"Professor Polvo" é um filme sobre conexão, sobre a maravilhosa relação com o desconhecido e o entendimento que cada ser vivo desse planeta tem um lugar importante dentro da natureza - sim, pode parecer papo de professor de biologia, mas pare e reflita: o que de tão espectacular pode existir em um documentário sobre um homem que mergulha todo dia para se encontrar com um polvo? Pode ter certeza que essa resposta está no seu "play" - existe verdade, sensações, sentimentos e, claro, a chancela de saber que esse mesmo documentário é um dos favoritos para levar o Oscar 2021 da categoria! Mas o filme é, de fato, incrível!

“Professor Polvo” é dirigido e roteirizado por Pippa Ehrlich (em seu primeiro documentário) e por James Reed (de “Jago: Uma Vida no Mar“) e conta a jornada de Craig Foster, cineasta, amante dos oceanos e conservacionista marinho. Enquanto passava por um período de dificuldades profissionais e de depressão pessoal, Foster começou a mergulhar na costa da Cidade do Cabo, na África do Sul, em busca de isolamento e paz, foi a partir daí que ele passou acompanhar e se relacionar, por quase um ano, com um polvo. Acompanhamos essa história pelo seu próprio ponto de vista e pelas imagens que ele mesmo gravou na época. Do contato inusitado com o molusco ao longo do tempo às reflexões que essa experiência acabou provocando em Foster, percebemos com muita sensibilidade as mudanças na sua vida e como essa conexão transformou a maneira como ele encarava seus problemas. Confira o trailer:

Pelo trailer já fica fácil perceber que o primeiro elemento que salta aos olhos é a qualidade cinematográfica das imagens feitas, tanto por Craig Foster quanto por Ehrlich e Reed - principalmente as subaquáticas. São planos bem trabalhados, uma combinação de cores e texturas que impressionam pela beleza. A fotografia como um todo é de cair o queixo, reparem.

Outro ponto, claro, é o roteiro - ele amarra perfeitamente a história com motivações coerentes com a proposta e consegue criar uma conexão emocional próxima daquela que o protagonista experienciou - é impressionante como passamos a torcer e a nos angustiar com um "polvo" no fundo do mar! Embora a montagem sugira uma certa manipulação emocional, com uma linda trilha sonora de Kevin Smuts, em momento algum nos sentimos enganados por isso - o que vemos e sentimos, está de acordo com o propósito do filme e de quanto isso era importante para Foster.

Eu não sou uma pessoa tão ligado a natureza a ponto de achar “Professor Polvo” um documentário inesquecível, porém não posso deixar de ressaltar o quanto essa história me tocou! Pode acreditar, é um trabalho de uma delicadeza enorme. A força de vontade de Craig em acompanhar o polvo e de nos contar cada detalhe dessa jornada, faz parecer mentira como essa constância foi capaz de construir uma relação que nos toca de verdade - só por isso já vale muito mais do que nossa atenção.

A verdade é que “Professor Polvo” conta uma história completamente inimaginável que prova como a vida pode ser assustadoramente selvagem, profundamente sensível e capaz de impactar tantas pessoas com um sentimento que para muitos soa impossível. Olha, vale muito a pena! Faz bem para alma e para o coração! 

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"Proibido por Deus" é muito bom! Esse documentário produzido pela Hulu (e que aqui no Brasil você encontra no Star+) acompanha mais uma história "cabeluda" que expõe aquela receita explosiva que tem tudo para dar errado: politica, religião, sexo e poder, com um certo toque especial de hipocrisia que a sociedade americana adora fingir que não existe. Mesmo que inicialmente nossa percepção seja baseada em uma única perspectiva sobre o escândalo que derrubou Jerry Fallwell Jr., filho de um dos mais influentes pastores evangélicos do país, diretor da Liberty University e um dos mais importantes apoiadores de Donald Trump durante a campanha que o levou à presidência dos EUA, o filme dirigido pelo premiado Billy Corben (de "Cocaine Cowboys: The Kings of Miami") se esforça para equilibrar inúmeros fatos relevantes sobre o caso com um recorte de como a comunidade evangélica e o culto à personalidade podem, de fato, decidir uma eleição presidencial.

"God Forbid: The Sex Scandal that Brought Down a Dynasty" (no original) nos apresenta Giancarlo Granda, um ex-funcionário do badalado Fontainebleau Hotel em Miami Beach, que compartilha detalhes íntimos sobre seu relacionamento de 7 anos com uma mulher 20 anos mais velha, Becki Falwell, e seu influente marido, Jerry Falwell Jr. Confira o trailer (em inglês):

Com uma pegada que mistura "Jeffrey Epstein: Poder e Perversão" (da Netflix) com "The Vow" (da HBO), "Proibido por Deus" é muito mais do que um olhar ingênuo sobre fantasias e desejos como pode parecer em seu primeiro ato, já que o roteiro não se limita em contar apenas as aventuras sexuais de um complicado e sórdido relacionamento de Granda com o casal de evangélicos, mas em uma camada mais profunda, ele discute a enorme influência que a rica cúpula evangélica americana tem sobre a política dos Estados Unidos e sobre a perigosa ascensão do ultra-nacionalismo cristão. Veja, é muito interessante como Corben vai contextualizando os acontecimentos envolvendo Granda e os Fallwell, e criando pontos de conexão com uma herança histórica, social e politica vergonhosa.

Através de uma narrativa extremamente envolvente e dinâmica que mostra, aí sim, os reflexos da falta de maturidade de um jovem ambicioso, o filme acaba provocando discussões significativas ao levantar questões importantes sobre as lideranças religiosas, sobre os valores mais conservadores, sobre a ética pessoal e, principalmente, sobre moralidade - talvez por isso, esse caso tenha ganhado uma repercussão tão importante ao mostrar a capacidade que os escândalos tem em influenciar a percepção pública e a reputação dos envolvidos em tempos de redes sociais, mesmo que isso vá mudando enquanto as verdades vão aparecendo.

Se apropriando de um tom de denúncia, "Proibido por Deus" funciona muito bem como entretenimento, no entanto não deixa de tocar em pontos sensíveis à condição humana que nos tiram de uma zona de conforto como audiência, e, claro, nos convida ao julgamento - esse conceito funciona tão bem que nem vemos o tempo passar, mesmo quando a história parece não caminhar para uma conclusão. Dito isso, tenho certeza que vale pela diversão então fica impossível não recomendar o play!

