua estrutura como filme se aproxima muito mais de "Lost Girls" - mesmo um sendo drama e o outro um documentário.
Basicamente o que assistimos são depoimentos, divididos em 3 atos, começando com "a caçada", depois com "julgamento" e por fim um "epílogo" - bem interessante por sinal. São as mães das vitimas, uma jornalista, advogadas de acusação e de defesa e a própria chefe de policia da época contando suas versões sobre o assassino e sobre o caso como um todo, enquanto imagens de arquivo, fotos e laudos ilustram cada passagem da história.
Como comentei acima, vale muito pela história, pela representatividade perante as conquistas e discussões que os crimes geraram na mídia e, claro, pela identificação com o tema para quem gosta de true crime - mas, diferente do que estamos acostumados, "The Women and the Murderer" (título internacional) não vai explodir nossa cabeça e muito menos nos provocar entender a razão de tudo aquilo estar acontecendo ou quem poderia ser o verdadeiro assassino.
Vale como gênero!
"Elas Contra o Serial Killer" é um documentário de "true crime" com um conceito narrativo um pouco diferente do que assistimos ultimamente no gênero, já que a história não pretende te conquistar pelas dificuldades ou pela jornada de investigação até a descoberta do assassino ou o entendimento das suas motivações mais íntimas e, eventualmente, por todo o processo nos tribunais, entre provas e teorias, até o veredito final - obviamente que com aquele plot twistsurpreendente em algum momento da trama que tornaria o filme inesquecível. Não, essa produção francesa da Netflix quer "apenas" contar uma história que marcou uma época - saindo do ponto A, chegando no ponto B, sem surpresas ou enormes indagações.
"Elas Contra o Serial Killer"acompanha, basicamente, a história de várias mulheres envolvidas em uma busca incansável por justiça e para colocar um Serial Killer que assombrou Paris durante anos 1990, na cadeia - a quem diga que esse seria o primeiro caso de Serial Killer da França, inclusive. Entre essas mulheres, conhecemos uma chefe de polícia e a mãe de uma das vítimas do assassino que não descansaram até descobrir quem cometia os crimes e se, de fato, esses crimes tinham alguma conexão entre si.
As diretoras Mona Achache e Patricia Tourancheau claramente se posicionam como porta-vozes do empoderamento feminino no meio de uma narrativa que, sinceramente, já seria impactante por si só sem essa necessidade feminista de se impor perante os fatos. Em nenhum momento temos algum depoimento de homens e isso não faz a menor falta, porém é impensável imaginar que apenas mulheres participaram da caçada. Por outro lado, o título "Elas Contra o Serial Killer" expõe a força de algumas personagens-chave na busca por justiça de uma forma muito natural, afinal as vitimas eram mulheres, foi a mãe de uma delas que iniciou a busca por respostas e a chefe de policia responsável também era uma mulher em uma época onde cartazes indicavam que trabalhar na corporação era "coisa de homem" - isso é até citado no filme!
O problema dessa abordagem não é ideológica (que fique claro) e sim técnica, pois a sensação de que faltaram alguns peças no quebra-cabeça e que mesmo com um roteiro que segue uma linha temporal tradicional, parece que a trama não decola. É um fato que a história é tão impactante quanto "Os Filhos de Sam" ou "Night Stalker", mas sua estrutura como filme se aproxima muito mais de "Lost Girls" - mesmo um sendo drama e o outro um documentário.
Basicamente o que assistimos são depoimentos, divididos em 3 atos, começando com "a caçada", depois com "julgamento" e por fim um "epílogo" - bem interessante por sinal. São as mães das vitimas, uma jornalista, advogadas de acusação e de defesa e a própria chefe de policia da época contando suas versões sobre o assassino e sobre o caso como um todo, enquanto imagens de arquivo, fotos e laudos ilustram cada passagem da história.
Como comentei acima, vale muito pela história, pela representatividade perante as conquistas e discussões que os crimes geraram na mídia e, claro, pela identificação com o tema para quem gosta de true crime - mas, diferente do que estamos acostumados, "The Women and the Murderer" (título internacional) não vai explodir nossa cabeça e muito menos nos provocar entender a razão de tudo aquilo estar acontecendo ou quem poderia ser o verdadeiro assassino.
Vale como gênero!
Quanto menos você souber sobre o caso Elize Matsunaga, mais você vai se surpreender com a minissérie documental da Netflix que decupa, ponto a ponto, o crime que abalou o Brasil em 2012 por sua brutalidade e pela relevância social de sua vitima, o empresário e herdeiro do grupo Yoki, Marcos Matsunaga.
"Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime" revisita o assassinato e o esquartejamento de Marcos Matsunaga, pelos olhos de sua esposa Elize - a autora confessa do crime. Da infância em Chopinzinho, pequena cidade do Paraná, até o conturbado relacionamento com o empresário antes do assassinato, a minissérie de quatro episódios se aprofunda nos detalhes que sucederam o fato, desde as tentativas de acobertamento do crime, passando pela confissão, prisão até o julgamento em 2016. Confira o trailer:
Sem a menor dúvida, o maior mérito da minissérie documental dirigida de forma muito competente pela Eliza Capai, é o de poder contar com a própria assassina dando sua versão da história. Ter Elize Matsunaga dando seu depoimento, no mínimo, nos provoca estranheza e curiosidade. Assassina confessa de seu marido, Eliza parece estar em outra dimensão. Suas palavras soam tão superficiais quanto sua tentativa de explicar algo que não tem explicação - a razão pela qual matou Marcos! Ao relatar os casos de infidelidades do marido, as brigas intensas entre eles (quase sempre baseadas no ciúme de ambos), além de uma convivência marcada por excentricidades que vão de ter uma cobra como animal de estimação ao arsenal bélico que tinham em casa, Elize tenta associar suas decisões infelizes (definição dada por ela) àquela tragédia que ela mesma provocou.
Embora a diretora tente equilibrar os dois lados da história, é inegável que a presença de Elize tenha uma força quase irreparável perante a necessidade (ou tentativa) de se manter neutra. Capai de fato se propõe a conduzir a linha narrativa, brilhantemente construída por uma edição extremamente competente, sem impor uma verdade absoluta, mas ao dar tanto holofote para uma criminosa (psicopata), a nossa experiência levanta inúmeros julgamentos a cada nova descoberta revelada pelo roteiro. Escrito pela Diana Golts (de "The Last Defense"), a minissérie se apropria da complexidade e da passionalidade da história para criar "ganchos" que praticamente nos impedem de parar de assistir os episódios - por isso comentei: quanto menos você souber, melhor.
A produção, claro, não está interessada em inocentar Elize, apenas se propõe a compreender suas motivações de uma forma até elegante - e isso, sinceramente, pode incomodar parte da audiência. Em alguns momentos temos a impressão que falta uma certa vontade em relatar certas nuances da investigação e o interesse em cobrir lacunas abertas durante o julgamento - a possibilidade de existir uma terceira pessoa que possa ter ajudado Elize a cometer o crime é só um dos exemplos dessa superficialidade narrativa. Por outro lado, ter acesso aos bastidores de um crime tão marcante, pela voz de quem cometeu a atrocidade, praticamente nos coloca dentro daquele universo sem o olhar sensacionalista que a imprensa vendeu na época. Desconstruir alguns dos personagens, anos depois do crime, valida "Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime" como um dos melhores documentários de "true crime" produzidos no Brasil até aqui e, mesmo com suas falhas (quase que retóricas), soa ter cumprido o seu papel de se tornar um verdadeiro registro histórico do crime.
Vale seu play!
Quanto menos você souber sobre o caso Elize Matsunaga, mais você vai se surpreender com a minissérie documental da Netflix que decupa, ponto a ponto, o crime que abalou o Brasil em 2012 por sua brutalidade e pela relevância social de sua vitima, o empresário e herdeiro do grupo Yoki, Marcos Matsunaga.
"Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime" revisita o assassinato e o esquartejamento de Marcos Matsunaga, pelos olhos de sua esposa Elize - a autora confessa do crime. Da infância em Chopinzinho, pequena cidade do Paraná, até o conturbado relacionamento com o empresário antes do assassinato, a minissérie de quatro episódios se aprofunda nos detalhes que sucederam o fato, desde as tentativas de acobertamento do crime, passando pela confissão, prisão até o julgamento em 2016. Confira o trailer:
Sem a menor dúvida, o maior mérito da minissérie documental dirigida de forma muito competente pela Eliza Capai, é o de poder contar com a própria assassina dando sua versão da história. Ter Elize Matsunaga dando seu depoimento, no mínimo, nos provoca estranheza e curiosidade. Assassina confessa de seu marido, Eliza parece estar em outra dimensão. Suas palavras soam tão superficiais quanto sua tentativa de explicar algo que não tem explicação - a razão pela qual matou Marcos! Ao relatar os casos de infidelidades do marido, as brigas intensas entre eles (quase sempre baseadas no ciúme de ambos), além de uma convivência marcada por excentricidades que vão de ter uma cobra como animal de estimação ao arsenal bélico que tinham em casa, Elize tenta associar suas decisões infelizes (definição dada por ela) àquela tragédia que ela mesma provocou.
Embora a diretora tente equilibrar os dois lados da história, é inegável que a presença de Elize tenha uma força quase irreparável perante a necessidade (ou tentativa) de se manter neutra. Capai de fato se propõe a conduzir a linha narrativa, brilhantemente construída por uma edição extremamente competente, sem impor uma verdade absoluta, mas ao dar tanto holofote para uma criminosa (psicopata), a nossa experiência levanta inúmeros julgamentos a cada nova descoberta revelada pelo roteiro. Escrito pela Diana Golts (de "The Last Defense"), a minissérie se apropria da complexidade e da passionalidade da história para criar "ganchos" que praticamente nos impedem de parar de assistir os episódios - por isso comentei: quanto menos você souber, melhor.
A produção, claro, não está interessada em inocentar Elize, apenas se propõe a compreender suas motivações de uma forma até elegante - e isso, sinceramente, pode incomodar parte da audiência. Em alguns momentos temos a impressão que falta uma certa vontade em relatar certas nuances da investigação e o interesse em cobrir lacunas abertas durante o julgamento - a possibilidade de existir uma terceira pessoa que possa ter ajudado Elize a cometer o crime é só um dos exemplos dessa superficialidade narrativa. Por outro lado, ter acesso aos bastidores de um crime tão marcante, pela voz de quem cometeu a atrocidade, praticamente nos coloca dentro daquele universo sem o olhar sensacionalista que a imprensa vendeu na época. Desconstruir alguns dos personagens, anos depois do crime, valida "Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime" como um dos melhores documentários de "true crime" produzidos no Brasil até aqui e, mesmo com suas falhas (quase que retóricas), soa ter cumprido o seu papel de se tornar um verdadeiro registro histórico do crime.
Vale seu play!
Ao longo do anos, é inegável como algumas animações se destacaram como verdadeiros marcos culturais e visuais, essencialmente se produzidas pelas Disney/Pixar. Seguindo esse raciocínio, é bem possível afirmar que "Divertidamente" vai aparecer em 9 de 10 listas entre as melhores de todos os tempos. Com a premissa de desvendar o que acontece dentro da cabeça de uma pré-adolescente pelo olhar lúdico da "personificação" das emoções, a animação de 2015 conseguiu a proeza de disputar o Oscar de "Melhor Roteiro Original" no ano seguinte - além, obviamente, de levar o prêmio como "Melhor Animação do Ano" (uma barbada). Pois bem, "Emoji - O Filme", dirigido pelo Tony Leondis (de "Kung Fu Panda"), é um filme que basicamente repete os mesmos elementos narrativos, sem tanta genialidade é verdade (mas com ótimas sacadas), em um universo, digamos, mais tecnológico, onde as emoções, nesse caso, não estão personificadas e sim programadas, ou representadas, na forma de "emojis".
O filme se passa dentro do celular de Alex, um tímido adolescente que está descobrindo o amor. Lá, no coração da cidade de Textópolis, onde os emojis vivem e trabalham para cumprir seu papel de comunicar um sentimento, Gene (T.J. Miller), um emoji com uma nova capacidade de mudar de expressão, luta para encontrar seu lugar no mundo - ou, pelo menos, entre os "favoritos" de Alex. Com a ajuda de Hi-5 (James Corden), um emoji já fora de moda, e Jailbreak (Anna Faris), uma pseudo-hacker brilhante, ele embarca em uma jornada épica para encontrar um jeito que o salvará de ser apagado para sempre depois de colocar Alex em uma situação bastante desconfortável perante seu crush. Confira o trailer:
Eu diria que "Emoji - O Filme" é um bom entretenimento, nem tão profundo, nem tão bobinho, ou seja, ele chega até a surpreender por explorar de maneira inteligente um conceito aparentemente simples e transformá-lo em uma experiência visualmente estimulante e emocionalmente envolvente. A primeira coisa que chama a atenção é a qualidade da animação - muito mérito da Sony Pictures Animation que vem em plena ascendência no desenvolvimento de seus projetos. Cada emoji, muito bem detalhado dentro daquele estilo menos rebuscado dos apps de envio de texto, acabam representando um certo contraste com o universo mais tecnológico dentro do celular de Alex. Como em "Divertidamente", é toda aquele cenário mais lúdico que estabelece a aventura dos personagens, surgindo como um verdadeiro espetáculo de cores, texturas e luzes, que cativam a audiência desde o primeiro momento - especialmente aqueles que reconhecem algumas piadas nerds ao melhor estilo "Silicon Valley" (da HBO).
O roteiro de Tony Leondis, Eric Siegel e Mike White me pareceu muito sagaz, criando uma experiência bastante agradável. O filme não se contenta em ser apenas uma história divertida sobre emojis se aventurando pelo desconhecido, mas também é capaz de mergulhar em temas um pouco mais profundos, como a busca pela identidade e a importância de ser autêntico, mas sem soar verborrágico demais. A jornada de Gene para aceitar sua habilidade de ter múltiplas expressões, encontrar seu lugar no mundo, mesmo sob o olhar preocupado de seus pais mais tradicionais, é realmente uma mensagem poderosa para pessoas de todas as idades e que certamente vai te fazer refletir - mais uma vez, como "Divertidamente", é impossível não criar paralelos mentais sobre nossa própria história. Além disso, claro, o elenco de voz é ótimo: T.J. Miller é uma mistura perfeita de vulnerabilidade e humor, enquanto James Corden e Anna Faris acrescentam camadas fascinantes aos seus personagens - do humor "sem noção" ao "mal humor" mais charmoso.
