É praticamente impossível iniciar qualquer conversa sobre o excelente "Druk - mais uma rodada", sem pontuar que ele foi o grande vencedor da categoria "Filme Internacional" no Oscar de 2021 - isso sem falar nas mais de 60 vitórias que colecionou ao redor do mundo em festivais e premiações como Goya, César e Bafta, para citar só os "fora dos EUA". Dito isso, fica fácil atestar que o filme dirigido pelo "pra lá de talentoso", Thomas Vinterberg (do imperdível "A Caça"), é uma experiência cinematográfica universal que cativa a audiência desde os primeiros minutos até um emocionante desfecho. Essa obra, que explora a relação entre álcool e a vida cotidiana de maneira única, é uma verdadeira pérola do cinema contemporâneo que merece muito a sua atenção. Aliás, o que torna "Druk" tão especial assim é justamente a profundidade da narrativa e como a impecável performance do elenco, liderado por Mads Mikkelsen, estão tão bem alinhados ao ponto de abordar temas tão complexos com um toque impressionante de humanidade.
Em "Another Round" (no original) acompanhamos a história de quatro amigos, professores de meia-idade, interpretados por Mads Mikkelsen (Martin), Thomas Bo Larsen (Tommy), Magnus Millang (Nikolaj) e Lars Ranthe (Peter), que decidem embarcar em um experimento, no mínimo, ousado: manter um nível constante de álcool no sangue para melhorar suas vidas pessoais e profissionais. No início, essa aventura os leva a redescobrir o prazer da vida, mas, à medida que o experimento avança, eles se veem confrontando as consequências e desafios inesperados. Confira o trailer:
Não é preciso ser um especialista para perceber como Vinterberg (também indicado ao Oscar como "Melhor Diretor") e sua equipe técnica alcançam uma harmonia excepcional entre a direção, o texto, a fotografia e a trilha sonora. A cinematografia de Sturla Brandth Grovlen (de "Victoria") capta brilhantemente a transformação gradual dos personagens e sua crescente euforia à medida que seus níveis de álcool vão subindo e subindo. Essa "dança visual" espelha as oscilações emocionais dos protagonistas - o que deixa claro que tudo aquilo não passa de uma “ideia estúpida” pela óbvia possibilidade de se transformar em alcoolismo, no entanto existe um ponto a ser levado em conta: o olhar sobre as necessidades de cada um em termos de relações interpessoais. Reparem como a montagem de Janus Billeskov Jansen e a trilha sonoracomplementam de maneira sutil e eficaz os momentos de intensidade emocional, ressaltando toda aquela atmosfera envolvente do filme.
Mads Mikkelsen entrega uma das melhores performances de sua carreira - chega a ser impressionante o carisma tão raro para um ator escandinavo capaz de trazer complexidade e autenticidade ao personagem sem soar expositivo demais. Sua jornada de transformação como Martin, do professor desanimado até o homem redescobrindo sua paixão pela vida, é convincente e comovente ao mesmo tempo - o que na minha opinião justificaria sua indicação (já tardia) para o Oscar de Melhor Ator. Aliás, todo o elenco se destaca, cada qual com suas dores e alegrias, proporcionando um equilíbrio perfeito entre humor e drama como poucas vezes encontramos.
"Druk" é de fato uma obra que nos faz refletir sobre a nossa relação com o álcool, sobre a busca pela autenticidade na vida adulta e a importância de viver plenamente - esse contexto de crise de meia idade é bastante linear na sua previsibilidade, no entanto é envolvente e de fácil identificação. Com isso Vinterberg nos entrega uma verdadeira experiência emocional, que desafia expectativas, oferecendo uma certa crítica à hipocrisia social - se existe uma "moral da história" muito simples em favor da alegria de viver, não se deve deixar de discutir como uma sociedade é capaz de reconhecer sua patológica sensação de tédio e de fadiga espiritual tão "facilmente".Ao final, claro, o filme se propõe a deixar uma mensagem emocionalmente impactante sobre a importância de encontrar um equilíbrio na vida, no entanto saiba que aqui o interessante é mesmo a jornada, não o seu fim!
Vale muito o seu play!
É praticamente impossível iniciar qualquer conversa sobre o excelente "Druk - mais uma rodada", sem pontuar que ele foi o grande vencedor da categoria "Filme Internacional" no Oscar de 2021 - isso sem falar nas mais de 60 vitórias que colecionou ao redor do mundo em festivais e premiações como Goya, César e Bafta, para citar só os "fora dos EUA". Dito isso, fica fácil atestar que o filme dirigido pelo "pra lá de talentoso", Thomas Vinterberg (do imperdível "A Caça"), é uma experiência cinematográfica universal que cativa a audiência desde os primeiros minutos até um emocionante desfecho. Essa obra, que explora a relação entre álcool e a vida cotidiana de maneira única, é uma verdadeira pérola do cinema contemporâneo que merece muito a sua atenção. Aliás, o que torna "Druk" tão especial assim é justamente a profundidade da narrativa e como a impecável performance do elenco, liderado por Mads Mikkelsen, estão tão bem alinhados ao ponto de abordar temas tão complexos com um toque impressionante de humanidade.
Em "Another Round" (no original) acompanhamos a história de quatro amigos, professores de meia-idade, interpretados por Mads Mikkelsen (Martin), Thomas Bo Larsen (Tommy), Magnus Millang (Nikolaj) e Lars Ranthe (Peter), que decidem embarcar em um experimento, no mínimo, ousado: manter um nível constante de álcool no sangue para melhorar suas vidas pessoais e profissionais. No início, essa aventura os leva a redescobrir o prazer da vida, mas, à medida que o experimento avança, eles se veem confrontando as consequências e desafios inesperados. Confira o trailer:
Não é preciso ser um especialista para perceber como Vinterberg (também indicado ao Oscar como "Melhor Diretor") e sua equipe técnica alcançam uma harmonia excepcional entre a direção, o texto, a fotografia e a trilha sonora. A cinematografia de Sturla Brandth Grovlen (de "Victoria") capta brilhantemente a transformação gradual dos personagens e sua crescente euforia à medida que seus níveis de álcool vão subindo e subindo. Essa "dança visual" espelha as oscilações emocionais dos protagonistas - o que deixa claro que tudo aquilo não passa de uma “ideia estúpida” pela óbvia possibilidade de se transformar em alcoolismo, no entanto existe um ponto a ser levado em conta: o olhar sobre as necessidades de cada um em termos de relações interpessoais. Reparem como a montagem de Janus Billeskov Jansen e a trilha sonoracomplementam de maneira sutil e eficaz os momentos de intensidade emocional, ressaltando toda aquela atmosfera envolvente do filme.
Mads Mikkelsen entrega uma das melhores performances de sua carreira - chega a ser impressionante o carisma tão raro para um ator escandinavo capaz de trazer complexidade e autenticidade ao personagem sem soar expositivo demais. Sua jornada de transformação como Martin, do professor desanimado até o homem redescobrindo sua paixão pela vida, é convincente e comovente ao mesmo tempo - o que na minha opinião justificaria sua indicação (já tardia) para o Oscar de Melhor Ator. Aliás, todo o elenco se destaca, cada qual com suas dores e alegrias, proporcionando um equilíbrio perfeito entre humor e drama como poucas vezes encontramos.
"Druk" é de fato uma obra que nos faz refletir sobre a nossa relação com o álcool, sobre a busca pela autenticidade na vida adulta e a importância de viver plenamente - esse contexto de crise de meia idade é bastante linear na sua previsibilidade, no entanto é envolvente e de fácil identificação. Com isso Vinterberg nos entrega uma verdadeira experiência emocional, que desafia expectativas, oferecendo uma certa crítica à hipocrisia social - se existe uma "moral da história" muito simples em favor da alegria de viver, não se deve deixar de discutir como uma sociedade é capaz de reconhecer sua patológica sensação de tédio e de fadiga espiritual tão "facilmente".Ao final, claro, o filme se propõe a deixar uma mensagem emocionalmente impactante sobre a importância de encontrar um equilíbrio na vida, no entanto saiba que aqui o interessante é mesmo a jornada, não o seu fim!
Vale muito o seu play!
Definitivamente "Duck Butter" não é um filme fácil, mas dentro da sua proposta é um filme que me atraiu, principalmente por ser muito bem dirigido pelo Porto-riquenho Miguel Arteta - diretor que veio da TV e que fez um belo trabalho de direção de atores nesse filme. "Duck Butter" bebe na fonte do francês "La vie d'Adèle" (Azul é a cor mais quente), mas sem a mesma força, na minha opinião.
O filme trata da relação entre duas jovens completamente diferentes que, por circunstâncias de vida, acabam se aproximando e vivendo uma intensa relação de 24 horas que vai minguando de acordo com a aproximação da realidade que é a vida e que é estar em uma relação! É preciso dizer que o filme é intenso no conteúdo e na maneira de expor essas "imperfeições" do ser humano. É um filme que discute até quanto "mandar tudo a m..." é um caminho a se considerar.
Miguel Arteta tem sensibilidade e aplica isso nas escolhas que faz com sua diretora de fotografia Hillary Spera. O filme foi finalista no Tribeca Film Festival de 2018 e tem como grande nome a Laia Costa uma jovem e talentosa atriz que merece atenção pelo seu trabalho - é o segundo filme que assisto dela (o primeiro foi "Newness") e em ambos ela mandou muito bem!
Filme complicado, mas para quem gosta de filmes independentes com ótima carreira em Festivais, é imperdível!!!
Definitivamente "Duck Butter" não é um filme fácil, mas dentro da sua proposta é um filme que me atraiu, principalmente por ser muito bem dirigido pelo Porto-riquenho Miguel Arteta - diretor que veio da TV e que fez um belo trabalho de direção de atores nesse filme. "Duck Butter" bebe na fonte do francês "La vie d'Adèle" (Azul é a cor mais quente), mas sem a mesma força, na minha opinião.
O filme trata da relação entre duas jovens completamente diferentes que, por circunstâncias de vida, acabam se aproximando e vivendo uma intensa relação de 24 horas que vai minguando de acordo com a aproximação da realidade que é a vida e que é estar em uma relação! É preciso dizer que o filme é intenso no conteúdo e na maneira de expor essas "imperfeições" do ser humano. É um filme que discute até quanto "mandar tudo a m..." é um caminho a se considerar.
Miguel Arteta tem sensibilidade e aplica isso nas escolhas que faz com sua diretora de fotografia Hillary Spera. O filme foi finalista no Tribeca Film Festival de 2018 e tem como grande nome a Laia Costa uma jovem e talentosa atriz que merece atenção pelo seu trabalho - é o segundo filme que assisto dela (o primeiro foi "Newness") e em ambos ela mandou muito bem!
Filme complicado, mas para quem gosta de filmes independentes com ótima carreira em Festivais, é imperdível!!!
Antes de mais nada, obrigado Nolan (mais uma vez)!!! "Dunkirk" é sensacional e importante!!! Sensacional porque, de cara, o Nolan já nos coloca dentro da Guerra, mais ou menos como o Spielberg fez naquela sequência inesquecível da chegada dos soldados na praia de Omaha em "O Resgate do Soldado Ryan", e importante porque ele faz isso usando o melhor da tecnologia que um Diretor pode ter nas mãos nos dias de hoje para contar uma história tão visceral com um equilíbrio cirúrgico!!!
A Operação Dínamo, também conhecida como o Milagre de Dunkirk, foi uma notável operação militar da Segunda Guerra Mundial, onde mais de trezentos mil soldados aliados foram salvos durante um intenso bombardeio durante a invasão da França pelas tropas de Hitler. Milagrosamente e devido a uma inexplicável reviravolta na estratégia alemã, os soldados conseguiram escapar pelo mar até a cidade inglesa de Dover, com ajuda de centenas de de civis que participaram do resgate!
Bom, dito isso, a primeira dica que eu daria é: assista no Imax - o filme foi pensado para esse tipo de tela e com todos os recursos de Imagem e Som que uma sala como essa proporciona (Spielberg não teve essa sorte em 1998, infelizmente). O fato dele ter rodado em 70mm boa parte do filme te coloca dentro daquela situação que os personagens estão vivendo sem pedir licença, pois amplia o tamanho da imagens com muito mais qualidade visual. É tão visceral a direção do Nolan que chega a ser angustiante - era uma experiência realmente intensa assistir no Imax! Já que isso não será mais possível, procure assistir na maior tela que você conseguir e com o melhor sistema de som disponível (e, por favor, alto!). Os enquadramentos, o desenho de som e a trilha (genial por sinal) do Hans Zimmer estão tão alinhados que a imersão é imediata e quando você percebe já está "sofrendo" dentro daquele inferno - e é um inferno, acredite!
Tenho que admitir que esse "soco na ponta do queixo" técnico me afastou um pouco de outra escolha do diretor (e do roteirista) que acabou me confundindo um pouco, então preste atenção que só melhora: ele une períodos de tempo diferentes em uma mesma linha narrativa – a trajetória de um dos personagens acontece em uma semana na praia, onde o jovem soldado Tommy (Fionn Whitehead) busca escapar a qualquer preço, a de um outro é durante um dia em alto mar com o civil britânico Dawson (Mark Rylance) levando seu barco de passeio para ajudar a resgatar o exército de seu país e um terceiro, apenas em uma hora, onde o piloto Farrier (Tom Hardy) precisa destruir um avião inimigo; mas todas essa histórias acontecem em um mesmo evento e simultaneamente, graças a uma edição muito interessante! Minha falta de atenção inicial acabou me causando um estranhamento, pois parecia que os caras haviam errado na continuidade (o que seria um absurdo), mas assim que acaba o filme e você reflete sobre ele, fica fácil lembrar dos letterings que apresentavam essas escolhas narrativas e tudo acaba fazendo muito sentido - e como se o filme não acabasse após os créditos!
"Dunkirk" é daqueles filmes tão essenciais quanto foi "Gravidade". Daqueles filmes que sobem um degrau do gênero pela genialidade do Diretor (e equipe), e que mesmo sem um roteiro fabuloso, visualmente te permite viver uma experiência única e muito pessoal a cada cena, como o cinema deve ser - "1917" que o diga! Edição de Som e Mixagem tem tudo para ser barbada no Oscar 2018, mas tenho a impressão que leva pelo menos mais umas 2 estatuetas já que tudo funciona tão bem! Ah, um detalhe sobre a fotografia que eu achei genial: em determinados momentos do filme, vem um look meio antigo, quase como em um jogo "Medal of Honor" e mais uma vez fica perceptível que nada que está ali é por acaso! É lindo!
Não deixe de assistir, sério!!! Sem dúvida um dos melhores filmes de 2017
Up-date: "Dunkirk" ganhou em três categorias no Oscar 2020, das 8 que foi indicado: Melhor Edição de Som, Melhor Mixagem e Melhor Edição!
Antes de mais nada, obrigado Nolan (mais uma vez)!!! "Dunkirk" é sensacional e importante!!! Sensacional porque, de cara, o Nolan já nos coloca dentro da Guerra, mais ou menos como o Spielberg fez naquela sequência inesquecível da chegada dos soldados na praia de Omaha em "O Resgate do Soldado Ryan", e importante porque ele faz isso usando o melhor da tecnologia que um Diretor pode ter nas mãos nos dias de hoje para contar uma história tão visceral com um equilíbrio cirúrgico!!!
A Operação Dínamo, também conhecida como o Milagre de Dunkirk, foi uma notável operação militar da Segunda Guerra Mundial, onde mais de trezentos mil soldados aliados foram salvos durante um intenso bombardeio durante a invasão da França pelas tropas de Hitler. Milagrosamente e devido a uma inexplicável reviravolta na estratégia alemã, os soldados conseguiram escapar pelo mar até a cidade inglesa de Dover, com ajuda de centenas de de civis que participaram do resgate!
Bom, dito isso, a primeira dica que eu daria é: assista no Imax - o filme foi pensado para esse tipo de tela e com todos os recursos de Imagem e Som que uma sala como essa proporciona (Spielberg não teve essa sorte em 1998, infelizmente). O fato dele ter rodado em 70mm boa parte do filme te coloca dentro daquela situação que os personagens estão vivendo sem pedir licença, pois amplia o tamanho da imagens com muito mais qualidade visual. É tão visceral a direção do Nolan que chega a ser angustiante - era uma experiência realmente intensa assistir no Imax! Já que isso não será mais possível, procure assistir na maior tela que você conseguir e com o melhor sistema de som disponível (e, por favor, alto!). Os enquadramentos, o desenho de som e a trilha (genial por sinal) do Hans Zimmer estão tão alinhados que a imersão é imediata e quando você percebe já está "sofrendo" dentro daquele inferno - e é um inferno, acredite!
Tenho que admitir que esse "soco na ponta do queixo" técnico me afastou um pouco de outra escolha do diretor (e do roteirista) que acabou me confundindo um pouco, então preste atenção que só melhora: ele une períodos de tempo diferentes em uma mesma linha narrativa – a trajetória de um dos personagens acontece em uma semana na praia, onde o jovem soldado Tommy (Fionn Whitehead) busca escapar a qualquer preço, a de um outro é durante um dia em alto mar com o civil britânico Dawson (Mark Rylance) levando seu barco de passeio para ajudar a resgatar o exército de seu país e um terceiro, apenas em uma hora, onde o piloto Farrier (Tom Hardy) precisa destruir um avião inimigo; mas todas essa histórias acontecem em um mesmo evento e simultaneamente, graças a uma edição muito interessante! Minha falta de atenção inicial acabou me causando um estranhamento, pois parecia que os caras haviam errado na continuidade (o que seria um absurdo), mas assim que acaba o filme e você reflete sobre ele, fica fácil lembrar dos letterings que apresentavam essas escolhas narrativas e tudo acaba fazendo muito sentido - e como se o filme não acabasse após os créditos!
"Dunkirk" é daqueles filmes tão essenciais quanto foi "Gravidade". Daqueles filmes que sobem um degrau do gênero pela genialidade do Diretor (e equipe), e que mesmo sem um roteiro fabuloso, visualmente te permite viver uma experiência única e muito pessoal a cada cena, como o cinema deve ser - "1917" que o diga! Edição de Som e Mixagem tem tudo para ser barbada no Oscar 2018, mas tenho a impressão que leva pelo menos mais umas 2 estatuetas já que tudo funciona tão bem! Ah, um detalhe sobre a fotografia que eu achei genial: em determinados momentos do filme, vem um look meio antigo, quase como em um jogo "Medal of Honor" e mais uma vez fica perceptível que nada que está ali é por acaso! É lindo!