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Se em um primeiro olhar "Quadra de Ouro" parece uma segunda temporada do excelente "O Time da Redenção", posso te garantir que você vai se surpreender, pois essa minissérie da Netflix, produzida por nada menos que Barack Obama, é ainda melhor! Veja, a disputa por uma medalha de ouro no basquete olímpico nunca esteve tão acirrada. Nos últimos anos, a globalização do esporte reduziu as distâncias entre as seleções, tornando cada competição um verdadeiro espetáculo. É dentro desse contexto que "Quadra de Ouro"mergulha em um universo único, com um acesso sem precedentes aos bastidores das quatro seleções mais fortes do torneio de Paris 2024: EUA, França, Sérvia e Canadá. Bem ao estilo narrativo de "Formula 1: Dirigir paraViver" essa produção se apresenta como um registro envolvente do que é preciso para competir, e vencer, no mais alto nível do basquete mundial. Impressionante!

Com seis episódios,"Quadra de Ouro", na verdade, vai além da quadra, mostrando a preparação intensa, os desafios físicos e mentais, as rivalidades crescentes e os momentos de tensão que antecedem os jogos decisivos. Acompanhamos a rotina dos atletas, desde os treinos exaustivos até as conversas estratégicas nos vestiários, além das pressões externas que influenciam o desempenho dentro de quadra. O documentário costura habilmente momentos de bastidores com um recorte histórico do esporte a partir de depoimentos de estrelas como Kevin Durant, Steph Curry, Victor Wembanyama, Shai Gilgeous-Alexander e Bogdan Bogdanovic, além de lendas como Carmelo Anthony, Steve Nash e Tony Parker, que discutem a evolução do basquete internacional. Confira o trailer (em inglês):

O ponto alto de "Court of Gold", no original, está muito no contraste entre as seleções. Os EUA, com um legado dominante e a missão de retomar sua hegemonia, enfrentam uma nova geração de talentos internacionais prontos para desafiar sua supremacia. A França, impulsionada por Wembanyama, joga em casa e sente o peso da expectativa de sua torcida. A Sérvia, uma potência europeia tradicional, aposta na disciplina tática e na experiência de seus astros, especialmente Nikola Jokic; enquanto o Canadá, liderado por Shai Gilgeous-Alexander, representa a ascensão de uma nova força no cenário global. O roteiro da minissérie é muito bem amarrado, explorando a construção das rivalidades e o impacto da cultura esportiva em cada um desses países - especialmente na forma como o basquete é jogado e compreendido. Mais do que um simples registro olímpico, o roteiro é inteligente ao ponto de retratar a jornada a partir de seus ícones e referências, refletindo sobre o crescimento do basquete fora dos Estados Unidos e a democratização do talento de uma forma global.

Embora a minissérie se preocupe em mostrar como o esporte vai além das estatísticas, revelando os sacrifícios pessoais e a resiliência necessária para chegar ao topo, eu diria que a direção de Jake Rogal se preocupa muito mais em garantir um olhar imersivo no coletivo, especialmente por se tratar de um ambiente muito particular - as Olimpíadas de Paris. Nesse sentido, vale destacar que a montagem funciona perfeitamente ao intercalar imagens dos treinos com registros das partidas mais eletrizantes, capturando não apenas a intensidade do jogo, mas também as emoções individuais dos atletas e dos treinadores diante de uma competição tão importante. Ver os atletas americanos acompanhando outras modalidades durante os dias de competições, por exemplo, humaniza essa jornada, funcionando como um certo alívio narrativo para os momentos de maior tensão, como os jogos decisivos, as disputas por medalhas e os reflexos do peso emocional que impactam nas derrotas ou nas vitórias.

Com produção da Higher Ground Productions, em parceria com o Olympic Channel e Words + Pictures,  "Quadra de Ouro" é uma experiência essencial para os fãs do esporte. A minissérie entrega um registro envolvente e bem produzido da luta pelo ouro olímpico, trazendo à tona não apenas o talento e a estratégia, mas também nuances de comportamento que definem grandes campeões. Com um equilíbrio entre ação, drama e história, esta é uma das produções mais interessantes sobre o esporte que já acompanhamos e certamente vai merecer um lugar ao lado dos grandes documentários da atualidade, como a queridinha "The Last Dance"!

Vale muito o seu play!

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Quanto vale uma vida que se foi? Talvez essa seja a pergunta mais difícil de responder independente do motivo pelo qual ela está sendo feita. Em "Worth" (título original) temos a exata noção do quão dolorido é lidar com algum tipo de acordo ou compensação pela vida de alguém que amamos. Ao explorar um lado muito interessante, sensível e difícil do pós 11 de setembro, a jovem e talentosa diretora Sara Colangelo entrega um filme muito mais profundo que seu roteiro e talvez por isso não agrade a todos, mas que sem dúvida merece muito ser visto - mais ou menos como aconteceu com "Oslo".

Após os ataques de 2001 ao World Trade Center e ao Pentágono, o Congresso Americano nomeou o advogado e renomado mediador Kenneth Feinberg (Michael Keaton) para liderar o Fundo de Compensação às Vítimas do 11 de setembro. Encarregados de destinar recursos financeiros para as vítimas da tragédia, Feinberg e sua sócia Camille Biros (Amy Ryan), enfrentam a impossível tarefa de determinar o valor de uma vida, que servirá de auxílio para as famílias que sofreram perdas no atentado. Quando Feinberg conhece Charles Wolf (Stanley Tucci), um organizador comunitário que perdeu sua esposa naquele fatídico dia, ele entende que as coisas não são tão simples e práticas como uma fórmula matemática, e agora precisa encontrar uma maneira de conseguir se aproximar destas famílias que permanecem em luto para cumprir a missão pela qual foi designado. Confira o trailer:

Max Borenstein (Kong: A Ilha da Caveira) teve a difícil tarefa de construir uma linha narrativa interessante e convincente em cima de uma história real que, digamos, não tem uma dinâmica tão claras muito menos empolgante. A relação entre advogado e cliente, no cinema, funciona perfeitamente quando o conflito extrapola a lógica e a busca pela verdade a qualquer preço passa a ser o principal objetivo para alcançar o cálice sagrado da jornada do herói - por isso o fascínio por tantos filmes de tribunal que se tornaram inesquecíveis. Acontece que aqui, o roteiro não consegue seguir essa regra, pois o elemento marcante da história está na busca pelo respeito, pela dor e pelo luto de uma tragédia - e o protagonista não quer isso em nenhum momento.

Veja, o que nos toca em "Quanto vale?" são as histórias que ouvimos dos familiares das vítimas e não o processo de transformação de um personagem prático (como todo advogado) em um ser emocional capaz de se adaptar as circunstâncias para encontrar um solução mais humana e assim ter sucesso na sua missão. Embora Michael Keaton esteja sensacional (mais uma vez), em nenhum momento torcemos por Kenneth Feinberg ou por sua redenção - isso não nos move; por outro lado entender o que sentem as pessoas que tiveram que se relacionar com a perda ou precisam lidar com as marcas do 11 de setembro, isso sim nos toca, mas acaba sendo pouco explorado.