Mesmo que possa parecer redundante, a química entre o elenco, as animações e o contexto estabelecido pelo roteiro, faz com que as emoções dos emojis sejam de fato palpáveis - e eu diria que a trilha sonora vibrante e o desenho de som bem conectados com nossa realidade, só aumentam a diversão dessa jornada. Resumindo, "Emoji - O Filme" não é genial, mas nos leva para uma viagem interessante, divertida e leve através do mundo dos emojis com muita simpatia. Então se você está em busca de uma opção para toda a família, este é o filme que você estava esperando - não será inesquecível, mas também não vai te decepcionar!
Ao longo do anos, é inegável como algumas animações se destacaram como verdadeiros marcos culturais e visuais, essencialmente se produzidas pelas Disney/Pixar. Seguindo esse raciocínio, é bem possível afirmar que "Divertidamente" vai aparecer em 9 de 10 listas entre as melhores de todos os tempos. Com a premissa de desvendar o que acontece dentro da cabeça de uma pré-adolescente pelo olhar lúdico da "personificação" das emoções, a animação de 2015 conseguiu a proeza de disputar o Oscar de "Melhor Roteiro Original" no ano seguinte - além, obviamente, de levar o prêmio como "Melhor Animação do Ano" (uma barbada). Pois bem, "Emoji - O Filme", dirigido pelo Tony Leondis (de "Kung Fu Panda"), é um filme que basicamente repete os mesmos elementos narrativos, sem tanta genialidade é verdade (mas com ótimas sacadas), em um universo, digamos, mais tecnológico, onde as emoções, nesse caso, não estão personificadas e sim programadas, ou representadas, na forma de "emojis".
O filme se passa dentro do celular de Alex, um tímido adolescente que está descobrindo o amor. Lá, no coração da cidade de Textópolis, onde os emojis vivem e trabalham para cumprir seu papel de comunicar um sentimento, Gene (T.J. Miller), um emoji com uma nova capacidade de mudar de expressão, luta para encontrar seu lugar no mundo - ou, pelo menos, entre os "favoritos" de Alex. Com a ajuda de Hi-5 (James Corden), um emoji já fora de moda, e Jailbreak (Anna Faris), uma pseudo-hacker brilhante, ele embarca em uma jornada épica para encontrar um jeito que o salvará de ser apagado para sempre depois de colocar Alex em uma situação bastante desconfortável perante seu crush. Confira o trailer:
Eu diria que "Emoji - O Filme" é um bom entretenimento, nem tão profundo, nem tão bobinho, ou seja, ele chega até a surpreender por explorar de maneira inteligente um conceito aparentemente simples e transformá-lo em uma experiência visualmente estimulante e emocionalmente envolvente. A primeira coisa que chama a atenção é a qualidade da animação - muito mérito da Sony Pictures Animation que vem em plena ascendência no desenvolvimento de seus projetos. Cada emoji, muito bem detalhado dentro daquele estilo menos rebuscado dos apps de envio de texto, acabam representando um certo contraste com o universo mais tecnológico dentro do celular de Alex. Como em "Divertidamente", é toda aquele cenário mais lúdico que estabelece a aventura dos personagens, surgindo como um verdadeiro espetáculo de cores, texturas e luzes, que cativam a audiência desde o primeiro momento - especialmente aqueles que reconhecem algumas piadas nerds ao melhor estilo "Silicon Valley" (da HBO).
O roteiro de Tony Leondis, Eric Siegel e Mike White me pareceu muito sagaz, criando uma experiência bastante agradável. O filme não se contenta em ser apenas uma história divertida sobre emojis se aventurando pelo desconhecido, mas também é capaz de mergulhar em temas um pouco mais profundos, como a busca pela identidade e a importância de ser autêntico, mas sem soar verborrágico demais. A jornada de Gene para aceitar sua habilidade de ter múltiplas expressões, encontrar seu lugar no mundo, mesmo sob o olhar preocupado de seus pais mais tradicionais, é realmente uma mensagem poderosa para pessoas de todas as idades e que certamente vai te fazer refletir - mais uma vez, como "Divertidamente", é impossível não criar paralelos mentais sobre nossa própria história. Além disso, claro, o elenco de voz é ótimo: T.J. Miller é uma mistura perfeita de vulnerabilidade e humor, enquanto James Corden e Anna Faris acrescentam camadas fascinantes aos seus personagens - do humor "sem noção" ao "mal humor" mais charmoso.
Mesmo que possa parecer redundante, a química entre o elenco, as animações e o contexto estabelecido pelo roteiro, faz com que as emoções dos emojis sejam de fato palpáveis - e eu diria que a trilha sonora vibrante e o desenho de som bem conectados com nossa realidade, só aumentam a diversão dessa jornada. Resumindo, "Emoji - O Filme" não é genial, mas nos leva para uma viagem interessante, divertida e leve através do mundo dos emojis com muita simpatia. Então se você está em busca de uma opção para toda a família, este é o filme que você estava esperando - não será inesquecível, mas também não vai te decepcionar!
"Equinox" é um ótima série, mesmo se apoiando em alguns esteriótipos para se estabelecer no gênero, eu diria que já é possível defini-la como a primeira grande surpresa do ano de 2021 no catálogo da Netflix (mesmo tendo chegado no finalzinho de 2020). Agora não espere uma jornada fácil, essa série dinamarquesa é cheia de simbolismos e informações que não necessariamente se encontram nos seis primeiros episódios - mais ou menos como "Hereditário"ou "Midsommar".
A série acompanha a jornada de Astrid (Danica Curcic), uma jovem que, em 1999, viu sua irmã mais velha e quase todos os colegas de classe desaparecerem de uma forma completamente misteriosa e sem deixar qualquer vestígio, na noite de formatura. Desde então ela ficou traumatizada, crescendo cercada por visões terríveis e pesadelos envolvendo sua irmã e os outros desaparecidos. 21 anos depois, Astrid volta a ser assombrada e depois de receber uma ligação de um dos sobreviventes, ela se propõe a investigar o que realmente aconteceu na época e buscar a verdade sobre o paradeiro de sua irmã Ida (Karoline Hamm). Confira o trailer:
Se você é daqueles que precisam de todas as respostas para chancelar a qualidade de uma série ou de um filme, "Equinox" não é para você - pelo menos não por enquanto. A primeira temporada tem um história bastante consistente, envolvente e bem desenvolvida, mas difícil. As peças vão se encaixando com a mesma velocidade que outras pontas vão se abrindo, porém a sensação que nos dá é que tudo parece fazer parte de um planejamento (o que é um alívio). Mesmo que algumas soluções, ainda assim, possam incomodar pela superficialidade, existe um contraste narrativo muito interessante entre o palpável e o interpretativo, que é capaz de sustentar o mistério até o final. O próprio produtor da série, Piv Bernth (de "The Killing"- o original) definiu: “Equinox é uma história muito única sobre a diferença entre realidade e imaginação, e a relação entre livre arbítrio e destino – tudo isso em uma família dinamarquesa normal”.
"Equinox" foi competente ao misturar (possíveis) elementos sobrenaturais com problemas reais, típicos da adolescência, sem ser piegas, com isso o roteiro estabeleceu um drama sólido de como as pessoas vulneráveis podem ser levadas a acreditar em crenças surreais, seja por fragilidade ou até por distúrbios psicológicos - e aqui vale ressaltar que a primeira temporada foi baseada em um podcast de muito sucesso na Dinamarca chamado "Equinox 1985", mas não se sabe ao certo como seria uma segunda temporada, embora o gancho do final (que ainda pode dividir opiniões) nos provoque a torcer para que ela aconteça.
Tendo em vista todas as observações que pontuamos acima, recomendamos "Equinox" com tranquilidade e mesmo se tratando de lendas e folclores locais, fica a dica: tudo tem uma explicação, mesmo que, nesse caso, ela não venha como estamos acostumados!
"Equinox" é um ótima série, mesmo se apoiando em alguns esteriótipos para se estabelecer no gênero, eu diria que já é possível defini-la como a primeira grande surpresa do ano de 2021 no catálogo da Netflix (mesmo tendo chegado no finalzinho de 2020). Agora não espere uma jornada fácil, essa série dinamarquesa é cheia de simbolismos e informações que não necessariamente se encontram nos seis primeiros episódios - mais ou menos como "Hereditário"ou "Midsommar".
A série acompanha a jornada de Astrid (Danica Curcic), uma jovem que, em 1999, viu sua irmã mais velha e quase todos os colegas de classe desaparecerem de uma forma completamente misteriosa e sem deixar qualquer vestígio, na noite de formatura. Desde então ela ficou traumatizada, crescendo cercada por visões terríveis e pesadelos envolvendo sua irmã e os outros desaparecidos. 21 anos depois, Astrid volta a ser assombrada e depois de receber uma ligação de um dos sobreviventes, ela se propõe a investigar o que realmente aconteceu na época e buscar a verdade sobre o paradeiro de sua irmã Ida (Karoline Hamm). Confira o trailer:
Se você é daqueles que precisam de todas as respostas para chancelar a qualidade de uma série ou de um filme, "Equinox" não é para você - pelo menos não por enquanto. A primeira temporada tem um história bastante consistente, envolvente e bem desenvolvida, mas difícil. As peças vão se encaixando com a mesma velocidade que outras pontas vão se abrindo, porém a sensação que nos dá é que tudo parece fazer parte de um planejamento (o que é um alívio). Mesmo que algumas soluções, ainda assim, possam incomodar pela superficialidade, existe um contraste narrativo muito interessante entre o palpável e o interpretativo, que é capaz de sustentar o mistério até o final. O próprio produtor da série, Piv Bernth (de "The Killing"- o original) definiu: “Equinox é uma história muito única sobre a diferença entre realidade e imaginação, e a relação entre livre arbítrio e destino – tudo isso em uma família dinamarquesa normal”.
"Equinox" foi competente ao misturar (possíveis) elementos sobrenaturais com problemas reais, típicos da adolescência, sem ser piegas, com isso o roteiro estabeleceu um drama sólido de como as pessoas vulneráveis podem ser levadas a acreditar em crenças surreais, seja por fragilidade ou até por distúrbios psicológicos - e aqui vale ressaltar que a primeira temporada foi baseada em um podcast de muito sucesso na Dinamarca chamado "Equinox 1985", mas não se sabe ao certo como seria uma segunda temporada, embora o gancho do final (que ainda pode dividir opiniões) nos provoque a torcer para que ela aconteça.
Tendo em vista todas as observações que pontuamos acima, recomendamos "Equinox" com tranquilidade e mesmo se tratando de lendas e folclores locais, fica a dica: tudo tem uma explicação, mesmo que, nesse caso, ela não venha como estamos acostumados!
"Era uma Segunda Vez" é uma série francesa da Netflix que traz, mais uma vez, um dos assuntos que mais chamam a atenção de quem gosta de uma boa ficção científica: a viagem no tempo! Acontece que "Era uma Segunda Vez", pelo menos nessa primeira temporada, usa o tema apenas como pano de fundo para contar uma conturbada história de amor. Vincent Dauda (Gaspard Ulliel) ainda sofria pelo término do namoro com Louise Arron (Freya Mavor), grande amor de sua vida, quando recebe um estranho pacote juntamente com algumas encomendas que havia feito: nele, um cubo de madeira. Curioso, Vincent entra nesse cubo para analisar o que seria e acaba indo para o passado, 9 meses atrás mais precisamente, quando ainda namorava com Louise. Mesmo sem entender muito bem o que estava acontecendo, Vincent percebe a oportunidade que tem para reconquistar o seu grande amor e evitar assim, os mesmos erros que levaram ao fim do relacionamento. O problema é que, ao priorizar o passado, suas relações com as pessoas que vivem no presente começam a ser afetadas - um dos melhores exemplos, sem dúvida, é a complicada relação que Vincent tem com seu filho Stanley (Sacha Canuyt).
Pessoalmente eu achei a premissa muito interessante, porém me incomodou o fato da série ter uma necessidade absurda de provar, a cada momento, que possuía uma identidade (extremamente autoral) e até uma nova visão sobre o tema - com isso, por muitas vezes, acabou tropeçando na própria pretensão. "Era uma Segunda Vez" não é ruim, mas é lenta! Vai agradar muito mais aos que preferem um drama de relações profundas do que o fã de uma complexa ficção científica. O fato de ter 4 episódios de 50 minutos, em média, nos permite experimentar a série - não esperem uma história tão envolvente como "Dark", mas também não é tão superficial ou cheia de clichês como "Se eu não tivesse te conhecido".
O roteiro de "Era uma Segunda Vez" alterna três linhas temporais: o presente, o passado e as memórias. Sim, pode parecer confuso e muitas vezes é, por isso o diretor Guillaume Nicloux dividiu esses momentos com o auxilio de técnicas de filmagem e finalização. No presente existe um alto contraste e a janela é de 16.9. No passado a janela é 4:3 (por isso das duas colunas pretas nas extremidades da tela) e as imagens parecem mais claras com uma iluminação quase estourada. Já nas memórias vemos o primeiro plano completamente em foco e tudo ao lado e no fundo extremamente desfocado, quase borrado! Esse conceito visual ajuda a localizar onde a história está se passando, pois a montagem muitas vezes não segue a narrativa convencional, linear; ela brinca com elementos como narrações em off ou até cortes rápidos, super clipados e completamente desconexos. A solução de mudar a janela de exibição é interessante, mas tem tantos erros de enquadramentos que me faz acreditar que a solução veio muito mais na sala de montagem do que no planejamento de filmagem. Pelo menos (e isso é um grande elogio) a produção não caiu na tentação de criar algum tipo de efeito especial para mostrar a viagem no tempo! A solução simples, praticamente só no corte, funcionou melhor do que vimos em Dark, por exemplo!