Não deixe de assistir, sério!!! Sem dúvida um dos melhores filmes de 2017
Up-date: "Dunkirk" ganhou em três categorias no Oscar 2020, das 8 que foi indicado: Melhor Edição de Som, Melhor Mixagem e Melhor Edição!
"É apenas o Fim do Mundo" é um filme difícil, não por uma narrativa complicada ou por um conceito visual ou estético que nos provoque muito mais do que nos mostre; mas pela forma como o jovem diretor canadense Xavier Dolan constrói um espetáculo onde os personagens são profundos, machucados, amargurados e inconsequentes em seus atos e, pricipalmente, em suas palavras. É perceptível a dor enrustida em cada um deles, com motivos, claro, mas sem nenhum controle ou respiro para reflexão. É um "misancene" tão real, palpável e comum, que chega a ferir quem assiste - pelo simples fato de entender que toda história tem dois lados e mesmo sem a coragem de encarar os fatos, todos preferem em alimentar a dor, do que ter que enfrentá-la.
Baseado na peça homônima de Jean-Luc Lagarce de 1990, "É apenas o Fim do Mundo" acompanha um jovem e renomado dramaturgo, Louis (Gaspard Ulliel), que resolve visitar sua família após 12 anos de ausência. Seu objetivo, no entanto, é revelar sua iminente morte para sua mãe (Nathalie Baye), para sua irmã mais nova (Léa Seydoux) com quem praticamente não se relacionou, para o ressentido irmão mais velho (Vincent Cassel) e sua submissa esposa (Marion Cottilard). Confira o trailer:
Xavier Dolan praticamente dirige o filme com uma lente 85mm, ou seja, com planos extremamente fechado ele parece querer que as almas dos personagens sejam lidas, e vou te dizer: funciona! As relações estabelecidas assim que Louis entra na casa de sua família já nos indica exatamente onde estamos nos enfiando - no caos emocional! Ao acompanhar essa dinâmica, o roteiro nos dá o primeiro gatilho: é compreensível que Louis tenha se mantido afastado de sua família por tanto tempo, limitando-se a enviar cartões em datas comemorativas. Mas com o passar do tempo, vem o segundo e poderoso gatilho: mas e o outro lado? E o sentimento de inferioridade e inadequação do irmão mais velho? E a ansiedade de Suzanne para impressionar o irmão famoso que pouco conhece? E a tentativa da mãe em transformar tantas mágoas e recuperar essas relações completamente fragmentadas? Até Catherine, a cunhada, sofre com os reflexos de tudo isso ao ter que lidar com um marido ignorante que a transformou em uma mulher insegura que mal pode se expressar - e aqui cabe um comentário que merece sua atenção: Marion Cottilard é uma grande atriz e todos sabemos disso, mas a capacidade que ela tem de expressar seus sentimentos apenas com o olhar, é de cair o queixo! Reparem!
O filme brilha ao expor a capacidade de interpretação dos atores. "É apenas o Fim do Mundo" é um filme de diálogos, de confrontos, de atuação! Nenhuma discussão é por acaso e tudo ajuda a construir (ou desvendar) as inúmeras camadas de cada um dos personagens - estamos falando de um obra independente, autoral, de relação, com uma referência teatral enorme, cheio de poesia, metáforas, símbolos, sensibilidade - inclusive na fotografia que pontua a troca de atmosferas e a distância entre o que é dito e o que é pensado - a mudança de luz no terceiro ato, entre a chuva e o sol que surge é incrível! Isso é lindo e muito difícil de equilibrar com o realismo que o cinema pede nesse tipo de filme.
O fato é que se você gostou dos também franceses "Até a Eternidade" (ou Les Petits Mouchoirs) ou "Frankie" é muito provável que você vai se identificar com "É apenas o Fim do Mundo", mas se prepare: vai doer na alma!
"É apenas o Fim do Mundo" é um filme difícil, não por uma narrativa complicada ou por um conceito visual ou estético que nos provoque muito mais do que nos mostre; mas pela forma como o jovem diretor canadense Xavier Dolan constrói um espetáculo onde os personagens são profundos, machucados, amargurados e inconsequentes em seus atos e, pricipalmente, em suas palavras. É perceptível a dor enrustida em cada um deles, com motivos, claro, mas sem nenhum controle ou respiro para reflexão. É um "misancene" tão real, palpável e comum, que chega a ferir quem assiste - pelo simples fato de entender que toda história tem dois lados e mesmo sem a coragem de encarar os fatos, todos preferem em alimentar a dor, do que ter que enfrentá-la.
Baseado na peça homônima de Jean-Luc Lagarce de 1990, "É apenas o Fim do Mundo" acompanha um jovem e renomado dramaturgo, Louis (Gaspard Ulliel), que resolve visitar sua família após 12 anos de ausência. Seu objetivo, no entanto, é revelar sua iminente morte para sua mãe (Nathalie Baye), para sua irmã mais nova (Léa Seydoux) com quem praticamente não se relacionou, para o ressentido irmão mais velho (Vincent Cassel) e sua submissa esposa (Marion Cottilard). Confira o trailer:
Xavier Dolan praticamente dirige o filme com uma lente 85mm, ou seja, com planos extremamente fechado ele parece querer que as almas dos personagens sejam lidas, e vou te dizer: funciona! As relações estabelecidas assim que Louis entra na casa de sua família já nos indica exatamente onde estamos nos enfiando - no caos emocional! Ao acompanhar essa dinâmica, o roteiro nos dá o primeiro gatilho: é compreensível que Louis tenha se mantido afastado de sua família por tanto tempo, limitando-se a enviar cartões em datas comemorativas. Mas com o passar do tempo, vem o segundo e poderoso gatilho: mas e o outro lado? E o sentimento de inferioridade e inadequação do irmão mais velho? E a ansiedade de Suzanne para impressionar o irmão famoso que pouco conhece? E a tentativa da mãe em transformar tantas mágoas e recuperar essas relações completamente fragmentadas? Até Catherine, a cunhada, sofre com os reflexos de tudo isso ao ter que lidar com um marido ignorante que a transformou em uma mulher insegura que mal pode se expressar - e aqui cabe um comentário que merece sua atenção: Marion Cottilard é uma grande atriz e todos sabemos disso, mas a capacidade que ela tem de expressar seus sentimentos apenas com o olhar, é de cair o queixo! Reparem!
O filme brilha ao expor a capacidade de interpretação dos atores. "É apenas o Fim do Mundo" é um filme de diálogos, de confrontos, de atuação! Nenhuma discussão é por acaso e tudo ajuda a construir (ou desvendar) as inúmeras camadas de cada um dos personagens - estamos falando de um obra independente, autoral, de relação, com uma referência teatral enorme, cheio de poesia, metáforas, símbolos, sensibilidade - inclusive na fotografia que pontua a troca de atmosferas e a distância entre o que é dito e o que é pensado - a mudança de luz no terceiro ato, entre a chuva e o sol que surge é incrível! Isso é lindo e muito difícil de equilibrar com o realismo que o cinema pede nesse tipo de filme.
O fato é que se você gostou dos também franceses "Até a Eternidade" (ou Les Petits Mouchoirs) ou "Frankie" é muito provável que você vai se identificar com "É apenas o Fim do Mundo", mas se prepare: vai doer na alma!
"E então nós dançamos" é um belíssimo e sensível filme sobre a aceitação da homossexualidade em diversas esferas da sociedade, bem na linha de "Me chame pelo seu nome" - obviamente que respeitando suas particularidades culturais e talvez esteja aí o grande trunfo do roteiro, já que a história se passa na Geórgia, país extremamente preconceituoso, onde a figura do homem é exaltada e onde até o seu tradicional ballet se baseia em "movimentos masculinizados e de força impositiva".
O jovem Merab (Levan Gelbakhiani) faz parte de uma companhia georgiana de dança folclórica, seguindo os passos do pai. Descontente com a vida de precariedade financeira e o baixo reconhecimento artístico, ele tem sua vida transformada pela chegada de Irakli (Bachi Valishvili), dançarino novato que disputa com ele a mesma vaga em uma importante audição que pode coloca-lo no elenco principal do National Georgian Ensemble. Porém Merab descobre, pela primeira vez, sua paixão por outro rapaz, dentro de um contexto homofóbico e, não surpreendente, violento. Confira o trailer:
Como no já referenciado "Me chame pelo seu nome", esse premiado filme vindo da Geórgia deixa claro, já nos seus primeiros minutos, qual é o seu objetivo: assim que o novato Irakli entra na sala de dança onde se encontra com Merab, sabemos que os dois ficarão juntos em algum momento do filme, mesmo que o diretor sueco Levan Akin (de "O Círculo") sugira que a disputa será pelo protagonismo da companhia de dança. A grande questão, no entanto, ganha mais profundidade quando o comentário sobre um colega gay que foi agredido e expulso da companhia vem à tona - é a partir desse gatilho que Akin começa a construir as angústias e euforias das descobertas de Merab e até de Irakli.
Veja, ao mesmo tempo que Merab descobre uma nova paixão, é o seu amor pela dança que pode afasta-lo da felicidade - e mais uma vez o roteiro se aprofunda em questionar: onde está a felicidade? Essas nuances vão e voltam a cada aproximação entre os personagens em seus diversos ambientes sociais - essa dinâmica faz com que tenhamos a sensação de que, em outro país, o protagonista faria parte um grupo e encontraria seu caminho com mais tranquilidade, mas a barreira está na tradição cultural, na mente fechada da sociedade georgiana. Seja no ambiente familiar, caótico por sinal, no grupo de dança e até nas reuniões com os amigos, a história deixa claro que o homem precisa se relacionar com a mulher. Uma das cenas mais emblemáticas, na minha opinião, é quando Mary (Ana Javakishvili), parceira de dança e amiga intima de Merab, mostra uma camisinha, convidando ele para uma relação sexual casual que, obviamente, ele se esquiva.
"E então nós dançamos" é uma drama de relação onde o pano de fundo é a dança. Dito isso é de se esperar cenas bem coreografadas e culturalmente relevantes para nós que assistimos a produção do outro lado do planeta. Destaco as passagens ao som de ‘Take a Chance on Me’ do ABBA, e ‘Honey’, de Robyn; além da excelente cena final ao melhor estilo "Cisne Negro" / "Flashdance". Muito bem dirigido por Akin (reparem no complexo plano-sequência durante o casamento do irmão do protagonista), o cinema georgiano debuta com classe por aqui e por isso a recomendação - mesmo sabendo que apenas um pequeno nicho dos nosso usuários vão se relacionar bem com a história. Uma pena, já que o filme tem muita qualidade e mereceria maior atenção!
Vale seu play!
"E então nós dançamos" é um belíssimo e sensível filme sobre a aceitação da homossexualidade em diversas esferas da sociedade, bem na linha de "Me chame pelo seu nome" - obviamente que respeitando suas particularidades culturais e talvez esteja aí o grande trunfo do roteiro, já que a história se passa na Geórgia, país extremamente preconceituoso, onde a figura do homem é exaltada e onde até o seu tradicional ballet se baseia em "movimentos masculinizados e de força impositiva".
O jovem Merab (Levan Gelbakhiani) faz parte de uma companhia georgiana de dança folclórica, seguindo os passos do pai. Descontente com a vida de precariedade financeira e o baixo reconhecimento artístico, ele tem sua vida transformada pela chegada de Irakli (Bachi Valishvili), dançarino novato que disputa com ele a mesma vaga em uma importante audição que pode coloca-lo no elenco principal do National Georgian Ensemble. Porém Merab descobre, pela primeira vez, sua paixão por outro rapaz, dentro de um contexto homofóbico e, não surpreendente, violento. Confira o trailer:
Como no já referenciado "Me chame pelo seu nome", esse premiado filme vindo da Geórgia deixa claro, já nos seus primeiros minutos, qual é o seu objetivo: assim que o novato Irakli entra na sala de dança onde se encontra com Merab, sabemos que os dois ficarão juntos em algum momento do filme, mesmo que o diretor sueco Levan Akin (de "O Círculo") sugira que a disputa será pelo protagonismo da companhia de dança. A grande questão, no entanto, ganha mais profundidade quando o comentário sobre um colega gay que foi agredido e expulso da companhia vem à tona - é a partir desse gatilho que Akin começa a construir as angústias e euforias das descobertas de Merab e até de Irakli.
Veja, ao mesmo tempo que Merab descobre uma nova paixão, é o seu amor pela dança que pode afasta-lo da felicidade - e mais uma vez o roteiro se aprofunda em questionar: onde está a felicidade? Essas nuances vão e voltam a cada aproximação entre os personagens em seus diversos ambientes sociais - essa dinâmica faz com que tenhamos a sensação de que, em outro país, o protagonista faria parte um grupo e encontraria seu caminho com mais tranquilidade, mas a barreira está na tradição cultural, na mente fechada da sociedade georgiana. Seja no ambiente familiar, caótico por sinal, no grupo de dança e até nas reuniões com os amigos, a história deixa claro que o homem precisa se relacionar com a mulher. Uma das cenas mais emblemáticas, na minha opinião, é quando Mary (Ana Javakishvili), parceira de dança e amiga intima de Merab, mostra uma camisinha, convidando ele para uma relação sexual casual que, obviamente, ele se esquiva.
"E então nós dançamos" é uma drama de relação onde o pano de fundo é a dança. Dito isso é de se esperar cenas bem coreografadas e culturalmente relevantes para nós que assistimos a produção do outro lado do planeta. Destaco as passagens ao som de ‘Take a Chance on Me’ do ABBA, e ‘Honey’, de Robyn; além da excelente cena final ao melhor estilo "Cisne Negro" / "Flashdance". Muito bem dirigido por Akin (reparem no complexo plano-sequência durante o casamento do irmão do protagonista), o cinema georgiano debuta com classe por aqui e por isso a recomendação - mesmo sabendo que apenas um pequeno nicho dos nosso usuários vão se relacionar bem com a história. Uma pena, já que o filme tem muita qualidade e mereceria maior atenção!
Vale seu play!
Como "Modern Love" da Prime Vídeo, "Easy", produção original da Netflix, é uma série deliciosa de assistir e que usa de um conceito narrativo muito inteligente para falar "basicamente" de relacionamentos - em diferentes pontos, perspectivas, gêneros, etc. O interessante é que o talento do diretor Joe Swanberg (de "Love") traz para o projeto um tom extremamente realista, com personagens tão complexos quanto palpáveis, onde as situações se apoiam muito mais nas consequências das decisões tomadas por eles do que apenas na aparente superficialidade do que causou determinada situação - e é por isso que nos identificamos com esses dramas.
A história é simples, mas nem por isso simplista - em 8 episódios, "Easy" acompanha um grupo de jovens que moram em Chicago e que acabam se atrapalhando com o moderno labirinto do amor. Cada qual da sua maneira, os personagens precisam lidar com as dificuldades de suas relações, seja no sexo, pela tecnologia ou até enfrentando as novas perspectivas de uma cultura que passou a ser tão presente em nossas decisões cotidianas. Confira o trailer:
Saber tratar de forma tão honesta (e original) vários tipos de conflitos pessoais, de casais tão diferentes, mas que se encontram em algum buraco de suas vidas, faz de "Easy" uma das séries mais interessantes desse gênero - o equilíbrio entre o drama e a comédia é cirúrgico. Swanberg, aliás, se apropria do estilo mumblecore para impactar a audiência com uma realidade quase que visceral. Para quem não sabe, esse é um movimento cinematográfico que funciona como uma espécie de sub-gênero do cinema independente, onde a atmosfera da narrativa é a mais natural possível, sendo comum ver improvisos entre os atores em cena, muitos deles amadores ou desconhecidos em um ambiente completamente naturalista que chega a dispensar a iluminação artificial e onde a câmera documental funciona como uma espécie de observador onipresente.
É claro que os próprios roteiros sustentam essa escolha conceitual - eles são excelentes e como os atores são ótimos, até mesmo quando os planos são mais longos (e têm vários) os diálogos não se perdem em futilidades ou esteriótipos de gênero. Aqui cabe um comentário: alguns anos atrás assisti duas séries inglesas com o mesmo conceito e seguindo o mesmo gênero: "Dates" e "True Love". Para quem sabe do que estou falando, "Easy" traz um pouco dessas duas produções, talvez com um pouco menos de sutileza no texto e de uma fotografia mais autoral, mas com um resultado igualmente elogiável.
Uma grande vantagem das séries que possuem o formato de antologia é o de poder contar histórias que não precisem necessariamente se conectar uma nas outras - essa estrutura de fato se repete em sete episódios, porém no oitavo revisitamos alguns personagens e entendemos que tudo que foi visto até ali poderá ter suas consequências - e de fato se provou assim na segunda e terceira temporadas. Embora seja uma série mais de nicho, ou menos ritmada (como preferir), sua trama chega carregada de profundas discussões, com tantas camadas e assuntos que temos a exata sensação de que conhecemos alguém que vive (ou viveu) algo parecido com os dramas dos protagonistas.
"Easy" é mais uma daquelas que indico de olhos fechados para quem gosta desse tipo de série, ainda mais sabendo que a Netflix se planejou e produziu um final já na terceira temporada! Vale muito o seu play!
Como "Modern Love" da Prime Vídeo, "Easy", produção original da Netflix, é uma série deliciosa de assistir e que usa de um conceito narrativo muito inteligente para falar "basicamente" de relacionamentos - em diferentes pontos, perspectivas, gêneros, etc. O interessante é que o talento do diretor Joe Swanberg (de "Love") traz para o projeto um tom extremamente realista, com personagens tão complexos quanto palpáveis, onde as situações se apoiam muito mais nas consequências das decisões tomadas por eles do que apenas na aparente superficialidade do que causou determinada situação - e é por isso que nos identificamos com esses dramas.