Baseado no livro escrito pelo próprio Feinberg, o protagonista de Keaton passa por uma difícil jornada e sem dúvida transformadora, mas no filme soa atropelada, desequilibrada. Quando Sara Colangelo traz para narrativa a força dos depoimentos doas vítimas, entendemos como a dor verdadeira é muito mais valiosa que os bastidores burocráticos que parece ser o assunto central - o objetivo de proteger a economia americana em um momento de crise para não deixar que companhias aéreas caíssem em longos e custosos processos judiciais. No filme, como "o" filme, quando se trata de uma tragédia como a de 11 de setembro, o burocrático por si só é frágil - o olhar humano vale muito mais do que os diálogos rebuscados que nos afastam da humanidade.

Dito isso, "Quanto vale?" mostra um ponto de vista diferente, curioso e doloroso; é muito bom, mas que não será inesquecível. Vale a pena pela história, pela verdade dos relatos e não pelo luta do protagonista. O play passa a ser essencial por ser mais uma peça importante desse enorme quebra-cabeça, cheio de variáveis que ainda estamos aprendendo a digerir com o passar dor anos. 

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De cara, “Quarto 2806: A Acusação” chama muito a atenção pela qualidade visual do documentário, e que só se fortalece pelos conceitos narrativos muito mais próximos da ficção do que normalmente estamos acostumados a encontrar em uma série como essa. Por outro lado, a história em si é muito indigesta, mas o diretor Jalil Lespert foi muito inteligente ao equilibrar "fatos" com "suposições" a todo momento, o que, naturalmente, nos provoca algumas emoções bem particulares - nem todas tão agradáveis. Veja, é como se estivéssemos assistindo um episódio de "House of Cards", mas da vida real e com consequências muito mais sérias!

A história acompanha as investigações a partir das acusações de assédio sexual de uma camareira (Nafissatou Diallo) de um hotel de luxo em Nova York, contra o ex-diretor do FMI e na época postulante a presidente da França, o político Dominique Strauss-Kahn. Confira o trailer:

Além de nos conduzir por uma narrativa de fácil entendimento, “Quarto 2806: A Acusação” nos mostra tanto a ascensão profissional de Strauss-Kahn, quanto uma verdadeira compulsão sexual que resultou na sua queda. Se a construção de sua carreira se mostrava sólida, suas atitudes pessoais, das mais íntimas às mais descaradas, iam minando seu enorme carisma perante o povo francês e se tornando um prato cheio para seus inimigos - entre eles, seu adversário político, Nicolas Sarkozy. O paralelo entre a maneira como a mídia internacional, particularmente a francesa, e as investigações nos EUA discutem sobre as questõesrelacionadas a DSK (como era conhecido) é apenas um reflexo de como o diretor vai nos colocando na posição de julgamento em todo momento, sem nem mesmo nos apresentar todas as peças do quebra-cabeça e isso é genial!

A acusação de Diallo inicialmente parece forte, consistente, mas depois se mostra insuficiente para batermos o martelo sobre a culpa de DSK, não pela falta de coerência do seu depoimento, mas pela dúvida que o caso vai levantando a cada nova descoberta, o que inclui algumas atitudes da própria vítima - e aqui não estamos nos colocando na posição de senhores da verdade, apenas levantando as versões que o próprio documentário nos apresenta e que a narrativa nos provoca com tanta maestria, como se fizéssemos parte do júri. Reparem como essa isenção de um pré julgamento só vai criando incertezas (mesmo que moralmente pendendo para um dos lados sempre) - a maneira como Anne Sinclair, mulher de Strauss-Kahn e herdeira de uma das maiores fortunas da França, lida com a situação é um grande exemplo dessa dualidade do documentário.

O fato é que “Quarto 2806: A Acusação” não mostra muitas respostas, mas apresenta opiniões e como uma boa conversa entre amigos, vai provocar a discussão e interpretações diferentes! Eu diria que a série de 4 episódios, vale muito a pena pela história, mas talvez tenha ainda mais valor pela forma como ela contada e por tudo que ela nos provoca! 

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"Quatro dias com ela"  é uma pancada e acreditem, essa pancada é ainda mais forte graças ao trabalho primoroso de Glenn Close e de uma irreconhecível, Mila Kunis. Na linha de "Querido Menino", o filme do diretor colombiano Rodrigo García (o mesmo de "Raymond e Ray") se apoia na jornada de sofrimento que é ter um filho drogado. Mesmo que o roteiro transite pelas perspectivas da mãe e da filha para um mesmo problema, sem dúvida que é no medo, na insegurança e no sentimento de culpa da mãe, que a trama alcança outro patamar. É como se a personagem de Close precisasse enfrentar seus próprios problemas antes mesmo de lidar com o problema de sua filha e ela faz isso não com os diálogos, mas sim com o olhar, com as pausas, com a respiração - tudo muito introspectivo. Lindo de ver!

A história é razoavelmente simples - após uma década de recaídas, mentiras e manipulações, Deb (Glenn Close) precisa acreditar que sua filha de 30 e poucos anos, Molly (Mila Kunis), finalmente está disposta a se livrar das drogas. Nos quatro dias mais cruciais da desintoxicação, antes de iniciar um tratamentos inovador, o relacionamento entre elas é colocado à prova e é quando todos os fantasmas do passado voltam a assombrar aquela relação completamente destruída pela heroína e por decisões que vão além do vício. Confira o trailer (em inglês):

Em 2016, Eli Saslow publicou um artigo no Washington Post intitulado “How’s Amanda? A Story of Truth, Lies and an American Addiction”. O texto explorava a onda de toxicodependência nos EUA através de um caso especifico: o de Amanda Wendler. Foi esse trabalho jornalístico que serviu de base para o argumento que o próprio Saslow viria a escrever, trazendo para ficção uma junção desse caso com outros casos reais que fizeram parte de sua pesquisa e que, olha, impressionam demais pela densidade dramática e pela realidade avassaladora do problema.

Eu diria até que existe uma certa sensibilidade na escolha conceitual de Garcia, que construiu o roteiro a partir do material de Saslow, ao utilizar um recorte mais pontual da relação entre Deb e Molly, onde a convivência de alguns dias acaba criando uma forte conexão de empatia entre a audiência e a viciada, sem necessariamente se apoiar no julgamento perante o problema em si, mas sim na busca por justificativas que teriam gerado aquele problema. Mesmo que uma certa visão preconceituosa da mãe para com a própria filha dite as regras dessa relação (o que é até natural), é pela expectativa de que dias melhores aconteçam que nos mantemos dispostos à acompanhar o drama das personagens.

Como era de se esperar, claro, "Four Good Days" (no original) segue ponto a ponto aquela cartilha dramática dos filmes que abordam a luta de pais que buscam não desistir de seus filhos viciados, com uma boa dose de resiliência e amor, mas que, mesmo nas melhores intenções, tendem a fragilizar o problema por não saberem lidar muito bem com sua causa. Sim, talvez o filme possa mesmo parecer linear demais para parte da audiência, daqueles que não arriscam e que acabam preferindo o dramalhão, mas não se engane, pois existe um profundidade na história que merece demais sua atenção.