Gaspard Ulliel e Freya Mavor são bons e funcionam juntos, porém não convencem como casal - mais por ela inclusive. Já Sacha Canuyt, dá um show como o filho de Vincent - ele acerta no tom e na forma com muita precisão. Agora, a mãe de Louise, meu Deus, é péssima - extremamente estereotipada! Aliás, o roteiro falha muito nesse quesito - o texto fica duro em muitos atores, pois na ânsia de surpreender ele acaba se apoiando em bengalas que já são muito batidas. O final da temporada, por exemplo, embora funcione como plot twist escancara o problema de falta de identidade e de originalidade.
"Era uma Segunda Vez" deixa mais perguntas do que respostas, se perde no gênero que vai guiar a narrativa, mas mesmo assim não deixa de ser interessante só não sei dizer se as pessoas vão ter paciência para ir até o final. Como drama funciona, mas não encanta. Como ficção, tem boas sacadas, mas também não vão gerar discussões mundo a fora, porém definir a série como ruim, também não seria justo. Agora é esperar uma segunda temporada para sabermos se valeram a pena as quatro horas dessa primeira! Eu me entretive, mas sobreviveria se não tivesse assistido!
"Era uma Segunda Vez" é uma série francesa da Netflix que traz, mais uma vez, um dos assuntos que mais chamam a atenção de quem gosta de uma boa ficção científica: a viagem no tempo! Acontece que "Era uma Segunda Vez", pelo menos nessa primeira temporada, usa o tema apenas como pano de fundo para contar uma conturbada história de amor. Vincent Dauda (Gaspard Ulliel) ainda sofria pelo término do namoro com Louise Arron (Freya Mavor), grande amor de sua vida, quando recebe um estranho pacote juntamente com algumas encomendas que havia feito: nele, um cubo de madeira. Curioso, Vincent entra nesse cubo para analisar o que seria e acaba indo para o passado, 9 meses atrás mais precisamente, quando ainda namorava com Louise. Mesmo sem entender muito bem o que estava acontecendo, Vincent percebe a oportunidade que tem para reconquistar o seu grande amor e evitar assim, os mesmos erros que levaram ao fim do relacionamento. O problema é que, ao priorizar o passado, suas relações com as pessoas que vivem no presente começam a ser afetadas - um dos melhores exemplos, sem dúvida, é a complicada relação que Vincent tem com seu filho Stanley (Sacha Canuyt).
Pessoalmente eu achei a premissa muito interessante, porém me incomodou o fato da série ter uma necessidade absurda de provar, a cada momento, que possuía uma identidade (extremamente autoral) e até uma nova visão sobre o tema - com isso, por muitas vezes, acabou tropeçando na própria pretensão. "Era uma Segunda Vez" não é ruim, mas é lenta! Vai agradar muito mais aos que preferem um drama de relações profundas do que o fã de uma complexa ficção científica. O fato de ter 4 episódios de 50 minutos, em média, nos permite experimentar a série - não esperem uma história tão envolvente como "Dark", mas também não é tão superficial ou cheia de clichês como "Se eu não tivesse te conhecido".
O roteiro de "Era uma Segunda Vez" alterna três linhas temporais: o presente, o passado e as memórias. Sim, pode parecer confuso e muitas vezes é, por isso o diretor Guillaume Nicloux dividiu esses momentos com o auxilio de técnicas de filmagem e finalização. No presente existe um alto contraste e a janela é de 16.9. No passado a janela é 4:3 (por isso das duas colunas pretas nas extremidades da tela) e as imagens parecem mais claras com uma iluminação quase estourada. Já nas memórias vemos o primeiro plano completamente em foco e tudo ao lado e no fundo extremamente desfocado, quase borrado! Esse conceito visual ajuda a localizar onde a história está se passando, pois a montagem muitas vezes não segue a narrativa convencional, linear; ela brinca com elementos como narrações em off ou até cortes rápidos, super clipados e completamente desconexos. A solução de mudar a janela de exibição é interessante, mas tem tantos erros de enquadramentos que me faz acreditar que a solução veio muito mais na sala de montagem do que no planejamento de filmagem. Pelo menos (e isso é um grande elogio) a produção não caiu na tentação de criar algum tipo de efeito especial para mostrar a viagem no tempo! A solução simples, praticamente só no corte, funcionou melhor do que vimos em Dark, por exemplo!
Gaspard Ulliel e Freya Mavor são bons e funcionam juntos, porém não convencem como casal - mais por ela inclusive. Já Sacha Canuyt, dá um show como o filho de Vincent - ele acerta no tom e na forma com muita precisão. Agora, a mãe de Louise, meu Deus, é péssima - extremamente estereotipada! Aliás, o roteiro falha muito nesse quesito - o texto fica duro em muitos atores, pois na ânsia de surpreender ele acaba se apoiando em bengalas que já são muito batidas. O final da temporada, por exemplo, embora funcione como plot twist escancara o problema de falta de identidade e de originalidade.
"Era uma Segunda Vez" deixa mais perguntas do que respostas, se perde no gênero que vai guiar a narrativa, mas mesmo assim não deixa de ser interessante só não sei dizer se as pessoas vão ter paciência para ir até o final. Como drama funciona, mas não encanta. Como ficção, tem boas sacadas, mas também não vão gerar discussões mundo a fora, porém definir a série como ruim, também não seria justo. Agora é esperar uma segunda temporada para sabermos se valeram a pena as quatro horas dessa primeira! Eu me entretive, mas sobreviveria se não tivesse assistido!
"Era uma vez um sonho" é um filme que chegou sem muito barulho na Netflix e que apanhou muito da critica, na minha opinião, injustamente. A estrutura narrativa e o tema que movimenta a história tem como base o peso que o ciclos geracionais trazem para vida de um personagem - tudo muito parecido com o excelente "O Castelo de Vidro", embora sem a mesma profundidade e força dramática.
A filme conta a história real de J.D. Vance (Gabriel Basso) um jovem promissor que tenta vencer sua origem humilde para ingressar na prestigiada Universidade de Yale e se formar em Direito, mas vê seu sonho ameaçado quando recebe uma ligação de sua irmã Lindsay (Haley Bennett) contando que sua mãe, Beverly (Amy Adams), teve uma overdose de heroína. No caminho de volta para sua terra natal, Vance relembra sua vida através de três gerações: a de sua mãe, de sua avó Mamaw (Glenn Close) e sua própria e de sua irmã. Confira o trailer:
Definir o filme como uma peça política por ter tido seu relato disputado por democratas e republicanos, competindo pela narrativa exposta no livro lançado em 2016, é de uma limitação sem tamanho. Entender que essa mesma narrativa se baseia em provar que o chamado “sonho americano” está vivo e que todos podem conquistá-lo se batalharem bastante é tão frágil quanto a tese de que a história mostra exatamente o fundo do poço no qual estava a nação norte-americana que elegeu o (ex)presidente Donald Trump na época. Esquece! O filme pode ter as duas interpretações, porém, ambas, estão na camada mais superficial (e tendenciosa) da história. Tanto a direção de Ron Howard, quanto o roteiro de Vanessa Taylor, mesmo com algumas falhas conceituais, buscam algo muito mais intimista - um olhar para o passado, cheio de cicatrizes profundas, e a possibilidade de quebrar a repetição de padrões familiares que, pouco a pouco, destruiram todos daquela família.
Amy Adams e Glenn Close dão um show de interpretação - que rendeu mais uma indicação ao Oscar de Atriz Coadjuvante para Close e outra ignorada para o trabalho de Adams. Sério, as duas estão impecáveis - e aqui cabe um comentário: "Era uma vez um sonho" recebeu mais uma indicação ao Oscar 2021, o de "Cabelo e Maquiagem", elemento vital para a construção da personagem de Glenn Close. Ao ver os vídeos reais de J.D. Vance no final do filme, percebemos que a vó Mamaw é, de fato, a atriz. Impressionante a semelhança! Ah, antes de seguir, é preciso comentar sobre o trabalho de Owen Asztalos (o J.D. Vance jovem): ele também merece todos os elogios.
É fato que "Era uma vez um sonho" tinha pretensões maiores para a temporada de premiações e não só as dezenas de indicações que Glenn Close recebeu, mas olhando em perspectiva, nesse mundo polarizado que estamos vivendo, é até natural o distanciamento do público americano (e da Academia) por uma história biográfica tão complexa ideologicamente e que merecia ser contada, da forma que foi. Eu diria que vale muito a pena, desde que você se permita (e para nós isso será mais fácil) enxergar além dos esteriótipos regionais e assim encarar o que realmente importa: o significado de deixar nossos fantasmas para trás quando é necessário seguir nosso caminho olhando para frente!
"Era uma vez um sonho" é um filme que chegou sem muito barulho na Netflix e que apanhou muito da critica, na minha opinião, injustamente. A estrutura narrativa e o tema que movimenta a história tem como base o peso que o ciclos geracionais trazem para vida de um personagem - tudo muito parecido com o excelente "O Castelo de Vidro", embora sem a mesma profundidade e força dramática.
A filme conta a história real de J.D. Vance (Gabriel Basso) um jovem promissor que tenta vencer sua origem humilde para ingressar na prestigiada Universidade de Yale e se formar em Direito, mas vê seu sonho ameaçado quando recebe uma ligação de sua irmã Lindsay (Haley Bennett) contando que sua mãe, Beverly (Amy Adams), teve uma overdose de heroína. No caminho de volta para sua terra natal, Vance relembra sua vida através de três gerações: a de sua mãe, de sua avó Mamaw (Glenn Close) e sua própria e de sua irmã. Confira o trailer:
Definir o filme como uma peça política por ter tido seu relato disputado por democratas e republicanos, competindo pela narrativa exposta no livro lançado em 2016, é de uma limitação sem tamanho. Entender que essa mesma narrativa se baseia em provar que o chamado “sonho americano” está vivo e que todos podem conquistá-lo se batalharem bastante é tão frágil quanto a tese de que a história mostra exatamente o fundo do poço no qual estava a nação norte-americana que elegeu o (ex)presidente Donald Trump na época. Esquece! O filme pode ter as duas interpretações, porém, ambas, estão na camada mais superficial (e tendenciosa) da história. Tanto a direção de Ron Howard, quanto o roteiro de Vanessa Taylor, mesmo com algumas falhas conceituais, buscam algo muito mais intimista - um olhar para o passado, cheio de cicatrizes profundas, e a possibilidade de quebrar a repetição de padrões familiares que, pouco a pouco, destruiram todos daquela família.
Amy Adams e Glenn Close dão um show de interpretação - que rendeu mais uma indicação ao Oscar de Atriz Coadjuvante para Close e outra ignorada para o trabalho de Adams. Sério, as duas estão impecáveis - e aqui cabe um comentário: "Era uma vez um sonho" recebeu mais uma indicação ao Oscar 2021, o de "Cabelo e Maquiagem", elemento vital para a construção da personagem de Glenn Close. Ao ver os vídeos reais de J.D. Vance no final do filme, percebemos que a vó Mamaw é, de fato, a atriz. Impressionante a semelhança! Ah, antes de seguir, é preciso comentar sobre o trabalho de Owen Asztalos (o J.D. Vance jovem): ele também merece todos os elogios.
É fato que "Era uma vez um sonho" tinha pretensões maiores para a temporada de premiações e não só as dezenas de indicações que Glenn Close recebeu, mas olhando em perspectiva, nesse mundo polarizado que estamos vivendo, é até natural o distanciamento do público americano (e da Academia) por uma história biográfica tão complexa ideologicamente e que merecia ser contada, da forma que foi. Eu diria que vale muito a pena, desde que você se permita (e para nós isso será mais fácil) enxergar além dos esteriótipos regionais e assim encarar o que realmente importa: o significado de deixar nossos fantasmas para trás quando é necessário seguir nosso caminho olhando para frente!
Muito do que você viu satirizado em "El Presidente"e em "Jogo da Corrupção", você vai encontrar documentado na minissérie de 4 episódios da Netflix, "Esquemas da FIFA". Se nos dois primeiros episódios o foco é a transformação de entidade depois da chegada do brasileiro João Havelange ao poder, o que se segue é uma série de fatos que notadamente coloca o esporte e o respeito pela paixão do torcedor em descaso - das escolhas das sedes para as Copas do Mundo (principalmente da Rússia em 2018 e Catar em 2022) às absurdas negociações para conquista de votos na busca pela reeleição (leia-se "pelo poder"), o documentário, infelizmente, vai te provocar uma análise completamente diferente sobre o futebol, pelo viés político e econômico em sua pior versão.
"FIFA Uncovered" (no original) revela a história conturbada da organização ao explorar as investigações dos casos de corrupção que foram descobertos a partir de 2015. A minissérie documental também acompanha os critérios para a escolha das sedes da Copa do Mundo e os bastidores da construção de uma poderosa ferramenta de marketing e influente entidade politica. Confira o trailer (em inglês):
Além de um assunto muito interessante (embora indigesto) para quem gosta e acompanha o futebol além do esporte, o que mais chama a atenção em "Esquemas da FIFA" são os personagens entrevistados pela produção da minissérie. A partir de uma escolha narrativa que equilibra perfeitamente o valor histórico da FIFA e a transformação da entidade máxima do futebol em um verdadeiro (e poderoso) império, com fortes elementos do jornalismo investigativo, o diretor trouxe para os holofotes uma visão imparcial (mas dura) sobre pontos muito sensíveis do desenvolvimento recente do esporte (como negócio) pela voz de muitos de seus protagonistas, entre eles Jérôme Valcke, Ricardo Teixeira e o próprio Joseph Blatter.
Ao nos apresentar uma linha do tempo bastante fluída, fica fácil entender como a disputa pelo poder, a ambição e, principalmente, a corrupção foram se inserindo dentro da organização. Embora o documentário não afirme com todas as letras, o capítulo sobre a escolha do Catar como sede de uma Copa do Mundo, vencendo o favorito EUA de Bill Clinton, parece vital para o que veio a se tornar público na operação do FBI que ficou conhecida como "FIFAGate". O incrível, inclusive, é que até a Phaedra Almajid, responsável pela comunicação da candidatura do Catar, aparece durante o documentário repetindo as mesmas acusações gravíssimas de suborno contra dirigentes africanos que votaram a favor do seu país, enquanto o próprio Hassan Al Thawadi, que liderou a candidatura, tenta (muitas vezes sem muito sucesso) dar a sua versão sobre as polêmicas que envolveram (e envolvem) o evento.
