"9/11: Inside the President's War Room" (no original), documentário da BBC Films em parceria com a Apple, é simplesmente imperdível - pelas imagens dramáticas, pelos depoimentos de quem esteve ao lado do presidente Bush naquele dia e, principalmente, pela forma como a linha do tempo foi construída. Eu diria que esse documentário da AppleTV+ é um dos melhores do ano e certamente vai te colocar naquela atmosfera tão marcante de 20 anos atrás.
Em pouco mais de 90 minutos experimentamos os eventos de 11 de setembro de 2001 através dos olhos do presidente Bush e de seus assessores mais próximos, enquanto eles detalham pessoalmente alguns momentos cruciais e as principais decisões daquele dia histórico. O documentário cobre as primeiras 12 horas de terror e desinformação de uma forma avassaladora. Confira o trailer (em inglês):
O diferencial desse documentário com relação aos vários outros que já assisti, sem dúvida, diz respeito aos personagens que dão depoimentos: são entrevistas exclusivas com o presidente George W. Bush, com o vice Dick Cheney, com a conselheira de segurança nacional Condoleezza Rice, com o secretário de Estado Colin Powell, ente outros - inclusive profissionais da imprensa que cobriam a agenda do presidente na Flórida e que, indiretamente, viveram aquele dia histórico ao lado dele.
É muito interessante a proposta do diretor Adam Wishart em nos posicionar na linha do tempo em relação as (des)informações do staff do presidente em paralelo aos acontecimentos de Nova York e Washington, em tempo real. A forma como os personagens se dividem nas ações em resposta aos relatórios iniciais, primeiro descartando um acidente com um avião de pequeno porte e depois quando os ataques foram confirmados como uma atividade terrorista - as reações, a tensão, tudo está ali. É muito curioso como cada personagem assume uma posição hierárquica perante o caos e como algumas deficiências tecnológicas da época impactaram nas tomadas de decisões - a ordem para abater o United 93 é um ótimo exemplo e sem dúvida um dos momentos que mais embrulha o estômago.
"9/11: Inside the President's War Room" é uma aula de narrativa que equilibra perfeitamente entrevistas, cenas de arquivo e imagens inéditas dos ataques, incluindo uma quantidade enorme de fotos de dentro da própria "sala de guerra" do presidente (e de seu vice) que passou o dia entre o Air Force One e vários Bunkers, até chegar na Casa Branca para um pronunciamento emocionante e histórico.
Em tempo, se você gosta do assunto eu sugiro que você assista dois títulos antes de chegar no documentário (nessa ordem): "The Looming Tower" com Jeff Daniels (que inclusive é o narrador de "9/11: Inside the President's War Room") e depois "O Relatório"com Adam Driver - tenha certeza que a experiência será incrível pelo encaixe das narrativas e visões dos seus personagens.
Imperdível!
"9/11: Inside the President's War Room" (no original), documentário da BBC Films em parceria com a Apple, é simplesmente imperdível - pelas imagens dramáticas, pelos depoimentos de quem esteve ao lado do presidente Bush naquele dia e, principalmente, pela forma como a linha do tempo foi construída. Eu diria que esse documentário da AppleTV+ é um dos melhores do ano e certamente vai te colocar naquela atmosfera tão marcante de 20 anos atrás.
Em pouco mais de 90 minutos experimentamos os eventos de 11 de setembro de 2001 através dos olhos do presidente Bush e de seus assessores mais próximos, enquanto eles detalham pessoalmente alguns momentos cruciais e as principais decisões daquele dia histórico. O documentário cobre as primeiras 12 horas de terror e desinformação de uma forma avassaladora. Confira o trailer (em inglês):
O diferencial desse documentário com relação aos vários outros que já assisti, sem dúvida, diz respeito aos personagens que dão depoimentos: são entrevistas exclusivas com o presidente George W. Bush, com o vice Dick Cheney, com a conselheira de segurança nacional Condoleezza Rice, com o secretário de Estado Colin Powell, ente outros - inclusive profissionais da imprensa que cobriam a agenda do presidente na Flórida e que, indiretamente, viveram aquele dia histórico ao lado dele.
É muito interessante a proposta do diretor Adam Wishart em nos posicionar na linha do tempo em relação as (des)informações do staff do presidente em paralelo aos acontecimentos de Nova York e Washington, em tempo real. A forma como os personagens se dividem nas ações em resposta aos relatórios iniciais, primeiro descartando um acidente com um avião de pequeno porte e depois quando os ataques foram confirmados como uma atividade terrorista - as reações, a tensão, tudo está ali. É muito curioso como cada personagem assume uma posição hierárquica perante o caos e como algumas deficiências tecnológicas da época impactaram nas tomadas de decisões - a ordem para abater o United 93 é um ótimo exemplo e sem dúvida um dos momentos que mais embrulha o estômago.
"9/11: Inside the President's War Room" é uma aula de narrativa que equilibra perfeitamente entrevistas, cenas de arquivo e imagens inéditas dos ataques, incluindo uma quantidade enorme de fotos de dentro da própria "sala de guerra" do presidente (e de seu vice) que passou o dia entre o Air Force One e vários Bunkers, até chegar na Casa Branca para um pronunciamento emocionante e histórico.
Em tempo, se você gosta do assunto eu sugiro que você assista dois títulos antes de chegar no documentário (nessa ordem): "The Looming Tower" com Jeff Daniels (que inclusive é o narrador de "9/11: Inside the President's War Room") e depois "O Relatório"com Adam Driver - tenha certeza que a experiência será incrível pelo encaixe das narrativas e visões dos seus personagens.
Imperdível!
Quando os interesses econômicos se sobressaem ao que realmente impacta na sociedade, independente do universo em que essa "mentira" (para não dizer hipocrisia) esteja inserida, encontramos uma ótima premissa para o desenvolvimento de uma jornada que, de fato, vai prender a atenção da audiência - primeiro por nos provocar, de imediato, indignação e depois por gerar uma enorme empatia pela protagonista que luta contra tudo e contra todos para provar que o "sistema" não está preocupado com o ser humano e sim com o seu lucro. Indicado ao César Awards (o Oscar Francês) em 2017, "150 Miligramas" é uma surpreendente adaptação do livro da pneumologista Irène Frachon que segue justamente essa linha narrativa - o filme retrata o que foi considerado por muitos, uma das mais impactantes denúncias que a indústria farmacêutica já sofreu em todos os tempos.
"La Fille de Brest" (no original) recria a luta travada pela Dra. Franchon (Sidse Babett Knudsen), entre 2009 e 2011, quando ela colocou a própria profissão em risco ao desafiar a indústria farmacêutica e estabelecer uma ligação direta entre mortes suspeitas e o consumo de Mediator, um medicamento para controle da obesidade em diabéticos que apresentava graves efeitos colaterais, mesmo já no mercado há mais 30 anos. Confira o trailer:
Contextualizando, a ótima diretora Emmanuelle Bercot já havia se destacado ao priorizar personagens femininas fortes - seus dois trabalhos anteriores teve "só" Catherine Deneuve como protagonista ("Ela Vai" de 2013 e "De Cabeça Erguida" de 2015), então já era de se esperar que a talentosa Sidse Babett Knudsen fosse capaz de entregar uma Irène Frachon incrível - e é o que acontece! Knudsen foi capaz de traduzir a expectativa de Bercot, criando uma protagonista que oscila emocionalmente de acordo com a situação em que ela se encontra. Essa capacidade da atriz humaniza sua personagem de uma forma que, por muitos momentos, temos a impressão de estarmos assistindo ao mesmo tempo um documentário investigativo e um filme caseiro de sua família. E aqui cabe um comentário: Knudsen concorreu ao prêmio de Melhor Atriz no César Awards daquele ano por essa performance.
Por se tratar de uma adaptação, a linha acaba ficando muito tênue entre o genial e o superficial, principalmente pelo pouco tempo para expor os sentimentos mais honestos e profundos dos personagens e é justamente por isso que destaco um dos grandes acertos do roteiro de Séverine Bosschem ao lado de Bercot: existe um equilíbrio entre poesia e drama - as cenas da protagonista no mar, ilustrando de forma metafórica sua incessante luta contra o laboratório Servier, nadando contra a maré, quase perdendo o fôlego e ainda tentando sobreviver em meio a tanta pressão, é simplesmente incrível! Impossível também não destacar o trabalho do fotógrafo indicado ao Oscar em 2012 pelo "O Artista", Guillaume Schiffman.
Como em "Minamata" ou no mais recente "O Preço da Verdade", existe uma proposital sensação de exaustão depois de duas horas de filme para ilustrar o peso da jornada de Irène Frachon, rodeada de estafa física e psicológica, mas lindamente decodificada pela diretora que não se limitou em construir "uma salvadora da pátria" e sim retratar os seus medos, suas falhas e inseguranças - e como dito em uma das melhores passagens do filme: "não há luta sem medo e ele atinge todos os rebeldes".
Vale muito a pena!
Quando os interesses econômicos se sobressaem ao que realmente impacta na sociedade, independente do universo em que essa "mentira" (para não dizer hipocrisia) esteja inserida, encontramos uma ótima premissa para o desenvolvimento de uma jornada que, de fato, vai prender a atenção da audiência - primeiro por nos provocar, de imediato, indignação e depois por gerar uma enorme empatia pela protagonista que luta contra tudo e contra todos para provar que o "sistema" não está preocupado com o ser humano e sim com o seu lucro. Indicado ao César Awards (o Oscar Francês) em 2017, "150 Miligramas" é uma surpreendente adaptação do livro da pneumologista Irène Frachon que segue justamente essa linha narrativa - o filme retrata o que foi considerado por muitos, uma das mais impactantes denúncias que a indústria farmacêutica já sofreu em todos os tempos.
"La Fille de Brest" (no original) recria a luta travada pela Dra. Franchon (Sidse Babett Knudsen), entre 2009 e 2011, quando ela colocou a própria profissão em risco ao desafiar a indústria farmacêutica e estabelecer uma ligação direta entre mortes suspeitas e o consumo de Mediator, um medicamento para controle da obesidade em diabéticos que apresentava graves efeitos colaterais, mesmo já no mercado há mais 30 anos. Confira o trailer:
Contextualizando, a ótima diretora Emmanuelle Bercot já havia se destacado ao priorizar personagens femininas fortes - seus dois trabalhos anteriores teve "só" Catherine Deneuve como protagonista ("Ela Vai" de 2013 e "De Cabeça Erguida" de 2015), então já era de se esperar que a talentosa Sidse Babett Knudsen fosse capaz de entregar uma Irène Frachon incrível - e é o que acontece! Knudsen foi capaz de traduzir a expectativa de Bercot, criando uma protagonista que oscila emocionalmente de acordo com a situação em que ela se encontra. Essa capacidade da atriz humaniza sua personagem de uma forma que, por muitos momentos, temos a impressão de estarmos assistindo ao mesmo tempo um documentário investigativo e um filme caseiro de sua família. E aqui cabe um comentário: Knudsen concorreu ao prêmio de Melhor Atriz no César Awards daquele ano por essa performance.
Por se tratar de uma adaptação, a linha acaba ficando muito tênue entre o genial e o superficial, principalmente pelo pouco tempo para expor os sentimentos mais honestos e profundos dos personagens e é justamente por isso que destaco um dos grandes acertos do roteiro de Séverine Bosschem ao lado de Bercot: existe um equilíbrio entre poesia e drama - as cenas da protagonista no mar, ilustrando de forma metafórica sua incessante luta contra o laboratório Servier, nadando contra a maré, quase perdendo o fôlego e ainda tentando sobreviver em meio a tanta pressão, é simplesmente incrível! Impossível também não destacar o trabalho do fotógrafo indicado ao Oscar em 2012 pelo "O Artista", Guillaume Schiffman.
Como em "Minamata" ou no mais recente "O Preço da Verdade", existe uma proposital sensação de exaustão depois de duas horas de filme para ilustrar o peso da jornada de Irène Frachon, rodeada de estafa física e psicológica, mas lindamente decodificada pela diretora que não se limitou em construir "uma salvadora da pátria" e sim retratar os seus medos, suas falhas e inseguranças - e como dito em uma das melhores passagens do filme: "não há luta sem medo e ele atinge todos os rebeldes".
Vale muito a pena!
"2 Outonos e 3 Invernos" é um premiado filme francês dirigido pelo Sébastien Betbeder que fala, basicamente, sobre os ciclos de um relacionamento. Com um conceito narrativo e visual bem particular, Betbeder nos entrega um filme leve, mas não por isso superficial, que nos provoca a entender como cada um dos personagens se relaciona com o amor.
Na história, Arman, um jovem de 33 anos, está querendo mudar seu estilo de vida e para começar, ele resolve correr no parque aos sábados. É lá que ele conhece Amélie, uma linda parisiense que parece não ser muito, digamos, feliz na escolha de seus relacionamentos. Ao se esbarrem, a primeira impressão causa um choque, porém é no segundo encontro casual que eles realmente se dão uma chance. Benjamin, melhor amigo de Arman, também está no inicio de relacionamento depois de se recuperar de um AVC e ambos vão trocando experiências para tentar encontrar o caminho da felicidade. Entre dois outonos e três invernos, as vidas de Amélie, Arman e Benjamin se cruzam em encontros, desencontros, acidentes e muitas memórias, em um cenário belíssimo! Confira o trailer:
Embora "2 Outonos e 3 Invernos" tenha muitos elementos que o confundem com uma comédia romântica, eu diria que sua história está mais para um leve drama com toques de romance e bem pouco de comédia - um típico filme francês de relações, eu diria: simpático e muito gostoso de assistir! Vale muito o seu play se você estiver no clima, se gostar do estilo Woody Allen e se curtiu a série da Prime Video, "Modern Love"!
Não por acaso citei o estilo Woody Allen de fazer um filme, pois "2 Outonos e 3 Invernos" claramente bebe da mesma fonte que "Noivo Neurótico, Noiva Nervosa" (1977), principalmente ao permitir que os personagens quebrem a quarta parede, encarando diretamente a audiência, para comentar várias das circunstâncias que o filme está mostrando, quase como um narrador onipresente, com o intuito de facilitar o entendimento das complexidades sentimentais que estão vivendo. Ao escolher o aspecto 4:3 (que nos remete ao antigo estilo das telas de TV quadradas), a câmera na mão e uma quantidade enorme de grãos, praticamente "sujando" várias cenas, o diretor Sébastien Betbeder ao lado do fotógrafo Sylvain Verdet, trás um conceito muito documental para o filme - tanto que ele chegou a filmar algumas passagens com uma câmera 16mm. Esse conceito visual nos dá a ideia de se tratar de testemunhos pessoais dos casais, contrastando com uma espécie de "esquetes" que pontuam os três atos do filme. Enquanto assistia, em vários momentos tive a impressão que o roteiro mais parceria ser de uma peça de teatro do que cinema em si - e isso não é demérito, apenas um estilo narrativo que aqui funcionou perfeitamente.
Betbeder também assina o roteiro e com isso fica claro o alinhamento entre o estilo visual e o narrativo. Basicamente o que encontramos é uma história focada nos atores, no texto e com pouquíssima ação - o que para muitos pode dar a impressão de uma certa verborragia. Não foi o meu caso! Porém é preciso dizer que 90 minutos é pouco tempo de tela para abordar com profundidade as nuances e detalhes de dois casais. Quando o roteiro escorrega para os coadjuvantes, Benjamin (Bastien Bouillon) e Katia (Audrey Bastien), o filme perde força - não pela qualidade dos atores, mas pela dispersão, pela falta de foco. Tanto Vincent Macaigne (Arman), quanto Maud Wyler (Amélie) tinham qualidades suficientes para segurar a história tranquilamente - a impressão que ficou é que algo se perdeu nesse vai e volta de tramas e sub-tramas (que pouco acrescentam uma na outra, diga-se de passagem).
"2 Outonos e 3 Invernos" foi bem em bons festivais como Torino e RiverRun - o que já justificaria sua atenção, caso você tenha uma inclinação para filmes independentes, Mas essa produção francesa trás um pouco mais: ela vem para provar que é possível discutir assuntos pesados sem a necessidade vital de nos destruir emocionalmente, mesmo que em alguns momentos possamos sentir o vazio de uma relação fadada ao término, o resultado é extremamente agradável - um ótimo entretenimento!
"2 Outonos e 3 Invernos" é um premiado filme francês dirigido pelo Sébastien Betbeder que fala, basicamente, sobre os ciclos de um relacionamento. Com um conceito narrativo e visual bem particular, Betbeder nos entrega um filme leve, mas não por isso superficial, que nos provoca a entender como cada um dos personagens se relaciona com o amor.