Vale muito o seu play!

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Será preciso ter estômago para assistir esse documentário da Netflix graças, mais uma vez, a ganância humana que em troca de um bônus polpudo é capaz de colocar a vida de centenas (para não dizer milhões) de pessoas em risco. "Queda Livre: A Tragédia do Caso Boeing" vai além das investigações de dois acidentes aéreos com aviões da empresa, o filme dirigido pela competente Rory Kennedy contextualiza o mercado, faz um recorte corporativo da Boeing e ainda aponta vários pontos sensíveis que transformaram a empresa líder do setor em uma verdadeira bomba relógio no céu de todo o mundo. 

O documentário que fez o seu lançamento mundial noSundance Film Festival de 2022, tem pouco mais de 90 minutos e procura explorar como uma instituição que surgiu com o forte propósito de encurtar as distâncias entre diferentes pessoas do mundo inteiro, se transformou em uma potência corporativa e que depois abriu mão da segurança em detrimento do aumento dos valores de suas ações, colocando em xeque sua reputação, além de ter causado a morte de quase 350 pessoas. Confira o trailer (em inglês):

Antes de mais nada um aviso importante: evite assistir esse documentário se você tem algum tipo de receio em voar de avião. É sério!

Se você não se recorda, em outubro de 2018 e em março de 2019, com apenas 5 meses de diferença entre as tragédias (um número altíssimo dentro do universo da aviação), duas aeronaves da Boeing caíram misteriosamente. O primeiro acidente envolveu uma aeronave da Lion Air, uma companhia low-cost da Indonésia, e o segundo, o mesmo modelo 737 MAX, da Ethiopian Airlines; ambos os aviões eram os mais modernos da Boeing e adquiridos a pouquíssimo tempo.

Veja, o roteiro de Mark Bailey e Keven McAlester é muito inteligente ao criar um vinculo imediato entre a audiência e alguns familiares das vítimas, estabelecendo quem são os mocinhos e quem são os bandidos da história. Acontece que para os americanos aqueles que seriam os bandidos sempre foram motivo de orgulho para o país e é aí que somos surpreendidos, pois o que parecia apenas uma investigação de um acidente ao melhor estilo "Mayday - Desastres Aéreos" , na verdade é só a ponta do iceberg. Com uma edição primorosa, o documentário ganha uma dinâmica incrível ao usar vários elementos narrativos e dramáticos como depoimentos de muitos envolvidos em diversos estágios da investigação, imagens de arquivo, documentos confidenciais, reportagens da época, vídeos caseiros dos familiares das vitimas, simulações em CG, enfim, tudo para construir uma linha do tempo que vai muito além da nossa expectativa e do nosso conhecimento.

Para os empreendedores que assistem "Queda Livre: A Tragédia do Caso Boeing" um ponto deve chamar a atenção: como uma cultura pautada na segurança e na inovação foi completamente implodida depois do M&A (ou da aquisição) por parte da McDonnell Douglas, em 1997. A transformação foi tão grande, tão rápida e tão sem sentido que fica muito fácil desconstruir qualquer relação de empatia ou admiração que pudéssemos ter por algum executivo da Boeing durante o furacão (inclusive por seu CEO). Aos funcionários, alguns fatos apresentados no filme nos dão a exata sensação da pressão que sofriam e do receio que tinham em se posicionar para que tudo isso pudesse ter sido evitado - a ganância e a falta de humanidade da empresa são impressionantes!

Com uma linguagem simples que faz com que termos técnicos como MCAS (ou Maneuvering Characteristics Augmentation System) soem familiar, "Downfall: The Case Against Boeing" (no original) será uma belíssima surpresa para aqueles que gostam de documentários investigativos, bem construídos, com personagens importantes (o piloto de "Milagre do Rio Hudson", Chesley "Sully" Sullenberger também dá seu depoimento) e, principalmente, com provas e fatos muito sólidos!

Vale muito o seu play!

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Sob um primeiro olhar, "Querida Alice" pode dar a impressão de se tratar de um thriller psicológico anos 90 bem ao estilo "Dormindo com o Inimigo" ou "Atração Fatal", no entanto o filme de estreia da diretora inglesa Mary Nighy (de "Industry") vai muito além - ele traz para tela uma jornada íntima, realista e brutal sobre as dores de um relacionamento tóxico sem precisar impactar a audiência com imagens fortes para manter aquele impressionante clima de tensão que nos acompanha durante toda a jornada da protagonista. Veja, o filme não se preocupa em mostrar o abuso em si, ele apenas deixa subentendido, no entanto, a perspectiva de Alice para o seu drama é visceral!

Na trama acompanhamos a história da Alice do título (interpretada por Anna Kendrick), uma mulher cuja identidade foi se fragilizando com o tempo e com isso se desconectando das amizades graças a seu namorado, Ross (Charlie Carrick), um jovem artista psicologicamente abusivo. É quando Alice se junta com Tess (Kaniehtiio Horn) e Sophie (Wunmi Mosaku) para uma viagem entre amigas, que ela entende o quanto precisa encontrar forças para se libertar desse relacionamento que vem acabando com sua auto-estima pouco am pouco. Confira o trailer (em inglês):

"Querida Alice" estreou no Festival de Cinema de Toronto em setembro de 2022 e acabou sendo aclamado pela crítica especializada, o que gerou a expectativa de algumas indicações ao Oscar do ano seguinte - expectativas essas que não se confirmaram e, para mim, de maneira até injusta. Mesmo com uma aprovação de 86% no Rotten Tomatoes e uma atuação primorosa de Kendrick (tranquilamente a melhor de sua carreira), o filme não emplacou e continuou dividindo opiniões até hoje. Para muitos, ele é cadenciado demais - existe uma linha de comentários que defende que a história não evolui e quando ela finalmente encontra seu clímax, é solucionada rapidamente. Eu discordo, porém entendo essa resistência, já que o filme, de fato, se apoia muito mais nos fantasmas de Alice do que em cenas visualmente impactantes (por sua crueldade e brutalidade) que encontramos em outros filmes com o mesmo tema.

Nighy deliberadamente escolhe o caminho mais difícil para contar essa história que exige uma certa conexão com a protagonista para entender o sofrimento que ela está passando - por isso afirmo tranquilamente que as mulheres vão se relacionar melhor com o filme. A diretora esbanja sensibilidade e mostra dominar a gramática cinematográfica do suspense psicológico - guardem esse nome: Mary Nighy. Já conceitualmente, os roteiristas Alanna Francis e Mark Van de Ven (ambos do excelente "The Rest of Us") se apropriam muito mais das sensações de medo e angustia do que do embate psicológico expositivo - mesmo que a ótima montagem do talentoso Gareth C. Scales (de "O Espião Inglês") sugira um confronto iminente (mais ou menos como em  "A Assistente").