A história é simples, mas nem por isso simplista - em 8 episódios, "Easy" acompanha um grupo de jovens que moram em Chicago e que acabam se atrapalhando com o moderno labirinto do amor. Cada qual da sua maneira, os personagens precisam lidar com as dificuldades de suas relações, seja no sexo, pela tecnologia ou até enfrentando as novas perspectivas de uma cultura que passou a ser tão presente em nossas decisões cotidianas. Confira o trailer:
Saber tratar de forma tão honesta (e original) vários tipos de conflitos pessoais, de casais tão diferentes, mas que se encontram em algum buraco de suas vidas, faz de "Easy" uma das séries mais interessantes desse gênero - o equilíbrio entre o drama e a comédia é cirúrgico. Swanberg, aliás, se apropria do estilo mumblecore para impactar a audiência com uma realidade quase que visceral. Para quem não sabe, esse é um movimento cinematográfico que funciona como uma espécie de sub-gênero do cinema independente, onde a atmosfera da narrativa é a mais natural possível, sendo comum ver improvisos entre os atores em cena, muitos deles amadores ou desconhecidos em um ambiente completamente naturalista que chega a dispensar a iluminação artificial e onde a câmera documental funciona como uma espécie de observador onipresente.
É claro que os próprios roteiros sustentam essa escolha conceitual - eles são excelentes e como os atores são ótimos, até mesmo quando os planos são mais longos (e têm vários) os diálogos não se perdem em futilidades ou esteriótipos de gênero. Aqui cabe um comentário: alguns anos atrás assisti duas séries inglesas com o mesmo conceito e seguindo o mesmo gênero: "Dates" e "True Love". Para quem sabe do que estou falando, "Easy" traz um pouco dessas duas produções, talvez com um pouco menos de sutileza no texto e de uma fotografia mais autoral, mas com um resultado igualmente elogiável.
Uma grande vantagem das séries que possuem o formato de antologia é o de poder contar histórias que não precisem necessariamente se conectar uma nas outras - essa estrutura de fato se repete em sete episódios, porém no oitavo revisitamos alguns personagens e entendemos que tudo que foi visto até ali poderá ter suas consequências - e de fato se provou assim na segunda e terceira temporadas. Embora seja uma série mais de nicho, ou menos ritmada (como preferir), sua trama chega carregada de profundas discussões, com tantas camadas e assuntos que temos a exata sensação de que conhecemos alguém que vive (ou viveu) algo parecido com os dramas dos protagonistas.
"Easy" é mais uma daquelas que indico de olhos fechados para quem gosta desse tipo de série, ainda mais sabendo que a Netflix se planejou e produziu um final já na terceira temporada! Vale muito o seu play!
É preciso muito cuidado ao analisar o filme "Eike - Tudo ou Nada" - primeiro como obra cinematográfica e depois pelo valor de seu personagem e do que ele representou para universo empreendedor por muitos anos, mas vamos por partes. Eike, o personagem, tem aura de Bernie Madoff com o mindset de Elizabeth Holmes (da Theranos), ou seja, ele era uma bomba relógio prestes a explodir e por isso é tão fascinante (independente de julgamentos pré-estabelecidos ou opniões pessoais) - e aqui cabe citar uma passagem do próprio roteiro que ilustra isso: "na vida não se pode pensar pequeno demais, mas também não se pode acreditar ser maior do que realmente é". Já como um filme de longa-metragem, muito bem produzido por sinal, a narrativa está repleta de problemas e escolhas criativas (ou conceituais) de qualidade muito duvidosa e passagens tão mal resolvidas que, infelizmente, beiram o constrangimento - se você acha que posso estar exagerando, reparem na forma que o texto explica o que é um IPO e como o passado do personagem com a atriz Luma de Oliveira foi retratado.
Feita essa introdução e colocando as cartas na mesa, admito que dei o play apenas pela curiosidade e, mesmo longe (mas muito longe) de ser um grande filme, saí satisfeito com o que encontrei. Baseado na obra de Malu Gaspar, "Eike - Tudo ou Nada" acompanha o processo de ascensão e queda do Grupo X pelos olhos do empresário e ex-bilionário Eike Batista. A história que começa em 2006, quando a economia brasileira estava borbulhando por conta do pré-sal, Eike decide criar a OGX, petroleira que o transforma no sétimo homem mais rico do mundo mesmo que acompanhado de especulações e mentiras - razões, inclusive, pela qual a empresa vai à falência, levando com ela tanto o seu patrimônio quanto o poder e prestígio que demorou anos para ele construir. Confira o trailer:
Assim como nos acostumamos a encontrar nos catálogos dos streamings obras que expõem os bastidores nada glamourosos do empreendedorismo (e de seus fundadores) como no Facebook, no Spotify, no Uber, na Theranos e até no WeWork, é notável a iniciativa de trazer para o grande público a história do grupo X, uma empresa brasileira, e os conceitos e ideias que fizeram um brasileiro, Eike Batista, convencer inúmeros investidores a entrar no negócio e assim captar mais de 1 bilhão de dólares. Veja, não tem nada de errado em acreditar que sua ideia pode dar certo e lutar por ela, o complicado é fechar os olhos para a realidade que teima em te mostrar que o caminho não é bem esse que o powerpoint aceitou - e pasmem, no caso do Eike, até o governo deu uma forcinha (mesmo que daquele jeito que estamos acostumados) ao mudar a regra do jogo no meio do campeonato quando resolveu retirar 41 blocos (os mais aptos a encontrar petróleo) do leilão do pré-sal para proteger a Petrobras.
O ponto alto do filme, como não poderia deixar de ser, está em abordar essas nuances em um recorte cruel do capitalismo pelos olhos de um empreendedor considerado visionário - e aqui pontuo elementos marcantes dessa trajetória de Eike, desde o risco de uma aposta, a busca por investimentos, os equívocos muitas vezes pautados pelo ego, a montanha-russa de emoções a cada movimento estratégico e, claro, até chegar na corrupção. Dirigido e roteirizado por Dida Andrade e Andradina Azevedo, "Eike - Tudo ou Nada" teria material para ser uma série, mas o recorte escolhido para o filme conecta muito bem a jornada com o personagem, mesmo que soe um pouco ingênuo nos dias de hoje. O que foge disso, é o que na verdade incomoda: embora compreensível, o arco do investidor amador que perde tudo com a queda do grupo X, especificamente da OGX, é tão dispensável quanto a discussão sobre a calvice de Eike!
Não serão poucas as vezes que você vai se perguntar se Eike era um mentiroso compulsivo ou um empreendedor genial, um nacionalista empenhado no progresso do país ou um egocêntrico sem limites e sem moral na busca pelo poder, um homem à frente do seu tempo ou mais um estelionatário que usou de seu passado para ganhar muito dinheiro; o fato é que se "Eike - Tudo ou Nada" não deve ser considerado um grande filme, mas certamente ele é um retrato curioso de um megalomaníaco, egocêntrico e manipulador que se encaixou dentro de um sistema mentiroso para ganhar muito dinheiro - mesmo sabendo que haveria um preço a se pagar!
Pela história, pelo personagem, vale seu play!
É preciso muito cuidado ao analisar o filme "Eike - Tudo ou Nada" - primeiro como obra cinematográfica e depois pelo valor de seu personagem e do que ele representou para universo empreendedor por muitos anos, mas vamos por partes. Eike, o personagem, tem aura de Bernie Madoff com o mindset de Elizabeth Holmes (da Theranos), ou seja, ele era uma bomba relógio prestes a explodir e por isso é tão fascinante (independente de julgamentos pré-estabelecidos ou opniões pessoais) - e aqui cabe citar uma passagem do próprio roteiro que ilustra isso: "na vida não se pode pensar pequeno demais, mas também não se pode acreditar ser maior do que realmente é". Já como um filme de longa-metragem, muito bem produzido por sinal, a narrativa está repleta de problemas e escolhas criativas (ou conceituais) de qualidade muito duvidosa e passagens tão mal resolvidas que, infelizmente, beiram o constrangimento - se você acha que posso estar exagerando, reparem na forma que o texto explica o que é um IPO e como o passado do personagem com a atriz Luma de Oliveira foi retratado.
Feita essa introdução e colocando as cartas na mesa, admito que dei o play apenas pela curiosidade e, mesmo longe (mas muito longe) de ser um grande filme, saí satisfeito com o que encontrei. Baseado na obra de Malu Gaspar, "Eike - Tudo ou Nada" acompanha o processo de ascensão e queda do Grupo X pelos olhos do empresário e ex-bilionário Eike Batista. A história que começa em 2006, quando a economia brasileira estava borbulhando por conta do pré-sal, Eike decide criar a OGX, petroleira que o transforma no sétimo homem mais rico do mundo mesmo que acompanhado de especulações e mentiras - razões, inclusive, pela qual a empresa vai à falência, levando com ela tanto o seu patrimônio quanto o poder e prestígio que demorou anos para ele construir. Confira o trailer:
Assim como nos acostumamos a encontrar nos catálogos dos streamings obras que expõem os bastidores nada glamourosos do empreendedorismo (e de seus fundadores) como no Facebook, no Spotify, no Uber, na Theranos e até no WeWork, é notável a iniciativa de trazer para o grande público a história do grupo X, uma empresa brasileira, e os conceitos e ideias que fizeram um brasileiro, Eike Batista, convencer inúmeros investidores a entrar no negócio e assim captar mais de 1 bilhão de dólares. Veja, não tem nada de errado em acreditar que sua ideia pode dar certo e lutar por ela, o complicado é fechar os olhos para a realidade que teima em te mostrar que o caminho não é bem esse que o powerpoint aceitou - e pasmem, no caso do Eike, até o governo deu uma forcinha (mesmo que daquele jeito que estamos acostumados) ao mudar a regra do jogo no meio do campeonato quando resolveu retirar 41 blocos (os mais aptos a encontrar petróleo) do leilão do pré-sal para proteger a Petrobras.
O ponto alto do filme, como não poderia deixar de ser, está em abordar essas nuances em um recorte cruel do capitalismo pelos olhos de um empreendedor considerado visionário - e aqui pontuo elementos marcantes dessa trajetória de Eike, desde o risco de uma aposta, a busca por investimentos, os equívocos muitas vezes pautados pelo ego, a montanha-russa de emoções a cada movimento estratégico e, claro, até chegar na corrupção. Dirigido e roteirizado por Dida Andrade e Andradina Azevedo, "Eike - Tudo ou Nada" teria material para ser uma série, mas o recorte escolhido para o filme conecta muito bem a jornada com o personagem, mesmo que soe um pouco ingênuo nos dias de hoje. O que foge disso, é o que na verdade incomoda: embora compreensível, o arco do investidor amador que perde tudo com a queda do grupo X, especificamente da OGX, é tão dispensável quanto a discussão sobre a calvice de Eike!
Não serão poucas as vezes que você vai se perguntar se Eike era um mentiroso compulsivo ou um empreendedor genial, um nacionalista empenhado no progresso do país ou um egocêntrico sem limites e sem moral na busca pelo poder, um homem à frente do seu tempo ou mais um estelionatário que usou de seu passado para ganhar muito dinheiro; o fato é que se "Eike - Tudo ou Nada" não deve ser considerado um grande filme, mas certamente ele é um retrato curioso de um megalomaníaco, egocêntrico e manipulador que se encaixou dentro de um sistema mentiroso para ganhar muito dinheiro - mesmo sabendo que haveria um preço a se pagar!
Pela história, pelo personagem, vale seu play!
Para quem gosta de futebol e tem um certo conhecimento sobre as figuras que compõem os bastidores do esporte, "El Presidente" vai surpreender positivamente por expor uma série de fatos que acompanhamos muito superficialmente por aqui, mas que contam com personagens que ficaram bem conhecidos em 2014, quando a Copa foi disputada no Brasil - aliás, essa incrível história só existe porque o nosso país tem uma enorme representatividade (para o bem e para o mal) em todas as camadas que transformam o futebol no esporte mais lucrativo do mundo!
"El Presidente" acompanha a história do escândalo de corrupção da Fifa em 2015, conhecido como "FIFA Gate", pelos olhos deSergio Jadue, responsável por um pequeno time de futebol chileno que saiu do anonimato para se tornar presidente da federação do país e uma peça importante nessa enorme conspiração que envolveu um suborno de150 milhões de dólares coordenado pelo então presidente da federação argentina de futebol, Julio Grondona. Confira o trailer:
Embora a série assuma um tom mais despojado que "Narcos", fica claro uma forte referência do conceito narrativo para contar a história. Um narrador, uma linha temporal completamente fragmentada, cenas que misturam realidade com ficção, uma edição com enorme personalidade (que dá o tom da trama) e uma fotografia criativa (mas não muito original). Tudo isso não é por acaso e vou explicar detalhadamente logo abaixo, porém é preciso dizer que "El Presidente" é, de fato, uma série muito divertida, dinâmica e com curiosidades que muitos de nós, amantes do futebol, nem sonhávamos que poderiam acontecer. Vale muito a pena, entretenimento garantido, mas fica a uma observação importante: provavelmente quem não é familiarizado com as dinâmicas do esporte e não conhece esses personagens reais, pode não aproveitar muito da série!
Produzido pela francesa Gaumont (responsável por "Narcos" da Netflix), pela chilena Fabula (vencedora do Oscar com "Uma Mulher Fantástica"), pela argentina Kapow (da série "Estocolmo") e sob a coordenação da Amazon Studios, "El Presidente" tem o vencedor do Oscar por "Birdman", Armando Bo, no comando do projeto. Fiz questão de citar todos os envolvidos para justificar a enorme qualidade da série. Claro que alguns elementos deixam um pouco a desejar como, por exemplo, a qualidade do elenco de apoio, bem abaixo do núcleo principal, e algumas dublagens completamente toscas dos personagens brasileiros - parece novela mexicana. As cenas de futebol também foram reproduzidas, o que acaba nos afastando um pouco da realidade dos fatos, mas não deixa de ser compreensível pelo enorme custo de direitos que estavam envolvidos em um obra que expõe o pior lado das confederações sul-americanas e da própria FIFA. Tudo isso passa a ser aceitável por se tratar de uma série que assume uma linguagem menos naturalista, mais caricata, ou seja, ela permite um ajuste do tom para diminuir a densidade da narrativa e caçoar de várias situações completamente non-sense que chegam parecer mentira - reparem em toda a sequência que envolve o sorteio dos grupos da Copa América de 2015 no Chile e você vai entender do que eu estou falando!
O roteiro se divide em duas linhas temporais e Armando Bo, na minha opinião, entrega demais essas quebras narrativas: além de legendas para dizer o que é passado e o que é presente, a fotografia usa de uma técnica já batida, mas não menos interessante, para nos localizar no tempo: o passado é gravado em uma janela 4:3 (como nas TVs antigas) e o presente, em 16:9 (como nas TVs de hoje) e não contente com tudo isso, Bo ainda se apoia na narração em OFF e no conceito visual de cada um desses períodos - é muito didatismo! Fora isso, a construção da história está muito clara, entendemos como as peças vão se encaixando e não nos sentimos perdidos em nenhum momento - um mérito enorme do roteiro e da edição, já que a trama não é tão simples, pois existem muitos personagens envolvidos, muitas nuances para se explicar e muita falcatrua pra gente conhecer. Como em "Narcos", ter um narrador ajuda muito e como em "Brás Cubas", essa função cabe ao próprio Julio Grondona, mesmo depois de morto.
Algumas passagens são realmente muito curiosas e como a própria Amazon definiu: "El Presidente" prova que, antes da bola rolar e depois do apito final, o jogo é muito mais sujo do que imaginamos. Andrés Parra como Sergio Jadue e Paulina Gaitan como sua esposa, Nené, estão impagáveis - eles são o contraponto entre a comédia e o drama, entre o escrachado e o sério, entre o over e o introspectivo - é muito bacana de se ver! Karla Souza (a Laurie de "How to Get Away with Murder") também está muito bem como a agente do FBI responsável pela investigação - sua personagem me pareceu o exato ponto de equilíbrio entre o casal de protagonistas.
"El Presidente" mostra o negócio por trás do futebol de uma forma quase caótica e isso é um grande mérito, pois temos a real sensação da superficialidade de como as decisões, que guiavam o futebol no continente, eram tomadas até pouco tempo. As disputas de poder entre os dirigentes sempre esbarravam na enorme quantia que cada um receberia - a história sobre a disputa dos direitos de transmissão dos campeonatos sul-americanos que envolviam o brasileiro J. Hawilla da Traffic é de embrulhar o estômago. Uma das coisas que mais me surpreendeu na série é a forma como essa quantidade de sujeira foi tirada debaixo do tapete e que pelo jeito não deve parar por aqui - uma segunda temporada deve ter um brasileiro como destaque: o ex presidente da FIFA, João Havelange.
Dada a quantidade de falcatruas que conhecemos (e muitas que nem sonhamos), "El Presidente" tem material para muitas temporadas e espero que assim seja feito! Vou aguardar ansiosamente. Não perca tempo, vale muito seu play!
Para quem gosta de futebol e tem um certo conhecimento sobre as figuras que compõem os bastidores do esporte, "El Presidente" vai surpreender positivamente por expor uma série de fatos que acompanhamos muito superficialmente por aqui, mas que contam com personagens que ficaram bem conhecidos em 2014, quando a Copa foi disputada no Brasil - aliás, essa incrível história só existe porque o nosso país tem uma enorme representatividade (para o bem e para o mal) em todas as camadas que transformam o futebol no esporte mais lucrativo do mundo!
"El Presidente" acompanha a história do escândalo de corrupção da Fifa em 2015, conhecido como "FIFA Gate", pelos olhos deSergio Jadue, responsável por um pequeno time de futebol chileno que saiu do anonimato para se tornar presidente da federação do país e uma peça importante nessa enorme conspiração que envolveu um suborno de150 milhões de dólares coordenado pelo então presidente da federação argentina de futebol, Julio Grondona. Confira o trailer:
Embora a série assuma um tom mais despojado que "Narcos", fica claro uma forte referência do conceito narrativo para contar a história. Um narrador, uma linha temporal completamente fragmentada, cenas que misturam realidade com ficção, uma edição com enorme personalidade (que dá o tom da trama) e uma fotografia criativa (mas não muito original). Tudo isso não é por acaso e vou explicar detalhadamente logo abaixo, porém é preciso dizer que "El Presidente" é, de fato, uma série muito divertida, dinâmica e com curiosidades que muitos de nós, amantes do futebol, nem sonhávamos que poderiam acontecer. Vale muito a pena, entretenimento garantido, mas fica a uma observação importante: provavelmente quem não é familiarizado com as dinâmicas do esporte e não conhece esses personagens reais, pode não aproveitar muito da série!