"Esquemas da FIFA", de fato, é um recorte histórico dos mais envolventes, até para quem não gosta do esporte. Agora, é inegável que para quem conhece muitos dos personagens que transitam pelos bastidores da FIFA, essa minissérie além de muito reveladora, é simplesmente imperdível!
Vale muito o seu play!
Muito do que você viu satirizado em "El Presidente"e em "Jogo da Corrupção", você vai encontrar documentado na minissérie de 4 episódios da Netflix, "Esquemas da FIFA". Se nos dois primeiros episódios o foco é a transformação de entidade depois da chegada do brasileiro João Havelange ao poder, o que se segue é uma série de fatos que notadamente coloca o esporte e o respeito pela paixão do torcedor em descaso - das escolhas das sedes para as Copas do Mundo (principalmente da Rússia em 2018 e Catar em 2022) às absurdas negociações para conquista de votos na busca pela reeleição (leia-se "pelo poder"), o documentário, infelizmente, vai te provocar uma análise completamente diferente sobre o futebol, pelo viés político e econômico em sua pior versão.
"FIFA Uncovered" (no original) revela a história conturbada da organização ao explorar as investigações dos casos de corrupção que foram descobertos a partir de 2015. A minissérie documental também acompanha os critérios para a escolha das sedes da Copa do Mundo e os bastidores da construção de uma poderosa ferramenta de marketing e influente entidade politica. Confira o trailer (em inglês):
Além de um assunto muito interessante (embora indigesto) para quem gosta e acompanha o futebol além do esporte, o que mais chama a atenção em "Esquemas da FIFA" são os personagens entrevistados pela produção da minissérie. A partir de uma escolha narrativa que equilibra perfeitamente o valor histórico da FIFA e a transformação da entidade máxima do futebol em um verdadeiro (e poderoso) império, com fortes elementos do jornalismo investigativo, o diretor trouxe para os holofotes uma visão imparcial (mas dura) sobre pontos muito sensíveis do desenvolvimento recente do esporte (como negócio) pela voz de muitos de seus protagonistas, entre eles Jérôme Valcke, Ricardo Teixeira e o próprio Joseph Blatter.
Ao nos apresentar uma linha do tempo bastante fluída, fica fácil entender como a disputa pelo poder, a ambição e, principalmente, a corrupção foram se inserindo dentro da organização. Embora o documentário não afirme com todas as letras, o capítulo sobre a escolha do Catar como sede de uma Copa do Mundo, vencendo o favorito EUA de Bill Clinton, parece vital para o que veio a se tornar público na operação do FBI que ficou conhecida como "FIFAGate". O incrível, inclusive, é que até a Phaedra Almajid, responsável pela comunicação da candidatura do Catar, aparece durante o documentário repetindo as mesmas acusações gravíssimas de suborno contra dirigentes africanos que votaram a favor do seu país, enquanto o próprio Hassan Al Thawadi, que liderou a candidatura, tenta (muitas vezes sem muito sucesso) dar a sua versão sobre as polêmicas que envolveram (e envolvem) o evento.
"Esquemas da FIFA", de fato, é um recorte histórico dos mais envolventes, até para quem não gosta do esporte. Agora, é inegável que para quem conhece muitos dos personagens que transitam pelos bastidores da FIFA, essa minissérie além de muito reveladora, é simplesmente imperdível!
Vale muito o seu play!
Uma pancada! "Está tudo certo", filme alemão distribuído pela Netflix, merece sua atenção por tratar de um assunto extremamente delicado sem fazer qualquer pré-julgamento, deixando para quem assiste a total liberdade para refletir e interpretar cada uma das atitudes dos personagens (muito bem construídos, por sinal) em várias situações que nos tiram a direção. "Está tudo certo" fala sobre estupro e suas consequências!
"Alles Ist Gut", título original, conta a história de Janne, uma editora de livros que vive uma conturbada relação com o explosivo Piet. Ao ir a uma festa sem a companhia do namorado, Janne acaba aproveitando para se divertir e beber até altas horas com Martin, cunhado do seu chefe. Ao convidá-lo para dormir em sua casa, Martin acaba fazendo uma interpretação errada das intenções de Janne. Ele continua fazendo suas investidas mesmo com as constantes negativas de Janne, até que acaba forçando uma relação sexual. A partir daí, o que vemos é uma mulher tentando entender o que aconteceu realmente e fazendo de tudo para superar aquele trauma sem grandes dramas (ou marcas). Confira o trailer (em alemão):
O trabalho da atriz que interpreta Janne é sensacional. Aenne Schwarz traz para a personagem uma neutralidade assustadora. A dubiedade perante o acontecido e sua percepção sobre suas relações ganham muita força a partir de seu silêncio, do sorriso forçado, da necessidade de parecer mais forte que sua vulnerabilidade física. A direção da estreante Eva Trobisch é muito provocativa nesse sentido, pois ela faz questão de não entregar o que a audiência gostaria de ver acontecer - ela não cai na tentação de julgar e de promover um confronto, muito pelo contrário, ela só vai nos colocando indagações em cima de indagações que chegam a incomodar pela discussão sobre a (i)moralidade. Com muitos planos fechados, temos a impressão de estar dentro da cabeça da protagonista em vários momentos e de carregar toda a sua dor e insegurança. A câmera solta, os cortes bruscos e o desenho de som muito bem alinhados com a montagem só ajudam a fortalecer essa sensação de descontinuidade e desconforto. É lindo de ver!
Mas é bom deixar bem claro: "Está tudo certo" é um filme autoral, lento e silencioso - é um filme realmente difícil! Não é para qualquer um e muito menos para se entreter numa sexta-feira à noite. "Está tudo certo" é um filme de reflexão e de discussão pós-créditos - difícil de digerir, mas essencial! Vale dizer que o filme foi indicado ao Leopardo de Ouro de Locarno em 2018, e Eva Trobisch ganhou como "O Melhor Primeiro Filme" no festival - um dos mais importantes e prestigiados do mundo.
Com todas essas ressalvas, tem a minha indicação!
Uma pancada! "Está tudo certo", filme alemão distribuído pela Netflix, merece sua atenção por tratar de um assunto extremamente delicado sem fazer qualquer pré-julgamento, deixando para quem assiste a total liberdade para refletir e interpretar cada uma das atitudes dos personagens (muito bem construídos, por sinal) em várias situações que nos tiram a direção. "Está tudo certo" fala sobre estupro e suas consequências!
"Alles Ist Gut", título original, conta a história de Janne, uma editora de livros que vive uma conturbada relação com o explosivo Piet. Ao ir a uma festa sem a companhia do namorado, Janne acaba aproveitando para se divertir e beber até altas horas com Martin, cunhado do seu chefe. Ao convidá-lo para dormir em sua casa, Martin acaba fazendo uma interpretação errada das intenções de Janne. Ele continua fazendo suas investidas mesmo com as constantes negativas de Janne, até que acaba forçando uma relação sexual. A partir daí, o que vemos é uma mulher tentando entender o que aconteceu realmente e fazendo de tudo para superar aquele trauma sem grandes dramas (ou marcas). Confira o trailer (em alemão):
O trabalho da atriz que interpreta Janne é sensacional. Aenne Schwarz traz para a personagem uma neutralidade assustadora. A dubiedade perante o acontecido e sua percepção sobre suas relações ganham muita força a partir de seu silêncio, do sorriso forçado, da necessidade de parecer mais forte que sua vulnerabilidade física. A direção da estreante Eva Trobisch é muito provocativa nesse sentido, pois ela faz questão de não entregar o que a audiência gostaria de ver acontecer - ela não cai na tentação de julgar e de promover um confronto, muito pelo contrário, ela só vai nos colocando indagações em cima de indagações que chegam a incomodar pela discussão sobre a (i)moralidade. Com muitos planos fechados, temos a impressão de estar dentro da cabeça da protagonista em vários momentos e de carregar toda a sua dor e insegurança. A câmera solta, os cortes bruscos e o desenho de som muito bem alinhados com a montagem só ajudam a fortalecer essa sensação de descontinuidade e desconforto. É lindo de ver!
Mas é bom deixar bem claro: "Está tudo certo" é um filme autoral, lento e silencioso - é um filme realmente difícil! Não é para qualquer um e muito menos para se entreter numa sexta-feira à noite. "Está tudo certo" é um filme de reflexão e de discussão pós-créditos - difícil de digerir, mas essencial! Vale dizer que o filme foi indicado ao Leopardo de Ouro de Locarno em 2018, e Eva Trobisch ganhou como "O Melhor Primeiro Filme" no festival - um dos mais importantes e prestigiados do mundo.
Com todas essas ressalvas, tem a minha indicação!
"Estou pensando em acabar com tudo" é um filmaço, daqueles que dão nó na nossa cabeça, com a mesma força que nos provocam a refletir em cada cena, em cada diálogo e, principalmente, em cada construção alegórica que nos faz viajar aos momentos mais íntimos que guardamos nos cantos mais profundos da nossa alma! Sim, pode parecer poético demais, mas, de fato, esse filme é semiótica pura - e aqui cabe uma observação: "Estou pensando em acabar com tudo" é o novo filme do Charlie Kaufman, o cara por trás de roteiros pouco convencionais como "Quero Ser John Malkovich" de 1999, "Adaptação" de 2002 e do inesquecível "Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças" de 2004, ou seja, se você não se apaixonou por nenhum deles, nem dê o play, pois certamente você vai querer me matar depois de duas horas de filme!
O filme adapta o romance de estreia do canadense Iain Reid, e conta a história de uma jovem (cujo personagem nem nome tem, ou melhor, cada hora a chamam por um nome, reparem; e é incrivelmente bem interpretado pela Jessie Buckley) que depois de seis ou sete semanas de relação com Jake (Jesse Plemons) já cogita seriamente terminar o namoro, mas ainda assim aceita viajar no meio de uma tempestade de neve para conhecer a fazenda dos sogros. O curioso é que a todo momento, a jovem frisa que precisa retornar no dia seguinte e isso diz muito sobre o filme como vamos explicar adiante, mas antes confira essa maravilha de trailer:
Já é possível imaginar que "Estou pensando em acabar com tudo" vai dividir opiniões, mais ou menos como aconteceu com "Mother!" do Aronofsky, e que se não for devidamente avisado, a reclamação sobre a perda de tempo será enorme; porém, o que posso adiantar, sem prejudicar a ótima experiência que é assistir o filme, é que essa não linearidade do tempo que vimos no trailer e como Lucy (vamos assumir esse nome para a protagonista) se comporta ao se sentir presa nele, vai ditar o entendimento de um complexo e cuidadoso roteiro! As idiossincrasias da personagem ao se relacionar com o tempo e como ela percebe sua passagem, com as decisões ruins que tomou ou com relacionamentos nocivos que teve na vida, são sensacionais! Olha, a partir do segundo ato, se você estiver imerso na história, tenho certeza que, muitas vezes, você vai se pegar pensando em algumas passagens marcantes da sua vida e se isso acontecer, o filme cumpriu o seu papel! Pode dar o "play" sem medo de errar!
O primeiro elemento que salta aos olhos de quem assiste "Estou pensando em acabar com tudo", sem dúvida, é a direção de arte (e já chega forte para lutar por uma indicação no Oscar 2021) - é um lindo trabalho, tanto da Molly Hughes (no desenho de produção) quando do Gonzalo Cordoba (na arte em si). O interessante, e aqui vale sua atenção, é como o cenário tem papel fundamental na construção do conceito visual imposto pelo Charlie Kaufman. Kaufman é um excelente roteirista, mas trás referências de outros diretores como Michel Gondry e Spike Jonze, para fortalecer sua identidade - os movimentos são, em grande parte, comedidos, tanto horizontalmente, quanto verticalmente, e isso impacta na fotografia do diretor Lukasz Zal (do lindo "Ida"), principalmente na escolha de trabalhar em 4:3 (aquele aspecto quadrado das TVs antigas) onde, mesmo com duas colunas laterais espremendo a cena, vemos muitos planos abertos, com grande angulares que transformam a sensação de vazio e trazem incômodo para o ambiente - nos detalhes da decoração às cores que compõem o cenário.
Quando temos um roteiro tão cheio de camadas, baseado em tantas alegorias, todos os detalhes das cenas ajudam a nos contar a história, então reparem no desenho de som e como os ruídos nos incomodam tanto, mesmo que inconscientemente: o som do limpador de parabrisa ou o cachorro que se balança como se estivesse eternamente molhado (o trailer já usa desse artificio), são bons exemplos. Como várias coisas estranhas acontecem a todo momento, o filme acaba brincando com nossa imaginação e criatividade, por isso vou citar algumas para que você preste mais atenção durante o filme e assim melhore sua percepção sobre o universo que Kaufman criou: quando Lucy e Jake decidem parar em uma sorveteria, ela conversa com uma "versão" mais nova de si mesma, mesmo sendo interpretada por outra atriz - essa ficha, quando cai, nos ajuda a entender muito do que já aconteceu e do que vai acontecer dali em diante. Outro detalhe: a foto e as pinturas que Lucy encontra na casa dos pais de Jake e a cena em que mostra, repetidas vezes, ela descendo a escada, são fundamentais para entendermos algumas teorias que criamos durante o filme! Fica a dica!
"Estou pensando em acabar com tudo" fala sobre o passado, o presente e o futuro, com detalhes muito preciosos. Como algumas decisões impactam na nossa vida e nos transformam em pessoas irreconhecíveis. Como algumas decisões (brilhantemente resumidas em um dos últimos pensamentos de Lucy e que se justificam na última cena, inclusive) funcionam como uma bola de neve, que vai nos cobrindo e nos sufocando e quando nos damos conta, pronto, a vida já passou! Lindo, poético, profundo e difícil, mas que merece ser assistido e interpretado com muita sensibilidade e paciência!
Vale muito o play!
"Estou pensando em acabar com tudo" é um filmaço, daqueles que dão nó na nossa cabeça, com a mesma força que nos provocam a refletir em cada cena, em cada diálogo e, principalmente, em cada construção alegórica que nos faz viajar aos momentos mais íntimos que guardamos nos cantos mais profundos da nossa alma! Sim, pode parecer poético demais, mas, de fato, esse filme é semiótica pura - e aqui cabe uma observação: "Estou pensando em acabar com tudo" é o novo filme do Charlie Kaufman, o cara por trás de roteiros pouco convencionais como "Quero Ser John Malkovich" de 1999, "Adaptação" de 2002 e do inesquecível "Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças" de 2004, ou seja, se você não se apaixonou por nenhum deles, nem dê o play, pois certamente você vai querer me matar depois de duas horas de filme!