"Querida Alice" tem uma atmosfera tão realista que podemos nem nos dar conta que estamos falando de uma ficção. Embora o roteiro use uma subtrama frágil sobre o desaparecimento de uma jovem para criar um clima de suspense que nunca se concretiza, é na dor e na fragilidade emocional de Alice que a história realmente brilha - as crises de ansiedade e desespero da protagonista são tão realistas quanto chocantes, e podem ser passíveis de gatilhos para quem sofre de síndrome do pânico, então cuidado ao dar o play. Por outro lado, aqui também temos um drama importante, bem realizado e muito bem equilibrado, que talvez se distancie um pouco do entretenimento barato para expor como o abuso psicológico pode ser tão perigoso e avassalador quanto o fisico.

Vale muito seu play!

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"Querido Menino" é um soco na boca do estômago por defender uma tese que vai completamente contra ao que acreditamos ser o remédio para tudo na vida: o amor não resolve todos os problemas do mundo! O diretor belga Felix van Groeningen, que já tinha mostrado todo o seu talento no premiado (e imperdível) "Alabama Monroe", usa toda a sua capacidade e sensibilidade para construir uma narrativa completamente claustrofóbica e viceral para contar a história real de um jovem garoto, amado e acolhido por todos, que luta para vencer as drogas - mas aqui o foco foge um pouco do problema do usuário e passa pelas consequências emocionais de quem o amou e o acolheu!

O filme aborda a relação entre um pai e seu filho. David (Steve Carell) é um respeitado jornalista, com textos publicados na Rolling Stone e no New York Times. Ele vive com sua segunda esposa e seus três filhos. O mais velho, Nic (Timothée Chalamet), fruto do primeiro casamento de David, está prestes a entrar para a universidade quando ele se vê em meio a uma rotina de consumo de drogas que começa a abalar seu dia a dia e a relação com seu pai. Confira o trailer:

"Querido Menino" é inspirado em dois livros, um de memórias do jornalista David Sheff chamado "Beautiful Boy" e outro do seu filho, Nic, "Tweak". O roteiro foi escrito pelo diretor ao lado de Luke Davies (responsável por "Lion" e "Relatos do Mundo") e trabalha muito bem dois sentimentos que deveriam estar em prateleiras separadas mas que acabam se tornando um consequência do outro: impotência e culpa! Mesmo sem uma exposição tão clara, é possível perceber que Nic se tornou mais introspectivo após o divórcio dos pais - a cena em que David se despede de Nic ainda criança no aeroporto, é simples, potente e esclarecedora. A fragilidade do garoto, não tem ligação nenhuma com o amor que recebia, mas talvez toda a liberdade e a enorme confiança, sim. É impressionante como o diretor nos coloca na posição de observador e nos provoca o julgamento a cada nova informação (muitas delas vindo das próprias atitudes de Nic durante a vida). O que leva o garoto para vício não foi a troca descontraída entre pai e filho e um cigarro de maconha, mas entendendo o contexto, isso não pode ter sido um gatilho?

O roteiro é muito cuidadoso em não apontar os culpados, mas também não deixa de indicar algumas pistas - seja pela troca de acusações entre os pais separados pelo celular ou a falta de pertencimento que o garoto sentia dentro da nova estrutura familiar que o pai criou. O interessante é que Felix van Groeningen usa a mesma estrutura narrativa fragmentada de "Alabama Monroe" e mais uma vez, nos entrega as peças "bagunçadas" para nós interpretarmos e só depois montarmos, de acordo com a nossa percepção de valor e capacidade analítica - o responsável pela edição, inclusive, é o mesmo Nico Leunen. 

Um detalhe importante: o filme jamais demoniza o usuário de drogas e isso impacta diretamente na performance de Chalamet (indicado ao Globo de Ouro pelo papel), mas quem brilha mesmo, sem dúvida, é Steve Carell! Carrell entrega uma introspecção impressionante, passando toda a complexidade e desespero de um pai que se vê seu filho caminhar para a morte, sem saber o que fazer e, mais interessante, sem perder o tom - que seria extremamente natural para causar impacto em cenas de confronto. O fato é que o impacto do filme está no que é sentido e nunca no que é dito - e aqui eu peço que vocês reparem na cena em que a mulher de David, Karen (Maura Tierney), vai atrás de Nic com seu carro e em um determinado momento, desiste. Nada mais simbólico que isso, sem um palavra, só sentimento!

"Querido Menino" mostra que a jornada na dependência química não é somente do viciado, mas de todos aqueles que o amam e que as drogas (e o álcool) é a consequência, nunca a causa do problema. Mas qual o problema? Essa é a pergunta que David tenta responder como pai, mas que nem Nic, como filho, consegue entregar e mesmo sem o roteiro citar a depressão como gatilho para as atitudes do garoto, Groeningen, com muita sensibilidade, faz com que nosso sinal de alerta seja ligado para refletirmos e, principalmente, olharmos para dentro.

Vale muito a pena, mas esteja preparado para uma jornada difícil!

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A adaptação da HQ "The Kitchen", da Vertigo, pela estreante na direção Andrea Berloff (indicada ao Oscar pelo roteiro de Straight Outta Compton: A História do N.W.A), é boa, mas poderia ser melhor. "Rainhas do Crime" é um exemplo claro de uma história com enorme potencial que é transformada em um bom filme, nada mais que isso. O que poderia ser o grande mérito da produção acabou se transformando no seu maior problema. É clara a tentativa da diretora de usar o empoderamento feminino como bandeira para dar o tom do filme e, sim, isso era importante, mas não essencial, pois a própria dinâmica da história já passaria a mensagem por si só se fosse bem trabalhada. 

Para você ter uma idéia, o  filme retrata uma Nova York no final dos anos 70, onde Kathy (Melissa McCarthy), Ruby (Tiffany Haddish) e Claire (Elisabeth Moss) estão casadas com mafiosos irlandeses que comandam os negócios em Hell's Kitchen (exato, o mesmo cenário do Demolidor). Quando seus maridos são presos após um assalto mal sucedido, o trio fica a mercê do novo chefe local, Little Jackie (Myk Watford), que se recusa repassar o dinheiro necessário para o sustento delas e de suas famílias. Entendendo que a situação apenas pioraria com o tempo, Kathy, Ruby e Claire decidem então unir forças para tomar o poder do bairro, oferecendo apoio e proteção aos pequenos comerciantes locais. O poder do trio cresce tanto, que além de começar a incomodar Little Jackie, também chama a atenção da máfia italiana no Brooklin. A partir daí inicia-se uma guerra, onde as três mulheres precisam resolver as diferenças entre elas ao mesmo tempo que procuram se estabelecer no poder e impedir que os homens possam, de alguma forma, retomar os negócios.