Produzido pela francesa Gaumont (responsável por "Narcos" da Netflix), pela chilena Fabula (vencedora do Oscar com "Uma Mulher Fantástica"), pela argentina Kapow (da série "Estocolmo") e sob a coordenação da Amazon Studios, "El Presidente" tem o vencedor do Oscar por "Birdman", Armando Bo, no comando do projeto. Fiz questão de citar todos os envolvidos para justificar a enorme qualidade da série. Claro que alguns elementos deixam um pouco a desejar como, por exemplo, a qualidade do elenco de apoio, bem abaixo do núcleo principal, e algumas dublagens completamente toscas dos personagens brasileiros - parece novela mexicana. As cenas de futebol também foram reproduzidas, o que acaba nos afastando um pouco da realidade dos fatos, mas não deixa de ser compreensível pelo enorme custo de direitos que estavam envolvidos em um obra que expõe o pior lado das confederações sul-americanas e da própria FIFA. Tudo isso passa a ser aceitável por se tratar de uma série que assume uma linguagem menos naturalista, mais caricata, ou seja, ela permite um ajuste do tom para diminuir a densidade da narrativa e caçoar de várias situações completamente non-sense que chegam parecer mentira - reparem em toda a sequência que envolve o sorteio dos grupos da Copa América de 2015 no Chile e você vai entender do que eu estou falando!
O roteiro se divide em duas linhas temporais e Armando Bo, na minha opinião, entrega demais essas quebras narrativas: além de legendas para dizer o que é passado e o que é presente, a fotografia usa de uma técnica já batida, mas não menos interessante, para nos localizar no tempo: o passado é gravado em uma janela 4:3 (como nas TVs antigas) e o presente, em 16:9 (como nas TVs de hoje) e não contente com tudo isso, Bo ainda se apoia na narração em OFF e no conceito visual de cada um desses períodos - é muito didatismo! Fora isso, a construção da história está muito clara, entendemos como as peças vão se encaixando e não nos sentimos perdidos em nenhum momento - um mérito enorme do roteiro e da edição, já que a trama não é tão simples, pois existem muitos personagens envolvidos, muitas nuances para se explicar e muita falcatrua pra gente conhecer. Como em "Narcos", ter um narrador ajuda muito e como em "Brás Cubas", essa função cabe ao próprio Julio Grondona, mesmo depois de morto.
Algumas passagens são realmente muito curiosas e como a própria Amazon definiu: "El Presidente" prova que, antes da bola rolar e depois do apito final, o jogo é muito mais sujo do que imaginamos. Andrés Parra como Sergio Jadue e Paulina Gaitan como sua esposa, Nené, estão impagáveis - eles são o contraponto entre a comédia e o drama, entre o escrachado e o sério, entre o over e o introspectivo - é muito bacana de se ver! Karla Souza (a Laurie de "How to Get Away with Murder") também está muito bem como a agente do FBI responsável pela investigação - sua personagem me pareceu o exato ponto de equilíbrio entre o casal de protagonistas.
"El Presidente" mostra o negócio por trás do futebol de uma forma quase caótica e isso é um grande mérito, pois temos a real sensação da superficialidade de como as decisões, que guiavam o futebol no continente, eram tomadas até pouco tempo. As disputas de poder entre os dirigentes sempre esbarravam na enorme quantia que cada um receberia - a história sobre a disputa dos direitos de transmissão dos campeonatos sul-americanos que envolviam o brasileiro J. Hawilla da Traffic é de embrulhar o estômago. Uma das coisas que mais me surpreendeu na série é a forma como essa quantidade de sujeira foi tirada debaixo do tapete e que pelo jeito não deve parar por aqui - uma segunda temporada deve ter um brasileiro como destaque: o ex presidente da FIFA, João Havelange.
Dada a quantidade de falcatruas que conhecemos (e muitas que nem sonhamos), "El Presidente" tem material para muitas temporadas e espero que assim seja feito! Vou aguardar ansiosamente. Não perca tempo, vale muito seu play!
Se você gostou de "O Escândalo", "A Assistente" ou "A Voz Mais Forte", saiba que "Ela Disse" pode ser considerada a cereja do bolo de uma discussão tão importante quanto necessária e que, contextualizada dentro do movimento #MeToo e de todos os casos de abuso sexual envolvendo gente muito importante, foi brilhantemente explorada pela diretora Maria Schrader (de "Nada Ortodoxa").
Baseado na investigação vencedora do prêmio Pulitzer pelo The New York Times, "Ela Disse" acompanha Megan Twohey (Carey Mulligan) e Jodi Kantor (Zoe Kazan), duas jornalistas que juntas publicaram uma das histórias mais importantes e relevantes de uma geração: sérias denuncias de abuso sexual (e até estupro) contra o "todo poderoso" do cinema americano, o produtor e CEO da Miramax, Harvey Weinstein. A história que ajudou a lançar o movimento#Metoo, quebrou décadas de silêncio em torno do assunto de agressão sexual em Hollywood e alterou a cultura americana para sempre. Confira o trailer:
Com um time de primeiríssima qualidade, começando pelos produtores (os mesmos de "12 Anos de Escravidão", "Moonlight: Sob a Luz do Luar" e "Minari"), passando pela roteirista Rebecca Lenkiewicz (de "Ida") e culminando nas protagonistas Carey Mulligan e Zoe Kazan, "Ela Disse" pode ser considerado um dos melhores filmes de 2022 sem a menor sombra de dúvida. Mesmo com uma narrativa mais cadenciada, com uma levada mais jornalística do que investigativa e um texto denso (muitas vezes complexo), o filme cria uma atmosfera documental impressionante, expondo em detalhes todo o processo que levou as vitimas de Weinstein enfrentar o medo e denuncia-lo.
Ao lado de Schrader, a diretora de fotografia Natasha Braier (de "Demônio de Neon") nos joga dentro da redação do The New York Times e sem pressa alguma vai nos presenteando com um drama ao melhor estilo "Todos os Homens do Presidente". Mulligan e Kazan estão incríveis - dignas de indicações ao Oscar, eu diria. Mesmo que em alguns momentos o roteiro ceda a tentação do sensacionalismo, o elenco segura com muito realismo toda a jornada entre uma denuncia isolada e a construção de uma matéria bombástica - o interessante é justamente perceber essa montanha russa de emoções nos olhos das protagonistas. A cena em que Jodi Kantor recebe a ligação de Ashley Judd (interpretando ela mesmo), é impagável! Reparem! No papel da editora da dupla, Rebecca Corbett, e do editor executivo do NYT, Dean Baquet, Patricia Clarkson e Andre Braugher, respectivamente, merecem elogios, bem como Mike Houston como Harvey Weinstein que mesmo sem aparecer seu rosto em nenhum momento, consegue passar toda imponência e força de seu personagem.
"Ela Disse" é sim um soco no estômago, mas que sugere muito mais do que mostra e muito por causa disso nos coloca em uma posição de permanente tensão e angustia - o áudio da gravação de uma das vitimas sendo assediada por Harvey, enquanto a câmera enquadra os corredores de um hotel, chega a ser chocante. Os depoimentos também - é um mais visceral que o outro e faz com que tenhamos a exata noção de como essas mulheres foram expostas e desrespeitadas. Na verdade não há muito o que dizer, é preciso mergulhar nessa verdadeira cruzada e se o tema de fato te interessar, não deixe de ler "Ela Disse: Os bastidores da reportagem que impulsionou o #MeToo"- que como o filme, é tão surpreendente quanto doloroso!
Se você gostou de "O Escândalo", "A Assistente" ou "A Voz Mais Forte", saiba que "Ela Disse" pode ser considerada a cereja do bolo de uma discussão tão importante quanto necessária e que, contextualizada dentro do movimento #MeToo e de todos os casos de abuso sexual envolvendo gente muito importante, foi brilhantemente explorada pela diretora Maria Schrader (de "Nada Ortodoxa").
Baseado na investigação vencedora do prêmio Pulitzer pelo The New York Times, "Ela Disse" acompanha Megan Twohey (Carey Mulligan) e Jodi Kantor (Zoe Kazan), duas jornalistas que juntas publicaram uma das histórias mais importantes e relevantes de uma geração: sérias denuncias de abuso sexual (e até estupro) contra o "todo poderoso" do cinema americano, o produtor e CEO da Miramax, Harvey Weinstein. A história que ajudou a lançar o movimento#Metoo, quebrou décadas de silêncio em torno do assunto de agressão sexual em Hollywood e alterou a cultura americana para sempre. Confira o trailer:
Com um time de primeiríssima qualidade, começando pelos produtores (os mesmos de "12 Anos de Escravidão", "Moonlight: Sob a Luz do Luar" e "Minari"), passando pela roteirista Rebecca Lenkiewicz (de "Ida") e culminando nas protagonistas Carey Mulligan e Zoe Kazan, "Ela Disse" pode ser considerado um dos melhores filmes de 2022 sem a menor sombra de dúvida. Mesmo com uma narrativa mais cadenciada, com uma levada mais jornalística do que investigativa e um texto denso (muitas vezes complexo), o filme cria uma atmosfera documental impressionante, expondo em detalhes todo o processo que levou as vitimas de Weinstein enfrentar o medo e denuncia-lo.
Ao lado de Schrader, a diretora de fotografia Natasha Braier (de "Demônio de Neon") nos joga dentro da redação do The New York Times e sem pressa alguma vai nos presenteando com um drama ao melhor estilo "Todos os Homens do Presidente". Mulligan e Kazan estão incríveis - dignas de indicações ao Oscar, eu diria. Mesmo que em alguns momentos o roteiro ceda a tentação do sensacionalismo, o elenco segura com muito realismo toda a jornada entre uma denuncia isolada e a construção de uma matéria bombástica - o interessante é justamente perceber essa montanha russa de emoções nos olhos das protagonistas. A cena em que Jodi Kantor recebe a ligação de Ashley Judd (interpretando ela mesmo), é impagável! Reparem! No papel da editora da dupla, Rebecca Corbett, e do editor executivo do NYT, Dean Baquet, Patricia Clarkson e Andre Braugher, respectivamente, merecem elogios, bem como Mike Houston como Harvey Weinstein que mesmo sem aparecer seu rosto em nenhum momento, consegue passar toda imponência e força de seu personagem.
"Ela Disse" é sim um soco no estômago, mas que sugere muito mais do que mostra e muito por causa disso nos coloca em uma posição de permanente tensão e angustia - o áudio da gravação de uma das vitimas sendo assediada por Harvey, enquanto a câmera enquadra os corredores de um hotel, chega a ser chocante. Os depoimentos também - é um mais visceral que o outro e faz com que tenhamos a exata noção de como essas mulheres foram expostas e desrespeitadas. Na verdade não há muito o que dizer, é preciso mergulhar nessa verdadeira cruzada e se o tema de fato te interessar, não deixe de ler "Ela Disse: Os bastidores da reportagem que impulsionou o #MeToo"- que como o filme, é tão surpreendente quanto doloroso!
Um mosaico das complexidades românticas - talvez seja essa a melhor forma de definir o surpreendente "Ele Não Está Tão a Fim de Você"! Na verdade esse é um filme que transcenda aquele clichê das comédias românticas que estamos acostumados ao defender o difícil propósito de oferecer uma análise perspicaz, e muitas vezes dolorosamente realista, das relações amorosas. Dirigido pelo Ken Kwapis (de "O Grande Milagre") o filme não apenas diverte, mas também nos provoca ótimas reflexões sobre a intricada dinâmica dos relacionamentos modernos. Inspirado no best-seller homônimo de Greg Behrendt e Liz Tuccillo (consultor e roteirista de alguns episódios do seriado "Sex and the City", respectivamente), sua narrativa multifacetada explora uma gama de comportamentos e mal-entendidos que costumam complicar a vida amorosa de homens e mulheres através dos tempos, combinando um humor afiado com momentos de introspecção dos mais interessantes.
Na trama, "Ele Não Está Tão a Fim de Você" segue um grupo de amigos em Baltimore enquanto navegam pelas turbulentas águas dos relacionamentos. Gigi (Ginnifer Goodwin) é uma jovem romântica e idealista que está à procura do amor verdadeiro, mas tem dificuldades em interpretar os sinais dos homens. Ela se apoia em Alex (Justin Long), um barman que se torna seu guru relacional. Enquanto isso, Beth (Jennifer Aniston) está frustrada com o namorado Neil (Ben Affleck), que reluta em propor casamento, e Janine (Jennifer Connelly) enfrenta a infidelidade de seu marido Ben (Bradley Cooper), que está envolvido com a aspirante a cantora Anna (Scarlett Johansson). O filme também explora as histórias de Mary (Drew Barrymore), uma publicitária que luta com a realidade do namoro online, e Connor (Kevin Connolly), um corretor de imóveis obcecado por Anna. Essa teia de histórias entrelaçadas pinta um quadro complexo, porém familiar, dos altos e baixos do amor. Confira o trailer:
Um filme muito gostoso de assistir e o grande mérito, além do elenco, é de Ken Kwapis - sua direção sustenta a narrativa de "Ele Não Está Tão a Fim de Você" e habilmente orquestra as múltiplas histórias que o roteiro propõe sem perder o ritmo ou sua coesão. A habilidade de Kwapis em equilibrar humor e seriedade cria um tom que ressoa com a audiência já que em vez de cair na armadilha das fórmulas previsíveis, ele proporciona uma experiência de fácil identificação e ao mesmo tempo bastante provocante. A montagem de Cara Silverman é outra peça crucial dessa engrenagem, permitindo que as transições entre as narrativas fluam naturalmente, nos mantendo engajados e emocionalmente mergulhadas em como as histórias são entrelaçadas.
Outro ponto que vale ser citado é a fotografia de John Bailey (de "O Verão da Minha Vida")" - ele utiliza uma paleta de cores vibrantes para refletir as emoções e o estado de espírito dos personagens. Bailey, com sua vasta experiência em "filmes de relação" faz uso de enquadramentos inteligentes e uma iluminação sutil para destacar as nuances das interações - sempre com Baltimore servindo como um pano de fundo vivo que adiciona uma camada extra de autenticidade às histórias. Ao ver uma cidade sendo capturada em uma mistura de cenários urbanos e locais mais íntimos, espelhando com muita habilidade as complexidades e contradições da vida amorosa dos personagens, a química entre os atores soa mais palpável e contribui significativamente para o impacto emocional que o filme oferece.
"Ele Não Está Tão a Fim de Você", no final das contas, realmente oferece uma exploração autêntica dos desafios de um relacionamento. Com uma direção competente, uma fotografia bem estruturada e performances divertidas, o filme entrega o que promete: uma análise crítica e muitas vezes comovente sobre como interpretamos (ou falhamos em interpretar) os sinais no jogo do amor. Então, se você aprecia narrativas que combinam humor com reflexão e está interessado em personagens que refletem as dores da vida real, algo como "Modern Love", esse filme é uma escolha certeira.
Vale muito o seu play!
Um mosaico das complexidades românticas - talvez seja essa a melhor forma de definir o surpreendente "Ele Não Está Tão a Fim de Você"! Na verdade esse é um filme que transcenda aquele clichê das comédias românticas que estamos acostumados ao defender o difícil propósito de oferecer uma análise perspicaz, e muitas vezes dolorosamente realista, das relações amorosas. Dirigido pelo Ken Kwapis (de "O Grande Milagre") o filme não apenas diverte, mas também nos provoca ótimas reflexões sobre a intricada dinâmica dos relacionamentos modernos. Inspirado no best-seller homônimo de Greg Behrendt e Liz Tuccillo (consultor e roteirista de alguns episódios do seriado "Sex and the City", respectivamente), sua narrativa multifacetada explora uma gama de comportamentos e mal-entendidos que costumam complicar a vida amorosa de homens e mulheres através dos tempos, combinando um humor afiado com momentos de introspecção dos mais interessantes.
Na trama, "Ele Não Está Tão a Fim de Você" segue um grupo de amigos em Baltimore enquanto navegam pelas turbulentas águas dos relacionamentos. Gigi (Ginnifer Goodwin) é uma jovem romântica e idealista que está à procura do amor verdadeiro, mas tem dificuldades em interpretar os sinais dos homens. Ela se apoia em Alex (Justin Long), um barman que se torna seu guru relacional. Enquanto isso, Beth (Jennifer Aniston) está frustrada com o namorado Neil (Ben Affleck), que reluta em propor casamento, e Janine (Jennifer Connelly) enfrenta a infidelidade de seu marido Ben (Bradley Cooper), que está envolvido com a aspirante a cantora Anna (Scarlett Johansson). O filme também explora as histórias de Mary (Drew Barrymore), uma publicitária que luta com a realidade do namoro online, e Connor (Kevin Connolly), um corretor de imóveis obcecado por Anna. Essa teia de histórias entrelaçadas pinta um quadro complexo, porém familiar, dos altos e baixos do amor. Confira o trailer:
Um filme muito gostoso de assistir e o grande mérito, além do elenco, é de Ken Kwapis - sua direção sustenta a narrativa de "Ele Não Está Tão a Fim de Você" e habilmente orquestra as múltiplas histórias que o roteiro propõe sem perder o ritmo ou sua coesão. A habilidade de Kwapis em equilibrar humor e seriedade cria um tom que ressoa com a audiência já que em vez de cair na armadilha das fórmulas previsíveis, ele proporciona uma experiência de fácil identificação e ao mesmo tempo bastante provocante. A montagem de Cara Silverman é outra peça crucial dessa engrenagem, permitindo que as transições entre as narrativas fluam naturalmente, nos mantendo engajados e emocionalmente mergulhadas em como as histórias são entrelaçadas.
Outro ponto que vale ser citado é a fotografia de John Bailey (de "O Verão da Minha Vida")" - ele utiliza uma paleta de cores vibrantes para refletir as emoções e o estado de espírito dos personagens. Bailey, com sua vasta experiência em "filmes de relação" faz uso de enquadramentos inteligentes e uma iluminação sutil para destacar as nuances das interações - sempre com Baltimore servindo como um pano de fundo vivo que adiciona uma camada extra de autenticidade às histórias. Ao ver uma cidade sendo capturada em uma mistura de cenários urbanos e locais mais íntimos, espelhando com muita habilidade as complexidades e contradições da vida amorosa dos personagens, a química entre os atores soa mais palpável e contribui significativamente para o impacto emocional que o filme oferece.