O filme adapta o romance de estreia do canadense Iain Reid, e conta a história de uma jovem (cujo personagem nem nome tem, ou melhor, cada hora a chamam por um nome, reparem; e é incrivelmente bem interpretado pela Jessie Buckley) que depois de seis ou sete semanas de relação com Jake (Jesse Plemons) já cogita seriamente terminar o namoro, mas ainda assim aceita viajar no meio de uma tempestade de neve para conhecer a fazenda dos sogros. O curioso é que a todo momento, a jovem frisa que precisa retornar no dia seguinte e isso diz muito sobre o filme como vamos explicar adiante, mas antes confira essa maravilha de trailer:
Já é possível imaginar que "Estou pensando em acabar com tudo" vai dividir opiniões, mais ou menos como aconteceu com "Mother!" do Aronofsky, e que se não for devidamente avisado, a reclamação sobre a perda de tempo será enorme; porém, o que posso adiantar, sem prejudicar a ótima experiência que é assistir o filme, é que essa não linearidade do tempo que vimos no trailer e como Lucy (vamos assumir esse nome para a protagonista) se comporta ao se sentir presa nele, vai ditar o entendimento de um complexo e cuidadoso roteiro! As idiossincrasias da personagem ao se relacionar com o tempo e como ela percebe sua passagem, com as decisões ruins que tomou ou com relacionamentos nocivos que teve na vida, são sensacionais! Olha, a partir do segundo ato, se você estiver imerso na história, tenho certeza que, muitas vezes, você vai se pegar pensando em algumas passagens marcantes da sua vida e se isso acontecer, o filme cumpriu o seu papel! Pode dar o "play" sem medo de errar!
O primeiro elemento que salta aos olhos de quem assiste "Estou pensando em acabar com tudo", sem dúvida, é a direção de arte (e já chega forte para lutar por uma indicação no Oscar 2021) - é um lindo trabalho, tanto da Molly Hughes (no desenho de produção) quando do Gonzalo Cordoba (na arte em si). O interessante, e aqui vale sua atenção, é como o cenário tem papel fundamental na construção do conceito visual imposto pelo Charlie Kaufman. Kaufman é um excelente roteirista, mas trás referências de outros diretores como Michel Gondry e Spike Jonze, para fortalecer sua identidade - os movimentos são, em grande parte, comedidos, tanto horizontalmente, quanto verticalmente, e isso impacta na fotografia do diretor Lukasz Zal (do lindo "Ida"), principalmente na escolha de trabalhar em 4:3 (aquele aspecto quadrado das TVs antigas) onde, mesmo com duas colunas laterais espremendo a cena, vemos muitos planos abertos, com grande angulares que transformam a sensação de vazio e trazem incômodo para o ambiente - nos detalhes da decoração às cores que compõem o cenário.
Quando temos um roteiro tão cheio de camadas, baseado em tantas alegorias, todos os detalhes das cenas ajudam a nos contar a história, então reparem no desenho de som e como os ruídos nos incomodam tanto, mesmo que inconscientemente: o som do limpador de parabrisa ou o cachorro que se balança como se estivesse eternamente molhado (o trailer já usa desse artificio), são bons exemplos. Como várias coisas estranhas acontecem a todo momento, o filme acaba brincando com nossa imaginação e criatividade, por isso vou citar algumas para que você preste mais atenção durante o filme e assim melhore sua percepção sobre o universo que Kaufman criou: quando Lucy e Jake decidem parar em uma sorveteria, ela conversa com uma "versão" mais nova de si mesma, mesmo sendo interpretada por outra atriz - essa ficha, quando cai, nos ajuda a entender muito do que já aconteceu e do que vai acontecer dali em diante. Outro detalhe: a foto e as pinturas que Lucy encontra na casa dos pais de Jake e a cena em que mostra, repetidas vezes, ela descendo a escada, são fundamentais para entendermos algumas teorias que criamos durante o filme! Fica a dica!
"Estou pensando em acabar com tudo" fala sobre o passado, o presente e o futuro, com detalhes muito preciosos. Como algumas decisões impactam na nossa vida e nos transformam em pessoas irreconhecíveis. Como algumas decisões (brilhantemente resumidas em um dos últimos pensamentos de Lucy e que se justificam na última cena, inclusive) funcionam como uma bola de neve, que vai nos cobrindo e nos sufocando e quando nos damos conta, pronto, a vida já passou! Lindo, poético, profundo e difícil, mas que merece ser assistido e interpretado com muita sensibilidade e paciência!
Vale muito o play!
Uma das coisas mais bacanas que o Vince Gilligan nos ensinou a partir de "Breaking Bad" e "Better Call Saul" é que sempre vão existir bandidos mais bandidos que os bandidos! Embora possa parecer redundante essa afirmação, é esse elemento narrativo (quase tragicômico) que subverte a relação "mocinho e bandido" e nos faz torcer deliberadamente para um personagem com um caráter (e meios), digamos, duvidosos - mesmo que haja uma forte justificativa para algumas de suas atitudes mais extremas e que nos fazem considerar que o errado nem sempre é tão errado se observarmos por um outro ponto de vista! Dito isso, posso afirmar tranquilamente que "Eu me importo" não tem a genialidade (muito menos a profundidade) dos projetos de Gilligan, mas não vai te decepcionar se você gosta do estilo: o filme é muito divertido, bem desenvolvido e com um potencial enorme de virar série - entretenimento puro!
Na história, Marla Grayson (Rosamund Pike) é uma advogada que criou um esquema interessante e completamente antiético: ela escolhe pessoas idosas, arranja um laudo afirmando que tal pessoa é incapaz de cuidar de si ou que está sofrendo de alguma enfermidade grave e então se torna sua guardiã. O golpe ainda contempla a internação do idoso em alguma instituição, privando-o de qualquer tipo de comunicação ou contato com o mundo externo, enquanto negocia todos os bens da curatela para pagar seus honorários. Acontece que uma das suas vitimas, Jennifer Peterson (Dianne Wiest), também está envolvida com o crime organizado e a partir daí a vida de Marla acaba se complicando muito e todo o seu esquema passa a ser apenas um detalhe quando é a sua vida que corre o maior perigo! Confira o trailer:
"I Care a Lot" (título original) já chega com o status da indicação de Rosamund Pike para Melhor Atriz de Comédia no Globo de Ouro 2021 - e aqui já cabe a primeira observação: o filme não é uma comédia, no máximo pode ser classificado como uma Dramédia! De fato alguns elementos são trabalhados sem o peso do realismo, o que nos remete para uma situação quase non-sense, mas crível - o próprio tom estereotipado de Peter Dinklage (o Roman) colabora com isso, mas não ofende nossa inteligência. Digamos que "Ozark"está para as "As Golpistas" da mesma forma que "Breaking Bad" ou "Good Girls" está para "Eu me importo".
O trabalho do jovem diretor J Blakeson (A 5ª Onda) é muito consistente, mesmo sem maiores inovações conceituais, porém seu trabalho com os atores, elevando o tom da interpretação para suavizar o tema discutido e não criar uma espécie de repulsa, é perfeito. A dinâmica narrativa do seu roteiro (sim, ele também escreveu o filme) entrega um bom ritmo e nos dá a sensação de que sempre tem alguma coisa interessante e importante acontecendo. Já o diretor de fotografia Doug Emmett sabe exatamente o que está fazendo, até pela sua experiencia em Togetherness da HBO - ele filma tudo como se fosse um comercial de margarina, bem iluminado, aproveitando as texturas do cenário e do figurino, com cores fortes; o que acaba ressaltando a podridão do ser humano em um mundo aparentemente perfeito (e justo).
"Eu me importo" é quase uma Sessão da Tarde, mas no que ela tem de melhor: entretenimento, ação e até algumas surpresas. O ótimo trabalho de Pike ajuda muito na união de todos esses fatores e justamente por isso, nossa recomendação será infalível se você estiver disposto a se divertir sem ter que pensar muito!
Uma das coisas mais bacanas que o Vince Gilligan nos ensinou a partir de "Breaking Bad" e "Better Call Saul" é que sempre vão existir bandidos mais bandidos que os bandidos! Embora possa parecer redundante essa afirmação, é esse elemento narrativo (quase tragicômico) que subverte a relação "mocinho e bandido" e nos faz torcer deliberadamente para um personagem com um caráter (e meios), digamos, duvidosos - mesmo que haja uma forte justificativa para algumas de suas atitudes mais extremas e que nos fazem considerar que o errado nem sempre é tão errado se observarmos por um outro ponto de vista! Dito isso, posso afirmar tranquilamente que "Eu me importo" não tem a genialidade (muito menos a profundidade) dos projetos de Gilligan, mas não vai te decepcionar se você gosta do estilo: o filme é muito divertido, bem desenvolvido e com um potencial enorme de virar série - entretenimento puro!
Na história, Marla Grayson (Rosamund Pike) é uma advogada que criou um esquema interessante e completamente antiético: ela escolhe pessoas idosas, arranja um laudo afirmando que tal pessoa é incapaz de cuidar de si ou que está sofrendo de alguma enfermidade grave e então se torna sua guardiã. O golpe ainda contempla a internação do idoso em alguma instituição, privando-o de qualquer tipo de comunicação ou contato com o mundo externo, enquanto negocia todos os bens da curatela para pagar seus honorários. Acontece que uma das suas vitimas, Jennifer Peterson (Dianne Wiest), também está envolvida com o crime organizado e a partir daí a vida de Marla acaba se complicando muito e todo o seu esquema passa a ser apenas um detalhe quando é a sua vida que corre o maior perigo! Confira o trailer:
"I Care a Lot" (título original) já chega com o status da indicação de Rosamund Pike para Melhor Atriz de Comédia no Globo de Ouro 2021 - e aqui já cabe a primeira observação: o filme não é uma comédia, no máximo pode ser classificado como uma Dramédia! De fato alguns elementos são trabalhados sem o peso do realismo, o que nos remete para uma situação quase non-sense, mas crível - o próprio tom estereotipado de Peter Dinklage (o Roman) colabora com isso, mas não ofende nossa inteligência. Digamos que "Ozark"está para as "As Golpistas" da mesma forma que "Breaking Bad" ou "Good Girls" está para "Eu me importo".
O trabalho do jovem diretor J Blakeson (A 5ª Onda) é muito consistente, mesmo sem maiores inovações conceituais, porém seu trabalho com os atores, elevando o tom da interpretação para suavizar o tema discutido e não criar uma espécie de repulsa, é perfeito. A dinâmica narrativa do seu roteiro (sim, ele também escreveu o filme) entrega um bom ritmo e nos dá a sensação de que sempre tem alguma coisa interessante e importante acontecendo. Já o diretor de fotografia Doug Emmett sabe exatamente o que está fazendo, até pela sua experiencia em Togetherness da HBO - ele filma tudo como se fosse um comercial de margarina, bem iluminado, aproveitando as texturas do cenário e do figurino, com cores fortes; o que acaba ressaltando a podridão do ser humano em um mundo aparentemente perfeito (e justo).
"Eu me importo" é quase uma Sessão da Tarde, mas no que ela tem de melhor: entretenimento, ação e até algumas surpresas. O ótimo trabalho de Pike ajuda muito na união de todos esses fatores e justamente por isso, nossa recomendação será infalível se você estiver disposto a se divertir sem ter que pensar muito!
"Eu, Tonya" acompanha a vida da ex-patinadora no gelo Tonya Harding e mesmo construindo uma linha temporal com um recorte especifico, seu resultado como obra cinematográfica chama atenção pela qualidade do roteiro e pela performance do elenco - algo que dificilmente se conecta quando o assunto é cinebiografia.
Durante a década de 1990, ela conseguiu superar sua infância pobre e surgir como uma verdadeira campeã no campeonato nacional americano e ainda conquistar a medalha de prata no Campeonato Mundial de 1991. Porém, ela ficou realmente conhecida quando seu marido, Jeff Gilloly, e dois "supostos" ladrões tentaram incapacitar uma de suas principais adversárias, Nancy Kerrigan (Caitlin Carver) quebrando a perna dela durante a preparação para as Olimpíadas de Inverno na Noruega em 1994. Confira o trailer:
Gostei muito do filme, muito mesmo! Talvez por eu me lembrar perfeitamente do que aconteceu na época e como aquilo tomou conta da mídia (ao melhor estilo O.J. Simpson). O diretor Craig Gillespie foi capaz de fazer um filme com muita inteligência - usou de vários artifícios narrativos para costurar a história desde a época em que Tonya ainda era uma criança até a sua apresentação nas Olimpíadas de Inverno aos 23 anos de idade. Ele brincou com as mídias da época, usou vários recursos estéticos e narrativos com total equilíbrio e propriedade. O filme tem alguns planos sequências belíssimos. Ele fez uma espécie de "Cisne Negro" no gelo - aplicou o conceito que o Aronofsky usou na dança para dar a leveza e o movimento das apresentações no gelo e ficou lindo!
Margot Robbie mais uma vez provou ser uma ótima atriz e não fosse pelo show da Frances McDormand, seria minha favorita para o Oscar 2018! Ela é linda e estava completamente desconstruída para o papel - demais! Allison Janney vai levar melhor atriz coadjuvante - pode me cobrar!!! Grande performance!!! O trabalho de montagem, terceira e última indicação, também é muito bom, mas acho que não tem força vai levar!!!
Olha, estamos falando de um grande filme - acho até um pecado não estar entre os 9 finalistas na disputa de Melhor Filme do Ano - não que fosse, mas sua indicação chancelaria sua qualidade!
Vale muito seu play!
"Eu, Tonya" acompanha a vida da ex-patinadora no gelo Tonya Harding e mesmo construindo uma linha temporal com um recorte especifico, seu resultado como obra cinematográfica chama atenção pela qualidade do roteiro e pela performance do elenco - algo que dificilmente se conecta quando o assunto é cinebiografia.