"Rainhas do Crime" tem no seu elenco, o maior trunfo. O trio de protagonistas realmente faz a diferença. Destaque para Elisabeth Moss (The Handmaid's Tale) que usa o silêncio como forma de expressão, capaz de passar todo o sentimento de opressão que sua personagem viveu durante seu casamento só com o olhar. Já Melissa McCarthy usa e abusa da sua capacidade de se questionar a todo momento e isso gera uma sensação de insegurança que cai como uma luva para sua personagem. E por fim, Tiffany Haddish, um surpreendente trabalho se levarmos em consideração que sua praia é a comédia! É importante dizer que a diretora Andrea Berloff é competente no que se propõe a fazer, embora eu tenha achado suas escolhas conceituais muito superficiais, o filme que ela entrega é divertido de se assistir. O roteiro derrapa um pouquinho, não desenvolve muito bem as personagens e suas motivações são rapidamente apresentadas (e resolvidas). Faltou um pouco da jornada de transformação e isso fez falta. Um detalhe que me incomodou foi a tentativa do plot twist do 3º ato que envolveu a personagem "Ruby" - tudo foi tão mal construído que pareceu idéia do montador e não do roteirista e essa escolha prejudicou demais o final do filme. Digamos que ficou tudo atropelado!

O fato é que "Rainhas do Crime" perdeu uma grande oportunidade de ser um grande filme. Com esse elenco, um pouco mais de violência e um conceito visual com mais identidade, certamente, o filme faria muito mais barulho. Sinceramente pareceu que o propósito pessoal da diretora se tornou maior que a sua própria obra e isso imprimiu na tela e vem gerando muitas críticas. Uma pena, eu até gostei do filme, me diverti, mas de fato a impressão que ficou é que "Rainhas do Crime" não decola. Acho o até que a história é tão boa que funcionaria muito melhor se tivesse sido desenvolvida como série. Como filme, um entretenimento para um dia chuvoso.

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O cinema tem uma longa tradição de explorar histórias baseadas em eventos reais, mas poucos filmes conseguem capturar a tensão de uma situação verídica com a precisão e o minimalismo de "Reality"- no entanto, ele vai dividir opiniões, muito mais por sua forma do que pelo seu conteúdo. Eu diria que se você não gostou do conceito narrativo de "A Assistente", possivelmente você também não terá um boa experiência com "Reality", mas saiba que o inverso é proporcionalmente verdadeiro! Dirigido pela Tina Satter e estrelado pela queridinha Sydney Sweeney, o filme adapta para as telas a transcrição exata do interrogatório do FBI com Reality Winner, ex-funcionária da NSA (Agência de Segurança Nacional dos EUA) que supostamente vazou um documento confidencial sobre a interferência russa nas eleições presidenciais de 2016. Com uma abordagem, não por acaso, quase teatral e uma direção meticulosa, "Reality" se destaca como um thriller psicólogo e político atípico, que transforma diálogos burocráticos em uma experiência claustrofóbica e muito angustiante.

O filme inteiro se desenrola em 3 de junho de 2017, quando Reality Winner (Sweeney) retorna para casa e é imediatamente confrontada por agentes do FBI. Em tempo real, acompanhamos seu interrogatório, conduzido por dois agentes interpretados por Josh Hamilton e Marchánt Davis, enquanto a tensão cresce a cada resposta aparentemente inocente. O roteiro é construído inteiramente com base na transcrição do interrogatório oficial, o que confere ao filme um senso de autenticidade raro, sem concessões dramatúrgicas convencionais. A escolha de manter cada hesitação, pausa e repetição de palavras enfatiza a frieza do processo e a vulnerabilidade da protagonista. Confira o trailer (em inglês):

Tina Satter, que já havia explorado essa história no teatro com "Is This a Room", transporta sua visão para o cinema com uma direção extremamente austera e econômica. Sua câmera permanece próxima dos personagens, capturando os mínimos gestos e expressões, enquanto a montagem sutil reforça a crescente opressão psicológica que a protagonista precisa lidar. A decisão de manter a ação restrita ao ambiente fechado da casa de Reality contribui para todo esse caráter claustrofóbico e angustiante da narrativa, criando um senso de sufocamento que se intensifica conforme o interrogatório avança - é impossível você não se colocar no lugar dela e assim sentir seus medos e receios. Além disso, o uso ocasional de silêncios e sobreposições sonoras (como as falas censuradas da transcrição original) sublinha a natureza fria e meticulosa dessa operação do FBI.

Sydney Sweeney entrega, possivelmente, a melhor performance de sua carreira, afastando-se completamente de seus papéis anteriores em "Euphoria" e "The White Lotus". Aqui, ela encarna uma Reality com um realismo impressionante, equilibrando nervosismo, confusão e resignação diante de uma situação que rapidamente foge do seu controle (mesmo ela tentando manter a calma). Seu trabalho corporal e a maneira como ela reage aos agentes do FBI sem recorrer a exageros dramáticos demonstram uma maturidade impressionante como atriz - não por acaso ela foi indicada ao Critics Choice Award em 2024. Já Josh Hamilton e Marchánt Davis, como os agentes interrogadores, também brilham ao trazer uma performance contida, no tom exato, que enfatiza a banalidade do mal. Veja, aqui não há vilões caricatos, apenas burocratas fazendo seu trabalho de forma fria e impessoal.

A grande verdade é que o que torna "Reality" tão impactante é a sua capacidade de transformar um simples diálogo em um thriller psicológico denso e inquietante. A ausência de trilha sonora, a iluminação naturalista e a montagem linear fazem com que a audiência sinta o peso da manipulação exercida durante o interrogatório - temos impressão que nada acontece, mas na realidade aquilo é nos leva para um caos íntimo e sem fim. Para mim,"Reality" é um estudo muito poderoso e atual sobre poder, vigilância, privacidade e, claro, sobre as consequências de desafiar um sistema que costuma ser implacável.

Vale muito o seu play!