Na história, Arman, um jovem de 33 anos, está querendo mudar seu estilo de vida e para começar, ele resolve correr no parque aos sábados. É lá que ele conhece Amélie, uma linda parisiense que parece não ser muito, digamos, feliz na escolha de seus relacionamentos. Ao se esbarrem, a primeira impressão causa um choque, porém é no segundo encontro casual que eles realmente se dão uma chance. Benjamin, melhor amigo de Arman, também está no inicio de relacionamento depois de se recuperar de um AVC e ambos vão trocando experiências para tentar encontrar o caminho da felicidade. Entre dois outonos e três invernos, as vidas de Amélie, Arman e Benjamin se cruzam em encontros, desencontros, acidentes e muitas memórias, em um cenário belíssimo! Confira o trailer:
Embora "2 Outonos e 3 Invernos" tenha muitos elementos que o confundem com uma comédia romântica, eu diria que sua história está mais para um leve drama com toques de romance e bem pouco de comédia - um típico filme francês de relações, eu diria: simpático e muito gostoso de assistir! Vale muito o seu play se você estiver no clima, se gostar do estilo Woody Allen e se curtiu a série da Prime Video, "Modern Love"!
Não por acaso citei o estilo Woody Allen de fazer um filme, pois "2 Outonos e 3 Invernos" claramente bebe da mesma fonte que "Noivo Neurótico, Noiva Nervosa" (1977), principalmente ao permitir que os personagens quebrem a quarta parede, encarando diretamente a audiência, para comentar várias das circunstâncias que o filme está mostrando, quase como um narrador onipresente, com o intuito de facilitar o entendimento das complexidades sentimentais que estão vivendo. Ao escolher o aspecto 4:3 (que nos remete ao antigo estilo das telas de TV quadradas), a câmera na mão e uma quantidade enorme de grãos, praticamente "sujando" várias cenas, o diretor Sébastien Betbeder ao lado do fotógrafo Sylvain Verdet, trás um conceito muito documental para o filme - tanto que ele chegou a filmar algumas passagens com uma câmera 16mm. Esse conceito visual nos dá a ideia de se tratar de testemunhos pessoais dos casais, contrastando com uma espécie de "esquetes" que pontuam os três atos do filme. Enquanto assistia, em vários momentos tive a impressão que o roteiro mais parceria ser de uma peça de teatro do que cinema em si - e isso não é demérito, apenas um estilo narrativo que aqui funcionou perfeitamente.
Betbeder também assina o roteiro e com isso fica claro o alinhamento entre o estilo visual e o narrativo. Basicamente o que encontramos é uma história focada nos atores, no texto e com pouquíssima ação - o que para muitos pode dar a impressão de uma certa verborragia. Não foi o meu caso! Porém é preciso dizer que 90 minutos é pouco tempo de tela para abordar com profundidade as nuances e detalhes de dois casais. Quando o roteiro escorrega para os coadjuvantes, Benjamin (Bastien Bouillon) e Katia (Audrey Bastien), o filme perde força - não pela qualidade dos atores, mas pela dispersão, pela falta de foco. Tanto Vincent Macaigne (Arman), quanto Maud Wyler (Amélie) tinham qualidades suficientes para segurar a história tranquilamente - a impressão que ficou é que algo se perdeu nesse vai e volta de tramas e sub-tramas (que pouco acrescentam uma na outra, diga-se de passagem).
"2 Outonos e 3 Invernos" foi bem em bons festivais como Torino e RiverRun - o que já justificaria sua atenção, caso você tenha uma inclinação para filmes independentes, Mas essa produção francesa trás um pouco mais: ela vem para provar que é possível discutir assuntos pesados sem a necessidade vital de nos destruir emocionalmente, mesmo que em alguns momentos possamos sentir o vazio de uma relação fadada ao término, o resultado é extremamente agradável - um ótimo entretenimento!
Lars Von Trier (de "Melancolia") nos presenteia com algo insano e incandescente. Uma aula de como desenvolver personagens complexos, metáforas imponentes e um roteiro genial!
Um dia, durante um encontro fortuito na estrada, o arquiteto Jack (Matt Dillon) mata uma mulher. Este evento provoca um prazer inesperado no personagem, que passa a assassinar dezenas de pessoas ao longo de doze anos. Devido ao descaso das autoridades e a indiferença dos habitantes locais, o criminoso não encontra dificuldade em planejar seus crimes, executa-los ao olhar de todos e guardar os cadáveres num grande frigorífico. Tempos mais tarde, ele compartilha os seus casos mais marcantes com o sábio Virgílio (Bruno Ganz) em uma jornada rumo ao inferno. Confira o trailer:
Indubitavelmente Lars Von Trier nos choca! Uma mente doentia? Um gênio incompreendido? Talvez seja a mistura dos dois, porém, não podemos ter a audácia de mencionar que ele não engrandece o cinema em geral - esqueça seus escândalos pessoais, estou focando no artista, e com esse foco, ele figura na prateleira de cima dos diretores deste século. Sempre será um desperdício encararmos qualquer filme de Von Trier com uma mente fechada, objetiva e crua. O alcance mensurado por suas hipérboles sistemáticas conceituais sobre religião, credo e cor nos inflamam e nos causam estranheza e repúdio, no entanto, se olharmos com olhos de libertação ou até, uma libertinagem utópica, talvez a compreensão de seus filmes passam a ser mais “mastigáveis” para o grande público.
O modo com que Lars molda essa narrativa é grosseiramente genial. O clímax imposto em cada passagem de incidentes, é fluida e intrigante. A maneira como é diluída o tesão no âmago do protagonista psicopata que usa e abusa de diálogos efervescentes e metáforas distópicas, com o único e belo intuito de colecionar corpos, é instigante e soberbo. A violência gráfica é essencial, observamos que o diretor não quer nos chocar, e sim passar a mensagem de que o mundo caminha para o limbo social - o nocivo está presente em cada canto, no entanto, sua perceptividade em demonstrar as fraquezas do protagonista, aproximando ele da audiência, nos causa medo, e esse receio não é deferido pelas atrocidades mostradas, e sim por não sabermos quem é quem no mundo de hoje, não há nada mais aterrorizante do que não saber em quem confiar, a maldade pode estar ao seu lado.
Mas o mal tem cura? O desejo de esfolar, decapitar, estrangular é subversivo? Nascemos com isso ou vamos lapidando esse ódio continuo sobre o próximo com o passar do tempo? Lars Von Trier usa a arte como ponto de ebulição. O mal é derivado desse ostracismo artístico. O diretor nos presenteia com um filme asqueroso, impactante, lindo e reflexivo. Afinal, o inferno é alcançado após a morte ou já estamos nele? Assistam, é uma viagem existencial, quase espectral, até a podridão humana!
Um serial Killer com traços normais. Você conseguiria reconhecer um assassino em série? Eu aposto que não! "A Casa que Jack Construiu" é uma obra-prima!
Escrito por Bruno Overbeck - uma parceria @overcinee
Lars Von Trier (de "Melancolia") nos presenteia com algo insano e incandescente. Uma aula de como desenvolver personagens complexos, metáforas imponentes e um roteiro genial!
Um dia, durante um encontro fortuito na estrada, o arquiteto Jack (Matt Dillon) mata uma mulher. Este evento provoca um prazer inesperado no personagem, que passa a assassinar dezenas de pessoas ao longo de doze anos. Devido ao descaso das autoridades e a indiferença dos habitantes locais, o criminoso não encontra dificuldade em planejar seus crimes, executa-los ao olhar de todos e guardar os cadáveres num grande frigorífico. Tempos mais tarde, ele compartilha os seus casos mais marcantes com o sábio Virgílio (Bruno Ganz) em uma jornada rumo ao inferno. Confira o trailer:
Indubitavelmente Lars Von Trier nos choca! Uma mente doentia? Um gênio incompreendido? Talvez seja a mistura dos dois, porém, não podemos ter a audácia de mencionar que ele não engrandece o cinema em geral - esqueça seus escândalos pessoais, estou focando no artista, e com esse foco, ele figura na prateleira de cima dos diretores deste século. Sempre será um desperdício encararmos qualquer filme de Von Trier com uma mente fechada, objetiva e crua. O alcance mensurado por suas hipérboles sistemáticas conceituais sobre religião, credo e cor nos inflamam e nos causam estranheza e repúdio, no entanto, se olharmos com olhos de libertação ou até, uma libertinagem utópica, talvez a compreensão de seus filmes passam a ser mais “mastigáveis” para o grande público.
O modo com que Lars molda essa narrativa é grosseiramente genial. O clímax imposto em cada passagem de incidentes, é fluida e intrigante. A maneira como é diluída o tesão no âmago do protagonista psicopata que usa e abusa de diálogos efervescentes e metáforas distópicas, com o único e belo intuito de colecionar corpos, é instigante e soberbo. A violência gráfica é essencial, observamos que o diretor não quer nos chocar, e sim passar a mensagem de que o mundo caminha para o limbo social - o nocivo está presente em cada canto, no entanto, sua perceptividade em demonstrar as fraquezas do protagonista, aproximando ele da audiência, nos causa medo, e esse receio não é deferido pelas atrocidades mostradas, e sim por não sabermos quem é quem no mundo de hoje, não há nada mais aterrorizante do que não saber em quem confiar, a maldade pode estar ao seu lado.
Mas o mal tem cura? O desejo de esfolar, decapitar, estrangular é subversivo? Nascemos com isso ou vamos lapidando esse ódio continuo sobre o próximo com o passar do tempo? Lars Von Trier usa a arte como ponto de ebulição. O mal é derivado desse ostracismo artístico. O diretor nos presenteia com um filme asqueroso, impactante, lindo e reflexivo. Afinal, o inferno é alcançado após a morte ou já estamos nele? Assistam, é uma viagem existencial, quase espectral, até a podridão humana!
Um serial Killer com traços normais. Você conseguiria reconhecer um assassino em série? Eu aposto que não! "A Casa que Jack Construiu" é uma obra-prima!
Escrito por Bruno Overbeck - uma parceria @overcinee
Já na maratona do Oscar 2018, assisti "A Forma da Água" e gostei - uma mistura de "Amélie Poulain" com a "Bela e a Fera"! Em 1963, durante o auge da Guerra Fria, Elisa (Sally Hawkins), uma solitária funcionária responsável pela limpeza em laboratório ultra-secreto do governo, vê a sua vida mudar para sempre quando ela descobre a existência de um estranho ser aquático que vive isolado dentro de um tanque. Para executar um arriscado e apaixonado resgate, ela recorre ao melhor amigo Giles (Richard Jenkins) e à colega de turno Zelda (Otavia Spencer), em uma aventura que pode custar muito mais do que o seu emprego. Confira o lindo trailer:
Admito que não me impressionei o bastante para apostar em "A Forma da Água" como o grande vencedor da noite. Claro que se ganhar não será nenhum absurdo, mas, pra mim, são nas indicações do Departamento de Arte que o filme vai disputar prêmio a prêmio com "O Destino de Uma Nação". Já nos prêmios técnicos, Dunkirk me pareceu um trabalho mais complexo, embora o trabalho do diretor Guillermo del Toro tenha sido primoroso - existem duas ou três cenas que equilibra tão bem a fantasia com a realidade que chegamos a acreditar que tudo aquilo seria possível - olha, Del Toro tem boas chances! Prestem atenção na trilha sonora e no trabalho Otavia Spencer indicada como atriz coadjuvante - ambos podem surpreender. Na categoria de "Atriz Principal" a Sally Hawkins mandou muito bem, mas está tão disputado que fica difícil arriscar - eu não apostaria! Dan Laustsen na fotografia também pode levar - embora com "Dunkirk" na disputa complica um pouco.
Das incríveis 13 indicações, se levar 4 ou 5 estará de bom tamanho - e aproveito para dizer, o filme merece cada uma delas e seu play só vai comprovar a enorme qualidade do filme!
Up-date: "A Forma da Água" ganhou em quatro categorias no Oscar 2020: Melhor Trilha Sonora, Melhor Desenho de Produção, Melhor Diretor e Melhor Filme!
Já na maratona do Oscar 2018, assisti "A Forma da Água" e gostei - uma mistura de "Amélie Poulain" com a "Bela e a Fera"! Em 1963, durante o auge da Guerra Fria, Elisa (Sally Hawkins), uma solitária funcionária responsável pela limpeza em laboratório ultra-secreto do governo, vê a sua vida mudar para sempre quando ela descobre a existência de um estranho ser aquático que vive isolado dentro de um tanque. Para executar um arriscado e apaixonado resgate, ela recorre ao melhor amigo Giles (Richard Jenkins) e à colega de turno Zelda (Otavia Spencer), em uma aventura que pode custar muito mais do que o seu emprego. Confira o lindo trailer:
Admito que não me impressionei o bastante para apostar em "A Forma da Água" como o grande vencedor da noite. Claro que se ganhar não será nenhum absurdo, mas, pra mim, são nas indicações do Departamento de Arte que o filme vai disputar prêmio a prêmio com "O Destino de Uma Nação". Já nos prêmios técnicos, Dunkirk me pareceu um trabalho mais complexo, embora o trabalho do diretor Guillermo del Toro tenha sido primoroso - existem duas ou três cenas que equilibra tão bem a fantasia com a realidade que chegamos a acreditar que tudo aquilo seria possível - olha, Del Toro tem boas chances! Prestem atenção na trilha sonora e no trabalho Otavia Spencer indicada como atriz coadjuvante - ambos podem surpreender. Na categoria de "Atriz Principal" a Sally Hawkins mandou muito bem, mas está tão disputado que fica difícil arriscar - eu não apostaria! Dan Laustsen na fotografia também pode levar - embora com "Dunkirk" na disputa complica um pouco.
Das incríveis 13 indicações, se levar 4 ou 5 estará de bom tamanho - e aproveito para dizer, o filme merece cada uma delas e seu play só vai comprovar a enorme qualidade do filme!
Up-date: "A Forma da Água" ganhou em quatro categorias no Oscar 2020: Melhor Trilha Sonora, Melhor Desenho de Produção, Melhor Diretor e Melhor Filme!
Se você gostou de "Arremessando Alto" (a ficção "Hustle", da Netflix) e de "Rise" (cinebiografia de Giannis Antetokounmpo do Disney+) certamente você vai se encantar com "The Long Game: Bigger Than Basketball" (no original) da AppleTV+. A minissérie de 5 episódios é na verdade uma mistura dos dois filmes, só que com mais tempo para desenvolver os personagens e em formato de documentário. Veja, se em "Arremessando Alto" conhecemos o tutor/coach Sugerman (Adam Sandler), aqui Ed Smith exerce essa função; enquanto em "Rise" a jornada da família nigeriana/grega "Antetokounmpo" está no foco, aqui estamos falando da família sudanesa/australiana "Maker".
Makur Maker era um forte candidato a ser recrutado nas primeiras posições do Draft da NBA quando uma escolha ideológica o levou do Ensino Médio para Howard (uma Universidade historicamente negra dos EUA e sem muita tradição no esporte). A minissérie conta a história de Makur após essa decisão, suas dificuldades esportivas em meio a chegada avassaladora do Covid e, principalmente, discute os caminhos e a forma como seu staff projetava sua carreira com o objetivo de coloca-lo entre os melhores da liga. Confira o trailer (em inglês):
Dirigida pelo talentoso Seth Gordon (de "For All Mankind"), a minissérie é muito inteligente em equilibrar os dramas esportivos com as inseguranças pessoais em relação ao "negócio", ou melhor, em como a NBA enxerga suas futuras estrelas com uma forte orientação aos dados - chega ser impressionante (e na minha opinião até limitada) a forma como a imprensa especializada americana e a liga profissional se apoiam apenas nos números para definir o futuro dos jovens atletas.
Como pode ser visto em "Rise" e em "Arremessando Alto", a relação entre o tutor e o atleta imigrante, pobre, mas incrivelmente talentoso que vê no esporte a chance de mudar de vida, levanta uma série de questões éticas que muitas vezes são discutidas sem muita profundidade, mas que, confesso, chega a incomodar - embora o próprio Ed, use o exemplo de outro Maker, o primo mais velho de Makur, Thon, décima escolha no Draft de 2016, para justificar a importância do seu trabalho, ele chega a questionar (para não dizer provocar) o diretor: você conhece algum atleta sudanês que em três anos colocou 12 milhões de dólares no bolso?
Esse recorte mais íntimo da vida de Makur como estudante/atleta que sonha em chegar na NBA é a linha narrativa principal da minissérie, mas com muita habilidade, Gordon ainda cria paralelos entre Makur, seu primo Thon (mostrando que a dificuldade de chegar entre os 10 primeiros do Draft é só o inicio da jornada e que, isoladamente, não garante o sucesso profissional) e ainda a família de Ed, que se divide entre preparar o jovem para os desafios da carreira e lidar com uma série de problemas pessoais. Obviamente que todas essas histórias misturadas, porém conectadas, criam uma dinâmica muito interessante e muito agradável de acompanhar, principalmente para quem gosta de esportes, de cases de atletas de alta performance e, claro, dos bastidores esportivo como negócio.
Dito isso, "A Grande Jogada: Além das Quadras" é uma verdadeira pérola escondida no catálogo da AppleTV+ que merece demais a sua atenção - e não vou me surpreender se algumas importantes indicações começarem a surgir daqui para frente. Vale muito seu play!
PS: Outra série da Apple sobre basquete, "Swagger", também traça ótimos paralelos entre vida pessoal e profissional de um atleta (fenômeno) que sofre com as suas próprias expectativas, com sua personalidade marcante, suas orientações familiares e até com os reflexos do Covid na construção da sua carreira. As semelhanças são impressionantes.