Durante a década de 1990, ela conseguiu superar sua infância pobre e surgir como uma verdadeira campeã no campeonato nacional americano e ainda conquistar a medalha de prata no Campeonato Mundial de 1991. Porém, ela ficou realmente conhecida quando seu marido, Jeff Gilloly, e dois "supostos" ladrões tentaram incapacitar uma de suas principais adversárias, Nancy Kerrigan (Caitlin Carver) quebrando a perna dela durante a preparação para as Olimpíadas de Inverno na Noruega em 1994. Confira o trailer:
Gostei muito do filme, muito mesmo! Talvez por eu me lembrar perfeitamente do que aconteceu na época e como aquilo tomou conta da mídia (ao melhor estilo O.J. Simpson). O diretor Craig Gillespie foi capaz de fazer um filme com muita inteligência - usou de vários artifícios narrativos para costurar a história desde a época em que Tonya ainda era uma criança até a sua apresentação nas Olimpíadas de Inverno aos 23 anos de idade. Ele brincou com as mídias da época, usou vários recursos estéticos e narrativos com total equilíbrio e propriedade. O filme tem alguns planos sequências belíssimos. Ele fez uma espécie de "Cisne Negro" no gelo - aplicou o conceito que o Aronofsky usou na dança para dar a leveza e o movimento das apresentações no gelo e ficou lindo!
Margot Robbie mais uma vez provou ser uma ótima atriz e não fosse pelo show da Frances McDormand, seria minha favorita para o Oscar 2018! Ela é linda e estava completamente desconstruída para o papel - demais! Allison Janney vai levar melhor atriz coadjuvante - pode me cobrar!!! Grande performance!!! O trabalho de montagem, terceira e última indicação, também é muito bom, mas acho que não tem força vai levar!!!
Olha, estamos falando de um grande filme - acho até um pecado não estar entre os 9 finalistas na disputa de Melhor Filme do Ano - não que fosse, mas sua indicação chancelaria sua qualidade!
Vale muito seu play!
Se vc gosta de "Black Mirror" e ainda não assistiu "Ex-Machina", você não tem noção do que está perdendo! O filme bebe da mesma fonte (e com muita competência) dos melhores anos da série, na época em que ainda era produzida na Inglaterra.
O filme acompanha o programador Caleb (Domhnall Gleeson) desde o momento em que é selecionado para trabalhar num projeto especial de sua empresa. Movido para a reclusa e luxuosa moradia do CEO Nathan (Oscar Isaac), uma espécie de Steve Jobs da ficção, Caleb descobre que seu chefe criou uma avançada forma de inteligência artificial: a andróide Eva (Alicia Vikander). Ali, o jovem precisa testar a capacidade da máquina em se passar por um humano até que se vê em um perigoso jogo de duplas intenções. Confira o trailer:
"Ex-Machina", com muita justiça, mesmo sendo um filme quase independente, concorreu em duas categorias para o Oscar de 2016: Roteiro Original e Efeitos Visuais; mas vale dizer que antes disso ele já havia levado mais de 50 prêmios em uma carreira impressionante em vários festivais pelo mundo. O fato é que o filme acabou ganhando o Oscar de Efeitos Visuais, que são incríveis mesmo e chamam muito atenção, mas aqui cabe um comentário importante que merece sua atenção: a atriz Alicia Vikander, concorreu ao Oscar no mesmo ano por outro filme: "Garota Dinamarquesa"; mas seu trabalho em "Ex-Machina", certamente chancelou a vitória em "Efeitos Visuais" - foi o raro caso onde os efeitos fizeram a diferença ao se misturar com o talento de uma atuação primorosa e que acabou criando uma espécie de simbiose entre o espiritual e o tecnológico. Lindo de ver - reparem nas sessões entre Caleb e Eva como são fascinantes. A habilidade de Eva ao demonstrar ideias e pensamentos tão complexos para uma máquina, e vê-la subvertendo os papéis com o programador humano é uma aula de roteiro, de interpretação e de pós-produção!
O roteiro é até um pouco previsível, mas é inegável o seu valor, e a capacidade do roteirista e diretor Alex Garland de unir tantos elementos técnicos e artísticos para construir uma história tão sólida e instigante - é de se aplaudir de pé! Dito isso, "Ex-Machina" é um thriller psicológico com toques de ficção científica da melhor qualidade. Imperdível! Vale muito seu play!
Se vc gosta de "Black Mirror" e ainda não assistiu "Ex-Machina", você não tem noção do que está perdendo! O filme bebe da mesma fonte (e com muita competência) dos melhores anos da série, na época em que ainda era produzida na Inglaterra.
O filme acompanha o programador Caleb (Domhnall Gleeson) desde o momento em que é selecionado para trabalhar num projeto especial de sua empresa. Movido para a reclusa e luxuosa moradia do CEO Nathan (Oscar Isaac), uma espécie de Steve Jobs da ficção, Caleb descobre que seu chefe criou uma avançada forma de inteligência artificial: a andróide Eva (Alicia Vikander). Ali, o jovem precisa testar a capacidade da máquina em se passar por um humano até que se vê em um perigoso jogo de duplas intenções. Confira o trailer:
"Ex-Machina", com muita justiça, mesmo sendo um filme quase independente, concorreu em duas categorias para o Oscar de 2016: Roteiro Original e Efeitos Visuais; mas vale dizer que antes disso ele já havia levado mais de 50 prêmios em uma carreira impressionante em vários festivais pelo mundo. O fato é que o filme acabou ganhando o Oscar de Efeitos Visuais, que são incríveis mesmo e chamam muito atenção, mas aqui cabe um comentário importante que merece sua atenção: a atriz Alicia Vikander, concorreu ao Oscar no mesmo ano por outro filme: "Garota Dinamarquesa"; mas seu trabalho em "Ex-Machina", certamente chancelou a vitória em "Efeitos Visuais" - foi o raro caso onde os efeitos fizeram a diferença ao se misturar com o talento de uma atuação primorosa e que acabou criando uma espécie de simbiose entre o espiritual e o tecnológico. Lindo de ver - reparem nas sessões entre Caleb e Eva como são fascinantes. A habilidade de Eva ao demonstrar ideias e pensamentos tão complexos para uma máquina, e vê-la subvertendo os papéis com o programador humano é uma aula de roteiro, de interpretação e de pós-produção!
O roteiro é até um pouco previsível, mas é inegável o seu valor, e a capacidade do roteirista e diretor Alex Garland de unir tantos elementos técnicos e artísticos para construir uma história tão sólida e instigante - é de se aplaudir de pé! Dito isso, "Ex-Machina" é um thriller psicológico com toques de ficção científica da melhor qualidade. Imperdível! Vale muito seu play!
"Exército de Ladrões" é entretenimento puro, divertido e muito bem realizado! Dito isso, é preciso apontar, na minha concepção, seu único ponto fraco - a necessidade absurda do roteiro em ter que conectar o filme ao seu "produto principal", "Army of the Dead: Invasão em Las Vegas". Aliás, para quem não se lembra, "Exército de Ladrões" funciona como uma espécie de prequel do filme dirigido pelo Zack Snyder para a Netflix - sem ao menos precisar que ele existisse, mas com o intuito estratégico de expandir um universo e criar uma franquia promissora.
O filme, que se passa algum tempo antes de "Army of the Dead", acompanha Sebastian Schlencht-Wöhnert (Matthias Schweighöfer, antes de se tornar Ludwig Dieter), um pacato caixa de banco que trabalha na cidade de Munique. Sebastian acaba sendo atraído para a aventura de sua vida após uma jovem misteriosa, a experiente ladra Gwendoline (Nathalie Emmanuel), o recrutar para ser parte de uma equipe formada por alguns dos criminosos mais procurados da Interpol, com o claro objetivo de roubar uma sequência de cofres lendários por toda Europa - esses desenhados de forma ornamentada por um dos maiores artesãos do história e praticamente impossíveis de arrobar. Confira o trailer:
"Exército de Ladrões: Invasão da Europa" também funciona como uma história de origem do carismático personagem Ludwig Dieter. Por si só, essa conexão já seria suficiente para criar um laço emocional com tudo que viria a seguir, porém a forma escolhida pelo roteirista Shay Hatten mais atrapalha do que ajuda - o fato é que não precisava de tantas citações sobre uma pandemia zumbi nos EUA. Por outro lado, Matthias Schweingöfer (que aqui também assume a direção) foi muito inteligente em se afastar do estilo de Snyder e assim criar uma identidade para o prequel que impõe um certo ar de independência - ao lado do diretor de fotografia alemão Bernhard Jasper, eles optaram por uma linguagem mais clean, com um mood sofisticado, apoiado nos tons mais frios da Europa e do aço dos cofres que os protagonistas pretendem roubar.
Embora construído em uma base completamente fantasiosa, "Exército de Ladrões" trabalha seu conceito estético (e narrativo) para se aproximar muito mais de "La Casa de Papel", "Onze Homens e um Segredo" e "Um Truque de Mestre" do que propriamente de "Army of the Dead". Essa escolha cria uma atmosfera perfeita para nos conectarmos com os personagens e torcermos por eles - na trama a expectativa de superar algo que parecia impossível é muito mais importante do que as cenas de ação em si. Claro que existe ação, mas a diversão parte da relação entre os personagens. Schweingöfer mostra uma genuína paixão pelo seu Ludwig Dieter, fortalecendo ainda mais os alívios cômicos com os quais ele já havia trabalhado no filme anterior e transformando definitivamente o personagem em um protagonista carismático e cheio de potencial para mais produtos.
"Exército de Ladrões: Invasão da Europa" explora a gênese de Dieter a partir de uma história que vai se completando com parte do material que já conhecíamos - e isso funciona muito bem. Existe um tom mais intimista ao propor o primeiro amor ao herói improvável e uma direção para a construção de um mito capaz de arrombar qualquer tipo de cofre? Sim - e isso funciona também. Eu diria que dadas as devidas diferenças, muitos elementos que nos conquistaram em "Lupin", retorna por aqui - com a mesma proposta de suspensão da realidade, mas igualmente gostoso de assistir!
Vela o play!
"Exército de Ladrões" é entretenimento puro, divertido e muito bem realizado! Dito isso, é preciso apontar, na minha concepção, seu único ponto fraco - a necessidade absurda do roteiro em ter que conectar o filme ao seu "produto principal", "Army of the Dead: Invasão em Las Vegas". Aliás, para quem não se lembra, "Exército de Ladrões" funciona como uma espécie de prequel do filme dirigido pelo Zack Snyder para a Netflix - sem ao menos precisar que ele existisse, mas com o intuito estratégico de expandir um universo e criar uma franquia promissora.
O filme, que se passa algum tempo antes de "Army of the Dead", acompanha Sebastian Schlencht-Wöhnert (Matthias Schweighöfer, antes de se tornar Ludwig Dieter), um pacato caixa de banco que trabalha na cidade de Munique. Sebastian acaba sendo atraído para a aventura de sua vida após uma jovem misteriosa, a experiente ladra Gwendoline (Nathalie Emmanuel), o recrutar para ser parte de uma equipe formada por alguns dos criminosos mais procurados da Interpol, com o claro objetivo de roubar uma sequência de cofres lendários por toda Europa - esses desenhados de forma ornamentada por um dos maiores artesãos do história e praticamente impossíveis de arrobar. Confira o trailer:
"Exército de Ladrões: Invasão da Europa" também funciona como uma história de origem do carismático personagem Ludwig Dieter. Por si só, essa conexão já seria suficiente para criar um laço emocional com tudo que viria a seguir, porém a forma escolhida pelo roteirista Shay Hatten mais atrapalha do que ajuda - o fato é que não precisava de tantas citações sobre uma pandemia zumbi nos EUA. Por outro lado, Matthias Schweingöfer (que aqui também assume a direção) foi muito inteligente em se afastar do estilo de Snyder e assim criar uma identidade para o prequel que impõe um certo ar de independência - ao lado do diretor de fotografia alemão Bernhard Jasper, eles optaram por uma linguagem mais clean, com um mood sofisticado, apoiado nos tons mais frios da Europa e do aço dos cofres que os protagonistas pretendem roubar.
Embora construído em uma base completamente fantasiosa, "Exército de Ladrões" trabalha seu conceito estético (e narrativo) para se aproximar muito mais de "La Casa de Papel", "Onze Homens e um Segredo" e "Um Truque de Mestre" do que propriamente de "Army of the Dead". Essa escolha cria uma atmosfera perfeita para nos conectarmos com os personagens e torcermos por eles - na trama a expectativa de superar algo que parecia impossível é muito mais importante do que as cenas de ação em si. Claro que existe ação, mas a diversão parte da relação entre os personagens. Schweingöfer mostra uma genuína paixão pelo seu Ludwig Dieter, fortalecendo ainda mais os alívios cômicos com os quais ele já havia trabalhado no filme anterior e transformando definitivamente o personagem em um protagonista carismático e cheio de potencial para mais produtos.
"Exército de Ladrões: Invasão da Europa" explora a gênese de Dieter a partir de uma história que vai se completando com parte do material que já conhecíamos - e isso funciona muito bem. Existe um tom mais intimista ao propor o primeiro amor ao herói improvável e uma direção para a construção de um mito capaz de arrombar qualquer tipo de cofre? Sim - e isso funciona também. Eu diria que dadas as devidas diferenças, muitos elementos que nos conquistaram em "Lupin", retorna por aqui - com a mesma proposta de suspensão da realidade, mas igualmente gostoso de assistir!
Vela o play!
"Falsos Milionários" é excelente, mas não deve agradar a todos pela forma cadenciada como sua narrativa conduz uma história densa e cheia de nuances (com um conceito bem independente, aliás). Eu diria que o filme dirigido pela quase novata Miranda July segue muito a linha de "Florida Project", "Castelo de Vidro" e "Capitão Fantástico", para discutir as relações familiares e a maneira como o amor (ou a falta dele) pode impactar profundamente a vida de uma pessoa. Veja, o filme é muito feliz em não cair na tentação de cortar caminhos para expressar toda a complexidade e a dinâmica dessa relação pouco usual, porém quando as peças se encaixam, encontramos um verdadeiro ensaio sobre a solidão, sobre a busca por uma identidade e sobre os traumas mais íntimos. Então se prepare, você vai precisar de um tempo para digerir todas essas camadas.