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Se você gostou de "WeCrashed", "The Dropout", "Super Pumped: A Batalha Pela Uber" e da também alemã, "Batalha Bilionária: O Caso Google Earth", pode ter certeza que você vai se divertir (e muito) com a sátira inteligente e muito bem equilibrada de "Rei dos Stonks". Essa é mais uma série sobre startups, CEOs excêntricos e, claro, fraudes; porém o seu diferencial, além de ser "baseado em fatos reais mas sem citar nomes", é o tom - se em todas as outras referências sobre o assunto, o drama pautava a narrativa, aqui é a dramédia, o que, diga-se de passagem, se encaixa perfeitamente ao tema. ;)

A trama gira em torno de Felix Armand (Thomas Schubert) um co-founder pouco reconhecido que quer chegar ao topo de sua Startup. Ele é o cérebro por trás da Fintech mais bem sucedida de todos os tempos da Alemanha - uma espécie de PayPal, que recebeu o sugestivo nome de CableCash. Pois bem, tudo começa a complicar após o IPO, onde é descoberto algumas movimentações suspeitas, investidores enganados, relações institucionais com mafiosos e sites de conteúdo impróprio, etc. Porém Felix acredita que tudo pode melhorar e como um "bom" empreendedor, luta com unhas e dentes para salvar sua empresa do desastre ao mesmo tempo em que tem que lidar com um CEO sem noção, Dr. Magnus Cramer (Matthias Brandt). Confira o trailer (em alemão):

Com uma narrativa mais despojada, divertida e leve como vimos em "Batalha Bilionária: O Caso Google Earth" e até em "Clark" (para citar produções fora dos EUA, mas que fizeram sucesso na Netflix), "Rei dos Stonks" tem claras influências de “O Lobo de Wall Street” de Martin Scorsese e do igualmente excelente “A Grande Jogada” de Adam McKay, com isso em mente fica fácil lembrar de uma das séries mais bacanas disponíveis no catálogo da Netflix atualmente: “Como Vender Drogas Online (Rápido)” - e claro que nada disso é por acaso, afinal Matthias Murmann (criador) e o time de produtores são os mesmos.

O ponto alto, sem a menor dúvida, é a forma como os roteiristas traçam paralelos entre o absurdo e o real - até porquê sabemos que muitas coisas que vemos em Startups nem são tão absurdas assim, basta lembrar das estripulias de Adam Neumann (da WeWork) e de Travis Kalanick (do UBER). O CEO da CableCash, Dr. Magnus Cramer, é a soma estereotipada de todos eles que sonha em ser reconhecido e respeitado como Jeff Bezos, Steve Jobs e, claro, Elon Musk (seu ídolo) - as citações são frequentes. Só por isso já teríamos uma série divertida, mas o fator "crescimento a qualquer custo" entra com força na história e tudo parece fazer ainda mais sentido - ver as jogadas de Felix para tentar salvar a empresa, é impagável.

Embora "Rei dos Stonks" seja um sátira, não vemos uma mão tão pesada no conceito narrativo quanto em "Silicon Valley" da HBO, mas diverte igual. A dinâmica dos episódios, como não poderia deixar de ser sabendo dos nomes envolvidos, é empolgante; porém as tramas mais profundas podem se tornar confusas para quem não está ambientado com o universo startupeiro e empreendedor - além de muitos personagens, os assuntos exigem um raciocínio lógico e um conhecimento sobre as artimanhas de investimento e relações corporativas (muito até é explicado, mas de forma rápida). Dito isso, a série vai agradar mais um nicho que parece estar crescendo dado o número de produções que vem explorando o tema - e essa é mais uma das boas!

Obs: A CableCash da vida real se chama Wirecard, mas muito do que se vê em tela realmente ocorreu. A empresa inicialmente se envolvia com traficantes de drogas, prostituição e pornografia on line, ou seja, clientes que queriam discrição em seus negócios. A série mostra bem essa relação conflituosa e também é eficaz em tentar explicar a dificuldade de legitimar a empresa e leva-la para outro patamar, no caso, o de capital aberto.

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Essa é mais uma história do esporte que merecia ser contada e diferente do que estamos acostumados, aqui o foco é o remo! Mas não desanime, já que esse esporte pode até parecer pouco convencional para nós brasileiros, mas aqui é a jornada que importa. Dirigido pelo astro George Clooney e baseado na história real da equipe de remo da Universidade de Washington, o filme nos convida a mergulhar na década de 1930, época marcada pela Grande Depressão e pela ascensão do nazismo - embora o contexto sócio-politico, de fato, não seja o foco. Eu quero dizer é que em "Remando para o Ouro" o que realmente interessa é o drama esportivo pela perspectiva de seus atletas, da perseverança, da superação e de certa forma, do poder transformador do trabalho em equipe.

"The Boys in the Boat" (no original) basicamente retrata a história real de um grupo de jovens azarões que acabam sob os holofotes do esporte ao enfrentarem de igual para igual rivais da elite americana do remo até alcançarem o grande objetivo de disputar os Jogos Olímpicos de Berlim em 1936. Confira o trailer (em inglês):

Se você procura originalidade pode ser que você não se conecte com "Remando para o Ouro", já que sua narrativa é extremamente linear e muito previsível. Por outro lado, o que nos encanta nesse projeto liderado por Clooney é justamente a simplicidade com que ele conta essa história - claramente esse é um daqueles filmes despretensiosos e gostosos de assistir. Para alinhar as expectavas, não espere mais do que um agradável e curioso entretenimento. Embora o roteiro do Daniel James Brown (autor do livro que deu origem ao filme) e do Mark L. Smith (de "O Regresso") não se limite a ser um mero conto de fadas sobre uma equipe de remo, eu diria que é na fórmula "importância da resiliência", "trabalho em equipe" e "busca pelos nossos sonhos" que a narrativa se apoia. Agora é preciso ressaltar: todo o contexto que a equipe de remo da Universidade de Washington estava inserida faz dessa jornada algo muito especial!

A direção de Clooney é precisa e envolvente, mas conservadora. Ele conduz a narrativa com ritmo impecável, alternando com maestria momentos de ação e tensão com cenas de profunda introspecção e emoção. A fotografia do Martin Ruhe (de "O Céu da Meia-Noite") captura com maestria a beleza das paisagens e a grandiosidade das competições de remo nos EUA e depois em Berlin - as cenas das regatas, acreditem, são excelentes! Obviamente que a trilha sonora, em um filme esportivo, é um elemento essencial para a construção das camadas emocionais da história e aqui o trabalho de Alexandre Desplat (vencedor de dois Oscars por "A Forma da Água" e "O Grande Hotel Budapeste") é simplesmente sensacional!

Embora o filme peque na construção de personagens complexos e multidimensionais, Callum Turner, ainda assim, entrega uma performance honesta. O ponto é que "Remando para o Ouro" vem com esse mood inspirador, emocionante e visualmente deslumbrante - um filme feito para te tocar com uma história improvável de jovens remadores que, contra todas as probabilidades, alcançaram a glória e provaram (e aqui me desculpe o tom auto-ajuda) que mais importante que o "destino" é o "caminho"!

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"Rio-Paris: A Tragédia do Voo 447", minissérie produzida pelo Globoplay, não deixa absolutamente nada a desejar para obras semelhantes como "Voo 370: O Avião Que Desapareceu" ou "Queda Livre: A Tragédia do Caso Boeing", ambas da Netflix, ou "Risco de Voo", da Prime Vídeo. E já adianto: você vai assistir esses quatro episódios com um certo nó na garganta! Em um ano marcado por diversas homenagens e reflexões depois de 15 anos da tragédia do voo da Air France, essa obra documental chama atenção pela qualidade técnica e artística, além de uma bem construída linha narrativa que se apoia em vasto material de pesquisa, que certamente vai intrigar aqueles que buscam ir além dos fatos para mergulhar em uma complexa história por trás do acidente que vitimou 228 pessoas, de 32 nacionalidades, sendo 59 brasileiros. Mais do que um doloroso relato factual, a produção se destaca como um tributo sensível às vítimas, entrelaçando o jornalismo investigativo com o drama pessoal de alguns familiares, em uma jornada capaz de nos prender a atenção do início ao fim sem deixar qualquer espaço para sequer retomarmos o fôlego.