Se você gostou de "Arremessando Alto" (a ficção "Hustle", da Netflix) e de "Rise" (cinebiografia de Giannis Antetokounmpo do Disney+) certamente você vai se encantar com "The Long Game: Bigger Than Basketball" (no original) da AppleTV+. A minissérie de 5 episódios é na verdade uma mistura dos dois filmes, só que com mais tempo para desenvolver os personagens e em formato de documentário. Veja, se em "Arremessando Alto" conhecemos o tutor/coach Sugerman (Adam Sandler), aqui Ed Smith exerce essa função; enquanto em "Rise" a jornada da família nigeriana/grega "Antetokounmpo" está no foco, aqui estamos falando da família sudanesa/australiana "Maker".
Makur Maker era um forte candidato a ser recrutado nas primeiras posições do Draft da NBA quando uma escolha ideológica o levou do Ensino Médio para Howard (uma Universidade historicamente negra dos EUA e sem muita tradição no esporte). A minissérie conta a história de Makur após essa decisão, suas dificuldades esportivas em meio a chegada avassaladora do Covid e, principalmente, discute os caminhos e a forma como seu staff projetava sua carreira com o objetivo de coloca-lo entre os melhores da liga. Confira o trailer (em inglês):
Dirigida pelo talentoso Seth Gordon (de "For All Mankind"), a minissérie é muito inteligente em equilibrar os dramas esportivos com as inseguranças pessoais em relação ao "negócio", ou melhor, em como a NBA enxerga suas futuras estrelas com uma forte orientação aos dados - chega ser impressionante (e na minha opinião até limitada) a forma como a imprensa especializada americana e a liga profissional se apoiam apenas nos números para definir o futuro dos jovens atletas.
Como pode ser visto em "Rise" e em "Arremessando Alto", a relação entre o tutor e o atleta imigrante, pobre, mas incrivelmente talentoso que vê no esporte a chance de mudar de vida, levanta uma série de questões éticas que muitas vezes são discutidas sem muita profundidade, mas que, confesso, chega a incomodar - embora o próprio Ed, use o exemplo de outro Maker, o primo mais velho de Makur, Thon, décima escolha no Draft de 2016, para justificar a importância do seu trabalho, ele chega a questionar (para não dizer provocar) o diretor: você conhece algum atleta sudanês que em três anos colocou 12 milhões de dólares no bolso?
Esse recorte mais íntimo da vida de Makur como estudante/atleta que sonha em chegar na NBA é a linha narrativa principal da minissérie, mas com muita habilidade, Gordon ainda cria paralelos entre Makur, seu primo Thon (mostrando que a dificuldade de chegar entre os 10 primeiros do Draft é só o inicio da jornada e que, isoladamente, não garante o sucesso profissional) e ainda a família de Ed, que se divide entre preparar o jovem para os desafios da carreira e lidar com uma série de problemas pessoais. Obviamente que todas essas histórias misturadas, porém conectadas, criam uma dinâmica muito interessante e muito agradável de acompanhar, principalmente para quem gosta de esportes, de cases de atletas de alta performance e, claro, dos bastidores esportivo como negócio.
Dito isso, "A Grande Jogada: Além das Quadras" é uma verdadeira pérola escondida no catálogo da AppleTV+ que merece demais a sua atenção - e não vou me surpreender se algumas importantes indicações começarem a surgir daqui para frente. Vale muito seu play!
PS: Outra série da Apple sobre basquete, "Swagger", também traça ótimos paralelos entre vida pessoal e profissional de um atleta (fenômeno) que sofre com as suas próprias expectativas, com sua personalidade marcante, suas orientações familiares e até com os reflexos do Covid na construção da sua carreira. As semelhanças são impressionantes.
Ninguém é 100% santo, mas é bem fácil perceber quem, de fato, tem uma forte tendência para ser mal caráter - mesmo quando a fala mansa e o discurso bem estruturado tentam nos convencer do contrário (e é preciso admitir, muitas vezes com sucesso). Depois de documentários recentes como "Esquemas da FIFA" ou "Os Homens que venderam a Copa do Mundo" e até séries de ficção bastante competentes como material histórico como "Jogo da Corrupção" e "El presidente" onde a FIFA estava sob os holofotes, chegou a vez da UEFA (a União das Federações Europeias de Futebol) sentir o peso do jogo politico e corporativo que insistem em diminuir o valor do esporte mais amado do planeta - graças a ganância por poder e dinheiro de seus dirigentes.
Em "Superliga: A Guerra pelo Futebol" acompanhamos uma verdadeira superprodução cinematográfica, com fortes elementos dramáticos, que transformam a narrativa de uma história real em uma jornada envolvente pelos 4 dias que quase mudaram o destino do futebol quando alguns dos maiores clubes da Europa resolveram criar uma liga independente para faturar de três a quatro vezes mais que na Champions League, mesmo que isso tivesse um custo esportivo irreparável para os clubes menores. Confira o trailer (em inglês):
A partir da perspectiva dos dois lados da história, um representado pelo presidente da UEFA, o esloveno Aleksander Ceferin; e outro pelo presidente da Juventus, e amigo pessoal de Ceferin, Andrea Agnelli, temos um recorte detalhado sobre os interesses por trás da tentativa de criação da Superliga (que envolveu clubes como Barcelona e Real Madrid) que foi marcada por uma traição que culminou no fim de uma longa amizade entre seus protagonistas.
Para quem não sabe Superliga foi um projeto anunciado em abril de 2021, na calada da noite, que prometia mudar o cenário esportivo e econômico do futebol europeu. A ideia era criar uma liga fechada com os principais clubes da Europa, que disputariam partidas entre si sem a possibilidade de rebaixamento ou promoção. O projeto causou tanta polêmica que até o primeiro ministro britânico, Boris Johnson, entrou na discussão. Veja, ao melhor estilo "Formula 1: Dirigir paraViver", o roteiro brinca com o vai e vem da linha temporal criando uma dinâmica empolgante para a história, construindo uma trama politica e conspiratória de dar inveja aos melhores dias de "Game of Thrones".
"Superliga: A Guerra pelo Futebol" se apropria do contexto politico que envolveu o anúncio da criação da Superliga para expor a opinião de torcedores, jogadores, treinadores, jornalistas e dirigentes do mundo inteiro. Tudo muito bem conectado pelos diretores e roteiristas Connor Schell ("Man in the Arena") e Jeff Zimbalist (de "O Limite"), essa produção da AppleTV+ em quatro episódios, é uma verdadeira aula de cinema, na sua forma e, principalmente, no seu conteúdo!
Simplesmente imperdível!
Ninguém é 100% santo, mas é bem fácil perceber quem, de fato, tem uma forte tendência para ser mal caráter - mesmo quando a fala mansa e o discurso bem estruturado tentam nos convencer do contrário (e é preciso admitir, muitas vezes com sucesso). Depois de documentários recentes como "Esquemas da FIFA" ou "Os Homens que venderam a Copa do Mundo" e até séries de ficção bastante competentes como material histórico como "Jogo da Corrupção" e "El presidente" onde a FIFA estava sob os holofotes, chegou a vez da UEFA (a União das Federações Europeias de Futebol) sentir o peso do jogo politico e corporativo que insistem em diminuir o valor do esporte mais amado do planeta - graças a ganância por poder e dinheiro de seus dirigentes.
Em "Superliga: A Guerra pelo Futebol" acompanhamos uma verdadeira superprodução cinematográfica, com fortes elementos dramáticos, que transformam a narrativa de uma história real em uma jornada envolvente pelos 4 dias que quase mudaram o destino do futebol quando alguns dos maiores clubes da Europa resolveram criar uma liga independente para faturar de três a quatro vezes mais que na Champions League, mesmo que isso tivesse um custo esportivo irreparável para os clubes menores. Confira o trailer (em inglês):
A partir da perspectiva dos dois lados da história, um representado pelo presidente da UEFA, o esloveno Aleksander Ceferin; e outro pelo presidente da Juventus, e amigo pessoal de Ceferin, Andrea Agnelli, temos um recorte detalhado sobre os interesses por trás da tentativa de criação da Superliga (que envolveu clubes como Barcelona e Real Madrid) que foi marcada por uma traição que culminou no fim de uma longa amizade entre seus protagonistas.
Para quem não sabe Superliga foi um projeto anunciado em abril de 2021, na calada da noite, que prometia mudar o cenário esportivo e econômico do futebol europeu. A ideia era criar uma liga fechada com os principais clubes da Europa, que disputariam partidas entre si sem a possibilidade de rebaixamento ou promoção. O projeto causou tanta polêmica que até o primeiro ministro britânico, Boris Johnson, entrou na discussão. Veja, ao melhor estilo "Formula 1: Dirigir paraViver", o roteiro brinca com o vai e vem da linha temporal criando uma dinâmica empolgante para a história, construindo uma trama politica e conspiratória de dar inveja aos melhores dias de "Game of Thrones".
"Superliga: A Guerra pelo Futebol" se apropria do contexto politico que envolveu o anúncio da criação da Superliga para expor a opinião de torcedores, jogadores, treinadores, jornalistas e dirigentes do mundo inteiro. Tudo muito bem conectado pelos diretores e roteiristas Connor Schell ("Man in the Arena") e Jeff Zimbalist (de "O Limite"), essa produção da AppleTV+ em quatro episódios, é uma verdadeira aula de cinema, na sua forma e, principalmente, no seu conteúdo!
Simplesmente imperdível!
"À Sombra de Duas Mulheres" é um filme francês de 2015 com uma carreira bastante interessante em festivais independentes pelo mundo. Mas mais importante que isso, certamente é a forma magistral como o diretor Philippe Garrel foi capaz de construir um relação completamente destruída pelo dia a dia e como a confiança passa a ser o maior problema de um casal, visivelmente frágil. Reparem que Garrel vai nos direcionando por um caminho, de repente ele quebra nossa expectativa e aí ele sugere uma solução que parece menos provável até que ele encontra seu ponto final - ele, de fato, brinca com nossa percepção ao nos colocar no papel dos protagonistas!
Pierre (Stanislas Merhar) e Manon (Clotilde Courau) formam um casal de documentaristas que sobrevivem fazendo trabalhos temporários para poder dar suporte aos filmes que desejam realizar. Cansado do cotidiano e de suas dificuldades e mesmo, aparentemente, apaixonado por Manon, Pierre acaba se aproximando de Elizabeth (Lena Paugam) uma estágiaria de cinema formada em história e, a partir daí, passa a manter um relacionamento constante com as duas mulheres. Acontece que a atração sexual do primeiro contato vai se transformando e o que parecia um caso passageiro, passa a complicar a relação de todos os envolvidos e mesmo sem ao menos se conhecerem, muitas verdades começam vir à tona. Confira o trailer:
Para quem assistiu o recente "Malcolm e Marie", "À Sombra de Duas Mulheres" vai cair como uma luva! O filme francês é notavelmente mais profundo ao discutir as camadas de uma relação fragilizada pela convivência. Se pela sinopse e pelo trailer temos a impressão que o assunto abordado é a traição, eu já te aviso: traição é só o "fim", porque o "meio" mesmo, são as pequenas situações que nos levam, justamente, praticar a traição - e o bacana é que o roteiro nos mostra ambos os lados e é assim que julgamos muitas atitudes, seja se baseando no gênero, seja quando percebemos que na verdade, cada um dos personagens sempre foi incapaz de enxergar o que o outro precisava ou estava sentindo.
Diferente da produção da Netflix, Philippe Garrel usa e abusa do silêncio propositalmente - e isso é cruel para quem assiste, pois nos dá o tempo suficiente para visitarmos nossas lembranças, recapitular algumas de nossas atitudes durante a vida e ainda espelhar nossas fraquezas nos personagens. Se no inicio temos uma visão machista de um relacionamento falido, logo entendemos o lado da mulher e suas necessidades, mesmo sem levantar nenhuma bandeira, todos podem errar - quando se trata de discutir a igualdade com isenção, na alegria e na tristeza, as consequências são para todos!
"À Sombra de Duas Mulheres" é um filme muito cadenciado, focado no que é dito e no que é sentido, sem nenhuma dinâmica cênica que nos impacte visualmente, porém é tão profundo na sua proposta, que rapidamente somos fisgados e nem vemos o tempo passar - que diga-se de passagem é o ideal para uma narrativa com esse conceito: não cansa, é objetivo e nos faz refletir intensamente sobre "escolhas"! Não é um filme fácil, mas para quem for capaz de perceber a sensibilidade nos pequenos atos e entender onde esses mesmos atos podem nos levar, certamente a experiência vai valer a pena!
Vale seu play!
"À Sombra de Duas Mulheres" é um filme francês de 2015 com uma carreira bastante interessante em festivais independentes pelo mundo. Mas mais importante que isso, certamente é a forma magistral como o diretor Philippe Garrel foi capaz de construir um relação completamente destruída pelo dia a dia e como a confiança passa a ser o maior problema de um casal, visivelmente frágil. Reparem que Garrel vai nos direcionando por um caminho, de repente ele quebra nossa expectativa e aí ele sugere uma solução que parece menos provável até que ele encontra seu ponto final - ele, de fato, brinca com nossa percepção ao nos colocar no papel dos protagonistas!
Pierre (Stanislas Merhar) e Manon (Clotilde Courau) formam um casal de documentaristas que sobrevivem fazendo trabalhos temporários para poder dar suporte aos filmes que desejam realizar. Cansado do cotidiano e de suas dificuldades e mesmo, aparentemente, apaixonado por Manon, Pierre acaba se aproximando de Elizabeth (Lena Paugam) uma estágiaria de cinema formada em história e, a partir daí, passa a manter um relacionamento constante com as duas mulheres. Acontece que a atração sexual do primeiro contato vai se transformando e o que parecia um caso passageiro, passa a complicar a relação de todos os envolvidos e mesmo sem ao menos se conhecerem, muitas verdades começam vir à tona. Confira o trailer:
Para quem assistiu o recente "Malcolm e Marie", "À Sombra de Duas Mulheres" vai cair como uma luva! O filme francês é notavelmente mais profundo ao discutir as camadas de uma relação fragilizada pela convivência. Se pela sinopse e pelo trailer temos a impressão que o assunto abordado é a traição, eu já te aviso: traição é só o "fim", porque o "meio" mesmo, são as pequenas situações que nos levam, justamente, praticar a traição - e o bacana é que o roteiro nos mostra ambos os lados e é assim que julgamos muitas atitudes, seja se baseando no gênero, seja quando percebemos que na verdade, cada um dos personagens sempre foi incapaz de enxergar o que o outro precisava ou estava sentindo.
Diferente da produção da Netflix, Philippe Garrel usa e abusa do silêncio propositalmente - e isso é cruel para quem assiste, pois nos dá o tempo suficiente para visitarmos nossas lembranças, recapitular algumas de nossas atitudes durante a vida e ainda espelhar nossas fraquezas nos personagens. Se no inicio temos uma visão machista de um relacionamento falido, logo entendemos o lado da mulher e suas necessidades, mesmo sem levantar nenhuma bandeira, todos podem errar - quando se trata de discutir a igualdade com isenção, na alegria e na tristeza, as consequências são para todos!
"À Sombra de Duas Mulheres" é um filme muito cadenciado, focado no que é dito e no que é sentido, sem nenhuma dinâmica cênica que nos impacte visualmente, porém é tão profundo na sua proposta, que rapidamente somos fisgados e nem vemos o tempo passar - que diga-se de passagem é o ideal para uma narrativa com esse conceito: não cansa, é objetivo e nos faz refletir intensamente sobre "escolhas"! Não é um filme fácil, mas para quem for capaz de perceber a sensibilidade nos pequenos atos e entender onde esses mesmos atos podem nos levar, certamente a experiência vai valer a pena!
Vale seu play!
"A Tragédia de Macbeth" é um filmaço, mas não assista com sono!
Brincadeiras à parte, é preciso que se diga que essa produção original para a AppleTV+, com Denzel Washington eFrances McDormand, usa de uma linguagem cinematográfica extremamente poética para adaptar a obra de William Shakespeare, respeitando prioritariamente o seu texto - e quando pontuo esse elemento narrativo tão importante, coloco o roteiro, do também diretor Joel Coen, em um outro patamar, mesmo com uma linguagem clássica de difícil entendimento, mas que está completamente alinhada com uma fotografia deslumbrante do diretor Bruno Delbonnel (cinco vezes indicado ao Oscar, sendo a última por "A Hora mais Escura"), performances no limiar entre a impostação teatral (de corpo e voz) e a profundidade emocional do cinema, e ainda uma construção cênica incrivelmente criativa e dinâmica.