"Ele Não Está Tão a Fim de Você", no final das contas, realmente oferece uma exploração autêntica dos desafios de um relacionamento. Com uma direção competente, uma fotografia bem estruturada e performances divertidas, o filme entrega o que promete: uma análise crítica e muitas vezes comovente sobre como interpretamos (ou falhamos em interpretar) os sinais no jogo do amor. Então, se você aprecia narrativas que combinam humor com reflexão e está interessado em personagens que refletem as dores da vida real, algo como "Modern Love", esse filme é uma escolha certeira.
Vale muito o seu play!
"Elvis" é tranquilamente um dos melhores filmes de 2022 - independente do que possa conquistar daqui para frente. Mas antes de falar do filme em si, é preciso exaltar a capacidade que o diretor Baz Luhrmann tem de contar uma história com criatividade, inventividade, cor e música! Luhrmann traz com muita maturidade os inúmeros aprendizados de seus filmes anteriores, "Romeu + Julieta", "O Grande Gatsby", e, principalmente, "Moulin Rouge". Para alinhar as expectativas, eu diria até que "Elvis" é uma espécie de "Moulin Rouge", só que em Las Vegas, sem ser um musical, mas com muita música (boa) ditando o ritmo de quase três horas de filme!
Essa cinebiografia de Elvis Presley (Austin Butler) acompanha décadas da vida do "Rei do Rock" e sua ascensão à fama, a partir do seu relacionamento com o empresário "Coronel" Tom Parker (Tom Hanks). A história mergulha na dinâmica entre o cantor e seu empresário controlador por mais de 20 anos de parceria, usando a paisagem dos EUA em constante evolução e a transformação de Elvis como cantor. No meio de sua jornada e carreira, Elvis ainda encontra Priscilla Presley (Olivia DeJonge), fonte de sua inspiração e uma das pessoas mais importantes de sua vida. Confira o trailer:
A partir de agora vamos falar de um filme tecnicamente exemplar. Sim, a história é incrível, Elvis Presley foi um personagem marcante e sua jornada tem tudo que uma cinebiografia de uma celebridade musical precisa, mas meu amigo, a forma como Luhrmann decodificou todos esses elementos narrativos em uma experiência visual, é impressionante! São técnicas e mais técnicas que combinadas estabelecem uma dinâmica tão orgânica, seja nas transições, nos movimentos de câmera ou simplesmente nas texturas, que muitas vezes nem sabemos se o que estamos assistindo são imagens de arquivo ou de fato um filme produzido mais de 50 anos depois dos fatos. O trabalho do diretor de fotografia e parceiro de Luhmann, Mandy Walker (de "Australia" e "Mulan"), é incrível! Junto com um departamento de arte comandado pelo Damien Drew (de "O Grande Gatsby") e a trilha sonora de Elliott Wheeler (de "The Get Down"), o que vemos é um raro alinhamento técnico e artístico que nos coloca em uma atmosfera única - reparem como tudo se encaixa perfeitamente na proposta do diretor, das aplicações gráficas aos belos enquadramentos do atores!
Aliás, o que dizer de Austin Butler e Tom Hanks? Butler se esforça ao máximo para fugir da superficialidade da imitação - da voz marcante ao estilo de dançar, o ator tenta criar um certa identificação com Elvis Presley, humanizando o ícone em cenas mais dramáticas e deixando que as performances musicais falem por si - e funciona. Já Hanks, bem, ele sabe o que faz - e aqui um detalhe faz toda diferença na construção do seu personagem: a maquiagem! Hanks aproveita dessa transformação para se distanciar de outros personagens que interpretou e por incrível que pareça entrega algo completamente novo dentro de sua carreira tão completa. Existe uma certa complexidade na figura de Parker que qualquer outro ator sucumbiria a tentação do estereótipo; Tom Hanks não e Baz Luhrmann sabe tanto disso que teima em enquadrar o rosto do ator em close-ups onde apenas os olhos falam - é lindo de ver!
Sob o olhar de quem reconhece o entretenimento e as referências do pop como conceitos narrativos, é inegável que "Elvis" além de um grande filme, também é um belo espetáculo - mas essa visão, acreditem, foge do convencional. Luhrmann não é e nunca foi convencional! Essa característica marcante do diretor está em cada frame de "Elvis" e aceitar sua proposta será essencial para aproveitar a experiência que é assistir essa história. Inegável a qualidade como obra, mesmo com um recorte tão extenso e nada intimo do personagem que reflete muito bem uma de suas frases mais marcantes: "Se não puder falar, cante!"
Vale muito o seu play!
"Elvis" é tranquilamente um dos melhores filmes de 2022 - independente do que possa conquistar daqui para frente. Mas antes de falar do filme em si, é preciso exaltar a capacidade que o diretor Baz Luhrmann tem de contar uma história com criatividade, inventividade, cor e música! Luhrmann traz com muita maturidade os inúmeros aprendizados de seus filmes anteriores, "Romeu + Julieta", "O Grande Gatsby", e, principalmente, "Moulin Rouge". Para alinhar as expectativas, eu diria até que "Elvis" é uma espécie de "Moulin Rouge", só que em Las Vegas, sem ser um musical, mas com muita música (boa) ditando o ritmo de quase três horas de filme!
Essa cinebiografia de Elvis Presley (Austin Butler) acompanha décadas da vida do "Rei do Rock" e sua ascensão à fama, a partir do seu relacionamento com o empresário "Coronel" Tom Parker (Tom Hanks). A história mergulha na dinâmica entre o cantor e seu empresário controlador por mais de 20 anos de parceria, usando a paisagem dos EUA em constante evolução e a transformação de Elvis como cantor. No meio de sua jornada e carreira, Elvis ainda encontra Priscilla Presley (Olivia DeJonge), fonte de sua inspiração e uma das pessoas mais importantes de sua vida. Confira o trailer:
A partir de agora vamos falar de um filme tecnicamente exemplar. Sim, a história é incrível, Elvis Presley foi um personagem marcante e sua jornada tem tudo que uma cinebiografia de uma celebridade musical precisa, mas meu amigo, a forma como Luhrmann decodificou todos esses elementos narrativos em uma experiência visual, é impressionante! São técnicas e mais técnicas que combinadas estabelecem uma dinâmica tão orgânica, seja nas transições, nos movimentos de câmera ou simplesmente nas texturas, que muitas vezes nem sabemos se o que estamos assistindo são imagens de arquivo ou de fato um filme produzido mais de 50 anos depois dos fatos. O trabalho do diretor de fotografia e parceiro de Luhmann, Mandy Walker (de "Australia" e "Mulan"), é incrível! Junto com um departamento de arte comandado pelo Damien Drew (de "O Grande Gatsby") e a trilha sonora de Elliott Wheeler (de "The Get Down"), o que vemos é um raro alinhamento técnico e artístico que nos coloca em uma atmosfera única - reparem como tudo se encaixa perfeitamente na proposta do diretor, das aplicações gráficas aos belos enquadramentos do atores!
Aliás, o que dizer de Austin Butler e Tom Hanks? Butler se esforça ao máximo para fugir da superficialidade da imitação - da voz marcante ao estilo de dançar, o ator tenta criar um certa identificação com Elvis Presley, humanizando o ícone em cenas mais dramáticas e deixando que as performances musicais falem por si - e funciona. Já Hanks, bem, ele sabe o que faz - e aqui um detalhe faz toda diferença na construção do seu personagem: a maquiagem! Hanks aproveita dessa transformação para se distanciar de outros personagens que interpretou e por incrível que pareça entrega algo completamente novo dentro de sua carreira tão completa. Existe uma certa complexidade na figura de Parker que qualquer outro ator sucumbiria a tentação do estereótipo; Tom Hanks não e Baz Luhrmann sabe tanto disso que teima em enquadrar o rosto do ator em close-ups onde apenas os olhos falam - é lindo de ver!
Sob o olhar de quem reconhece o entretenimento e as referências do pop como conceitos narrativos, é inegável que "Elvis" além de um grande filme, também é um belo espetáculo - mas essa visão, acreditem, foge do convencional. Luhrmann não é e nunca foi convencional! Essa característica marcante do diretor está em cada frame de "Elvis" e aceitar sua proposta será essencial para aproveitar a experiência que é assistir essa história. Inegável a qualidade como obra, mesmo com um recorte tão extenso e nada intimo do personagem que reflete muito bem uma de suas frases mais marcantes: "Se não puder falar, cante!"
Vale muito o seu play!
"Em Defesa de Cristo" me pareceu ser mais um caso de um livro infinitamente melhor que o filme - não que ele seja ruim, mas é que a história é muito (mas, muito) boa.
Lee Strobel (Mike Vogel), é um jornalista conservador e linha dura, vivendo os melhores dias de sua carreira: uma premiada reportagem acaba de lhe render uma promoção como editor jurídico no jornal Chicago Tribune. Mas, seu casamento não vai muito bem. Sua esposa, Leslie (Erika Christensen), se converteu à fé cristã indo contra tudo que Lee pensava, como um ateu convicto, a respeito da religião. Utilizando sua vasta experiência sobre leis e usando o jornalismo como ponto de partida, Lee começa uma jornada para rebater os argumentos do cristianismo e assim salvar seu casamento. Investigando a maior história de sua carreira, Lee se vê cara a cara com fatos inesperados que podem mudar tudo que ele acredita ser verdade. Confira o trailer:
Tecnicamente o roteiro não está à altura que uma história dessas merece: Brian Bird nos apresenta uma resolução um pouco mais superficial e uma trama paralela que poderia ser melhor desenvolvida, se algumas camadas fossem exploradas - existe um embate intimo do protagonista que chama a atenção como gatilho, mas que parece não sair do lugar. Agora, mesmo com algumas inconsistências, eu não deixaria de assistir o filme - na verdade, eu gostei, só que é impossível não imaginar uma história tão potente como essa na mão de alguém com mais força na escrita e até na direção. Aliás, a direção do Jon Gunn ("De Coração Partido") é apenas protocolar - imagine se Denis Villeneuve (de "A Chegada") ou até o DarrenAronofsky (de "Cisne Negro") estivessem no projeto, olha, seria outro patamar!
De fato "The Case for Christ" (título original) é um filme bom, mas que transita pela mediocridade em vários aspectos e momentos - eu diria que é uma boa "Sessão da Tarde" que vai entreter, instigar, provocar, mas que não vai te marcar para sempre! É aquela diversão param sábado chuvoso!
Vale a pena nessas condições!
"Em Defesa de Cristo" me pareceu ser mais um caso de um livro infinitamente melhor que o filme - não que ele seja ruim, mas é que a história é muito (mas, muito) boa.
Lee Strobel (Mike Vogel), é um jornalista conservador e linha dura, vivendo os melhores dias de sua carreira: uma premiada reportagem acaba de lhe render uma promoção como editor jurídico no jornal Chicago Tribune. Mas, seu casamento não vai muito bem. Sua esposa, Leslie (Erika Christensen), se converteu à fé cristã indo contra tudo que Lee pensava, como um ateu convicto, a respeito da religião. Utilizando sua vasta experiência sobre leis e usando o jornalismo como ponto de partida, Lee começa uma jornada para rebater os argumentos do cristianismo e assim salvar seu casamento. Investigando a maior história de sua carreira, Lee se vê cara a cara com fatos inesperados que podem mudar tudo que ele acredita ser verdade. Confira o trailer:
Tecnicamente o roteiro não está à altura que uma história dessas merece: Brian Bird nos apresenta uma resolução um pouco mais superficial e uma trama paralela que poderia ser melhor desenvolvida, se algumas camadas fossem exploradas - existe um embate intimo do protagonista que chama a atenção como gatilho, mas que parece não sair do lugar. Agora, mesmo com algumas inconsistências, eu não deixaria de assistir o filme - na verdade, eu gostei, só que é impossível não imaginar uma história tão potente como essa na mão de alguém com mais força na escrita e até na direção. Aliás, a direção do Jon Gunn ("De Coração Partido") é apenas protocolar - imagine se Denis Villeneuve (de "A Chegada") ou até o DarrenAronofsky (de "Cisne Negro") estivessem no projeto, olha, seria outro patamar!
De fato "The Case for Christ" (título original) é um filme bom, mas que transita pela mediocridade em vários aspectos e momentos - eu diria que é uma boa "Sessão da Tarde" que vai entreter, instigar, provocar, mas que não vai te marcar para sempre! É aquela diversão param sábado chuvoso!
Vale a pena nessas condições!
É preciso entender que a AppleTV+ está apenas no começo da sua jornada e talvez por isso eu fique muito tranquilo em afirmar: de tudo que assisti até agora no serviço de streaming da Apple, "Em defesa de Jacob" é disparado o melhor titulo - não que os outros sejam ruins, mas essa minissérie é impecável, no seu roteiro, na sua produção e no seu elenco!
Baseada no livro de 2012 do americano William Landay, "Em Defesa de Jacob" conta a história do promotor Andy Barber (Chris Evans), um homem que acreditava ter uma vida perfeita ao lado de sua esposa Laurie (Michelle Dockery) e do filho Jacob (Jaeden Martell). Porém quando Barber é escalado para investigar o assassinato de um adolescente de 14 anos que foi encontrado esfaqueado em um parque da pequena cidade de Massachusetts onde moram, ele começa a enfrentar um verdadeiro pesadelo. O garoto estudava com seu filho que, pouco tempo depois, passa a ser apontado como o principal suspeito de ter cometido o crime. A partir daí, a vida da família Barber vira de ponta-cabeça, sua intimidade é completamente exposta, a repercussão da acusação destrói seu convívio social e a dúvida sobre o que realmente aconteceu transforma a relação entre eles em um verdadeiro jogo de verdades e mentiras! Confira o trailer:
Antes de seguir, eu preciso dizer que "Em Defesa de Jacob" já começa genial pelo duplo sentido do seu título - isso só ficará claro no último episódio, porém o que você vai assistir nos outros sete que compõem a minissérie, é uma história dinâmica que, mesmo com algumas escolhas óbvias, nos mantém envolvidos e cheio de dúvidas sobre os fatos que levaram o crime ser cometido e sobre quem cometeu! É um verdadeiro exercício de adivinhação constante, mas que o roteiro insiste em nos afastar da solução a cada nova descoberta! Olha, vale muito a pena mesmo, entretenimento de primeira linha, nível HBO, mas na AppleTV+!
"Em Defesa de Jacob" foi criada por Mark Bomback, roteirista de "Planeta dos Macacos" e "Wolverine - Imortal". Seu roteiro traz muitas referências do excelente "Precisamos falar sobre Kevin" de 2011, mas com o frescor de se tratar de uma minissérie e de poder explorar uma história complexa, com personagens profundos, com muito mais tempo de desenvolvimento que as duas horas do filme. Toda a trama envolvendo o assassinato, a investigação criminal e o julgamento é equilibrada com momentos bastante particulares da relação familiar dos Barber. Aquela família perfeita de fato não existe, personagens impecáveis, acima do bem e do mal, muito menos, com isso, a todo momento, o roteiro nos coloca uma pulga atrás da orelha com diálogos inteligentes e, principalmente, atuações acima da média, principalmente de Jaeden Martell - o ator consegue entregar uma performance incrível, extremamente contido, trabalhando o silêncio de um forma sombria em alguns momentos e frágil em outros - reparem! Michelle Dockery também surpreende como Laurie e o contraponto da dúvida é tão bem trabalhado pela personagem que o ótimo trabalho do Chris Evans acaba ganhando ainda mais força - embora ele tenha um tendência absurda a trabalhar um tom acima, sua certeza sobre a inocência do filho é de emocionar!
A edição também é um ponto que merece ser comentado: ela é a responsável pela dinâmica narrativa que o premiadíssimo diretor Morten Tyldum (Jogo da Imitação) impõe à história. A quebra da linha temporal parece mais confundir do que explicar e , propositalmente, os cortes nos criam a sensação de insegurança que vai progredindo até chegarmos nos episódios 7 e 8, quando nossa angústia já está quase insuportável. O fato do diretor ser norueguês, certamente, contribuiu para a escolha do look gélido que a minissérie tem - se "Garota Exemplar" trazia uma dominância mais esverdeada, "Em Defesa de Jacob" usa do azul para retratar a frieza e a solidão dos momentos de dúvida e de introspecção que acompanham cada um dos personagens, ao seu modo, em toda história!
"Em Defesa de Jacob" vem forte para a temporada de premiações, com aquele empurrãozinho de sucessos como "Big Little Lies" ou "Em Prantos", mas com a coragem de um roteiro que nos tira da zona de conforto e nos provoca ao não responder a questão principal da trama, mas de expor as imperfeições dos relacionamentos familiares em várias camadas e situações até o seu limite!
Vale o seu play!
É preciso entender que a AppleTV+ está apenas no começo da sua jornada e talvez por isso eu fique muito tranquilo em afirmar: de tudo que assisti até agora no serviço de streaming da Apple, "Em defesa de Jacob" é disparado o melhor titulo - não que os outros sejam ruins, mas essa minissérie é impecável, no seu roteiro, na sua produção e no seu elenco!
Baseada no livro de 2012 do americano William Landay, "Em Defesa de Jacob" conta a história do promotor Andy Barber (Chris Evans), um homem que acreditava ter uma vida perfeita ao lado de sua esposa Laurie (Michelle Dockery) e do filho Jacob (Jaeden Martell). Porém quando Barber é escalado para investigar o assassinato de um adolescente de 14 anos que foi encontrado esfaqueado em um parque da pequena cidade de Massachusetts onde moram, ele começa a enfrentar um verdadeiro pesadelo. O garoto estudava com seu filho que, pouco tempo depois, passa a ser apontado como o principal suspeito de ter cometido o crime. A partir daí, a vida da família Barber vira de ponta-cabeça, sua intimidade é completamente exposta, a repercussão da acusação destrói seu convívio social e a dúvida sobre o que realmente aconteceu transforma a relação entre eles em um verdadeiro jogo de verdades e mentiras! Confira o trailer:
Antes de seguir, eu preciso dizer que "Em Defesa de Jacob" já começa genial pelo duplo sentido do seu título - isso só ficará claro no último episódio, porém o que você vai assistir nos outros sete que compõem a minissérie, é uma história dinâmica que, mesmo com algumas escolhas óbvias, nos mantém envolvidos e cheio de dúvidas sobre os fatos que levaram o crime ser cometido e sobre quem cometeu! É um verdadeiro exercício de adivinhação constante, mas que o roteiro insiste em nos afastar da solução a cada nova descoberta! Olha, vale muito a pena mesmo, entretenimento de primeira linha, nível HBO, mas na AppleTV+!