Basicamente, "Rio-Paris - A Tragédia do Voo 447" acompanha os bastidores da investigação sobre a queda do avião da Air France, que aconteceu no dia 1º de junho de 2009, reconstruindo minuto a minuto, a infeliz cadeia de acontecimentos, falhas tecnológicas e de procedimento que causaram a queda do avião no mar. Além das dificuldades de encontrar os destroços e o trauma das famílias que foram destruídas pela tragédia, a minissérie ainda pontua como esse acidente foi mudando na história da aviação de lá para cá.

Filmado na França, nos Estados Unidos e no Brasil ao longo de três meses, a minissérie nos conduz por uma jornada indigesta de investigação, construindo uma narrativa muito acessível e fácil de compreender até para os mais leigos. É perceptível como a direção se preocupou em cobrir todos os fatos respeitando uma linha temporal coerente - veja, os detalhes que antecederam a queda, bem como as particularidades que aconteceram durante o voo e, obviamente, após o acidente do avião, tudo vai sendo desvendado ponto a ponto, sem atropelos ou julgamentos precipitados. A direção sabe perfeitamente como conectar os depoimentos comoventes de familiares das vítimas, que compartilham suas histórias de perda e de luto, com a busca por resposta a partir de reconstituições muito bem feitas, sempre apoiadas aos dados recuperados das caixas-preta do Air France 447. É impressionante como essa dinâmica nos aproxima da angústia e do desespero vivenciados naquela noite de junho de forma tão visceral e multifacetada.

"Rio-Paris" se destaca pela qualidade impecável da pesquisa jornalística da Globo e de seu vasto material de arquivo, no entanto a produção também merece ser reconhecida pelas intervenções de CG e pela gramática mais ficcional que, ao mesmo tempo que capturam a tensão antes da queda, recriam uma trilha de acontecimentos que fazem toda diferença para a nossa experiência como audiência. Se a narrativa peca na falta de emoção ao dublar os diálogos entres os pilotos durante o voo, sem dúvida que o conceito estético/visual da minissérie deixa bem claro como tudo aconteceu. Aqui também preciso citar a trilha sonora que envelopa os depoimentos dos familiares das vítimas - ela é tocante, melancólica, mas belíssima. Repare como ela sublinha a carga emocional das entrevistas de uma forma sensível e reflexiva, criando sensações bastante desconfortáveis.

Dirigido porRafael Norton, com roteiro de Andrey Frasson e Gabriel Mitani, "Rio-Paris: A Tragédia do Voo 447" é um convite à reflexão sobre os limites da segurança dos voos, sobre as condições humanas em momentos que exigem total controle emocional, além, é claro, de ser um lembrete importante sobre a luta por justiça e respeito a memória daqueles que partiram tão tragicamente. Imperdível para quem gosta de histórias marcantes, para quem busca entender essa complexa história por trás do acidente e assim se conectar com a dor e a esperança daqueles que foram profundamente impactados por ele, mais uma vez, eu te digo: a Globoplay realmente entrega um documentário digno de muito prêmios!

Imperdível!

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Se você gostou do documentário "Queda Livre: A Tragédia do Caso Boeing", certamente você vai gostar de "Risco de Voo" - essa produção funciona como uma espécie de continuação da elogiada produção da Netflix. Mesmo tocando em pontos similares, a forma é completamente diferente, criando um senso de complementariedade  que certamente vai fazer sentido para você que se interessa pelo assunto. Se em um o foco é a investigação sobre os acidentes com os dois 737 MAX da Boeing, o outro diz respeito as consequências desses acidentes na vida dos familiares e como advogados, ex-funcionários da empresa, jornalistas investigativos e políticos tentaram impedir que mais tragédias como essas acontecessem.

"Flight/Risk"(no original) acompanha a vida de pessoas comuns que se veem envolvidas em tragédias quando dois aviões Boeing 737 Max caem com diferença de apenas cinco meses em 2018 e 2019. Este impactante documentário é contado pela perspectiva de membros das famílias afetadas, seus representantes jurídicos, delatores da Boeing e de Dominic Gates, jornalista do Seattle Times e vencedor do prêmio Pulitzer. Confira o trailer (em inglês):

Dirigido pelo premiado e polêmico diretor Karim Amer (de "Privacidade Hackeada" e "The Vow") e que foi produtor de "The Square" (indicado ao Oscar de Melhor Documentário em 2013),  "Risco de Voo" é um verdadeiro soco no estômago! Toda a questão sobre a ganância dos executivos da Boeing, com o intuito de otimizar os processos de produção de novas aeronaves e assim alcançar metas que se transformariam em bônus exorbitantes, mesmo que para isso fosse necessário abrir mão da segurança, volta a ser discutida só que dessa vez com um peso emocional mais latente já que o envolvimento dos personagens aqui, parte sempre do elo mais fraco.

Com depoimentos de pessoas que estiveram envolvidas direta, ou indiretamente, aos eventos, o documentário constrói uma linha narrativa potente embora menos didática que "Queda Livre". Como Amer praticamente segue com sua câmera quatro personagens em suas respectivas cruzadas (cada qual com seu objetivo), a dinâmica da história fica muito fragmentada, em alguns momentos até incompleta; por outro lado, esse conceito impõe uma realidade extremamente brutal para o roteiro - o que transforma nossa experiência como audiência em algo mais visceral, dolorido.

A dor de uma filha que perdeu seu pai, aliás, é o ponto de partida. Zipporah Kuria é o rosto e a voz dos familiares; já o advogado Justin Green, luta para que todos parentes das vitimas tenham os mesmos direitos sobre as indenizações; enquanto isso o famoso repórter investigativo Dominic Gates, tenta encontrar mais provas sobre a relação direta entre os dois acidentes; e até o ex-funcionário da Boeing, Edward Pierson, que alertou os altos executivos sobre os riscos de colocar o 37 MAX nos céus, procura conviver com o peso de ter tido conhecimento do problema de segurança e não ter sido ouvido, o que o faz entrar em um forte embate com FAA (Federal Aviation Administration), órgão que deveria inspecionar as atividades da empresa, mas não o fez por influências politicas - são essas as histórias que se cruzam e que se completam em uma atmosfera de muita tristeza e ganância, que mais uma vez coloca a vida humana em segundo plano.

Vale muito o seu play, mas esteja preparado para uma jornada pesada!

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