O filme conta a história de Macbeth (Denzel Washington), homem poderoso que é convencido por um trio de bruxas que se tornará o rei da Escócia. Essa visão porém, o toma pela ganância do poder. Rapidamente, o protagonista fica obcecado em fazer com que a profecia se torne realidade, mesmo que para isso ele tenha que eliminar todos aqueles se coloquem entre ele e o trono do seu país. Confira o trailer:
Veja, é bem possível que poucos se encantem com "A Tragédia de Macbeth". De fato o filme é difícil e, embora fabuloso visualmente, as escolhas estéticas e narrativas de Coen e Delbonnel tendem a afastar o, digamos, grande público - dadas as devidas diferenças, inclusive de gênero, se você não gostou de "O Farol", você não vai gostar de "A Tragédia de Macbeth". Ambos os filmes têm diálogos rebuscados, profundos e que aqui ainda carregam o peso do "inglês clássico shakesperiano". Cada linha dita pelos atores estão repletas de metáforas e referências de época, característica do texto do dramaturgo inglês, e brilhantemente preservado por Cohen. Ao dar o play, a tela da TV praticamente se transforma em uma janela para um palco teatral, em preto e branco e com um aspecto 4:3 (aquele quadrado de antigamente). Os ambientes onde as cenas acontecem vão se transformando durante as transições, como um jogo de luz (do teatro) e de imagem (do cinema) e praticamente não temos objetos de cena, mesmo em ambientes tão amplos e imponentes - o que acaba criando uma sensação de vazio avassalador, reparem.
Toda essa ambientação é só parte do contexto para uma história potente e muito bem adaptada. A sensação da existência de um “palco” é tão clara quanto importante para que o filme Coen se torne único - todas as filmagens foram feitas em estúdio, com cenários especialmente construídos para a produção, o que imediatamente nos remete a sensação de artificialidade e, acreditem, de claustrofobia e ansiedade. As soluções criativas do roteiro, como o mergulho nas mentes perturbadas do casal Macbeth e a relação dos personagens com as bruxas, dão exatamente o tom obscuro da obra - é como se víssemos um "Game of Thrones" mais adulto, depressivo, visceral!
"A Tragédia de Macbeth" é um filme impositivo, potente, poético ao extremo, verdadeiramente lindo e bem realizado. Tecnicamente perfeito! Artisticamente irretocável e muito criativo - mas não vai ganhar o Oscar de melhor do ano por ser um clássico, quase inacessível, de William Shakespeare. Uma pena! Embora inicialmente você perceba essa certa estranheza pelo texto rebuscado, logo a trama de traição vai ganhando corpo e nossa percepção vai se acostumando com todo aquele movimento estético. Por isso eu digo sem medo de errar: se você estiver disposto a enfrentar um texto pesado, sua experiência visual será inesquecível!
Vale muito a pena!
"A Tragédia de Macbeth" é um filmaço, mas não assista com sono!
Brincadeiras à parte, é preciso que se diga que essa produção original para a AppleTV+, com Denzel Washington eFrances McDormand, usa de uma linguagem cinematográfica extremamente poética para adaptar a obra de William Shakespeare, respeitando prioritariamente o seu texto - e quando pontuo esse elemento narrativo tão importante, coloco o roteiro, do também diretor Joel Coen, em um outro patamar, mesmo com uma linguagem clássica de difícil entendimento, mas que está completamente alinhada com uma fotografia deslumbrante do diretor Bruno Delbonnel (cinco vezes indicado ao Oscar, sendo a última por "A Hora mais Escura"), performances no limiar entre a impostação teatral (de corpo e voz) e a profundidade emocional do cinema, e ainda uma construção cênica incrivelmente criativa e dinâmica.
O filme conta a história de Macbeth (Denzel Washington), homem poderoso que é convencido por um trio de bruxas que se tornará o rei da Escócia. Essa visão porém, o toma pela ganância do poder. Rapidamente, o protagonista fica obcecado em fazer com que a profecia se torne realidade, mesmo que para isso ele tenha que eliminar todos aqueles se coloquem entre ele e o trono do seu país. Confira o trailer:
Veja, é bem possível que poucos se encantem com "A Tragédia de Macbeth". De fato o filme é difícil e, embora fabuloso visualmente, as escolhas estéticas e narrativas de Coen e Delbonnel tendem a afastar o, digamos, grande público - dadas as devidas diferenças, inclusive de gênero, se você não gostou de "O Farol", você não vai gostar de "A Tragédia de Macbeth". Ambos os filmes têm diálogos rebuscados, profundos e que aqui ainda carregam o peso do "inglês clássico shakesperiano". Cada linha dita pelos atores estão repletas de metáforas e referências de época, característica do texto do dramaturgo inglês, e brilhantemente preservado por Cohen. Ao dar o play, a tela da TV praticamente se transforma em uma janela para um palco teatral, em preto e branco e com um aspecto 4:3 (aquele quadrado de antigamente). Os ambientes onde as cenas acontecem vão se transformando durante as transições, como um jogo de luz (do teatro) e de imagem (do cinema) e praticamente não temos objetos de cena, mesmo em ambientes tão amplos e imponentes - o que acaba criando uma sensação de vazio avassalador, reparem.
Toda essa ambientação é só parte do contexto para uma história potente e muito bem adaptada. A sensação da existência de um “palco” é tão clara quanto importante para que o filme Coen se torne único - todas as filmagens foram feitas em estúdio, com cenários especialmente construídos para a produção, o que imediatamente nos remete a sensação de artificialidade e, acreditem, de claustrofobia e ansiedade. As soluções criativas do roteiro, como o mergulho nas mentes perturbadas do casal Macbeth e a relação dos personagens com as bruxas, dão exatamente o tom obscuro da obra - é como se víssemos um "Game of Thrones" mais adulto, depressivo, visceral!
"A Tragédia de Macbeth" é um filme impositivo, potente, poético ao extremo, verdadeiramente lindo e bem realizado. Tecnicamente perfeito! Artisticamente irretocável e muito criativo - mas não vai ganhar o Oscar de melhor do ano por ser um clássico, quase inacessível, de William Shakespeare. Uma pena! Embora inicialmente você perceba essa certa estranheza pelo texto rebuscado, logo a trama de traição vai ganhando corpo e nossa percepção vai se acostumando com todo aquele movimento estético. Por isso eu digo sem medo de errar: se você estiver disposto a enfrentar um texto pesado, sua experiência visual será inesquecível!
Vale muito a pena!
Se em 1971, "Encurralado" mostrou para o mercado o potencial do diretor Steven Spielberg; dadas as devidas proporções, "A Viatura" representou a mesma coisa para o jovem diretor de 34 anos, Jon Watts, em 2015 - ano em que esse filme esteve Top Ten Independent Films pela National Board of Review dos EUA. Aliás, foi graças a "Cop Car" (no original), que Watts recebeu o convite para dirigir a nova trilogia do "Homem- Aranha" para a Sony.
Em um ótimo filme de ação com inúmeras referências ao estilo "Vince Gilligan" (de "Breaking Bad") de contar uma história que transita entre a angustia e a tensão (cheia de humor ácido), dois amigos com 10 anos de idade encontram um carro da polícia abandonado e decidem dirigi-lo para se divertir. Porém, ambos não sabem como fazer isso e acabam se afastando do local onde estavam. Acontece que a viatura pertence ao corrupto xerife da cidade que, claro, decide reaver seu carro para não se complicar - é aí que o jogo de gato e rato começa. Confira o trailer (em inglês):
Para entender o caráter independente de "A Viatura", o filme foi destaque no Festival de Sundance em 2015 - o mesmo festival que também catapultou as carreiras de nomes (hoje) consagrados como Kevin Smith, Quentin Tarantino, Bryan Singer, Noah Baumbach, David O. Russell. De fato Watts conseguiu a mesma coisa ao transportar para o filme, em pouco menos de 90 minutos, toda a ingenuidade de dois garotos que só queriam se divertir, mas que tomaram decisões erradas por não entenderem o real perigo que estavam passando - sair dirigindo qualquer carro com dez anos de idade já seria um absurdo, imagina uma viatura de policia no interior dos EUA?
O interessante do roteiro escrito por Watts e Christopher Ford (de "Mundo em Caos") é que é a partir dessa ingenuidade que a tensão vai se construindo. Aquele principio da "bola de neve" que Gilligan usou em "Breaking Bad" é exatamente o mesmo aqui. As similaridades não são apenas narrativas, mas também conceituais, já que Watts está sempre procurando posicionar sua câmera de uma forma criativa para contar a história certa, no momento certo, aproveitando todos os detalhes que a própria ação deixou para trás - reparem nos gravetos deixados pelos garotos e na garrafa quebrada na estrada (pode parecer besteira, mas não, tudo tem uma razão de ser e de estar em cena). O desenho de som é outra forte referência de Gilligan - ele conta a história, mas mais do que isso, também serve para potencializar a tensão que está sendo construída ou que está prestes a estourar. Reparem no som "ensurdecedor" dos moinhos de vento no terceiro ato do filme.
De fato "A Viatura" não é um filme inesquecível, mas é tão bom dentro da sua simplicidade que fica fácil entender porque Watts foi exaltado. Seu trabalho com os jovens atores James Freedson-Jackson e Hays Wellford, foi sensacional. O direcionamento para que Kevin Bacon, mais uma vez, também brilhasse, merece elogios. Sua habilidade em subverter algumas ações simples em algo aterrorizante ditou o ritmo do filme (dois meninos mexendo em armas de fogo com nenhum cuidado, ajuda a definir essa sensação). Tendo em mente que o filme custou menos de um milhão de dólares, posso te garantir que saiu barato pelo entretenimento que ele proporciona!
Vale o play!
Se em 1971, "Encurralado" mostrou para o mercado o potencial do diretor Steven Spielberg; dadas as devidas proporções, "A Viatura" representou a mesma coisa para o jovem diretor de 34 anos, Jon Watts, em 2015 - ano em que esse filme esteve Top Ten Independent Films pela National Board of Review dos EUA. Aliás, foi graças a "Cop Car" (no original), que Watts recebeu o convite para dirigir a nova trilogia do "Homem- Aranha" para a Sony.
Em um ótimo filme de ação com inúmeras referências ao estilo "Vince Gilligan" (de "Breaking Bad") de contar uma história que transita entre a angustia e a tensão (cheia de humor ácido), dois amigos com 10 anos de idade encontram um carro da polícia abandonado e decidem dirigi-lo para se divertir. Porém, ambos não sabem como fazer isso e acabam se afastando do local onde estavam. Acontece que a viatura pertence ao corrupto xerife da cidade que, claro, decide reaver seu carro para não se complicar - é aí que o jogo de gato e rato começa. Confira o trailer (em inglês):
Para entender o caráter independente de "A Viatura", o filme foi destaque no Festival de Sundance em 2015 - o mesmo festival que também catapultou as carreiras de nomes (hoje) consagrados como Kevin Smith, Quentin Tarantino, Bryan Singer, Noah Baumbach, David O. Russell. De fato Watts conseguiu a mesma coisa ao transportar para o filme, em pouco menos de 90 minutos, toda a ingenuidade de dois garotos que só queriam se divertir, mas que tomaram decisões erradas por não entenderem o real perigo que estavam passando - sair dirigindo qualquer carro com dez anos de idade já seria um absurdo, imagina uma viatura de policia no interior dos EUA?
O interessante do roteiro escrito por Watts e Christopher Ford (de "Mundo em Caos") é que é a partir dessa ingenuidade que a tensão vai se construindo. Aquele principio da "bola de neve" que Gilligan usou em "Breaking Bad" é exatamente o mesmo aqui. As similaridades não são apenas narrativas, mas também conceituais, já que Watts está sempre procurando posicionar sua câmera de uma forma criativa para contar a história certa, no momento certo, aproveitando todos os detalhes que a própria ação deixou para trás - reparem nos gravetos deixados pelos garotos e na garrafa quebrada na estrada (pode parecer besteira, mas não, tudo tem uma razão de ser e de estar em cena). O desenho de som é outra forte referência de Gilligan - ele conta a história, mas mais do que isso, também serve para potencializar a tensão que está sendo construída ou que está prestes a estourar. Reparem no som "ensurdecedor" dos moinhos de vento no terceiro ato do filme.
De fato "A Viatura" não é um filme inesquecível, mas é tão bom dentro da sua simplicidade que fica fácil entender porque Watts foi exaltado. Seu trabalho com os jovens atores James Freedson-Jackson e Hays Wellford, foi sensacional. O direcionamento para que Kevin Bacon, mais uma vez, também brilhasse, merece elogios. Sua habilidade em subverter algumas ações simples em algo aterrorizante ditou o ritmo do filme (dois meninos mexendo em armas de fogo com nenhum cuidado, ajuda a definir essa sensação). Tendo em mente que o filme custou menos de um milhão de dólares, posso te garantir que saiu barato pelo entretenimento que ele proporciona!
Vale o play!
Ao melhor estilo "quem matou?", esteja preparado para um entretenimento da melhor qualidade - talvez um dos mais elogiados de 2024. "Acima de Qualquer Suspeita", minissérie criada por David E. Kelley e lançada pela AppleTV+, é um suspense jurídico raiz, daqueles tensos, cheios de reviravoltas e com um final surpreendente. "Presumed Innocent" (no original) se baseia no aclamado romance homônimo de Scott Turow e se destaca pela exploração profunda e envolvente "das verdades e mentiras" a partir da perspectiva de uma acusação de assassinato. Veja, para os fãs de dramas como "Big Little Lies" ou "A Escada" (não por acaso ambos da HBO), "Acima de Qualquer Suspeita" oferece uma mistura semelhante de apreensão, intriga e drama emocional que vai te tirar da zona de conforto!
A trama gira em torno de Rusty Sabich (Jake Gyllenhaal), um promotor público que se vê no centro de uma investigação de assassinato quando sua colega Carolyn Polhemus (Renate Reinsve) é encontrada morta. À medida que as evidências começam a apontar para Rusty como o principal suspeito, ele passa lutar para provar sua inocência enquanto confronta segredos e traições que ameaçam destruir sua carreira e vida pessoal. Confira o trailer:
David E. Kelley, conhecido por seu trabalho em projetos de sucesso como "Big Little Lies" e "The Undoing", traz para Apple aquele "selo HBO" que tanto nos apaixonamos. A partir de sua marca registrada, com diálogos inteligentes e personagens bem desenvolvidos, "Acima de Qualquer Suspeita" surpreende pela qualidade narrativa e visual, entregando um resultado ainda melhor que o filme de 1990 com Harrison Ford,Brian Dennehy e Raúl Julia. Seguindo a premissa da obra literária, essa adaptação explora com muita competência as ramificações de um crime brutal e a busca pela verdade, nos provocando a questionar a confiabilidade da justiça e a natureza da culpa e da inocência.
O roteiro de Kelley é meticulosamente bem estruturado, com reviravoltas bem pontuadas e um ritmo que nos mantém engajados do inicio ao fim - "Acima de Qualquer Suspeita" realmente sabe sustentar seu mistério sem roubar no jogo. Ao se apoiar em temas como a corrupção no sistema judicial, a ambiguidade moral e os limites da lealdade, a minissérie não decepciona - especialmente pelos diálogos afiados e carregados de subtexto, refletindo a complexidade das relações entre os personagens e as tensões subjacentes à investigação. Com uma direção precisa, utilizando a cinematografia de uma Chicago sombria/chuvosa (quase tirada de um filme do Batman) e que captura a tensão e a incerteza do caso, Greg Yaitanes e Anne Sewitsky equilibram habilmente o suspense de um thriller jurídico com os aspectos emocionais e pessoais de um drama de relações, criando uma jornada cativante e profundamente humana. Aliás, reparem na trilha sonora composta por Danny Bensi e Saunder Jurriaans (ambos de "Tulsa King" e de "O Homem Duplicado") - é impressionante como ela complementa a atmosfera de angústia daquele cenário com composições que variam entre a tensão e o melancólico, intensificando o mistério e a carga emocional dos personagens.
Jake Gyllenhaal entrega uma performance poderosa - um misto de vulnerabilidade e de determinação que só um homem que se vê envolto em um pesadelo jurídico é capaz de sentir. Nesse sentido, é impossível não citar o ótimo Peter Sarsgaard como o "intragável" Tommy Molto e o sempre competente Bill Camp como o "carismático" Raymond Horgan. Os três colocam "Acima de Qualquer Suspeita" em uma prateleira que potencializa a exploração corajosa e intelectualmente estimulante dos dilemas morais e éticos dentro do sistema de justiça americano. Mais uma vez David E. Kelley oferece uma visão incisiva e emocionalmente ressonante da busca pela verdade em um mundo repleto de ambiguidades e incertezas. Um golaço da AppleTV+!
Vale muito o seu play!
Ao melhor estilo "quem matou?", esteja preparado para um entretenimento da melhor qualidade - talvez um dos mais elogiados de 2024. "Acima de Qualquer Suspeita", minissérie criada por David E. Kelley e lançada pela AppleTV+, é um suspense jurídico raiz, daqueles tensos, cheios de reviravoltas e com um final surpreendente. "Presumed Innocent" (no original) se baseia no aclamado romance homônimo de Scott Turow e se destaca pela exploração profunda e envolvente "das verdades e mentiras" a partir da perspectiva de uma acusação de assassinato. Veja, para os fãs de dramas como "Big Little Lies" ou "A Escada" (não por acaso ambos da HBO), "Acima de Qualquer Suspeita" oferece uma mistura semelhante de apreensão, intriga e drama emocional que vai te tirar da zona de conforto!