"Em Defesa de Jacob" foi criada por Mark Bomback, roteirista de "Planeta dos Macacos" e "Wolverine - Imortal". Seu roteiro traz muitas referências do excelente "Precisamos falar sobre Kevin" de 2011, mas com o frescor de se tratar de uma minissérie e de poder explorar uma história complexa, com personagens profundos, com muito mais tempo de desenvolvimento que as duas horas do filme. Toda a trama envolvendo o assassinato, a investigação criminal e o julgamento é equilibrada com momentos bastante particulares da relação familiar dos Barber. Aquela família perfeita de fato não existe, personagens impecáveis, acima do bem e do mal, muito menos, com isso, a todo momento, o roteiro nos coloca uma pulga atrás da orelha com diálogos inteligentes e, principalmente, atuações acima da média, principalmente de Jaeden Martell - o ator consegue entregar uma performance incrível, extremamente contido, trabalhando o silêncio de um forma sombria em alguns momentos e frágil em outros - reparem! Michelle Dockery também surpreende como Laurie e o contraponto da dúvida é tão bem trabalhado pela personagem que o ótimo trabalho do Chris Evans acaba ganhando ainda mais força - embora ele tenha um tendência absurda a trabalhar um tom acima, sua certeza sobre a inocência do filho é de emocionar!
A edição também é um ponto que merece ser comentado: ela é a responsável pela dinâmica narrativa que o premiadíssimo diretor Morten Tyldum (Jogo da Imitação) impõe à história. A quebra da linha temporal parece mais confundir do que explicar e , propositalmente, os cortes nos criam a sensação de insegurança que vai progredindo até chegarmos nos episódios 7 e 8, quando nossa angústia já está quase insuportável. O fato do diretor ser norueguês, certamente, contribuiu para a escolha do look gélido que a minissérie tem - se "Garota Exemplar" trazia uma dominância mais esverdeada, "Em Defesa de Jacob" usa do azul para retratar a frieza e a solidão dos momentos de dúvida e de introspecção que acompanham cada um dos personagens, ao seu modo, em toda história!
"Em Defesa de Jacob" vem forte para a temporada de premiações, com aquele empurrãozinho de sucessos como "Big Little Lies" ou "Em Prantos", mas com a coragem de um roteiro que nos tira da zona de conforto e nos provoca ao não responder a questão principal da trama, mas de expor as imperfeições dos relacionamentos familiares em várias camadas e situações até o seu limite!
Vale o seu play!
"Em Nome do Céu" é uma produção do FX que aqui no Brasil está disponível no Star+, porém, para quem gosta e acompanha séries de investigação, é impossível não associar essa minissérie ao grande sucesso que foi "True Detective" - especialmente na sua primeira temporada. A estrutura narrativa é bem similar, cadenciada e cheia de camadas da mesma forma, além, obviamente, de ter dois elementos que conectam diretamente as duas histórias: o fanatismo religioso e o confronto íntimo dos protagonistas.
Baseado no livro homônimo de Jon Krakauer e criado por Dustin Lance Black (vencedor do Oscar por "Milk"), acompanhamos a história verídica de um crime macabro que ocorreu em uma comunidade mórmon em Utah, EUA, em 1984, onde uma mulher e sua filha foram brutalmente assassinadas dentro de casa, com a atrocidade tendo ligação com o fundamentalismo religioso e sua doutrina de “expiação por sangue”. O detetive Jeb Pyre (Andrew Garfield) investiga o caso ao mesmo tempo que precisa lidar com os reflexos de suas descobertas diante dos questionamentos de sua própria fé. Confira o trailer (em inglês):
Contextualizando o universo em que a história está inserida, por mais cruéis que sejam os detalhes do crime, mais assustador para cidadãos daquela comunidade é saber que um de seus membros (e não um forasteiro) foi o autor de tamanha atrocidade. Entre tantos homens e mulheres de fé que ali circulam, devotos de Joseph Smith e da Igreja de Jesus Cristo dos Santos dos Últimos Dias, aceitar que existe um criminoso entre os seus, parece absurdo. Isso ganha ainda mais dramaticidade quando tudo leva a crer que foi uma interpretação extremista dos valores mórmons que motivou o assassinato de duas fiéis - e é aí que surge um gatilho narrativo que nos acompanha por toda a jornada e que nos provoca inúmeras reflexões: qual o verdadeiro poder da hipocrisia?
"Em Nome do Céu" até ensaia um mistério mais forense em seu início, porém não é esse o caminho que o roteiro de Black resolve seguir - aqui não se trata de quem matou, e sim por qual razão! Mas não é só isso, pois seguindo a obra original de Krakauer, a minissérie adiciona uma linha temporal para estabelecer paralelos entre o passado, com a origem da religião Mórmon de Smith e de seus dissidentes, e o presente (de 1984), com a investigação dos assassinatos. Além disso, existe uma supervalorização dos dogmas religiosos em boa parte dos diálogos, o que, para nós, dificulta a compreensão e atravanca a narrativa - muitos vão se incomodar com o conceito, porém depois que acostumados, é inegável que essa camada coloca a trama em outro patamar.
Depois de sete episódios, com performances que merecem elogios, principalmente de Andrew Garfield (indicado ao Emmy pelo personagem) e Wyatt Russell (como Dan Lafferty), a impressão que fica é que não era preciso ter ido tão longe na construção do mindset dos Lafferty para entender a razão do crime e muito menos por que os criminosos foram capazes de tamanha brutalidade - nesse ponto, faltou um pouco de coragem ao roteiro que facilmente poderia ter se tornado muito mais impactante e memorável - eu diria que tinha espaço para algo bem ao estilo de "Seven".
Dito isso, é fácil imaginar que "Em Nome do Céu" não agradará a todos por sua "forma", mas também pelo seu "conteúdo"; por outro lado é impossível não elogiar a qualidade técnica e artística da produção, com uma edição muito criativa que realmente ajuda a trama sair do lugar comum.
Vale o seu play, mas não espere uma jornada simples e muito menos usual.
"Em Nome do Céu" é uma produção do FX que aqui no Brasil está disponível no Star+, porém, para quem gosta e acompanha séries de investigação, é impossível não associar essa minissérie ao grande sucesso que foi "True Detective" - especialmente na sua primeira temporada. A estrutura narrativa é bem similar, cadenciada e cheia de camadas da mesma forma, além, obviamente, de ter dois elementos que conectam diretamente as duas histórias: o fanatismo religioso e o confronto íntimo dos protagonistas.
Baseado no livro homônimo de Jon Krakauer e criado por Dustin Lance Black (vencedor do Oscar por "Milk"), acompanhamos a história verídica de um crime macabro que ocorreu em uma comunidade mórmon em Utah, EUA, em 1984, onde uma mulher e sua filha foram brutalmente assassinadas dentro de casa, com a atrocidade tendo ligação com o fundamentalismo religioso e sua doutrina de “expiação por sangue”. O detetive Jeb Pyre (Andrew Garfield) investiga o caso ao mesmo tempo que precisa lidar com os reflexos de suas descobertas diante dos questionamentos de sua própria fé. Confira o trailer (em inglês):
Contextualizando o universo em que a história está inserida, por mais cruéis que sejam os detalhes do crime, mais assustador para cidadãos daquela comunidade é saber que um de seus membros (e não um forasteiro) foi o autor de tamanha atrocidade. Entre tantos homens e mulheres de fé que ali circulam, devotos de Joseph Smith e da Igreja de Jesus Cristo dos Santos dos Últimos Dias, aceitar que existe um criminoso entre os seus, parece absurdo. Isso ganha ainda mais dramaticidade quando tudo leva a crer que foi uma interpretação extremista dos valores mórmons que motivou o assassinato de duas fiéis - e é aí que surge um gatilho narrativo que nos acompanha por toda a jornada e que nos provoca inúmeras reflexões: qual o verdadeiro poder da hipocrisia?
"Em Nome do Céu" até ensaia um mistério mais forense em seu início, porém não é esse o caminho que o roteiro de Black resolve seguir - aqui não se trata de quem matou, e sim por qual razão! Mas não é só isso, pois seguindo a obra original de Krakauer, a minissérie adiciona uma linha temporal para estabelecer paralelos entre o passado, com a origem da religião Mórmon de Smith e de seus dissidentes, e o presente (de 1984), com a investigação dos assassinatos. Além disso, existe uma supervalorização dos dogmas religiosos em boa parte dos diálogos, o que, para nós, dificulta a compreensão e atravanca a narrativa - muitos vão se incomodar com o conceito, porém depois que acostumados, é inegável que essa camada coloca a trama em outro patamar.
Depois de sete episódios, com performances que merecem elogios, principalmente de Andrew Garfield (indicado ao Emmy pelo personagem) e Wyatt Russell (como Dan Lafferty), a impressão que fica é que não era preciso ter ido tão longe na construção do mindset dos Lafferty para entender a razão do crime e muito menos por que os criminosos foram capazes de tamanha brutalidade - nesse ponto, faltou um pouco de coragem ao roteiro que facilmente poderia ter se tornado muito mais impactante e memorável - eu diria que tinha espaço para algo bem ao estilo de "Seven".
Dito isso, é fácil imaginar que "Em Nome do Céu" não agradará a todos por sua "forma", mas também pelo seu "conteúdo"; por outro lado é impossível não elogiar a qualidade técnica e artística da produção, com uma edição muito criativa que realmente ajuda a trama sair do lugar comum.
Vale o seu play, mas não espere uma jornada simples e muito menos usual.
"Em Pedaços" conta a história de Katia Sekerci (Diane Kruger), uma alemã que leva uma vida normal ao lado do marido turco Nuri (Numan Acar), e do filho de 7 anos. Certo dia, ela é surpreendida ao descobrir que ambos morreram devido a uma bomba colocada na frente do escritório do marido. Desesperada, Katia decide lutar por justiça ao descobrir que os responsáveis foram integrantes de um grupo neonazista. Veja o trailer:
Olha, "In the Fade" (no original) foi o vencedor do Golden Globe de 2018, foi indicado ao Palme d'Or e vencedor da categoria melhor atriz com Diane Kruger em Cannes. Sério, o filme é imperdível! Tenso do começo ao fim, é extremamente bem dirigido pelo alemão (com descendência turca) Fatih Akin, e tem um roteiro capaz de brincar com nossos sentimentos a cada cena. Chega ser inacreditável que a Diane Kruger não tenha sido indicada ao Oscar de 2008 - reparem como ela está simplesmente perfeita no filme!
A experiência de assistir esse filme sem saber muito sobre ele, é única! Faça isso que você não vai se arrepender!
"Em Pedaços" conta a história de Katia Sekerci (Diane Kruger), uma alemã que leva uma vida normal ao lado do marido turco Nuri (Numan Acar), e do filho de 7 anos. Certo dia, ela é surpreendida ao descobrir que ambos morreram devido a uma bomba colocada na frente do escritório do marido. Desesperada, Katia decide lutar por justiça ao descobrir que os responsáveis foram integrantes de um grupo neonazista. Veja o trailer:
Olha, "In the Fade" (no original) foi o vencedor do Golden Globe de 2018, foi indicado ao Palme d'Or e vencedor da categoria melhor atriz com Diane Kruger em Cannes. Sério, o filme é imperdível! Tenso do começo ao fim, é extremamente bem dirigido pelo alemão (com descendência turca) Fatih Akin, e tem um roteiro capaz de brincar com nossos sentimentos a cada cena. Chega ser inacreditável que a Diane Kruger não tenha sido indicada ao Oscar de 2008 - reparem como ela está simplesmente perfeita no filme!
A experiência de assistir esse filme sem saber muito sobre ele, é única! Faça isso que você não vai se arrepender!
"Encontros", novo filme do diretor francês Cédric Klapisch (Paris) parece um drama mais profundo sobre relações (ou a falta delas) ao melhor estilo "Encontros e Desencontros", mas no final não passa de uma comédia romântica com pitadas de drama, tipo "La délicatesse" ("A Delicadeza do Amor") - não que isso seja ruim, muito pelo contrário, acho que até funcionou, mas é preciso assistir preparado para não se decepcionar.
O filme conta a história de Mélanie (Ana Girardot), uma jovem de 30 anos que se apoia em um app de encontros para superar a solidão após o termino do seu mais recente relacionamento e, principalmente, por ter se distanciado tanto da sua família, ou melhor, da sua mãe que mora em uma outra cidade. Já Rémi (François Civil) carrega a dor de uma perda pessoal e está passando por uma transição profissional pouco inspiradora. Sua enorme dificuldade com o sono o coloca em um estado depressivo que dificulta seus relacionamentos - ele também vive sozinho! O interessante é que Mélanie e Rémi são vizinhos, frequentam o mesmo mercado, tem horários parecidos, mas nunca se conheceram! É nesse contexto que "Encontros" acompanha a vida desses dois jovens tão próximos geograficamente, mas tão distantes fisicamente. Suas histórias são contatadas de forma independente, mostrando os dois juntos apenas nos desencontros pontuais e deixando claro que, "sim", eles vão se encontrar e se conhecer em algum momento, mas que isso na verdade não é o mais importante e sim a jornada de auto-conhecimento que os dois estão passando para poder seguir seus respectivos caminhos - juntos ou separados.
Embora o filme trate de assuntos pesados com uma certa leveza, Klapisch peca em não definir o gênero do filme e isso incomoda um pouco - até o nome do filme mudou em português: começou como (Des)Encontros e passou para Encontros um dia antes da estreia! Eu até acho possível brincar com a audiência ao entregar logo de cara um final óbvio, provocando nossa criatividade para descobrir "como" esse final irá acontecer, porém o filme sofre com a falta de identidade e isso reflete muito na nossa experiência - ele transita muito aleatoriamente entre o drama e a comédia romântica, tornando essa "espera" um pouco cansativa. Talvez lendo algo como esse texto antes de assistir o filme, a percepção melhore, mas não se pode contar com isso!
Ter Paris como cenário faz com que a fotografia seja naturalmente muito bonita - os planos abertos são tão bem trabalhados quanto os fechados e isso trás uma enorme elegância para o filme. Klapisch tem o mérito de usar o cenário apenas como moldura para mostrar um sentimento de solidão da vida adulta dos dois personagens. A cor do filme também é linda! Agora, tecnicamente, existe um erro grave de continuidade quando os personagens entram em seus respectivos prédios de um lado, mas aparecem em lados trocados nas suas janelas - eu diria que é um pouco amador esse tipo de erro, mas acaba não interferindo tanto na história em si. Fica como curiosidade!
"Encontros" tenta se aprofundar nos sentimentos dos personagens, mas com um conceito narrativo mais leve e muitas vezes não dá o "match" ideal, por outro lado é um filme gostoso de assistir, com uma ou outra reflexão mais existencial ou por identificação, mas nada muito profundo. Se você gostou de "500 dias com ela" e "Antes do Pôr do Sol", mesmo eles sendo completamente diferentes, é bem possível que você goste de "Encontros" ou (Des)Encontros - como você preferir!
"Encontros", novo filme do diretor francês Cédric Klapisch (Paris) parece um drama mais profundo sobre relações (ou a falta delas) ao melhor estilo "Encontros e Desencontros", mas no final não passa de uma comédia romântica com pitadas de drama, tipo "La délicatesse" ("A Delicadeza do Amor") - não que isso seja ruim, muito pelo contrário, acho que até funcionou, mas é preciso assistir preparado para não se decepcionar.
O filme conta a história de Mélanie (Ana Girardot), uma jovem de 30 anos que se apoia em um app de encontros para superar a solidão após o termino do seu mais recente relacionamento e, principalmente, por ter se distanciado tanto da sua família, ou melhor, da sua mãe que mora em uma outra cidade. Já Rémi (François Civil) carrega a dor de uma perda pessoal e está passando por uma transição profissional pouco inspiradora. Sua enorme dificuldade com o sono o coloca em um estado depressivo que dificulta seus relacionamentos - ele também vive sozinho! O interessante é que Mélanie e Rémi são vizinhos, frequentam o mesmo mercado, tem horários parecidos, mas nunca se conheceram! É nesse contexto que "Encontros" acompanha a vida desses dois jovens tão próximos geograficamente, mas tão distantes fisicamente. Suas histórias são contatadas de forma independente, mostrando os dois juntos apenas nos desencontros pontuais e deixando claro que, "sim", eles vão se encontrar e se conhecer em algum momento, mas que isso na verdade não é o mais importante e sim a jornada de auto-conhecimento que os dois estão passando para poder seguir seus respectivos caminhos - juntos ou separados.
Embora o filme trate de assuntos pesados com uma certa leveza, Klapisch peca em não definir o gênero do filme e isso incomoda um pouco - até o nome do filme mudou em português: começou como (Des)Encontros e passou para Encontros um dia antes da estreia! Eu até acho possível brincar com a audiência ao entregar logo de cara um final óbvio, provocando nossa criatividade para descobrir "como" esse final irá acontecer, porém o filme sofre com a falta de identidade e isso reflete muito na nossa experiência - ele transita muito aleatoriamente entre o drama e a comédia romântica, tornando essa "espera" um pouco cansativa. Talvez lendo algo como esse texto antes de assistir o filme, a percepção melhore, mas não se pode contar com isso!
Ter Paris como cenário faz com que a fotografia seja naturalmente muito bonita - os planos abertos são tão bem trabalhados quanto os fechados e isso trás uma enorme elegância para o filme. Klapisch tem o mérito de usar o cenário apenas como moldura para mostrar um sentimento de solidão da vida adulta dos dois personagens. A cor do filme também é linda! Agora, tecnicamente, existe um erro grave de continuidade quando os personagens entram em seus respectivos prédios de um lado, mas aparecem em lados trocados nas suas janelas - eu diria que é um pouco amador esse tipo de erro, mas acaba não interferindo tanto na história em si. Fica como curiosidade!
"Encontros" tenta se aprofundar nos sentimentos dos personagens, mas com um conceito narrativo mais leve e muitas vezes não dá o "match" ideal, por outro lado é um filme gostoso de assistir, com uma ou outra reflexão mais existencial ou por identificação, mas nada muito profundo. Se você gostou de "500 dias com ela" e "Antes do Pôr do Sol", mesmo eles sendo completamente diferentes, é bem possível que você goste de "Encontros" ou (Des)Encontros - como você preferir!