Old Dolio (Evan Rachel Wood) é uma jovem de 26 anos que convive com sua família completamente desestruturada que frequentemente faz pequenos golpes para sobreviver. Desprovidos de qualquer nível de bom-senso (para dizer o mínimo), seus pais, Robert (Richard Jenkins) e Theresa (Debra Winger), acabam se envolvendo com a porto-riquenha Melanie (Gina Rodriguez) enquanto aplicavam mais um de seus golpes. A partir dessa nova relação, a vida de Dolio vira de cabeça para baixo e alguns questionamentos começam a tomar conta do seu dia a dia. Confira o trailer:
Apenas para alinhar as expectativas: o filme não é sobre os golpes e muito menos sobre os golpistas como em "Sharper"; e também não é uma comédia como muitos sites vem classificando "Falsos Milionários". O filme é um drama, com algumas passagens engraçadas, várias passagens bem constrangedoras, mas mesmo assim com uma temática bastante profunda e reflexiva. Embora esse seja apenas o terceiro longa-metragem de July, talvez o mais comercial de todos eles, a diretora foi muito feliz em construir sua história (ela também é a roteirista) sem a pretensão de impactar visualmente os embates sentimentais entre os personagens - tirando uma ou outra cena, nossa percepção de solidão vai além dos diálogos; ela está no silêncio, no olhar carregado de dor de Wood.
A fotografia do Sebastian Wintero (muito reconhecido pelo seu trabalho no cenário musical, em trabalhos com o U2, por exemplo) tem o cuidado de nos distanciar da movimentação dessa família disfuncional criando uma atmosfera extremamente esquisita - os planos abertos chegam a ser cômicos, já que as situações são impensáveis. Tudo parece acontecer em um universo à parte, distante de qualquer realismo lógico - as cenas da família tentando não chamar a atenção do dono do lugar onde eles dormem, seriam muito divertidas se não fossem trágicas. Nos planos mais fechados, aí Wintero brinca com nossas sensações mesmo, principalmente ao potencializar os olhares e os tempos certos, a falta de ética dos pais de Dolio e a ausência de amor entre todos eles.
Cheia de simbolismos, "Kajillionaire" (no seu curioso título original) é muito, mas muito maior do que aparenta ser. Existe uma sensibilidade incrível da diretora ao nos convidar para acompanhar o processo de despertar da protagonista que, mesmo sem entender as razões, passa a enxergar além de sua miserável realidade - o trabalho de Wood é tão intenso que surpreende o fato dela não ter sido lembrada no Oscar 2021. Pois bem, essa é uma obra genuína, original, daquelas de difícil digestão, pois embora nada nos seja apresentado de forma tão convencional, a trama sabe exatamente onde colocar o dedo na ferida para gerar conexão.
Pode ter certeza que essa será uma das mais belas surpresas que você vai experienciar! É só dar o play!
"Falsos Milionários" é excelente, mas não deve agradar a todos pela forma cadenciada como sua narrativa conduz uma história densa e cheia de nuances (com um conceito bem independente, aliás). Eu diria que o filme dirigido pela quase novata Miranda July segue muito a linha de "Florida Project", "Castelo de Vidro" e "Capitão Fantástico", para discutir as relações familiares e a maneira como o amor (ou a falta dele) pode impactar profundamente a vida de uma pessoa. Veja, o filme é muito feliz em não cair na tentação de cortar caminhos para expressar toda a complexidade e a dinâmica dessa relação pouco usual, porém quando as peças se encaixam, encontramos um verdadeiro ensaio sobre a solidão, sobre a busca por uma identidade e sobre os traumas mais íntimos. Então se prepare, você vai precisar de um tempo para digerir todas essas camadas.
Old Dolio (Evan Rachel Wood) é uma jovem de 26 anos que convive com sua família completamente desestruturada que frequentemente faz pequenos golpes para sobreviver. Desprovidos de qualquer nível de bom-senso (para dizer o mínimo), seus pais, Robert (Richard Jenkins) e Theresa (Debra Winger), acabam se envolvendo com a porto-riquenha Melanie (Gina Rodriguez) enquanto aplicavam mais um de seus golpes. A partir dessa nova relação, a vida de Dolio vira de cabeça para baixo e alguns questionamentos começam a tomar conta do seu dia a dia. Confira o trailer:
Apenas para alinhar as expectativas: o filme não é sobre os golpes e muito menos sobre os golpistas como em "Sharper"; e também não é uma comédia como muitos sites vem classificando "Falsos Milionários". O filme é um drama, com algumas passagens engraçadas, várias passagens bem constrangedoras, mas mesmo assim com uma temática bastante profunda e reflexiva. Embora esse seja apenas o terceiro longa-metragem de July, talvez o mais comercial de todos eles, a diretora foi muito feliz em construir sua história (ela também é a roteirista) sem a pretensão de impactar visualmente os embates sentimentais entre os personagens - tirando uma ou outra cena, nossa percepção de solidão vai além dos diálogos; ela está no silêncio, no olhar carregado de dor de Wood.
A fotografia do Sebastian Wintero (muito reconhecido pelo seu trabalho no cenário musical, em trabalhos com o U2, por exemplo) tem o cuidado de nos distanciar da movimentação dessa família disfuncional criando uma atmosfera extremamente esquisita - os planos abertos chegam a ser cômicos, já que as situações são impensáveis. Tudo parece acontecer em um universo à parte, distante de qualquer realismo lógico - as cenas da família tentando não chamar a atenção do dono do lugar onde eles dormem, seriam muito divertidas se não fossem trágicas. Nos planos mais fechados, aí Wintero brinca com nossas sensações mesmo, principalmente ao potencializar os olhares e os tempos certos, a falta de ética dos pais de Dolio e a ausência de amor entre todos eles.
Cheia de simbolismos, "Kajillionaire" (no seu curioso título original) é muito, mas muito maior do que aparenta ser. Existe uma sensibilidade incrível da diretora ao nos convidar para acompanhar o processo de despertar da protagonista que, mesmo sem entender as razões, passa a enxergar além de sua miserável realidade - o trabalho de Wood é tão intenso que surpreende o fato dela não ter sido lembrada no Oscar 2021. Pois bem, essa é uma obra genuína, original, daquelas de difícil digestão, pois embora nada nos seja apresentado de forma tão convencional, a trama sabe exatamente onde colocar o dedo na ferida para gerar conexão.
Pode ter certeza que essa será uma das mais belas surpresas que você vai experienciar! É só dar o play!
Se você gostou de "Episodes", série inglesa de 2011 que contou com 5 temporadas e com um Matt LeBlanc (o Joey de Friends) ressurgindo das cinzas, provavelmente você vai gostar de "Famoso na França". A série, mais uma Original Netflix, bebe de uma mesma fonte: enquanto "Episodes" discutia o choque de cultura entre ingleses e americanos dentro de uma emissora de tv, "Famoso na França" faz a mesma coisa, ou pelo menos bem parecido, só que com um comediante francês como protagonista. Para falar a verdade, acho que posso até ir um pouco além: a série da Netflix tem muito do que fazia de "Episodes" uma série com humor requintado e inteligente, mas também carrega várias de suas fraquezas. Tem um roteiro muito interessante, mas também erra ao pegar o atalho do estereótipo (ou do over acting) para tentar ser engraçadona demais - e definitivamente não seria necessário essa muleta, mas como estilo, admito que funciona e se você não se incomoda com esse distanciamento da realidade na interpretação, "Famoso na França" vai valer pela diversão despretenciosa!
Na série, Gad Elmaleh (que interpreta uma versão dele mesmo) é o comediante mais famoso do seu pais, conhecido, inclusive, como o Seinfeld da França. Porém, uma crise existencial faz com que Gad repense sua carreira e suas prioridades. É quando ele decide dar um tempo em suas apresentações e embarcar para os EUA para tentar reconquistar o amor do seu filho Luke, porém em território americano ninguém conhece seu trabalho e muito menos seu sucesso e isso rende ótimas situações - constrangedoras, mas divertidas. Até sua capacidade como comediante é colocada à prova, pois nos EUA ninguém ri das suas piadas e o próprio Gad Elmaleh não se conforma como os americanos podem achar engraçados os comediantes locais. O fato é que, quando o choque de cultura vem à tona, a série pega no detalhe e na delicadeza para criticar as diferenças: desde a dificuldade com um idioma ou o entendimento das expressões mais coloquiais até a maneira como os próprios americanos se comportam perante os estrangeiros no seu dia a dia - a cena inicial no aeroporto é impagável!
Sem dúvida o grande valor da série é mesmo a qualidade do seu roteiro e a maneira inteligente como ele mostra o enorme desequilíbrio cultural entre os dois países. Outro ponto importante são as inúmeras referências de cultura pop, entretenimento, gastronomia, além de participações especiais de algumas celebridades dos EUA e da França interpretando eles mesmos (com um tom acima). Muito bem produzida, com a direção respeitando os times da comédia e uma fotografia muito interessante (principalmente nas cenas em Paris), "Famoso na França" me surpreendeu - até porque eu não sou um grande apreciador de comédias. Agora, é preciso dizer que a série usa a comédia apenas como máscara para discutir ou criticar vários tipos de relações, e mesmo não assumindo uma linguagem mais dramática, fica claro a importância dos conflitos (e fantasmas) pessoais na trama - e isso tem que ser respeitado!
"Famoso na França" tem uma temporada já disponível, com 8 episódios de 30 minutos, é fácil de assistir, tem uma dinâmica bastante interessante e diverte. Vale o play!
Se você gostou de "Episodes", série inglesa de 2011 que contou com 5 temporadas e com um Matt LeBlanc (o Joey de Friends) ressurgindo das cinzas, provavelmente você vai gostar de "Famoso na França". A série, mais uma Original Netflix, bebe de uma mesma fonte: enquanto "Episodes" discutia o choque de cultura entre ingleses e americanos dentro de uma emissora de tv, "Famoso na França" faz a mesma coisa, ou pelo menos bem parecido, só que com um comediante francês como protagonista. Para falar a verdade, acho que posso até ir um pouco além: a série da Netflix tem muito do que fazia de "Episodes" uma série com humor requintado e inteligente, mas também carrega várias de suas fraquezas. Tem um roteiro muito interessante, mas também erra ao pegar o atalho do estereótipo (ou do over acting) para tentar ser engraçadona demais - e definitivamente não seria necessário essa muleta, mas como estilo, admito que funciona e se você não se incomoda com esse distanciamento da realidade na interpretação, "Famoso na França" vai valer pela diversão despretenciosa!
Na série, Gad Elmaleh (que interpreta uma versão dele mesmo) é o comediante mais famoso do seu pais, conhecido, inclusive, como o Seinfeld da França. Porém, uma crise existencial faz com que Gad repense sua carreira e suas prioridades. É quando ele decide dar um tempo em suas apresentações e embarcar para os EUA para tentar reconquistar o amor do seu filho Luke, porém em território americano ninguém conhece seu trabalho e muito menos seu sucesso e isso rende ótimas situações - constrangedoras, mas divertidas. Até sua capacidade como comediante é colocada à prova, pois nos EUA ninguém ri das suas piadas e o próprio Gad Elmaleh não se conforma como os americanos podem achar engraçados os comediantes locais. O fato é que, quando o choque de cultura vem à tona, a série pega no detalhe e na delicadeza para criticar as diferenças: desde a dificuldade com um idioma ou o entendimento das expressões mais coloquiais até a maneira como os próprios americanos se comportam perante os estrangeiros no seu dia a dia - a cena inicial no aeroporto é impagável!
Sem dúvida o grande valor da série é mesmo a qualidade do seu roteiro e a maneira inteligente como ele mostra o enorme desequilíbrio cultural entre os dois países. Outro ponto importante são as inúmeras referências de cultura pop, entretenimento, gastronomia, além de participações especiais de algumas celebridades dos EUA e da França interpretando eles mesmos (com um tom acima). Muito bem produzida, com a direção respeitando os times da comédia e uma fotografia muito interessante (principalmente nas cenas em Paris), "Famoso na França" me surpreendeu - até porque eu não sou um grande apreciador de comédias. Agora, é preciso dizer que a série usa a comédia apenas como máscara para discutir ou criticar vários tipos de relações, e mesmo não assumindo uma linguagem mais dramática, fica claro a importância dos conflitos (e fantasmas) pessoais na trama - e isso tem que ser respeitado!
"Famoso na França" tem uma temporada já disponível, com 8 episódios de 30 minutos, é fácil de assistir, tem uma dinâmica bastante interessante e diverte. Vale o play!
A maravilha do universo do streaming é poder apresentar um filme tailandês para o grande público e permitir que ele se apaixone por uma escola cinematográfica completamente nova que antes se limitava apenas aos festivais de cinema. Esse é o sentimento ao subirem os créditos de "Fome de Sucesso" do diretor Sitisiri Mongkolsiri (guarde esse nome, ou pelo menos tente). Surfando na onda de "O Menu", mas sem esquecer de referências narrativas e visuais de "Pegando Fogo", "Chef's Table" e até de "Parasita" e "Whiplash", o filme equilibra perfeitamente uma forte critica social pautada em seus extremos e desigualdades, com toda aquela atmosfera envolvente do mundo da gastronomia e dos grandes (e excêntricos) chef's.
A história acompanha uma jovem chamada Aoy (Chutimon Chuengcharoensukying) - ela é a responsável por um pequeno restaurante familiar até que um dia recebe um inesperado convite para se juntar à equipe "Hunger" (título original do filme), formada apenas por talentosos chef's de luxo da Tailândia e liderada pelo famoso (e infame) Chef Paul (Nopachai Chaiyanam). O desagradável líder do grupo é conhecido por ser tão genial quanto insuportável, com isso se inicia um profundo jogo psicológico para ver quem será capaz de sobreviver aos mandos e desmandos de Paul e com isso se estabelecer na carreira. Confira o trailer (em inglês):
É inegável que embora tenhamos uma direção das mais competentes e atores em excelentes performances, é o roteiro que brilha - mas não naquilo que é mais palpável ou perceptível, como seus diálogos simples, diretos e bem estruturados. O que chama atenção mesmo é a maneira como o subtexto é inserido na trama sem precisar ser didático demais, já que é a crítica social que vai construindo uma discussão importante e relevante para a audiência, mas que em nenhum momento se esquece do fator "entretenimento" do filme. Veja, assim como em "O Menu", o roteirista Kongdej Jaturanrasamee faz questão de pontuar que são aquelas pessoas que não precisam se preocupar com dinheiro e com a fome, que também não se importam necessariamente com o que estão comendo, e é isso que reforça uma mensagem de superioridade diante das classes menos favorecidas - são muitas passagens que seguem esse conceito e que chocam como em "O Poço", por exemplo.