A trama gira em torno de Rusty Sabich (Jake Gyllenhaal), um promotor público que se vê no centro de uma investigação de assassinato quando sua colega Carolyn Polhemus (Renate Reinsve) é encontrada morta. À medida que as evidências começam a apontar para Rusty como o principal suspeito, ele passa lutar para provar sua inocência enquanto confronta segredos e traições que ameaçam destruir sua carreira e vida pessoal. Confira o trailer:
David E. Kelley, conhecido por seu trabalho em projetos de sucesso como "Big Little Lies" e "The Undoing", traz para Apple aquele "selo HBO" que tanto nos apaixonamos. A partir de sua marca registrada, com diálogos inteligentes e personagens bem desenvolvidos, "Acima de Qualquer Suspeita" surpreende pela qualidade narrativa e visual, entregando um resultado ainda melhor que o filme de 1990 com Harrison Ford,Brian Dennehy e Raúl Julia. Seguindo a premissa da obra literária, essa adaptação explora com muita competência as ramificações de um crime brutal e a busca pela verdade, nos provocando a questionar a confiabilidade da justiça e a natureza da culpa e da inocência.
O roteiro de Kelley é meticulosamente bem estruturado, com reviravoltas bem pontuadas e um ritmo que nos mantém engajados do inicio ao fim - "Acima de Qualquer Suspeita" realmente sabe sustentar seu mistério sem roubar no jogo. Ao se apoiar em temas como a corrupção no sistema judicial, a ambiguidade moral e os limites da lealdade, a minissérie não decepciona - especialmente pelos diálogos afiados e carregados de subtexto, refletindo a complexidade das relações entre os personagens e as tensões subjacentes à investigação. Com uma direção precisa, utilizando a cinematografia de uma Chicago sombria/chuvosa (quase tirada de um filme do Batman) e que captura a tensão e a incerteza do caso, Greg Yaitanes e Anne Sewitsky equilibram habilmente o suspense de um thriller jurídico com os aspectos emocionais e pessoais de um drama de relações, criando uma jornada cativante e profundamente humana. Aliás, reparem na trilha sonora composta por Danny Bensi e Saunder Jurriaans (ambos de "Tulsa King" e de "O Homem Duplicado") - é impressionante como ela complementa a atmosfera de angústia daquele cenário com composições que variam entre a tensão e o melancólico, intensificando o mistério e a carga emocional dos personagens.
Jake Gyllenhaal entrega uma performance poderosa - um misto de vulnerabilidade e de determinação que só um homem que se vê envolto em um pesadelo jurídico é capaz de sentir. Nesse sentido, é impossível não citar o ótimo Peter Sarsgaard como o "intragável" Tommy Molto e o sempre competente Bill Camp como o "carismático" Raymond Horgan. Os três colocam "Acima de Qualquer Suspeita" em uma prateleira que potencializa a exploração corajosa e intelectualmente estimulante dos dilemas morais e éticos dentro do sistema de justiça americano. Mais uma vez David E. Kelley oferece uma visão incisiva e emocionalmente ressonante da busca pela verdade em um mundo repleto de ambiguidades e incertezas. Um golaço da AppleTV+!
Vale muito o seu play!
"Amor Platônico" vai te surpreender - especialmente se você gostou de séries como "Easy" ou "Love", ambas da Netflix. Eu diria, inclusive, que a série criada pela Francesca Delbanco (de "Amigos da Faculdade") e pelo Nicholas Stoller (de "Mais que Amigos") é a junção do que existe de melhor dessas duas referências. A produção original da AppleTV+ com a Sony nos conquista pela inteligência e sensibilidade com que equilibra o humor ácido com o drama real, trazendo para a história personagens cheios de camadas, que carregam suas inúmeras falhas, mas que nem por isso deixam de ser cativantes; além de uma abordagem extremamente honesta e complexa das relações interpessoais, especialmente entre homem e mulher, mas pela perspectiva (dúbia) da amizade.
"Platonic" (no original), basicamente, gira em torno de Will (Seth Rogen) e Sylvia (Rose Byrne), amigos de longa data que se reencontram após o divórcio de Will. Apesar do respeito mútuo, existe uma química inegável entre eles, o que transforma essa afetuosa relação em algo mais desafiador do que todos podiam imaginar, confrontando-os com seus próprios medos, inseguranças e expectativas de uma vida adulta que teima em complicar as coisas. Confira o trailer (em inglês):
Em um primeiro olhar fica claro que "Amor Platônico" se destaca pela forma com que o roteiro tece sua narrativa - existe uma dinâmica carregada de humor non senseque nos envolve. Veja, o humor ácido e perspicaz que encontramos no texto muito bem desenvolvido por Delbanco e Stoller funciona perfeitamente ao abordar os momentos de profunda sensibilidade que seus personagens estão vivendo - mesmo as situações soando absurdas, existe um toque de realismo que nos provoca alguma identificação e empatia. Ao explorar as nuances das relações humanas com essa leveza, a série sobe de patamar - ela não se contenta com soluções fáceis ou clichês, quebrando nossas expectativas ao mesmo tempo que nos convida para refletir sobre as diversas formas de amor e sobre a natureza de certa forma complexa da amizade entre o homem e a mulher.
Assuntos como: problemas no trabalho, desconfianças nos relacionamentos, o próximo passo dentro de um casamento de longa data, as idas e vindas conflituosas por problemas que surgem aos montes na vida adulta, o ciúmes fantasiado de segurança, enfim, vários pontos tão próximos de nós que aqui são uma espécie de plano de fundo para situações pela qual Will e Sylvia precisam passar - o interessante é que o fato dos personagens estarem na meia idade só potencializa tais discussões. Tanto Delbanco quanto Stoller também se dividem na direção dos episódios, deixando com que Seth Rogen e Rose Byrne entreguem o que têm de melhor. A química entre os dois atores é invejável e essencial para que nos apaixonemos pela proposta da série - mesmo que inicialmente pareça bobinha demais. A trilha sonora também merece destaque: as músicas da abertura dão o exato tom do que vem pela frente nos dez episódios da temporada.
"Amor Platônico" tem uma atmosfera positiva e acolhedora - é uma delicia de assistir. Seu conceito narrativo não busca grandiosidade, mas tenta (e quase sempre consegue) se aprofundar na dinâmica natural entre os personagens em pouco mais de trinta minutos por episódio - não será raro você se pegar refletindo sobre uma passagem que acabou de assistir ou de fazer algum paralelo com suas próprias histórias mais íntimas. Aqui realmente temos uma série inteligente, divertida e até emocionante; um retrato honesto sobre relacionamentos modernos que merece demais sua atenção!
Imperdível!
"Amor Platônico" vai te surpreender - especialmente se você gostou de séries como "Easy" ou "Love", ambas da Netflix. Eu diria, inclusive, que a série criada pela Francesca Delbanco (de "Amigos da Faculdade") e pelo Nicholas Stoller (de "Mais que Amigos") é a junção do que existe de melhor dessas duas referências. A produção original da AppleTV+ com a Sony nos conquista pela inteligência e sensibilidade com que equilibra o humor ácido com o drama real, trazendo para a história personagens cheios de camadas, que carregam suas inúmeras falhas, mas que nem por isso deixam de ser cativantes; além de uma abordagem extremamente honesta e complexa das relações interpessoais, especialmente entre homem e mulher, mas pela perspectiva (dúbia) da amizade.
"Platonic" (no original), basicamente, gira em torno de Will (Seth Rogen) e Sylvia (Rose Byrne), amigos de longa data que se reencontram após o divórcio de Will. Apesar do respeito mútuo, existe uma química inegável entre eles, o que transforma essa afetuosa relação em algo mais desafiador do que todos podiam imaginar, confrontando-os com seus próprios medos, inseguranças e expectativas de uma vida adulta que teima em complicar as coisas. Confira o trailer (em inglês):
Em um primeiro olhar fica claro que "Amor Platônico" se destaca pela forma com que o roteiro tece sua narrativa - existe uma dinâmica carregada de humor non senseque nos envolve. Veja, o humor ácido e perspicaz que encontramos no texto muito bem desenvolvido por Delbanco e Stoller funciona perfeitamente ao abordar os momentos de profunda sensibilidade que seus personagens estão vivendo - mesmo as situações soando absurdas, existe um toque de realismo que nos provoca alguma identificação e empatia. Ao explorar as nuances das relações humanas com essa leveza, a série sobe de patamar - ela não se contenta com soluções fáceis ou clichês, quebrando nossas expectativas ao mesmo tempo que nos convida para refletir sobre as diversas formas de amor e sobre a natureza de certa forma complexa da amizade entre o homem e a mulher.
Assuntos como: problemas no trabalho, desconfianças nos relacionamentos, o próximo passo dentro de um casamento de longa data, as idas e vindas conflituosas por problemas que surgem aos montes na vida adulta, o ciúmes fantasiado de segurança, enfim, vários pontos tão próximos de nós que aqui são uma espécie de plano de fundo para situações pela qual Will e Sylvia precisam passar - o interessante é que o fato dos personagens estarem na meia idade só potencializa tais discussões. Tanto Delbanco quanto Stoller também se dividem na direção dos episódios, deixando com que Seth Rogen e Rose Byrne entreguem o que têm de melhor. A química entre os dois atores é invejável e essencial para que nos apaixonemos pela proposta da série - mesmo que inicialmente pareça bobinha demais. A trilha sonora também merece destaque: as músicas da abertura dão o exato tom do que vem pela frente nos dez episódios da temporada.
"Amor Platônico" tem uma atmosfera positiva e acolhedora - é uma delicia de assistir. Seu conceito narrativo não busca grandiosidade, mas tenta (e quase sempre consegue) se aprofundar na dinâmica natural entre os personagens em pouco mais de trinta minutos por episódio - não será raro você se pegar refletindo sobre uma passagem que acabou de assistir ou de fazer algum paralelo com suas próprias histórias mais íntimas. Aqui realmente temos uma série inteligente, divertida e até emocionante; um retrato honesto sobre relacionamentos modernos que merece demais sua atenção!
Imperdível!
"Antes do Inverno" é o típico drama de relações que nos provoca uma série de reflexões onde, sem dúvida, a principal é: o amor é capaz de superar todas as dificuldades mesmo com o passar dos anos? Certamente você já deve estar parando para pensar sobre o assunto e se eu estou certo, pode ter certeza que essa produção francesa dirigida pelo incrível Philippe Claudel (de "Une enfance"), é para você - mas lembre-se: a complexidade das relações humanas expostas no filme chega repleta de sutilezas e sem pressa para se conectar aos fatos, ou seja, a narrativa é inteligente, mas cadenciada, o que pode te incomodar, mas que fique claro que a história só cresce e que seu terceiro ato acaba colocando o filme em outro patamar.
Paul (Daniel Auteuil) é um neurocirurgião de 60 anos casado com Lucie (Kristin Scott Thomas). A monotonia do cotidiano toma conta do casal até que lindos buquês de rosas começam a ser entregues de forma anônima na casa deles, justamente no momento em que Lou (Leïla Bekhti), uma jovem de 20 anos, não para de cruzar o caminho de Paul - é aí que percebemos que algumas máscaras começam a cair e que muito do que vemos, na verdade, não passam de aparências. Confira o trailer:
Claramente Claudel se propõe a gerar muito mais perguntas do que respostas logo de cara. Com muita sensibilidade, o diretor pontua sua narrativa com o pacato dia a dia de um típico casal bem sucedido, já estabelecido profissionalmente, seguro financeiramente, mas completamente distante afetivamente. As questões que transitam por esse universo cada vez mais frio (daí vem o nome do filme), invocam dúvidas como se aquelas pessoas, de fato, não fossem realmente quem elas gostariam de ser. A vida de Paul e Lucie claramente é confortável, mas o vazio entre eles é tão ensurdecedor que realmente nos perguntamos se aquilo tudo era realmente o que eles sonharam para o futuro.
Com o tempo passando, a idade chegando e a necessidade de ser feliz sufocando, a narrativa nos joga com muita força na direção parede com outros questionamentos existenciais que chegam a incomodar nossa intimidade e até funcionar como uma espécie de gatilho emocional onde refletimos se, justamente antes da velhice, seria aquele o momento certo para revelar frases não ditas, discussões esquecidas ou os segredos guardados? Perceba como tudo que envolve Paul e Lucie poderia acontecer comigo ou com você e é nessa atmosfera de insegurança que a história passa a entregar suas pistas e algumas atitudes dos personagens passam a fazer mais sentido.
Se temos o marido nem tão infiel, mas que se faz parecer para se sentir vivo; ou a garota sem rumo, que precisa se apoiar em alguém para continuar seu caminho; ou a esposa independente que quer parecer mais forte do que realmente é; ou o melhor melhor amigo que cobiça aquela vida, para ele (e só para ele) perfeita; e até a irmã desequilibrada que, obviamente, é a única capaz de dizer as verdades, mesmo que sua condição a impeça de ser ouvida; é claro que todas essas personas soam clichês, mas a magia de Avant l'hiver (no original) está em justamente assumir a normalidade como uma visão muito mais complexa da vida - e é isso que nos prende, que nos conquista e que nos faz pensar profundamente!
Vale muito o seu play!
"Antes do Inverno" é o típico drama de relações que nos provoca uma série de reflexões onde, sem dúvida, a principal é: o amor é capaz de superar todas as dificuldades mesmo com o passar dos anos? Certamente você já deve estar parando para pensar sobre o assunto e se eu estou certo, pode ter certeza que essa produção francesa dirigida pelo incrível Philippe Claudel (de "Une enfance"), é para você - mas lembre-se: a complexidade das relações humanas expostas no filme chega repleta de sutilezas e sem pressa para se conectar aos fatos, ou seja, a narrativa é inteligente, mas cadenciada, o que pode te incomodar, mas que fique claro que a história só cresce e que seu terceiro ato acaba colocando o filme em outro patamar.
Paul (Daniel Auteuil) é um neurocirurgião de 60 anos casado com Lucie (Kristin Scott Thomas). A monotonia do cotidiano toma conta do casal até que lindos buquês de rosas começam a ser entregues de forma anônima na casa deles, justamente no momento em que Lou (Leïla Bekhti), uma jovem de 20 anos, não para de cruzar o caminho de Paul - é aí que percebemos que algumas máscaras começam a cair e que muito do que vemos, na verdade, não passam de aparências. Confira o trailer:
Claramente Claudel se propõe a gerar muito mais perguntas do que respostas logo de cara. Com muita sensibilidade, o diretor pontua sua narrativa com o pacato dia a dia de um típico casal bem sucedido, já estabelecido profissionalmente, seguro financeiramente, mas completamente distante afetivamente. As questões que transitam por esse universo cada vez mais frio (daí vem o nome do filme), invocam dúvidas como se aquelas pessoas, de fato, não fossem realmente quem elas gostariam de ser. A vida de Paul e Lucie claramente é confortável, mas o vazio entre eles é tão ensurdecedor que realmente nos perguntamos se aquilo tudo era realmente o que eles sonharam para o futuro.
Com o tempo passando, a idade chegando e a necessidade de ser feliz sufocando, a narrativa nos joga com muita força na direção parede com outros questionamentos existenciais que chegam a incomodar nossa intimidade e até funcionar como uma espécie de gatilho emocional onde refletimos se, justamente antes da velhice, seria aquele o momento certo para revelar frases não ditas, discussões esquecidas ou os segredos guardados? Perceba como tudo que envolve Paul e Lucie poderia acontecer comigo ou com você e é nessa atmosfera de insegurança que a história passa a entregar suas pistas e algumas atitudes dos personagens passam a fazer mais sentido.
Se temos o marido nem tão infiel, mas que se faz parecer para se sentir vivo; ou a garota sem rumo, que precisa se apoiar em alguém para continuar seu caminho; ou a esposa independente que quer parecer mais forte do que realmente é; ou o melhor melhor amigo que cobiça aquela vida, para ele (e só para ele) perfeita; e até a irmã desequilibrada que, obviamente, é a única capaz de dizer as verdades, mesmo que sua condição a impeça de ser ouvida; é claro que todas essas personas soam clichês, mas a magia de Avant l'hiver (no original) está em justamente assumir a normalidade como uma visão muito mais complexa da vida - e é isso que nos prende, que nos conquista e que nos faz pensar profundamente!
Vale muito o seu play!
Martin Scorsese é um dos maiores cineastas da história do cinema - isso não há como negar. Com uma carreira de mais de 50 anos, ele já dirigiu alguns dos filmes mais importantes e aclamados de todos os tempos, como "Taxi Driver", "Os Bons Companheiros", "Cassino" e "A Invenção de Hugo Cabret", só para citar os clássicos. Scorsese já foi indicado 9 vezes ao Oscar de "Melhor Diretor" e venceu por "Os Infiltrados". De fato um currículo de respeito e é certamente por isso que nos propomos a assistir mais de três horas e meia de seu mais recente trabalho, o drama "Assassinos da Lua das Flores". Olha, o filme é realmente muito bom, dos melhores de sua carreira como diretor, mas meu amigo, é longo demais! Será preciso uma dose extra de empolgação para encarar essa jornada, mesmo sabendo que a qualidade técnica e artística é tão alta que nem vemos o tempo passar. "Assassinos da Lua das Flores" é mais uma prova do talento e da maestria de Scorsese, mas como uma minissérie, a experiência seria bem menos cansativa.