É realmente complicado encontrar um filme capaz de quebrar as barreiras do tempo e da cultura e assim se transformar em uma experiência única e permanente que sabe exatamente o seu poder como obra cinematográfica - especialmente pelo seu caráter extremamente sensorial. "Encontros e Desencontros," dirigido por uma Sofia Coppola no melhor da sua forma, é exatamente isso, mesmo que algumas pessoas possam achar um certo exagero de nossa parte. Naturalmente o filme exige uma certa dose de sensibilidade para entender como sua narrativa é uma viagem pelo autoconhecimento - partindo da melancolia , da solidão, até o encontro da paixão e da saudade antes mesmo dela acontecer. Essa característica tão especial de "Lost in Translation" (no seu título original) proporcionou ao filme uma centena de prêmios em festivais importantes ao redor do planeta, incluindo o Oscar de Melhor Roteiro Original - sem falar na indicação como "Melhor Filme do Ano". Agora é preciso dizer: para se conectar com a história de Bob e Charlotte, você precisa gostar de filmes mais intimistas, que exploram a complexidade das relações humanas - mas saiba também que isso, Sofia Coppola faz como poucos!
No coração de "Encontros e Desencontros" está a história de Bob Harris (Bill Murray) e Charlotte (Scarlett Johansson). Bob, um ator em decadência, é enviado para Tóquio para filmar um comercial, enquanto Charlotte, uma jovem esposa em busca de significado, acompanha seu marido fotógrafo na mesma cidade. O filme se desenrola a partir do encontro inesperado dessas duas pessoas, em meio às luzes neon de Tóquio, pela perspectiva da solidão e da busca pela felicidade, mesmo que passageira. Confira o trailer (em inglês):
Ao analisar "Encontros e Desencontros" é mesmo impossível ignorar o brilhante trabalho de Sofia Coppola como diretora e, principalmente, como roteirista. Ela foi capaz de nos colocar como audiência em uma profunda atmosfera melancólica e contemplativa graças ao signo universal que inevitavelmente cria barreiras de comunicação: o idioma. E é aí que a escolha de Tóquio como pano de fundo não apenas contribui para a estética visual única do filme, mas também serve como metáfora para a desconexão emocional dos personagens já que ambos se sentem sozinhos até quando podem se comunicar em inglês - essa dualidade narrativa entre o que é falado e o que é sentido nos acompanha durante todo filme e, acreditem, mexe demais com nossas sensações e sentimentos.
A fotografia do Lance Acord (de "Onde Vivem os Monstros") é uma verdadeira obra-prima, já que ele é capaz de capturar a beleza caótica da cidade de Tóquio ao mesmo tempo em que transforma os olhares e as expressões sutis dos protagonistas perante o silêncio em uma verdadeira janela para alma. E aqui entra outro ponto crucial para o sucesso da proposta de Coppola: a performance magistral de Bill Murray e Scarlett Johansson. A química entre os dois atores cria uma dinâmica tão envolvente e autêntica que fica impossível não torcer por eles. Reparem como a montagem cuidadosa de Sarah Flack potencializa a direção e a relação dos atores em seus dramas, permitindo que os vários momentos de introspecção falem mais alto do que as próprias palavras - essa abordagem cria uma ressonância emocional impressionante.
"Encontros e Desencontros" dividiu opiniões na época de seu lançamento e vai continuar dividindo por algum tempo, no entanto é preciso admitir que mais do que apenas um filme sobre relações improváveis, sua proposta se aproxima de uma interessante experiência cinematográfica transformadora que vai tocar fundo em qualquer pessoa que busca a autenticidade e a conexão com uma história, de fato, muito marcante por sua sensibilidade e delicadeza. Sofia Coppola, para mim, entregou um filme que transcende com muita inteligência as fronteiras culturais daquele cenário, explorando a essência da solidão e da redescoberta pessoal, mesmo que acompanhado daquele "dolorido" aperto no peito.
Dê o play e prepare-se para uma jornada emocional e estética que permanecerá contigo muito depois dos créditos finais. Eu garanto.
É realmente complicado encontrar um filme capaz de quebrar as barreiras do tempo e da cultura e assim se transformar em uma experiência única e permanente que sabe exatamente o seu poder como obra cinematográfica - especialmente pelo seu caráter extremamente sensorial. "Encontros e Desencontros," dirigido por uma Sofia Coppola no melhor da sua forma, é exatamente isso, mesmo que algumas pessoas possam achar um certo exagero de nossa parte. Naturalmente o filme exige uma certa dose de sensibilidade para entender como sua narrativa é uma viagem pelo autoconhecimento - partindo da melancolia , da solidão, até o encontro da paixão e da saudade antes mesmo dela acontecer. Essa característica tão especial de "Lost in Translation" (no seu título original) proporcionou ao filme uma centena de prêmios em festivais importantes ao redor do planeta, incluindo o Oscar de Melhor Roteiro Original - sem falar na indicação como "Melhor Filme do Ano". Agora é preciso dizer: para se conectar com a história de Bob e Charlotte, você precisa gostar de filmes mais intimistas, que exploram a complexidade das relações humanas - mas saiba também que isso, Sofia Coppola faz como poucos!
No coração de "Encontros e Desencontros" está a história de Bob Harris (Bill Murray) e Charlotte (Scarlett Johansson). Bob, um ator em decadência, é enviado para Tóquio para filmar um comercial, enquanto Charlotte, uma jovem esposa em busca de significado, acompanha seu marido fotógrafo na mesma cidade. O filme se desenrola a partir do encontro inesperado dessas duas pessoas, em meio às luzes neon de Tóquio, pela perspectiva da solidão e da busca pela felicidade, mesmo que passageira. Confira o trailer (em inglês):
Ao analisar "Encontros e Desencontros" é mesmo impossível ignorar o brilhante trabalho de Sofia Coppola como diretora e, principalmente, como roteirista. Ela foi capaz de nos colocar como audiência em uma profunda atmosfera melancólica e contemplativa graças ao signo universal que inevitavelmente cria barreiras de comunicação: o idioma. E é aí que a escolha de Tóquio como pano de fundo não apenas contribui para a estética visual única do filme, mas também serve como metáfora para a desconexão emocional dos personagens já que ambos se sentem sozinhos até quando podem se comunicar em inglês - essa dualidade narrativa entre o que é falado e o que é sentido nos acompanha durante todo filme e, acreditem, mexe demais com nossas sensações e sentimentos.
A fotografia do Lance Acord (de "Onde Vivem os Monstros") é uma verdadeira obra-prima, já que ele é capaz de capturar a beleza caótica da cidade de Tóquio ao mesmo tempo em que transforma os olhares e as expressões sutis dos protagonistas perante o silêncio em uma verdadeira janela para alma. E aqui entra outro ponto crucial para o sucesso da proposta de Coppola: a performance magistral de Bill Murray e Scarlett Johansson. A química entre os dois atores cria uma dinâmica tão envolvente e autêntica que fica impossível não torcer por eles. Reparem como a montagem cuidadosa de Sarah Flack potencializa a direção e a relação dos atores em seus dramas, permitindo que os vários momentos de introspecção falem mais alto do que as próprias palavras - essa abordagem cria uma ressonância emocional impressionante.
"Encontros e Desencontros" dividiu opiniões na época de seu lançamento e vai continuar dividindo por algum tempo, no entanto é preciso admitir que mais do que apenas um filme sobre relações improváveis, sua proposta se aproxima de uma interessante experiência cinematográfica transformadora que vai tocar fundo em qualquer pessoa que busca a autenticidade e a conexão com uma história, de fato, muito marcante por sua sensibilidade e delicadeza. Sofia Coppola, para mim, entregou um filme que transcende com muita inteligência as fronteiras culturais daquele cenário, explorando a essência da solidão e da redescoberta pessoal, mesmo que acompanhado daquele "dolorido" aperto no peito.
Dê o play e prepare-se para uma jornada emocional e estética que permanecerá contigo muito depois dos créditos finais. Eu garanto.
"Entre Mulheres" é excelente, mas muito difícil! Veja, no cenário cinematográfico contemporâneo, obras que exploram a complexidade das relações humanas e abordam temas sensíveis como o estupro, o assédio e a violência contra a mulher, têm ganhado cada vez mais destaque e o filme dirigido por Sarah Pulley (de "Histórias que Contamos"), é mais um exemplo notável dessa tendência. No entanto, aqui, não encontramos uma narrativa tão fluida, pois, propositalmente, a diretora prefere explorar o texto de uma forma que mistura o simbolismo com a dura realidade e essa escolha certamente vai afastar parte da audiência. Existe uma poesia e uma profundidade nas entrelinhas que impressionam, mas a cadência de como a trama é desenvolvida exige muita boa vontade até alcançar o final.
Baseado no livro homônimo deMiriam Toews, "Entre Mulheres" acompanha um grupo de mulheres que moram em uma comunidade cristã menonita isolada nos EUA. Alvos de crimes sexuais cometidos pelos homens da comunidade, elas criam um plebiscito para decidir se deixam a comunidade, que representa tudo o que elas conhecem até então, ou se ficam e lutam para torná-la um lugar mais seguro para elas e para as próximas gerações – uma opção não muito mais fácil, visto que quase todos os homens adultos do local se dispuseram a pagar a fiança dos criminosos e deram às suas esposas, mães, irmãs e filhas um ultimato: ou elas perdoam os agressores, ou terão de arriscar a danação eterna. Confira o trailer:
Depois de um prólogo praticamente perfeito em sua estrutura dramática, não existiria forma mais irônica de iniciar o filme em si se não com a frase: “Esta história é fruto da fértil imaginação feminina”. É impressionante como Sarah Pulley contextualiza o problema, apresenta as personagens e nos indica exatamente qual o caminho sua narrativa vai seguir, em pouquíssimos planos, quase sem nenhum diálogo, mas com uma narração tão potente quanto profunda e um texto, de fato, digno de Oscar - aliás, "Entre Mulheres" ganhou o prêmio de "Roteiro Adaptado" em 2023 e concorreu como "Melhor Filme do Ano".
A direção de Pulley merece aplausos, especialmente pela maneira como ela constrói a narrativa visualmente - eu diria que o filme é uma poesia visual, como "Retrato de uma Jovem em Chamas". A paleta de cores mais esverdeada, quase sem saturação, reflete exatamente o momento íntimo que as personagens estão passando. Existe uma frieza que conectada à fotografia do diretor Luc Montpellier (de "Tales from the Loop") cria uma atmosfera delicada, porém densa, que serve de moldura para o excepcional elenco brilhar. Além disso, por favor, reparem na trilha sonora original e como ela contribui para uma imersão visceral, nos guiando pelas profundezas das emoções sem precisar se sobressair.
De fato, o elenco de "Entre Mulheres" oferece performances notáveis que elevam a narrativa aos patamares mais altos que uma produção tão intimista pode chegar. Pulley é sagaz em trabalhar o silêncio e em quebrar nossas expectativas com trocas de tom em um piscar de olhos - a verdade é que nunca sabemos o que vamos encontrar: se um conforto, uma palavra de sabedoria, uma passagem religiosa ou simplesmente uma discussão bastante ofensiva. Claire Foy, Rooney Mara, Judith Ivey e Jessie Buckley dão um verdadeiro show!
Para aqueles que se permitirem embarcar na proposta da diretora, eu adianto que "Entre Mulheres" tem uma capacidade única de mexer com nossas emoções de uma forma muito particular - essencialmente na audiência feminina. A narrativa não se contenta em apresentar uma história simples com superficialidade; em vez disso, ela mergulha fundo nas experiências das personagens, explorando temas como o amor, o perdão, o arrependimento e a reconciliação, mesmo que submersa naquela atmosfera de alienação, religião e violência.
Vale seu play, mas não assista com sono!
"Entre Mulheres" é excelente, mas muito difícil! Veja, no cenário cinematográfico contemporâneo, obras que exploram a complexidade das relações humanas e abordam temas sensíveis como o estupro, o assédio e a violência contra a mulher, têm ganhado cada vez mais destaque e o filme dirigido por Sarah Pulley (de "Histórias que Contamos"), é mais um exemplo notável dessa tendência. No entanto, aqui, não encontramos uma narrativa tão fluida, pois, propositalmente, a diretora prefere explorar o texto de uma forma que mistura o simbolismo com a dura realidade e essa escolha certamente vai afastar parte da audiência. Existe uma poesia e uma profundidade nas entrelinhas que impressionam, mas a cadência de como a trama é desenvolvida exige muita boa vontade até alcançar o final.
Baseado no livro homônimo deMiriam Toews, "Entre Mulheres" acompanha um grupo de mulheres que moram em uma comunidade cristã menonita isolada nos EUA. Alvos de crimes sexuais cometidos pelos homens da comunidade, elas criam um plebiscito para decidir se deixam a comunidade, que representa tudo o que elas conhecem até então, ou se ficam e lutam para torná-la um lugar mais seguro para elas e para as próximas gerações – uma opção não muito mais fácil, visto que quase todos os homens adultos do local se dispuseram a pagar a fiança dos criminosos e deram às suas esposas, mães, irmãs e filhas um ultimato: ou elas perdoam os agressores, ou terão de arriscar a danação eterna. Confira o trailer:
Depois de um prólogo praticamente perfeito em sua estrutura dramática, não existiria forma mais irônica de iniciar o filme em si se não com a frase: “Esta história é fruto da fértil imaginação feminina”. É impressionante como Sarah Pulley contextualiza o problema, apresenta as personagens e nos indica exatamente qual o caminho sua narrativa vai seguir, em pouquíssimos planos, quase sem nenhum diálogo, mas com uma narração tão potente quanto profunda e um texto, de fato, digno de Oscar - aliás, "Entre Mulheres" ganhou o prêmio de "Roteiro Adaptado" em 2023 e concorreu como "Melhor Filme do Ano".
A direção de Pulley merece aplausos, especialmente pela maneira como ela constrói a narrativa visualmente - eu diria que o filme é uma poesia visual, como "Retrato de uma Jovem em Chamas". A paleta de cores mais esverdeada, quase sem saturação, reflete exatamente o momento íntimo que as personagens estão passando. Existe uma frieza que conectada à fotografia do diretor Luc Montpellier (de "Tales from the Loop") cria uma atmosfera delicada, porém densa, que serve de moldura para o excepcional elenco brilhar. Além disso, por favor, reparem na trilha sonora original e como ela contribui para uma imersão visceral, nos guiando pelas profundezas das emoções sem precisar se sobressair.
De fato, o elenco de "Entre Mulheres" oferece performances notáveis que elevam a narrativa aos patamares mais altos que uma produção tão intimista pode chegar. Pulley é sagaz em trabalhar o silêncio e em quebrar nossas expectativas com trocas de tom em um piscar de olhos - a verdade é que nunca sabemos o que vamos encontrar: se um conforto, uma palavra de sabedoria, uma passagem religiosa ou simplesmente uma discussão bastante ofensiva. Claire Foy, Rooney Mara, Judith Ivey e Jessie Buckley dão um verdadeiro show!
Para aqueles que se permitirem embarcar na proposta da diretora, eu adianto que "Entre Mulheres" tem uma capacidade única de mexer com nossas emoções de uma forma muito particular - essencialmente na audiência feminina. A narrativa não se contenta em apresentar uma história simples com superficialidade; em vez disso, ela mergulha fundo nas experiências das personagens, explorando temas como o amor, o perdão, o arrependimento e a reconciliação, mesmo que submersa naquela atmosfera de alienação, religião e violência.
Vale seu play, mas não assista com sono!
"Era uma Segunda Vez" é uma série francesa da Netflix que traz, mais uma vez, um dos assuntos que mais chamam a atenção de quem gosta de uma boa ficção científica: a viagem no tempo! Acontece que "Era uma Segunda Vez", pelo menos nessa primeira temporada, usa o tema apenas como pano de fundo para contar uma conturbada história de amor. Vincent Dauda (Gaspard Ulliel) ainda sofria pelo término do namoro com Louise Arron (Freya Mavor), grande amor de sua vida, quando recebe um estranho pacote juntamente com algumas encomendas que havia feito: nele, um cubo de madeira. Curioso, Vincent entra nesse cubo para analisar o que seria e acaba indo para o passado, 9 meses atrás mais precisamente, quando ainda namorava com Louise. Mesmo sem entender muito bem o que estava acontecendo, Vincent percebe a oportunidade que tem para reconquistar o seu grande amor e evitar assim, os mesmos erros que levaram ao fim do relacionamento. O problema é que, ao priorizar o passado, suas relações com as pessoas que vivem no presente começam a ser afetadas - um dos melhores exemplos, sem dúvida, é a complicada relação que Vincent tem com seu filho Stanley (Sacha Canuyt).
Pessoalmente eu achei a premissa muito interessante, porém me incomodou o fato da série ter uma necessidade absurda de provar, a cada momento, que possuía uma identidade (extremamente autoral) e até uma nova visão sobre o tema - com isso, por muitas vezes, acabou tropeçando na própria pretensão. "Era uma Segunda Vez" não é ruim, mas é lenta! Vai agradar muito mais aos que preferem um drama de relações profundas do que o fã de uma complexa ficção científica. O fato de ter 4 episódios de 50 minutos, em média, nos permite experimentar a série - não esperem uma história tão envolvente como "Dark", mas também não é tão superficial ou cheia de clichês como "Se eu não tivesse te conhecido".
O roteiro de "Era uma Segunda Vez" alterna três linhas temporais: o presente, o passado e as memórias. Sim, pode parecer confuso e muitas vezes é, por isso o diretor Guillaume Nicloux dividiu esses momentos com o auxilio de técnicas de filmagem e finalização. No presente existe um alto contraste e a janela é de 16.9. No passado a janela é 4:3 (por isso das duas colunas pretas nas extremidades da tela) e as imagens parecem mais claras com uma iluminação quase estourada. Já nas memórias vemos o primeiro plano completamente em foco e tudo ao lado e no fundo extremamente desfocado, quase borrado! Esse conceito visual ajuda a localizar onde a história está se passando, pois a montagem muitas vezes não segue a narrativa convencional, linear; ela brinca com elementos como narrações em off ou até cortes rápidos, super clipados e completamente desconexos. A solução de mudar a janela de exibição é interessante, mas tem tantos erros de enquadramentos que me faz acreditar que a solução veio muito mais na sala de montagem do que no planejamento de filmagem. Pelo menos (e isso é um grande elogio) a produção não caiu na tentação de criar algum tipo de efeito especial para mostrar a viagem no tempo! A solução simples, praticamente só no corte, funcionou melhor do que vimos em Dark, por exemplo!