O interessante, e talvez por isso seja tão genial, é que "Fome de Sucesso" humaniza toda a sua jornada a partir de uma desconstrução profunda de Aoy que se vê em constantes dilemas internos para tentar sobreviver ao exigente universo da gastronomia e assim atingir os seus objetivos profissionais - quem nunca passou por isso? Em um determinado momento, até conceitos mais específicos, como a importância cultural do comfort food, são discutidos. Reparem como desde a busca do corte perfeito ou do controle ideal do fogo até as experiências mais absurdas de jovens milionários (e nem por isso menos mimados), o filme não se perde nos detalhes e se aproveita de questões como assédio moral e busca de identidade para discutir a importância dos valores, mais precisamente, como eles foram se perdendo ao longo dos anos de transformação da Tailândia.
"Fome de Sucesso" é uma jóia que merece sua atenção! Tecnicamente perfeito, embora com aquele estilo "Chef's Table" que pode soar um pouco batido, o filme é mais complexo do que parece, pois ele é capaz de cobrir o luxo e o lixo com a mesma veracidade e inquietude - o que vai incomodar muita gente. A sensibilidade da fotografia em destacar as mansões luxuosas e as pequenas ruas sujas do bairro de Ayo é tão intrigante quanto o recorte de estar em um vilarejo de pescadores buscando o que há de melhor para oferecer como produto e que curiosamente também serve como única alternativa de sobrevivência para aquela comunidade. Dolorido, mas genial!
Vale muito o seu play!
A maravilha do universo do streaming é poder apresentar um filme tailandês para o grande público e permitir que ele se apaixone por uma escola cinematográfica completamente nova que antes se limitava apenas aos festivais de cinema. Esse é o sentimento ao subirem os créditos de "Fome de Sucesso" do diretor Sitisiri Mongkolsiri (guarde esse nome, ou pelo menos tente). Surfando na onda de "O Menu", mas sem esquecer de referências narrativas e visuais de "Pegando Fogo", "Chef's Table" e até de "Parasita" e "Whiplash", o filme equilibra perfeitamente uma forte critica social pautada em seus extremos e desigualdades, com toda aquela atmosfera envolvente do mundo da gastronomia e dos grandes (e excêntricos) chef's.
A história acompanha uma jovem chamada Aoy (Chutimon Chuengcharoensukying) - ela é a responsável por um pequeno restaurante familiar até que um dia recebe um inesperado convite para se juntar à equipe "Hunger" (título original do filme), formada apenas por talentosos chef's de luxo da Tailândia e liderada pelo famoso (e infame) Chef Paul (Nopachai Chaiyanam). O desagradável líder do grupo é conhecido por ser tão genial quanto insuportável, com isso se inicia um profundo jogo psicológico para ver quem será capaz de sobreviver aos mandos e desmandos de Paul e com isso se estabelecer na carreira. Confira o trailer (em inglês):
É inegável que embora tenhamos uma direção das mais competentes e atores em excelentes performances, é o roteiro que brilha - mas não naquilo que é mais palpável ou perceptível, como seus diálogos simples, diretos e bem estruturados. O que chama atenção mesmo é a maneira como o subtexto é inserido na trama sem precisar ser didático demais, já que é a crítica social que vai construindo uma discussão importante e relevante para a audiência, mas que em nenhum momento se esquece do fator "entretenimento" do filme. Veja, assim como em "O Menu", o roteirista Kongdej Jaturanrasamee faz questão de pontuar que são aquelas pessoas que não precisam se preocupar com dinheiro e com a fome, que também não se importam necessariamente com o que estão comendo, e é isso que reforça uma mensagem de superioridade diante das classes menos favorecidas - são muitas passagens que seguem esse conceito e que chocam como em "O Poço", por exemplo.
O interessante, e talvez por isso seja tão genial, é que "Fome de Sucesso" humaniza toda a sua jornada a partir de uma desconstrução profunda de Aoy que se vê em constantes dilemas internos para tentar sobreviver ao exigente universo da gastronomia e assim atingir os seus objetivos profissionais - quem nunca passou por isso? Em um determinado momento, até conceitos mais específicos, como a importância cultural do comfort food, são discutidos. Reparem como desde a busca do corte perfeito ou do controle ideal do fogo até as experiências mais absurdas de jovens milionários (e nem por isso menos mimados), o filme não se perde nos detalhes e se aproveita de questões como assédio moral e busca de identidade para discutir a importância dos valores, mais precisamente, como eles foram se perdendo ao longo dos anos de transformação da Tailândia.
"Fome de Sucesso" é uma jóia que merece sua atenção! Tecnicamente perfeito, embora com aquele estilo "Chef's Table" que pode soar um pouco batido, o filme é mais complexo do que parece, pois ele é capaz de cobrir o luxo e o lixo com a mesma veracidade e inquietude - o que vai incomodar muita gente. A sensibilidade da fotografia em destacar as mansões luxuosas e as pequenas ruas sujas do bairro de Ayo é tão intrigante quanto o recorte de estar em um vilarejo de pescadores buscando o que há de melhor para oferecer como produto e que curiosamente também serve como única alternativa de sobrevivência para aquela comunidade. Dolorido, mas genial!
Vale muito o seu play!
Quase um ano depois do Brasil ganhar a Copa do Mundo nos EUA em 94, estreiou o filme "Todos os corações do Mundo". Era a primeira vez que víamos um documentário sobre a Copa do Mundo por um outro angulo - não só aquele que as emissoras mostravam durante as transmissões, que, na época, não tinham essa tecnologia toda. Era a primeira vez que víamos um jogo de futebol no Cinema, filmado em película 35 mm, em 24 fps, e embora muita gente não soubesse muito bem explicar o motivo, aquelas imagens tinham uma atmosférica mágica, um história, personagens... A grande verdade é que o diretor Murilo Salles teve a sensibilidade de humanizar o evento esportivo mais amado pelos brasileiros e a sorte de documentar o tetra campeonato depois de 24 anos!!!! Uma cena icônica captada por Salles, foi quando Baggio encara Romário no túnel do estádio, pouco antes de entrar em campo para jogar a final!!! Lindo de ver e de viver!!! Pois bem, por que eu falei de futebol em um review de uma série sobre F1? Porque a sensação que eu tive ao assistir "Formula 1: Dirigir paraViver" foi muito parecida com a que eu tive ao assistir, no cinema, "Todos os corações do Mundo" - a série da Netflix é sensacional!!!! Para quem gosta do/de esporte, é daquelas coisas que você assiste bem devagar pra não acabar e ficar sem, sabe? É um episódio melhor que o outro, confira o trailer:
"Formula 1: Dirigir paraViver" é uma série Original da Netflix com 10 episódios, de 40 minutos cada, que mostra os bastidores da Formula 1 na temporada de 2018. Na verdade, muito mais que os bastidores, a série vai atrás de pequenas e rápidas histórias, mas com personagens grandiosos: sejam eles os próprios pilotos ou alguém da equipe: um mecânico, um projetista, o chefe... até a família dos pilotos o diretor teve o cuidado de retratar! Tudo isso com o pano de fundo dos 21 GPs da Temporada e todo aquele visual maravilhoso dos países onde as corridas acontecem! Sério, é incrível como o diretor foi capaz de construir uma linha narrativa tão dinâmica focando em histórias tão particulares dos personagens e não só nas corridas em si! A edição é espetacular, um show a parte - capaz de criar um clima de tensão, de curiosidade, de tristeza, de ansiedade... Demais! A fotografia é sensacional - um espetáculo: são imagens inéditas, com uma qualidade impressionante. As reações, os bastidores, os comentários e, claro, as corridas estão muito bem captadas!!! São cenas em em close total, outras vezes, super lentas, poéticas - e sem perder nada da qualidade ou da emoção de cada momento!!! É realmente muito bonito - em 4K é imbatível!!! O desenho e a própria captação de som estão sensacionais também - é o mesmo conceito dos filmes que a NFL produz em cada Superbowl!!! A sensação é de estarmos dentro da pista... é sério!!!
O ex "todo poderoso" da Formula 1, Bernie Ecclestone, dizia que não existe espetáculo esportivo mais grandioso que uma temporada de Formula 1. Na sua Biografia "Não sou um anjo" (para quem gosta do assunto, recomento) ele se gaba em dizer que era o único homem capaz que organizar uma Copa do Mundo por final de semana, tamanho era o Circo que precisava ser montado para uma corrida acontecer (em 4 Continentes, em pouquíssimo tempo entre uma e outra)... e é isso que a série mostra, essa grandiosidade: do glamour à pressão por resultados, da alegria de uma vitória ao desespero do abandono por um erro infantil, da frieza do piloto à ansiedade do mecânico que vai trocar um dos pneus, da empolgação por uma nova tecnologia à frustração de um carro mal nascido... enfim, todas as engrenagens estão lá e de uma forma muito particular... e linda!!! Talvez o primeiro episódio seja explicativo (e redundante) demais, mas depois, meu amigo, é só alegria!!!! Tudo muito cinematográfico!!!!!
"Formula 1: Dirigir paraViver" é para ver e rever!!! Série para aproveitar cada minuto!!! Se você é fã do esporte, vai ser difícil parar de assistir; se não é, tenho certeza que a temporada 2019 vai ganhar novo significado, pois não serão apenas carros correndo em uma pista à 300 km por hora... serão as histórias por trás dos personagens que fazem esse espetáculo acontecer!!! Olha, talvez a série se transforme em um grande case de Branded Entertainment, mas e daí???
Vale muito mais que o play!!!!!!!
Quase um ano depois do Brasil ganhar a Copa do Mundo nos EUA em 94, estreiou o filme "Todos os corações do Mundo". Era a primeira vez que víamos um documentário sobre a Copa do Mundo por um outro angulo - não só aquele que as emissoras mostravam durante as transmissões, que, na época, não tinham essa tecnologia toda. Era a primeira vez que víamos um jogo de futebol no Cinema, filmado em película 35 mm, em 24 fps, e embora muita gente não soubesse muito bem explicar o motivo, aquelas imagens tinham uma atmosférica mágica, um história, personagens... A grande verdade é que o diretor Murilo Salles teve a sensibilidade de humanizar o evento esportivo mais amado pelos brasileiros e a sorte de documentar o tetra campeonato depois de 24 anos!!!! Uma cena icônica captada por Salles, foi quando Baggio encara Romário no túnel do estádio, pouco antes de entrar em campo para jogar a final!!! Lindo de ver e de viver!!! Pois bem, por que eu falei de futebol em um review de uma série sobre F1? Porque a sensação que eu tive ao assistir "Formula 1: Dirigir paraViver" foi muito parecida com a que eu tive ao assistir, no cinema, "Todos os corações do Mundo" - a série da Netflix é sensacional!!!! Para quem gosta do/de esporte, é daquelas coisas que você assiste bem devagar pra não acabar e ficar sem, sabe? É um episódio melhor que o outro, confira o trailer:
"Formula 1: Dirigir paraViver" é uma série Original da Netflix com 10 episódios, de 40 minutos cada, que mostra os bastidores da Formula 1 na temporada de 2018. Na verdade, muito mais que os bastidores, a série vai atrás de pequenas e rápidas histórias, mas com personagens grandiosos: sejam eles os próprios pilotos ou alguém da equipe: um mecânico, um projetista, o chefe... até a família dos pilotos o diretor teve o cuidado de retratar! Tudo isso com o pano de fundo dos 21 GPs da Temporada e todo aquele visual maravilhoso dos países onde as corridas acontecem! Sério, é incrível como o diretor foi capaz de construir uma linha narrativa tão dinâmica focando em histórias tão particulares dos personagens e não só nas corridas em si! A edição é espetacular, um show a parte - capaz de criar um clima de tensão, de curiosidade, de tristeza, de ansiedade... Demais! A fotografia é sensacional - um espetáculo: são imagens inéditas, com uma qualidade impressionante. As reações, os bastidores, os comentários e, claro, as corridas estão muito bem captadas!!! São cenas em em close total, outras vezes, super lentas, poéticas - e sem perder nada da qualidade ou da emoção de cada momento!!! É realmente muito bonito - em 4K é imbatível!!! O desenho e a própria captação de som estão sensacionais também - é o mesmo conceito dos filmes que a NFL produz em cada Superbowl!!! A sensação é de estarmos dentro da pista... é sério!!!
O ex "todo poderoso" da Formula 1, Bernie Ecclestone, dizia que não existe espetáculo esportivo mais grandioso que uma temporada de Formula 1. Na sua Biografia "Não sou um anjo" (para quem gosta do assunto, recomento) ele se gaba em dizer que era o único homem capaz que organizar uma Copa do Mundo por final de semana, tamanho era o Circo que precisava ser montado para uma corrida acontecer (em 4 Continentes, em pouquíssimo tempo entre uma e outra)... e é isso que a série mostra, essa grandiosidade: do glamour à pressão por resultados, da alegria de uma vitória ao desespero do abandono por um erro infantil, da frieza do piloto à ansiedade do mecânico que vai trocar um dos pneus, da empolgação por uma nova tecnologia à frustração de um carro mal nascido... enfim, todas as engrenagens estão lá e de uma forma muito particular... e linda!!! Talvez o primeiro episódio seja explicativo (e redundante) demais, mas depois, meu amigo, é só alegria!!!! Tudo muito cinematográfico!!!!!
"Formula 1: Dirigir paraViver" é para ver e rever!!! Série para aproveitar cada minuto!!! Se você é fã do esporte, vai ser difícil parar de assistir; se não é, tenho certeza que a temporada 2019 vai ganhar novo significado, pois não serão apenas carros correndo em uma pista à 300 km por hora... serão as histórias por trás dos personagens que fazem esse espetáculo acontecer!!! Olha, talvez a série se transforme em um grande case de Branded Entertainment, mas e daí???
Vale muito mais que o play!!!!!!!
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