Baseado no livro homônimo de David Grann, "Assassinos da Lua das Flores" conta a história real de uma série de assassinatos misteriosos que ocorreram na década de 1920 na tribo indígena Osage, no estado americano de Oklahoma. Os Osage eram donos de terras ricas em petróleo, e suas mortes levantaram suspeitas de que poderiam ter sido encomendadas por pessoas que queriam se apoderar de suas riquezas, especialmente William Hale (Robert De Niro). Confira o trailer:
Produzido pela AppleTV+ e estrelado por Leonardo DiCaprio, Jesse Plemons, Robert De Niro e Lily Gladstone, "Assassinos da Lua das Flores" tem todos os elementos que fazem os olhos dos votantes do Oscar brilhar. Sério, o filme é de cair o queixo - pela qualidade, pelo tamanho da produção, e, claro, pela forma que Scorsese reproduziu uma atmosfera de recorrente tensão e desconfiança, em pleno anos 20, com tanta perfeição. Você analisa os detalhes, destrincha o roteiro, repara em tudo e não encontra um vacilo sequer - é impressionante como a direção de Scorsese é impecável ao ponto de prender nossa atenção do início ao fim, em um misto de horror e poesia. Reparem como o roteiro do genial Eric Roth (vencedor do Oscar por "Forrest Gump" e indicado mais seis vezes, a última por "Duna") transita com perfeição entre a ganância, a vaidade e o desejo do individuo que se sobrepõe ao meio em que a história acontece - eu diria, uma espécie de faroeste macabro onde a tensão e a violência desenfreada dão o tom das relações sociais e humanas pela perspectiva de quem sofre e de quem comete crimes tão brutais.
DiCaprio interpreta Ernest Burkhart, um homem branco que se casa com uma mulher Osage, Mollie (Lily Gladstone), e se torna um dos responsáveis por articular os crimes a mando do tio William - e aqui cabe um observação sobre o texto: se inicialmente tudo fica subentendido, com o passar do tempo as motivações e ações ficam completamente escancaradas. Em nenhum momento o roteiro se propõe a seguir a sinopse, criar um mistério e gerar dúvidas - tudo é muito claro, no entanto são nas consequências intimas dos personagens que a trama ganha profundidade e reflexão (e talvez por isso o filme não tenha sido uma unanimidade). As performances dos atores são excelentes: DiCaprio dá um tom de complexidade e ambivalência ao seu Ernest que, na minha opinião, o credenciaria, no mínimo, para uma indicação ao Oscar. Já Lily Gladstone, essa vai ser a barbada do ano na categoria "Melhor Atriz", pode me cobrar depois.
Se "Assassinos da Lua das Flores" sabe explorar temas como corrupção e preconceito com certa brutalidade no seu "conteúdo", mas saiba que é na sua "forma" que o filme oferece uma visão verdadeiramente fascinante sobre aquele período turbulento da história americana. A fotografia do Rodrigo Prieto (mexicano parceiro de Alejandro G. Iñárritu e indicado cinco vezes ao Oscar) e a trilha sonora de Robbie Robertson (de "O Irlandês") provocam na audiência um misto de emoções que se alternam entre a tensão e a preocupação, e com aquela típica frieza do diretor, narra visualmente um banho de sangue étnico, com suas consequências sociais e impactos psicológicos, de um jeito onde o cinema parece funcionar, mais uma vez, como uma janela para muito do que acontece nos dias de hoje ao redor do nosso planeta.
Obrigado Scorsese!
Vale muito o play. Vale muito a reflexão!
Martin Scorsese é um dos maiores cineastas da história do cinema - isso não há como negar. Com uma carreira de mais de 50 anos, ele já dirigiu alguns dos filmes mais importantes e aclamados de todos os tempos, como "Taxi Driver", "Os Bons Companheiros", "Cassino" e "A Invenção de Hugo Cabret", só para citar os clássicos. Scorsese já foi indicado 9 vezes ao Oscar de "Melhor Diretor" e venceu por "Os Infiltrados". De fato um currículo de respeito e é certamente por isso que nos propomos a assistir mais de três horas e meia de seu mais recente trabalho, o drama "Assassinos da Lua das Flores". Olha, o filme é realmente muito bom, dos melhores de sua carreira como diretor, mas meu amigo, é longo demais! Será preciso uma dose extra de empolgação para encarar essa jornada, mesmo sabendo que a qualidade técnica e artística é tão alta que nem vemos o tempo passar. "Assassinos da Lua das Flores" é mais uma prova do talento e da maestria de Scorsese, mas como uma minissérie, a experiência seria bem menos cansativa.
Baseado no livro homônimo de David Grann, "Assassinos da Lua das Flores" conta a história real de uma série de assassinatos misteriosos que ocorreram na década de 1920 na tribo indígena Osage, no estado americano de Oklahoma. Os Osage eram donos de terras ricas em petróleo, e suas mortes levantaram suspeitas de que poderiam ter sido encomendadas por pessoas que queriam se apoderar de suas riquezas, especialmente William Hale (Robert De Niro). Confira o trailer:
Produzido pela AppleTV+ e estrelado por Leonardo DiCaprio, Jesse Plemons, Robert De Niro e Lily Gladstone, "Assassinos da Lua das Flores" tem todos os elementos que fazem os olhos dos votantes do Oscar brilhar. Sério, o filme é de cair o queixo - pela qualidade, pelo tamanho da produção, e, claro, pela forma que Scorsese reproduziu uma atmosfera de recorrente tensão e desconfiança, em pleno anos 20, com tanta perfeição. Você analisa os detalhes, destrincha o roteiro, repara em tudo e não encontra um vacilo sequer - é impressionante como a direção de Scorsese é impecável ao ponto de prender nossa atenção do início ao fim, em um misto de horror e poesia. Reparem como o roteiro do genial Eric Roth (vencedor do Oscar por "Forrest Gump" e indicado mais seis vezes, a última por "Duna") transita com perfeição entre a ganância, a vaidade e o desejo do individuo que se sobrepõe ao meio em que a história acontece - eu diria, uma espécie de faroeste macabro onde a tensão e a violência desenfreada dão o tom das relações sociais e humanas pela perspectiva de quem sofre e de quem comete crimes tão brutais.
DiCaprio interpreta Ernest Burkhart, um homem branco que se casa com uma mulher Osage, Mollie (Lily Gladstone), e se torna um dos responsáveis por articular os crimes a mando do tio William - e aqui cabe um observação sobre o texto: se inicialmente tudo fica subentendido, com o passar do tempo as motivações e ações ficam completamente escancaradas. Em nenhum momento o roteiro se propõe a seguir a sinopse, criar um mistério e gerar dúvidas - tudo é muito claro, no entanto são nas consequências intimas dos personagens que a trama ganha profundidade e reflexão (e talvez por isso o filme não tenha sido uma unanimidade). As performances dos atores são excelentes: DiCaprio dá um tom de complexidade e ambivalência ao seu Ernest que, na minha opinião, o credenciaria, no mínimo, para uma indicação ao Oscar. Já Lily Gladstone, essa vai ser a barbada do ano na categoria "Melhor Atriz", pode me cobrar depois.
Se "Assassinos da Lua das Flores" sabe explorar temas como corrupção e preconceito com certa brutalidade no seu "conteúdo", mas saiba que é na sua "forma" que o filme oferece uma visão verdadeiramente fascinante sobre aquele período turbulento da história americana. A fotografia do Rodrigo Prieto (mexicano parceiro de Alejandro G. Iñárritu e indicado cinco vezes ao Oscar) e a trilha sonora de Robbie Robertson (de "O Irlandês") provocam na audiência um misto de emoções que se alternam entre a tensão e a preocupação, e com aquela típica frieza do diretor, narra visualmente um banho de sangue étnico, com suas consequências sociais e impactos psicológicos, de um jeito onde o cinema parece funcionar, mais uma vez, como uma janela para muito do que acontece nos dias de hoje ao redor do nosso planeta.
Obrigado Scorsese!
Vale muito o play. Vale muito a reflexão!
Se "Bela Vingança" tem um grande mérito, eu diria que é o de ser um filme corajoso e que mesmo com uma certa previsibilidade (proposital), não tem receio algum de correr riscos, entregando um resultado estético e narrativo que merece ser elogiado de pé! O filme de estreia como diretora da atriz (já indicada ao Emmy duas vezes, por "The Crown" e por "Killing Eve") Emerald Fennell, transborda honestidade e responsabilidade ao tocar em uma ferida delicada e que vai gerar muito desconforto: a teoria do estupro discutida não só pelo lado de quem sofre, mas também pelo lado de quem se omite. Veja, existe sim um componente claramente didático no roteiro (que levou o Oscar de "original" em 2020), mas nem por isso o entretenimento é colocado de lado e mesmo com algumas cenas bem chocantes visualmente, fica fácil entender mesmo quando o lado mais intimo do ser humano é retratado - é aí que sentimos na pele.
Cassie (Carey Mulligan) é uma mulher com profundos traumas do passado que frequenta bares todas as noites e que finge estar bêbada para quando homens mal-intencionados se aproximarem com a desculpa de que vão ajudá-la, entrar em ação e se vingar dos predadores que tiveram o azar de conhecê-la. Acontece que nem todos os homens, aparentemente, estão na mesma prateleira, é aí que Cassie começa a refletir se sua postura é a mais correta e se suas escolhas de vida estão, de fato, a fazendo feliz. Confira o trailer:
"Bela Vingança" tem um cuidado que pode passar batido pelos mais desatentos, mas que vale pontuar para que você preste bem atenção e aproveite melhor a experiência: o filme pode até parecer meio sem identidade, com uma narrativa um pouco desconexa e sem manter um padrão visual alinhado com a proposta inicial, mas tudo isso tem sua razão de ser. Se no primeiro momento a estética lembra um slasher dos anos 80 (como "X - A Marca da Morte"), rapidamente ele pode soar como um drama adolescente (ao melhor estilo "Nudes" ou "13 Reasons Why") e por fim ainda emular uma certa atmosfera moderninha de comédia romântica (meio "Modern Love") - e tudo isso não acontece por acaso, é como se existisse uma representação gráfica da confusão mental pela qual a protagonista tem que conviver e que vai se misturando durante a trama. A relação com seus pais é um ótimo exemplo desse conceito. Aliás essa escolha de Fennell faz todo sentido quando olhamos em retrospectiva depois que descobrimos todas as nuances da história e por quais caminhos ela se desenvolve até o final - é genial essa sensibilidade do roteiro e da direção.
Mulligan está simplesmente sensacional como Cassandra - reparem como ela trabalha seu range de interpretação sem antecipar suas motivações, ou seja, você nunca sabe o que esperar da atriz em cena. Seu estilo fisico sugere certa meiguice; seu humor, alguma ironia; e suas ações alguma angustia. É impressionante, inclusive, como a escalação do elenco foi feliz em construir uma persona de "quem vê cara, não vê coração" também do lado masculino, trazendo ídolos de outras produções que marcaram época como “caras legais” - a ideia de quebra de expectativas é fundamental para entendermos a raiz do problema que o filme discute com sabedoria.
"Bela Vingança" pode até soar como um belo tapa na cara para a masculinidade tóxica, mas isso seria uma análise superficial e lacradora demais para nosso conceito editorial, já que, como obra cinematográfica, o filme vai muito além ao respeitar o que mais interessa em toda essa discussão: entender o sentimento de quem carrega essa marca seja pelo ato que não necessariamente tenha sofrido, mas que de alguma forma impactou em sua vida e que foi potencializado pelo "caminhão de omissões" típicas de uma sociedade hipócrita - a cena com a reitora da faculdade é impagável justamente por isso). Os últimos vinte minutos do filme, aliás, são essenciais para fechar o arco com sagacidade e ousadia, o que transforma a jornada de um gosto amargo em um fio de esperança!
Vale muito o seu play!
Se "Bela Vingança" tem um grande mérito, eu diria que é o de ser um filme corajoso e que mesmo com uma certa previsibilidade (proposital), não tem receio algum de correr riscos, entregando um resultado estético e narrativo que merece ser elogiado de pé! O filme de estreia como diretora da atriz (já indicada ao Emmy duas vezes, por "The Crown" e por "Killing Eve") Emerald Fennell, transborda honestidade e responsabilidade ao tocar em uma ferida delicada e que vai gerar muito desconforto: a teoria do estupro discutida não só pelo lado de quem sofre, mas também pelo lado de quem se omite. Veja, existe sim um componente claramente didático no roteiro (que levou o Oscar de "original" em 2020), mas nem por isso o entretenimento é colocado de lado e mesmo com algumas cenas bem chocantes visualmente, fica fácil entender mesmo quando o lado mais intimo do ser humano é retratado - é aí que sentimos na pele.
Cassie (Carey Mulligan) é uma mulher com profundos traumas do passado que frequenta bares todas as noites e que finge estar bêbada para quando homens mal-intencionados se aproximarem com a desculpa de que vão ajudá-la, entrar em ação e se vingar dos predadores que tiveram o azar de conhecê-la. Acontece que nem todos os homens, aparentemente, estão na mesma prateleira, é aí que Cassie começa a refletir se sua postura é a mais correta e se suas escolhas de vida estão, de fato, a fazendo feliz. Confira o trailer:
"Bela Vingança" tem um cuidado que pode passar batido pelos mais desatentos, mas que vale pontuar para que você preste bem atenção e aproveite melhor a experiência: o filme pode até parecer meio sem identidade, com uma narrativa um pouco desconexa e sem manter um padrão visual alinhado com a proposta inicial, mas tudo isso tem sua razão de ser. Se no primeiro momento a estética lembra um slasher dos anos 80 (como "X - A Marca da Morte"), rapidamente ele pode soar como um drama adolescente (ao melhor estilo "Nudes" ou "13 Reasons Why") e por fim ainda emular uma certa atmosfera moderninha de comédia romântica (meio "Modern Love") - e tudo isso não acontece por acaso, é como se existisse uma representação gráfica da confusão mental pela qual a protagonista tem que conviver e que vai se misturando durante a trama. A relação com seus pais é um ótimo exemplo desse conceito. Aliás essa escolha de Fennell faz todo sentido quando olhamos em retrospectiva depois que descobrimos todas as nuances da história e por quais caminhos ela se desenvolve até o final - é genial essa sensibilidade do roteiro e da direção.
Mulligan está simplesmente sensacional como Cassandra - reparem como ela trabalha seu range de interpretação sem antecipar suas motivações, ou seja, você nunca sabe o que esperar da atriz em cena. Seu estilo fisico sugere certa meiguice; seu humor, alguma ironia; e suas ações alguma angustia. É impressionante, inclusive, como a escalação do elenco foi feliz em construir uma persona de "quem vê cara, não vê coração" também do lado masculino, trazendo ídolos de outras produções que marcaram época como “caras legais” - a ideia de quebra de expectativas é fundamental para entendermos a raiz do problema que o filme discute com sabedoria.
"Bela Vingança" pode até soar como um belo tapa na cara para a masculinidade tóxica, mas isso seria uma análise superficial e lacradora demais para nosso conceito editorial, já que, como obra cinematográfica, o filme vai muito além ao respeitar o que mais interessa em toda essa discussão: entender o sentimento de quem carrega essa marca seja pelo ato que não necessariamente tenha sofrido, mas que de alguma forma impactou em sua vida e que foi potencializado pelo "caminhão de omissões" típicas de uma sociedade hipócrita - a cena com a reitora da faculdade é impagável justamente por isso). Os últimos vinte minutos do filme, aliás, são essenciais para fechar o arco com sagacidade e ousadia, o que transforma a jornada de um gosto amargo em um fio de esperança!
Vale muito o seu play!
"Black Bird" é mais uma excelente minissérie de "true crime" que encontramos no streaming da Apple. Eu diria que ela não é excepcional como os títulos que estamos acostumados a encontrar na HBO, mas já é possível afirmar que a plataforma, essa sim, começa a despontar, ao lado do Star+, como uma ótima opção para quem gosta do gênero. Com seis episódios de uma hora e criação de Dennis Lehane, roteirista e romancista americano, autor de sucessos como "Sobre Meninos e Lobos" e "Ilha do Medo", além de produtor de "Outsider" (adaptação de Stephen King para HBO), "Black Bird" entrega o que promete ao mostrar a jornada real de transformação de James "Jimmy" Keene enquanto ajudava o FBI a evitar a soltura de Larry Hall, um forte suspeito de ser um serial killer.