Gaspard Ulliel e Freya Mavor são bons e funcionam juntos, porém não convencem como casal - mais por ela inclusive. Já Sacha Canuyt, dá um show como o filho de Vincent - ele acerta no tom e na forma com muita precisão. Agora, a mãe de Louise, meu Deus, é péssima - extremamente estereotipada! Aliás, o roteiro falha muito nesse quesito - o texto fica duro em muitos atores, pois na ânsia de surpreender ele acaba se apoiando em bengalas que já são muito batidas. O final da temporada, por exemplo, embora funcione como plot twist escancara o problema de falta de identidade e de originalidade.
"Era uma Segunda Vez" deixa mais perguntas do que respostas, se perde no gênero que vai guiar a narrativa, mas mesmo assim não deixa de ser interessante só não sei dizer se as pessoas vão ter paciência para ir até o final. Como drama funciona, mas não encanta. Como ficção, tem boas sacadas, mas também não vão gerar discussões mundo a fora, porém definir a série como ruim, também não seria justo. Agora é esperar uma segunda temporada para sabermos se valeram a pena as quatro horas dessa primeira! Eu me entretive, mas sobreviveria se não tivesse assistido!
"Era uma Segunda Vez" é uma série francesa da Netflix que traz, mais uma vez, um dos assuntos que mais chamam a atenção de quem gosta de uma boa ficção científica: a viagem no tempo! Acontece que "Era uma Segunda Vez", pelo menos nessa primeira temporada, usa o tema apenas como pano de fundo para contar uma conturbada história de amor. Vincent Dauda (Gaspard Ulliel) ainda sofria pelo término do namoro com Louise Arron (Freya Mavor), grande amor de sua vida, quando recebe um estranho pacote juntamente com algumas encomendas que havia feito: nele, um cubo de madeira. Curioso, Vincent entra nesse cubo para analisar o que seria e acaba indo para o passado, 9 meses atrás mais precisamente, quando ainda namorava com Louise. Mesmo sem entender muito bem o que estava acontecendo, Vincent percebe a oportunidade que tem para reconquistar o seu grande amor e evitar assim, os mesmos erros que levaram ao fim do relacionamento. O problema é que, ao priorizar o passado, suas relações com as pessoas que vivem no presente começam a ser afetadas - um dos melhores exemplos, sem dúvida, é a complicada relação que Vincent tem com seu filho Stanley (Sacha Canuyt).
Pessoalmente eu achei a premissa muito interessante, porém me incomodou o fato da série ter uma necessidade absurda de provar, a cada momento, que possuía uma identidade (extremamente autoral) e até uma nova visão sobre o tema - com isso, por muitas vezes, acabou tropeçando na própria pretensão. "Era uma Segunda Vez" não é ruim, mas é lenta! Vai agradar muito mais aos que preferem um drama de relações profundas do que o fã de uma complexa ficção científica. O fato de ter 4 episódios de 50 minutos, em média, nos permite experimentar a série - não esperem uma história tão envolvente como "Dark", mas também não é tão superficial ou cheia de clichês como "Se eu não tivesse te conhecido".
O roteiro de "Era uma Segunda Vez" alterna três linhas temporais: o presente, o passado e as memórias. Sim, pode parecer confuso e muitas vezes é, por isso o diretor Guillaume Nicloux dividiu esses momentos com o auxilio de técnicas de filmagem e finalização. No presente existe um alto contraste e a janela é de 16.9. No passado a janela é 4:3 (por isso das duas colunas pretas nas extremidades da tela) e as imagens parecem mais claras com uma iluminação quase estourada. Já nas memórias vemos o primeiro plano completamente em foco e tudo ao lado e no fundo extremamente desfocado, quase borrado! Esse conceito visual ajuda a localizar onde a história está se passando, pois a montagem muitas vezes não segue a narrativa convencional, linear; ela brinca com elementos como narrações em off ou até cortes rápidos, super clipados e completamente desconexos. A solução de mudar a janela de exibição é interessante, mas tem tantos erros de enquadramentos que me faz acreditar que a solução veio muito mais na sala de montagem do que no planejamento de filmagem. Pelo menos (e isso é um grande elogio) a produção não caiu na tentação de criar algum tipo de efeito especial para mostrar a viagem no tempo! A solução simples, praticamente só no corte, funcionou melhor do que vimos em Dark, por exemplo!
Gaspard Ulliel e Freya Mavor são bons e funcionam juntos, porém não convencem como casal - mais por ela inclusive. Já Sacha Canuyt, dá um show como o filho de Vincent - ele acerta no tom e na forma com muita precisão. Agora, a mãe de Louise, meu Deus, é péssima - extremamente estereotipada! Aliás, o roteiro falha muito nesse quesito - o texto fica duro em muitos atores, pois na ânsia de surpreender ele acaba se apoiando em bengalas que já são muito batidas. O final da temporada, por exemplo, embora funcione como plot twist escancara o problema de falta de identidade e de originalidade.
"Era uma Segunda Vez" deixa mais perguntas do que respostas, se perde no gênero que vai guiar a narrativa, mas mesmo assim não deixa de ser interessante só não sei dizer se as pessoas vão ter paciência para ir até o final. Como drama funciona, mas não encanta. Como ficção, tem boas sacadas, mas também não vão gerar discussões mundo a fora, porém definir a série como ruim, também não seria justo. Agora é esperar uma segunda temporada para sabermos se valeram a pena as quatro horas dessa primeira! Eu me entretive, mas sobreviveria se não tivesse assistido!
Antes de mais nada é preciso deixar claro que "Era uma vez em… Hollywood" é um filme "escrito e dirigido" pelo Quentin Tarantino e isso trás, por si só, um selo de criatividade que quase sempre desconstrói algumas regras narrativas que estamos acostumados a encontrar em outros filmes. Definir a sinopse de "Era uma vez em… Hollywood" já me parece um grande desafio, então, seguindo as regras do Tarantino, vou desconstruir a maneira como normalmente analiso os filmes por aqui. Talvez o filme não tenha como foco principal contar a história real de Sharon Tate (Margot Robbie), mas é de vital importância conhece-la: Tate era uma jovem atriz americana em inicio de carreira. Ela foi casada com o diretor Roman Polanski e em "Era uma vez" ela está descobrindo o valor (e o sabor) da fama após o lançamento de seu primeiro filme de destaque. Acontece que na vida real, Tate foi brutalmente assassinada pelas mãos da Família Manson, uma seita de hippies que moravam em um rancho que por muito tempo serviu de cenário para filmes de Faroeste - não preciso dizer que esses maníacos eram seguidores de Charles Manson (Damon Herriman), certo? Ah, e que ele está no filme!
Acontece que Tate é apenas um dos pilares dessa história e está longe de ser uma das protagonistas! Com isso, posso afirmar que a construção da jornada dos outros dois personagens (ou dos outros pilares do filme), é o elemento narrativo mais interessante de "Era uma vez em… Hollywood", pois é na convergência dessa construção que o filme passa a fazer sentido, mesmo com arcos tão distantes do que será entregue no final. Parece complicado, mas na prática vai fazer todo sentido: Rick Dalton (Leonardo de DiCaprio) é um ator que só interpreta vilões e que se vê estagnado na carreira, o que acaba gerando uma enorme insegurança para ele. Já Cliff Booth (Brad Pitt) é seu dublê e fiel escudeiro, embora tenha uma enorme dificuldade para encontrar trabalho por ter um temperamento, digamos, sincero demais e por carregar o peso de uma história onde teria assassinado sua esposa durante um passeio de barco, é um cara seguro e muito bem resolvido! Os dois, ao lado de Tate, estão inseridos em um contexto onde Hollywood tem o poder absoluto de transformar a vida das pessoas, porém ela cobra seu preço e em diferentes níveis - essa é a crítica que Tarantino faz no filme ao mesmo tempo em que se declara como cineasta pela história da televisão e como suas produções tiveram total importância na ascensão de grandes atores e do cinema como um todo.
Se você espera um festival de pancadaria, tiroteios e muito sangue cenográfico como em outros filmes do diretor, é bem possível que você vá se decepcionar. Como sugeri nos parágrafos anteriores, "Era uma vez em… Hollywood" é um filme focado no personagem, nas suas experiências de vida e, principalmente, na sua forma de encarar as situações "cotidianas" que o roteiro propõe - não que os outros filmes do diretor não tivessem isso, mas posso garantir que aqui eles são mais cirúrgicos, quase um estudo de personalidade, o que deflagra elementos de suspense na mesma proporção que encontramos o drama, a ação e a comédia - reparem em toda sequência onde Rick Dalton encontra Trudi Fraser (Julia Butters) antes de filmar uma cena do piloto da série: existe um diálogo sensacional e depois de contracenar com ela na ficção, o diretor nos entrega todos os elementos acima sem ao menos estereotipar qualquer um dos gêneros - isso é muito Tarantino, porém com a mão menos pesada! A cena onde Cliff Booth resolve conferir se seu antigo amigo, dono do rancho onde a família Manson se instalou, está realmente dormindo; é outro grande exemplo do equilíbrio narrativo que o diretor propõem!
Uma coisa que me chamou muito a atenção são os movimentos de câmera extremamente criativos. A câmera passeia entre um plano e outro de uma forma tão orgânica que muitas vezes achei que existia um corte, quando na verdade era um plano sequência. A fotografia do Robert Richardson (o monstro por trás de JFK, Aviador e Hugo) é algo fora do comum - é ele que dá vida as loucuras criativas do Tarantino desde Kill Bill. Ele merece essa mais essa indicação ao Oscar 2020. Uma curiosidade é que tudo foi realmente filmado em locação, ou seja, as cenas em Los Angeles foram feitas nas ruas e estradas da cidade! Tudo foi adereçado e produzido para nos colocar no final dos anos 60! Tudo está lá, sem fundo verde! Outro elemento que vale a referência é o desenho de som: reparem como o som da televisão (e muitas vezes o próprio texto que sai dela) se encaixa perfeitamente nas cenas que acontecem fora dela. Reparem como a rádio dos carros também ajudam a dar o mood daquela Hollywood como se fosse uma espécie de conto de fadas sendo contada. Aliás, meu amigo, que trilha sonora é essa!!!! Importante você reparar (com muita atenção) como nada que o Tarantino pede para colocar no cenário é gratuito - tudo ajuda a compor o personagem ou a ação que ali vai acontecer. Ele nunca rouba no jogo - reparem em tudo: da comida do cachorro que está no armário da cozinha de Cliff Booth aos objetos na garagem de Rick Dalton.
É claro que, como todo filme do Tarantino, uns vão odiar enquanto outros vão idolatrar, porém eu preciso dizer que "Era uma vez em… Hollywood" é uma aula de narrativa, tanto de roteiro quanto de direção. Talvez o filme onde absolutamente todos os atores estão exatamente no tom certo com seus personagens: do diretor da série ao gerente do cinema. Dos hippies da família Manson ao próprio Bruce Lee. Sem falar, claro, no excelente trabalho do Leonardo de DiCaprio - o melhor trabalho da carreira dele até aqui; junto com a Margot Robbie e com Brad Pitt - não se surpreenda se os três forem indicados no próximo ano!
Grande filme e do fundo do coração, espero que essa análise ajude na sua experiência ao assistir "Era uma vez em… Hollywood", porque é até compreensível não conhecer algumas histórias que o filme referencia, mas como obra cinematográfica, olha, tudo é quase perfeito! Vale seu play!
Ah, antes de terminar: existe uma cena pós-créditos onde Ricky Dalton faz um comercial para a marca de cigarros Red Apple. Saiba que essa é a marca fumada pelos personagens de Pulp Fiction, Kill Bill e Os Oito Odiados - ela não existe, mas a brincadeira do Tarantino vale pelo alívio cômico!
Up-date: "Era uma vez em… Hollywood" ganhou em duas categorias no Oscar 2020: Melhor Design de Produção e Melhor Ator Coadjuvante!
Antes de mais nada é preciso deixar claro que "Era uma vez em… Hollywood" é um filme "escrito e dirigido" pelo Quentin Tarantino e isso trás, por si só, um selo de criatividade que quase sempre desconstrói algumas regras narrativas que estamos acostumados a encontrar em outros filmes. Definir a sinopse de "Era uma vez em… Hollywood" já me parece um grande desafio, então, seguindo as regras do Tarantino, vou desconstruir a maneira como normalmente analiso os filmes por aqui. Talvez o filme não tenha como foco principal contar a história real de Sharon Tate (Margot Robbie), mas é de vital importância conhece-la: Tate era uma jovem atriz americana em inicio de carreira. Ela foi casada com o diretor Roman Polanski e em "Era uma vez" ela está descobrindo o valor (e o sabor) da fama após o lançamento de seu primeiro filme de destaque. Acontece que na vida real, Tate foi brutalmente assassinada pelas mãos da Família Manson, uma seita de hippies que moravam em um rancho que por muito tempo serviu de cenário para filmes de Faroeste - não preciso dizer que esses maníacos eram seguidores de Charles Manson (Damon Herriman), certo? Ah, e que ele está no filme!
Acontece que Tate é apenas um dos pilares dessa história e está longe de ser uma das protagonistas! Com isso, posso afirmar que a construção da jornada dos outros dois personagens (ou dos outros pilares do filme), é o elemento narrativo mais interessante de "Era uma vez em… Hollywood", pois é na convergência dessa construção que o filme passa a fazer sentido, mesmo com arcos tão distantes do que será entregue no final. Parece complicado, mas na prática vai fazer todo sentido: Rick Dalton (Leonardo de DiCaprio) é um ator que só interpreta vilões e que se vê estagnado na carreira, o que acaba gerando uma enorme insegurança para ele. Já Cliff Booth (Brad Pitt) é seu dublê e fiel escudeiro, embora tenha uma enorme dificuldade para encontrar trabalho por ter um temperamento, digamos, sincero demais e por carregar o peso de uma história onde teria assassinado sua esposa durante um passeio de barco, é um cara seguro e muito bem resolvido! Os dois, ao lado de Tate, estão inseridos em um contexto onde Hollywood tem o poder absoluto de transformar a vida das pessoas, porém ela cobra seu preço e em diferentes níveis - essa é a crítica que Tarantino faz no filme ao mesmo tempo em que se declara como cineasta pela história da televisão e como suas produções tiveram total importância na ascensão de grandes atores e do cinema como um todo.
Se você espera um festival de pancadaria, tiroteios e muito sangue cenográfico como em outros filmes do diretor, é bem possível que você vá se decepcionar. Como sugeri nos parágrafos anteriores, "Era uma vez em… Hollywood" é um filme focado no personagem, nas suas experiências de vida e, principalmente, na sua forma de encarar as situações "cotidianas" que o roteiro propõe - não que os outros filmes do diretor não tivessem isso, mas posso garantir que aqui eles são mais cirúrgicos, quase um estudo de personalidade, o que deflagra elementos de suspense na mesma proporção que encontramos o drama, a ação e a comédia - reparem em toda sequência onde Rick Dalton encontra Trudi Fraser (Julia Butters) antes de filmar uma cena do piloto da série: existe um diálogo sensacional e depois de contracenar com ela na ficção, o diretor nos entrega todos os elementos acima sem ao menos estereotipar qualquer um dos gêneros - isso é muito Tarantino, porém com a mão menos pesada! A cena onde Cliff Booth resolve conferir se seu antigo amigo, dono do rancho onde a família Manson se instalou, está realmente dormindo; é outro grande exemplo do equilíbrio narrativo que o diretor propõem!
Uma coisa que me chamou muito a atenção são os movimentos de câmera extremamente criativos. A câmera passeia entre um plano e outro de uma forma tão orgânica que muitas vezes achei que existia um corte, quando na verdade era um plano sequência. A fotografia do Robert Richardson (o monstro por trás de JFK, Aviador e Hugo) é algo fora do comum - é ele que dá vida as loucuras criativas do Tarantino desde Kill Bill. Ele merece essa mais essa indicação ao Oscar 2020. Uma curiosidade é que tudo foi realmente filmado em locação, ou seja, as cenas em Los Angeles foram feitas nas ruas e estradas da cidade! Tudo foi adereçado e produzido para nos colocar no final dos anos 60! Tudo está lá, sem fundo verde! Outro elemento que vale a referência é o desenho de som: reparem como o som da televisão (e muitas vezes o próprio texto que sai dela) se encaixa perfeitamente nas cenas que acontecem fora dela. Reparem como a rádio dos carros também ajudam a dar o mood daquela Hollywood como se fosse uma espécie de conto de fadas sendo contada. Aliás, meu amigo, que trilha sonora é essa!!!! Importante você reparar (com muita atenção) como nada que o Tarantino pede para colocar no cenário é gratuito - tudo ajuda a compor o personagem ou a ação que ali vai acontecer. Ele nunca rouba no jogo - reparem em tudo: da comida do cachorro que está no armário da cozinha de Cliff Booth aos objetos na garagem de Rick Dalton.
É claro que, como todo filme do Tarantino, uns vão odiar enquanto outros vão idolatrar, porém eu preciso dizer que "Era uma vez em… Hollywood" é uma aula de narrativa, tanto de roteiro quanto de direção. Talvez o filme onde absolutamente todos os atores estão exatamente no tom certo com seus personagens: do diretor da série ao gerente do cinema. Dos hippies da família Manson ao próprio Bruce Lee. Sem falar, claro, no excelente trabalho do Leonardo de DiCaprio - o melhor trabalho da carreira dele até aqui; junto com a Margot Robbie e com Brad Pitt - não se surpreenda se os três forem indicados no próximo ano!
Grande filme e do fundo do coração, espero que essa análise ajude na sua experiência ao assistir "Era uma vez em… Hollywood", porque é até compreensível não conhecer algumas histórias que o filme referencia, mas como obra cinematográfica, olha, tudo é quase perfeito! Vale seu play!
Ah, antes de terminar: existe uma cena pós-créditos onde Ricky Dalton faz um comercial para a marca de cigarros Red Apple. Saiba que essa é a marca fumada pelos personagens de Pulp Fiction, Kill Bill e Os Oito Odiados - ela não existe, mas a brincadeira do Tarantino vale pelo alívio cômico!
Up-date: "Era uma vez em… Hollywood" ganhou em duas categorias no Oscar 2020: Melhor Design de Produção e Melhor Ator Coadjuvante!
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