O ano é 1996, quando o charmoso traficante e ex-astro de futebol do colegial Jimmy Keene (Taron Egerton) é sentenciado a 10 anos de prisão após uma operação do FBI, que além das drogas descobriu uma quantidade considerável de armas ilegais. Para se livrar da pena, Keene recebe uma proposta arriscada das autoridades: ele precisa ser transferido para uma prisão de segurança máxima, se aproximar de Larry Hall (Paul Walter Hauser), e assim conseguir uma confissão a fim de que o maníaco ligado ao desaparecimento de várias garotas, seja mantido preso, e os corpos das vítimas, encontrados. Confira o trailer:
A história sobre essa medida drástica do FBI para tentar anular um recurso de defesa de Hall que estava prestes a conseguir uma liberdade condicional por falta de provas que realmente ligasse o seu nome aos crimes, foi contada no livro "In with the Devil: A Fallen Hero, a Serial Killer, and a Dangerous Bargain for Redemption" em que o verdadeiro Keene escreveu ao lado de Hillel Levin, porém é na adaptação de Lehane que a trama ganha ares de mistério e tensão ao estabelecer elementos investigativos fora da prisão, por parte da dupla Brian Miller (Greg Kinnear) e Lauren McCauley (Sepideh Moafi), e um forte drama psicológico de dentro da prisão, graças aos embates bem estruturados entre Keene e Hall.
O problema, no entanto, é que Lehane escorrega ao colocar mais sub-tramas, ao melhor estilo "Oz", que não se sustentam - ou melhor, que não são tão bem exploradas quanto a linha narrativa principal. Os plots do protagonista com o policial corrupto e com o mafioso "dono do pedaço", são tão frágeis quanto as cenas que exploram a relação com seu pai Jim Keene (o saudoso e quase irreconhecível Ray Liotta). Veja, não que essas sub-tramas sejam ruins, elas só não são exploradas como deveriam (ou poderiam) se a minissérie tivesse mais dois episódios, por exemplo - existe uma simplicidade na construção do roteiro, que se permite um ou outro retrocesso temporal (alguns até poéticos como o visto no episódio 5) para desenvolver ou explicar algumas camadas dos personagens, mas que nunca se aprofundam.
A direção de Michäel R. Roskam, Jim McKay e Joe Chappelle também escorrega, mas não compromete (a cena da rebelião é ruim, o resto fica bem na média). Já as performances de Taron Egerton e principalmente de Paul Walter Hauser merecem elogios - Hauser, aliás, merece ser lembrado em premiações. Seu personagem fala manso, é cheio de tiques, aproveita bem o silêncio, mas ao mesmo tempo é macabro, violento no olhar, sádico no leve sorriso. Com isso, é muito fácil concluir que "Black Bird" é uma obra de dois excelentes atores disputando um jogo de persuasão e ironia, onde o texto e a direção encontram o seu ápice na simplicidade e na dinâmica dos episódios que parecem voar.
Vale seu play!
"Black Bird" é mais uma excelente minissérie de "true crime" que encontramos no streaming da Apple. Eu diria que ela não é excepcional como os títulos que estamos acostumados a encontrar na HBO, mas já é possível afirmar que a plataforma, essa sim, começa a despontar, ao lado do Star+, como uma ótima opção para quem gosta do gênero. Com seis episódios de uma hora e criação de Dennis Lehane, roteirista e romancista americano, autor de sucessos como "Sobre Meninos e Lobos" e "Ilha do Medo", além de produtor de "Outsider" (adaptação de Stephen King para HBO), "Black Bird" entrega o que promete ao mostrar a jornada real de transformação de James "Jimmy" Keene enquanto ajudava o FBI a evitar a soltura de Larry Hall, um forte suspeito de ser um serial killer.
O ano é 1996, quando o charmoso traficante e ex-astro de futebol do colegial Jimmy Keene (Taron Egerton) é sentenciado a 10 anos de prisão após uma operação do FBI, que além das drogas descobriu uma quantidade considerável de armas ilegais. Para se livrar da pena, Keene recebe uma proposta arriscada das autoridades: ele precisa ser transferido para uma prisão de segurança máxima, se aproximar de Larry Hall (Paul Walter Hauser), e assim conseguir uma confissão a fim de que o maníaco ligado ao desaparecimento de várias garotas, seja mantido preso, e os corpos das vítimas, encontrados. Confira o trailer:
A história sobre essa medida drástica do FBI para tentar anular um recurso de defesa de Hall que estava prestes a conseguir uma liberdade condicional por falta de provas que realmente ligasse o seu nome aos crimes, foi contada no livro "In with the Devil: A Fallen Hero, a Serial Killer, and a Dangerous Bargain for Redemption" em que o verdadeiro Keene escreveu ao lado de Hillel Levin, porém é na adaptação de Lehane que a trama ganha ares de mistério e tensão ao estabelecer elementos investigativos fora da prisão, por parte da dupla Brian Miller (Greg Kinnear) e Lauren McCauley (Sepideh Moafi), e um forte drama psicológico de dentro da prisão, graças aos embates bem estruturados entre Keene e Hall.
O problema, no entanto, é que Lehane escorrega ao colocar mais sub-tramas, ao melhor estilo "Oz", que não se sustentam - ou melhor, que não são tão bem exploradas quanto a linha narrativa principal. Os plots do protagonista com o policial corrupto e com o mafioso "dono do pedaço", são tão frágeis quanto as cenas que exploram a relação com seu pai Jim Keene (o saudoso e quase irreconhecível Ray Liotta). Veja, não que essas sub-tramas sejam ruins, elas só não são exploradas como deveriam (ou poderiam) se a minissérie tivesse mais dois episódios, por exemplo - existe uma simplicidade na construção do roteiro, que se permite um ou outro retrocesso temporal (alguns até poéticos como o visto no episódio 5) para desenvolver ou explicar algumas camadas dos personagens, mas que nunca se aprofundam.
A direção de Michäel R. Roskam, Jim McKay e Joe Chappelle também escorrega, mas não compromete (a cena da rebelião é ruim, o resto fica bem na média). Já as performances de Taron Egerton e principalmente de Paul Walter Hauser merecem elogios - Hauser, aliás, merece ser lembrado em premiações. Seu personagem fala manso, é cheio de tiques, aproveita bem o silêncio, mas ao mesmo tempo é macabro, violento no olhar, sádico no leve sorriso. Com isso, é muito fácil concluir que "Black Bird" é uma obra de dois excelentes atores disputando um jogo de persuasão e ironia, onde o texto e a direção encontram o seu ápice na simplicidade e na dinâmica dos episódios que parecem voar.
Vale seu play!
Eu sou capaz de cravar que "Boys State" estará na disputa do próximo Oscar na categoria "Melhor Documentário"! Dito isso, é preciso ressaltar que o belíssimo trabalho do premiado diretor Jesse Moss e da sua parceira Amanda McBaine, traz um recorte bastante interessante do momento politico que vivemos no mundo, muitas vezes pautado no ataque em detrimento ao diálogo, com uma polarização que parece fazer mais sentido para muitos e onde os assuntos polêmicos, normalmente apoiados no extremismo, impactam fortemente nos resultados das urnas. Na verdade, "Boys State" trás para o debate a força da democracia como "fim", mas o que nos incomoda de verdade é o "meio" que as pessoas resolvem seguir - graças aos recentes péssimos exemplos que toda uma geração aprendeu a observar!
"Boys State" acompanha um programa de verão que funciona como uma espécie de preparação para uma nova geração de líderes políticos. Cada um desses eventos recebem centenas de alunos, todos indicados pelas suas escolas, e lá eles simulam todo o processo democrático americano, desde a formação de dois partidos até a eleição de um governador, seguindo exatamente as regras eleitorais do país. Confira o trailer:
Vencedor em festivais importantes como Sundance e South By Southwest em 2020, "Boys State" é, de fato, imperdível. Com uma dinâmica narrativa bastante interessante, fica impossível não se envolver com aquela disputa fictícia como se estivéssemos assistindo uma competição esportiva real - e como no esporte, a política envolve paixão e é incrível como "apenas" 1.200 jovens podem representar uma parcela bastante fiel da sociedade americana atual e isso é assustador! Olha, vale muito a pena, até para aquele que não faz tanta questão de refletir sobre o momento politico que muitos países estão vivendo!
Os assuntos são extremamente sensíveis: ao mesmo tempo em que se discute a proibição do aborto em qualquer circunstância, se valoriza a liberação do porte de armas de fogo sem qualquer controle - sim, é isso e muito mais que você vai encontrar nesse documentário de quase duas horas de duração! Acontece que os interlocutores são adolescentes e as intrigas criadas entres dois grupos são inquietantes pelo tamanho da semelhança com o que estamos acostumados a acompanhar na política entre os adultos. Outro elemento narrativo que impressiona é como os diretores são sensíveis ao separar os medíocres dos acima da média e, claro, como a relação entre eles é normalmente tão conflituosa!
É impressionante, porém, como alguns adolescentes estão realmente preocupados com a forma como a democracia impacta na construção de um estado de liberdade e como a valorização da união e o desenvolvimento das comunidades que pertencem, podem impactar na construção de uma carreira politica íntegra e assim transforma-los em grandes líderes. Ao escolher personagens que representam essas comunidades, Moss e McBaine nos provocam a entender a linha de raciocínio dos personagens e baseado em quais exemplos eles se apoiam para conquistar seus respectivos lugares no meio daquela multidão. Seja um filho de imigrantes, um negro homossexual, um deficiente fisico ou simplesmente um texano boa pinta, esses jovens entram no jogo e vão às últimas consequências morais para alcançar seus objetivos - e acabam nos levando juntos!
"Boys State" é uma aula de storytelling, muito bem construída, impactante e fluida, quase uma ficção adolescente, tamanha a competência em nos colocar dentro daquele universo que para muitos não vai passar de um deprimente experimento político - e não dá para tirar a razão de quem interpretar dessa forma! Em todo caso, dê o play e reflita, porque é isso que o documentário vai te causar: reflexão!
Eu sou capaz de cravar que "Boys State" estará na disputa do próximo Oscar na categoria "Melhor Documentário"! Dito isso, é preciso ressaltar que o belíssimo trabalho do premiado diretor Jesse Moss e da sua parceira Amanda McBaine, traz um recorte bastante interessante do momento politico que vivemos no mundo, muitas vezes pautado no ataque em detrimento ao diálogo, com uma polarização que parece fazer mais sentido para muitos e onde os assuntos polêmicos, normalmente apoiados no extremismo, impactam fortemente nos resultados das urnas. Na verdade, "Boys State" trás para o debate a força da democracia como "fim", mas o que nos incomoda de verdade é o "meio" que as pessoas resolvem seguir - graças aos recentes péssimos exemplos que toda uma geração aprendeu a observar!
"Boys State" acompanha um programa de verão que funciona como uma espécie de preparação para uma nova geração de líderes políticos. Cada um desses eventos recebem centenas de alunos, todos indicados pelas suas escolas, e lá eles simulam todo o processo democrático americano, desde a formação de dois partidos até a eleição de um governador, seguindo exatamente as regras eleitorais do país. Confira o trailer:
Vencedor em festivais importantes como Sundance e South By Southwest em 2020, "Boys State" é, de fato, imperdível. Com uma dinâmica narrativa bastante interessante, fica impossível não se envolver com aquela disputa fictícia como se estivéssemos assistindo uma competição esportiva real - e como no esporte, a política envolve paixão e é incrível como "apenas" 1.200 jovens podem representar uma parcela bastante fiel da sociedade americana atual e isso é assustador! Olha, vale muito a pena, até para aquele que não faz tanta questão de refletir sobre o momento politico que muitos países estão vivendo!
Os assuntos são extremamente sensíveis: ao mesmo tempo em que se discute a proibição do aborto em qualquer circunstância, se valoriza a liberação do porte de armas de fogo sem qualquer controle - sim, é isso e muito mais que você vai encontrar nesse documentário de quase duas horas de duração! Acontece que os interlocutores são adolescentes e as intrigas criadas entres dois grupos são inquietantes pelo tamanho da semelhança com o que estamos acostumados a acompanhar na política entre os adultos. Outro elemento narrativo que impressiona é como os diretores são sensíveis ao separar os medíocres dos acima da média e, claro, como a relação entre eles é normalmente tão conflituosa!
É impressionante, porém, como alguns adolescentes estão realmente preocupados com a forma como a democracia impacta na construção de um estado de liberdade e como a valorização da união e o desenvolvimento das comunidades que pertencem, podem impactar na construção de uma carreira politica íntegra e assim transforma-los em grandes líderes. Ao escolher personagens que representam essas comunidades, Moss e McBaine nos provocam a entender a linha de raciocínio dos personagens e baseado em quais exemplos eles se apoiam para conquistar seus respectivos lugares no meio daquela multidão. Seja um filho de imigrantes, um negro homossexual, um deficiente fisico ou simplesmente um texano boa pinta, esses jovens entram no jogo e vão às últimas consequências morais para alcançar seus objetivos - e acabam nos levando juntos!
"Boys State" é uma aula de storytelling, muito bem construída, impactante e fluida, quase uma ficção adolescente, tamanha a competência em nos colocar dentro daquele universo que para muitos não vai passar de um deprimente experimento político - e não dá para tirar a razão de quem interpretar dessa forma! Em todo caso, dê o play e reflita, porque é isso que o documentário vai te causar: reflexão!
"Calls" é uma das melhores séries de ficção científica que já assisti - e o que poderia ser apenas uma opinião pontual acaba ganhando muito peso quando definimos o que essa experiência audiovisual inovadora representa através de um conceito narrativo bastante antigo: "para que uma história seja uma boa história, ela precisa apenas ser sentida"! Mas como isso é possível? Simples, porém genial: em "Calls" o que interessa são os diálogos que ouvimos e não a ação que poderíamos ver -na tela, só assistimos algumas animações que pontuam criativamente uma conversa pelo telefone ou pelo celular.
Essa série originalmente francesa foi criada porTimothée Hochet, teve sua versão americana adaptada pelo excelente diretor uruguaio Fede Álvarez (de "O Homem nas Trevas") para oApple TV+. Sem entrar em muitos detalhes para não estragar a experiência sensorial que é assistir "Calls", sua premissa é enganosamente simples, ou seja, em cada episódio (aparentemente independente) temos acesso as conversas telefônicas entre duas ou mais pessoas lidando com uma situação aparentemente casual, mas que vai ganhando contornos (literalmente) fantásticos, recheados de suspense e drama. Confira o trailer:
Antes de mais nada eu preciso dizer que "Calls" pode até causar um estranhamento inicial, mas se você gosta de ficção cientifica, não desista! É claro que o fato de não podermos assistir o que está sendo captado pelo áudio das ligações, naturalmente, nos gera certa ansiedade e angustia. Ao acreditar em uma experiência imersiva e sensorial como essa, só nos resta imaginar - como nos bons tempos da rádio e mais recentemente como alguns audiobooks ou podcasts recheados de stroytelling.
Os episódios de 15 minutos em média são extremamente bem dirigidos! Os atores são incríveis e aqui cabe um conselho: não assista dublado em hipótese alguma! No elenco temos ótimos atores como Aaron Taylor-Johnson, Pedro Pascal, Aubrey Plaza, Mark Duplass, Rosario Dawson, Nick Jonas. Outro elemento técnico que salta aos olhos, ou melhor, "aos ouvidos", é o desenho de som e a mixagem da série - é o equilíbrio perfeito entre efeitos, trilha e voz! É impressionante como essa arte é levada para outro patamar com o objetivo claro de mexer com nossas sensações - e consegue!
Não se enganem: o diretor, todo elenco e as soluções técnicas e artísticas da série evitam que "Calls" possa ser classificada como um simples podcast ou ou até uma radionovela. As imagens que transitam entre o abstrato e o realismo tecnológico das ondas sonoras, de fato, contam ou ajudam a contar uma história extremamente bem construída e cheia de detalhes assustadores - mesmo sendo apenas retas, pontos e distorções, essas animações estão completamente alinhadas com o tom da narrativa e elas transformam a maneira com que vivenciamos todo mistério - é como se estivéssemos ouvindo a conversa alheia ou, por curiosidade, a caixa preta de uma avião antes de um acidente fatal! Emocionante e Angustiante, com o mesmo peso dramático!
Vale muito a pena: pela experiência, pela inovação e pela história bem amarrada!
"Calls" é uma das melhores séries de ficção científica que já assisti - e o que poderia ser apenas uma opinião pontual acaba ganhando muito peso quando definimos o que essa experiência audiovisual inovadora representa através de um conceito narrativo bastante antigo: "para que uma história seja uma boa história, ela precisa apenas ser sentida"! Mas como isso é possível? Simples, porém genial: em "Calls" o que interessa são os diálogos que ouvimos e não a ação que poderíamos ver -na tela, só assistimos algumas animações que pontuam criativamente uma conversa pelo telefone ou pelo celular.
Essa série originalmente francesa foi criada porTimothée Hochet, teve sua versão americana adaptada pelo excelente diretor uruguaio Fede Álvarez (de "O Homem nas Trevas") para oApple TV+. Sem entrar em muitos detalhes para não estragar a experiência sensorial que é assistir "Calls", sua premissa é enganosamente simples, ou seja, em cada episódio (aparentemente independente) temos acesso as conversas telefônicas entre duas ou mais pessoas lidando com uma situação aparentemente casual, mas que vai ganhando contornos (literalmente) fantásticos, recheados de suspense e drama. Confira o trailer:
Antes de mais nada eu preciso dizer que "Calls" pode até causar um estranhamento inicial, mas se você gosta de ficção cientifica, não desista! É claro que o fato de não podermos assistir o que está sendo captado pelo áudio das ligações, naturalmente, nos gera certa ansiedade e angustia. Ao acreditar em uma experiência imersiva e sensorial como essa, só nos resta imaginar - como nos bons tempos da rádio e mais recentemente como alguns audiobooks ou podcasts recheados de stroytelling.
Os episódios de 15 minutos em média são extremamente bem dirigidos! Os atores são incríveis e aqui cabe um conselho: não assista dublado em hipótese alguma! No elenco temos ótimos atores como Aaron Taylor-Johnson, Pedro Pascal, Aubrey Plaza, Mark Duplass, Rosario Dawson, Nick Jonas. Outro elemento técnico que salta aos olhos, ou melhor, "aos ouvidos", é o desenho de som e a mixagem da série - é o equilíbrio perfeito entre efeitos, trilha e voz! É impressionante como essa arte é levada para outro patamar com o objetivo claro de mexer com nossas sensações - e consegue!
Não se enganem: o diretor, todo elenco e as soluções técnicas e artísticas da série evitam que "Calls" possa ser classificada como um simples podcast ou ou até uma radionovela. As imagens que transitam entre o abstrato e o realismo tecnológico das ondas sonoras, de fato, contam ou ajudam a contar uma história extremamente bem construída e cheia de detalhes assustadores - mesmo sendo apenas retas, pontos e distorções, essas animações estão completamente alinhadas com o tom da narrativa e elas transformam a maneira com que vivenciamos todo mistério - é como se estivéssemos ouvindo a conversa alheia ou, por curiosidade, a caixa preta de uma avião antes de um acidente fatal! Emocionante e Angustiante, com o mesmo peso dramático!
Vale muito a pena: pela experiência, pela inovação e pela história bem amarrada!
As pessoas são essencialmente egoístas quando uma atitude (impensada ou não) pode imediatamente se reverter em algo muito prejudicial para elas mesmas - é quase um súbito de auto-preservação. Isso pode parecer banal ou até mesmo generalista demais, afinal o caráter não se põe a prova, certo? Errado! "Capital Humano", produção italiana de 2013, provoca justamente essa reflexão sobre a desvalorização da condição humana, partindo de eventos simples (mesmo que com reflexos sérios), com pessoas diferentes e em momentos de vida distantes, mas que, de alguma maneira, querem algo em comum, com o poder da escolha e a chance de mudar uma vida - que não necessariamente é a própria.
Dividido em quatros atos, cada um mostrando o ponto de vista de um personagem-chave (mais um epílogo), "Capital Humano" acompanha o destino de três famílias de classes sociais completamente diferentes (Ossola, Bernaschi e Ambrosini), que estão irrevogavelmente conectadas depois que um ciclista é acidentalmente atropelado enquanto voltava para casa depois de uma longa noite de trabalho. Confira o trailer:
O filme se baseia no livro homônimo do crítico de cinema Stephen Amidon para fazer um retrato de uma Itália decadente em que a ganância e o egoísmo fazem com que as pessoas não meçam suas atitudes, mesmo quando existe um outro ser humano no centro da equação. Dirigido pelo premiado diretor italiano Paolo Virzì, "Capital Humano" tem uma narrativa extremamente dinâmica e envolvente, onde, com o passar dos atos, juntamos todas as peças até entendermos o que de fato aconteceu naquela noite - esse conceito narrativo, muito utilizado por roteiristas mexicanos e argentinos do circuito mais independente, traz uma certa elegância para a história e, nesse caso, um tom de mistério muito bem desenvolvido na trama por personagens cheios de camadas (e que são absolutamente surpreendentes).
Ligue os pontos: Primeiro Dino Ossola (Fabrizio Bentivoglio), um pacato corretor de imóveis, quer ganhar um dinheiro que nunca viu na vida, pedindo um empréstimo no banco apenas para aplicar na empresa de Giovanni Bernaschi (Fabrizio Gifuni), um bem sucedido empresário e pai do namorado da sua filha. Depois temos Carla (Valeria Bruni Tedeschi), mulher de Giovanni, que busca encontrar um ressignificado para sua vida e assim recuperar uma paixão antiga pelas artes a partir de tudo que o marido conquistou ao seu lado. E por fim, Serena (Matilde Gioli), filha de Dino, que conhece Luca (Giovanni Anzaldo), um rapaz recém saído do reformatório após ser detido com drogas e paciente de sua madrasta, a psicóloga Roberta (Valeria Golino), por quem se apaixona mesmo tendo o namorado "ideal", Massimiliano (Guglielmo Pinelli).
Com essa espécie de mosaico de personagens e situações, Virzì vai costurando um drama com um leve tom de ironia e acaba entregando um filme muito mais profundo do que parece - bem ao estilo "Parasita" no conteúdo e "Amores Perros" na forma. Sua habilidade como diretor transforma a performance desse elenco incrível em um conjunto caricato (aqui no bom sentido) de sensações e sentimentos que retratam toda a podridão da humanidade a partir de gestos "inofensivos", mas que impactam diretamente no próximo, sem a menor preocupação com a empatia.
Só por isso o filme já valeria a pena, mas antecipo que "Capital Humano" foi uma das produções mais premiadas no circuito de festivais independentes entre 2013 e 2014, ganhando 7 prêmios no Oscar Italiano (das 18 indicações), inclusive, o de "Melhor Filme do Ano".
Pode dar play sem medo!
Em tempo, "Capital Humano" ganhou uma versão americana com a direção de Marc Meyers e tendo no elenco Marisa Tomei e Liev Schreiber.
As pessoas são essencialmente egoístas quando uma atitude (impensada ou não) pode imediatamente se reverter em algo muito prejudicial para elas mesmas - é quase um súbito de auto-preservação. Isso pode parecer banal ou até mesmo generalista demais, afinal o caráter não se põe a prova, certo? Errado! "Capital Humano", produção italiana de 2013, provoca justamente essa reflexão sobre a desvalorização da condição humana, partindo de eventos simples (mesmo que com reflexos sérios), com pessoas diferentes e em momentos de vida distantes, mas que, de alguma maneira, querem algo em comum, com o poder da escolha e a chance de mudar uma vida - que não necessariamente é a própria.
Dividido em quatros atos, cada um mostrando o ponto de vista de um personagem-chave (mais um epílogo), "Capital Humano" acompanha o destino de três famílias de classes sociais completamente diferentes (Ossola, Bernaschi e Ambrosini), que estão irrevogavelmente conectadas depois que um ciclista é acidentalmente atropelado enquanto voltava para casa depois de uma longa noite de trabalho. Confira o trailer:
O filme se baseia no livro homônimo do crítico de cinema Stephen Amidon para fazer um retrato de uma Itália decadente em que a ganância e o egoísmo fazem com que as pessoas não meçam suas atitudes, mesmo quando existe um outro ser humano no centro da equação. Dirigido pelo premiado diretor italiano Paolo Virzì, "Capital Humano" tem uma narrativa extremamente dinâmica e envolvente, onde, com o passar dos atos, juntamos todas as peças até entendermos o que de fato aconteceu naquela noite - esse conceito narrativo, muito utilizado por roteiristas mexicanos e argentinos do circuito mais independente, traz uma certa elegância para a história e, nesse caso, um tom de mistério muito bem desenvolvido na trama por personagens cheios de camadas (e que são absolutamente surpreendentes).
Ligue os pontos: Primeiro Dino Ossola (Fabrizio Bentivoglio), um pacato corretor de imóveis, quer ganhar um dinheiro que nunca viu na vida, pedindo um empréstimo no banco apenas para aplicar na empresa de Giovanni Bernaschi (Fabrizio Gifuni), um bem sucedido empresário e pai do namorado da sua filha. Depois temos Carla (Valeria Bruni Tedeschi), mulher de Giovanni, que busca encontrar um ressignificado para sua vida e assim recuperar uma paixão antiga pelas artes a partir de tudo que o marido conquistou ao seu lado. E por fim, Serena (Matilde Gioli), filha de Dino, que conhece Luca (Giovanni Anzaldo), um rapaz recém saído do reformatório após ser detido com drogas e paciente de sua madrasta, a psicóloga Roberta (Valeria Golino), por quem se apaixona mesmo tendo o namorado "ideal", Massimiliano (Guglielmo Pinelli).
Com essa espécie de mosaico de personagens e situações, Virzì vai costurando um drama com um leve tom de ironia e acaba entregando um filme muito mais profundo do que parece - bem ao estilo "Parasita" no conteúdo e "Amores Perros" na forma. Sua habilidade como diretor transforma a performance desse elenco incrível em um conjunto caricato (aqui no bom sentido) de sensações e sentimentos que retratam toda a podridão da humanidade a partir de gestos "inofensivos", mas que impactam diretamente no próximo, sem a menor preocupação com a empatia.
Só por isso o filme já valeria a pena, mas antecipo que "Capital Humano" foi uma das produções mais premiadas no circuito de festivais independentes entre 2013 e 2014, ganhando 7 prêmios no Oscar Italiano (das 18 indicações), inclusive, o de "Melhor Filme do Ano".
Pode dar play sem medo!
Em tempo, "Capital Humano" ganhou uma versão americana com a direção de Marc Meyers e tendo no elenco Marisa Tomei e Liev Schreiber.
"Casa Gucci" é um bom filme, mas poderia ser uma temporada sensacional de "American Crime Story", tranquilamente. Se você assistiu a série, vai entender o que estou afirmando: todos os elementos dramáticos da série estão no roteiro de Becky Johnston e Roberto Bentivegna, porém sem muito aprofundamento devido ao tempo limitado de tela. - embora o filme tenha mais que duas horas e meia. Justamente por isso, a trama oscila e se em muitos momentos nos envolvemos com uma dinâmica narrativa interessante e direta, em outros temos e exata sensação de muita pressa para chegar em determinado ponto da história. Veja, se na segunda temporada da série vimos o que aconteceu com Gianni Versace, sua relação familiar, profissional e até com seu assassino, aqui o conceito é exatamente o mesmo, mas com Maurizio Gucci e Patrizia Reggiani, cercados de dinheiro, fama, glamour, poder, traição e, óbvio, morte!
O filme acompanha a ambiciosa Patrizia Reggiani (Lady Gaga) e seu inesperado romance com Maurizio Gucci (Adam Driver). Eles se conhecem meio que por acaso, se apaixonam, se casam, e ela entra na dinâmica familiar, dona de uma das marcas mais luxuosas da Itália. Quando Patrizia percebe que os negócios da família não atraem Maurizio e vê que o verdadeiro poder está nas mãos de seu sogro, Rodolfo (Jeremy Irons), e do irmão dele, Aldo (Al Pacino), ela tenta ganhar a confiança de todos para que seu marido passe a ser considerado um nome forte dentro do império Gucci, já que o outro herdeiro, seu primo Paolo (Jared Leto), exala mediocridade. O problema é que Patrizia escolhe uma tática bastante arriscada para isso: colocar a família uns contra os outros - mas vida dá voltas e acaba cobrando seu preço. Confira o trailer:
Visualmente bellissimo, resultado da longa parceira entre o fotógrafo Dariusz Wolsk (Prometheus) e Ridley Scott, "Casa Gucci" convence ao estabelecer aquela atmosfera quase caótica que sempre envolveu a família Gucci - sinônimo de riqueza e opulência, característico dos anos 70 e 80, onde a Máfia impactava diretamente na herança cultural dos italianos vindos da Sicília. E de fato, alguns bons personagens do filme como Rodolfo (em mais um competente trabalho de Jeremy Irons) e Aldo (aquele Al Pacino que conhecemos) parecem ter acabado de sair de uma reunião da "Cosa Nostra".
É inegável também, que o elenco se sobressai em relação ao roteiro. Lady Gaga merece uma indicação ao Oscar pela sua Patrizia Reggiani e Jared Leto, com seu Paolo, vai chegar como fortíssimo concorrente nas premiações de 2022 - ele, irreconhecível, está impecável, além de funcionar como um essencial alívio cômico em muitos momentos. Adam Driver é outro que brilha, embora mais contido, seu personagem não exige tanto do seu talento. Outro ponto que merece sua atenção e muitos elogios, diz respeito a todo departamento de arte, do Desenho de Produção de Arthur Max (Gladiador) até o Figurino de Janty Yates (também de "Gladiador") - todos ganhadores ou indicados ao Oscar. A maquiagem, especialmente de Leto, também está um espetáculo e a trilha sonora que mistura da ópera ao pop americano, perfeita.
É até interessante como Ridley Scott impõe um certo estilo mais novelesco ao filme - existe um sotaque italiano que soa forçado e o próprio Jared Leto parece sempre estar um tom acima, exagerado. Essa escolha conceitual do diretor cria um certo clima familiar para a história e o roteiro se aproveita desse dramalhão que durou quase 30 anos para expor um recorte importante da sociedade da época que se baseava na ganância e no poder para forma de conquistar sua (falsa) felicidade.
"Casa Gucci" é um filme sobre falsidade, que chega fácil, de uma forma divertida e equilibrando muito bem uma história interessante com um bom entretenimento. Vale a pena!
"Casa Gucci" é um bom filme, mas poderia ser uma temporada sensacional de "American Crime Story", tranquilamente. Se você assistiu a série, vai entender o que estou afirmando: todos os elementos dramáticos da série estão no roteiro de Becky Johnston e Roberto Bentivegna, porém sem muito aprofundamento devido ao tempo limitado de tela. - embora o filme tenha mais que duas horas e meia. Justamente por isso, a trama oscila e se em muitos momentos nos envolvemos com uma dinâmica narrativa interessante e direta, em outros temos e exata sensação de muita pressa para chegar em determinado ponto da história. Veja, se na segunda temporada da série vimos o que aconteceu com Gianni Versace, sua relação familiar, profissional e até com seu assassino, aqui o conceito é exatamente o mesmo, mas com Maurizio Gucci e Patrizia Reggiani, cercados de dinheiro, fama, glamour, poder, traição e, óbvio, morte!
O filme acompanha a ambiciosa Patrizia Reggiani (Lady Gaga) e seu inesperado romance com Maurizio Gucci (Adam Driver). Eles se conhecem meio que por acaso, se apaixonam, se casam, e ela entra na dinâmica familiar, dona de uma das marcas mais luxuosas da Itália. Quando Patrizia percebe que os negócios da família não atraem Maurizio e vê que o verdadeiro poder está nas mãos de seu sogro, Rodolfo (Jeremy Irons), e do irmão dele, Aldo (Al Pacino), ela tenta ganhar a confiança de todos para que seu marido passe a ser considerado um nome forte dentro do império Gucci, já que o outro herdeiro, seu primo Paolo (Jared Leto), exala mediocridade. O problema é que Patrizia escolhe uma tática bastante arriscada para isso: colocar a família uns contra os outros - mas vida dá voltas e acaba cobrando seu preço. Confira o trailer:
Visualmente bellissimo, resultado da longa parceira entre o fotógrafo Dariusz Wolsk (Prometheus) e Ridley Scott, "Casa Gucci" convence ao estabelecer aquela atmosfera quase caótica que sempre envolveu a família Gucci - sinônimo de riqueza e opulência, característico dos anos 70 e 80, onde a Máfia impactava diretamente na herança cultural dos italianos vindos da Sicília. E de fato, alguns bons personagens do filme como Rodolfo (em mais um competente trabalho de Jeremy Irons) e Aldo (aquele Al Pacino que conhecemos) parecem ter acabado de sair de uma reunião da "Cosa Nostra".
É inegável também, que o elenco se sobressai em relação ao roteiro. Lady Gaga merece uma indicação ao Oscar pela sua Patrizia Reggiani e Jared Leto, com seu Paolo, vai chegar como fortíssimo concorrente nas premiações de 2022 - ele, irreconhecível, está impecável, além de funcionar como um essencial alívio cômico em muitos momentos. Adam Driver é outro que brilha, embora mais contido, seu personagem não exige tanto do seu talento. Outro ponto que merece sua atenção e muitos elogios, diz respeito a todo departamento de arte, do Desenho de Produção de Arthur Max (Gladiador) até o Figurino de Janty Yates (também de "Gladiador") - todos ganhadores ou indicados ao Oscar. A maquiagem, especialmente de Leto, também está um espetáculo e a trilha sonora que mistura da ópera ao pop americano, perfeita.
É até interessante como Ridley Scott impõe um certo estilo mais novelesco ao filme - existe um sotaque italiano que soa forçado e o próprio Jared Leto parece sempre estar um tom acima, exagerado. Essa escolha conceitual do diretor cria um certo clima familiar para a história e o roteiro se aproveita desse dramalhão que durou quase 30 anos para expor um recorte importante da sociedade da época que se baseava na ganância e no poder para forma de conquistar sua (falsa) felicidade.
"Casa Gucci" é um filme sobre falsidade, que chega fácil, de uma forma divertida e equilibrando muito bem uma história interessante com um bom entretenimento. Vale a pena!
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