"10.000 Km" é um filme sobre a vida real - e como tal, nem sempre tudo é tão espetacular! Obviamente que essa premiada produção espanhola vai se conectar com aquela audiência que se identifica com a situação, seja por uma memória afetiva, seja por uma experiência similar; mas o fato é que é preciso entender que o filme se trata de um recorte sobre como os relacionamentos vão se transformando e que a perspectiva de quem a assiste nem sempre é a mesma de quem vive - e talvez aí esteja o grande mérito dessa obra: ela nos toca como se nos reconhecêssemos na figura daqueles dois personagens.
Um ano longe e com um continente entre eles, Alex (Natalia Tena) e Sergi (David Verdaguer) precisam se adaptar a uma nova realidade e contar com a comunicação virtual para tentar manter viva a chama de seu relacionamento. Mas com os cotidianos não mais compartilhados e o contato mútuo desaparecido, a tecnologia que supostamente aproximou o mundo pode simplesmente separá-los. Confira o trailer (com legendas em inglês):
Se você gostou de "Malcolm e Marie"ou "Cenas de um Casamento", é bem possível que você vá gostar de "10.000 Km". Embora a estrutura narrativa seja um pouco menos fluída que a produção americana do diretor Sam Levinson ou que a recente série da HBO, aqui seguimos basicamente a mesma cartilha: dois ótimos atores discutindo e lidando com as dificuldades de uma relação. O diretor Carlos Marques-Marcet (que inclusive venceu o Goya de "Melhor Novo Diretor" em 2015 com esse filme) cria uma dinâmica bastante interessante e criativa para estabelecer o processo de degradação de um relacionamento quando as expectativas já não estão mais alinhadas. O roteiro do próprio Marcel em parceria com Clara Roquet, foi muito feliz em fragmentar essa desconexão entre os personagens usando o tempo de separação física como termômetro da relação e, ao mesmo tempo, expondo as fragilidades da comunicação e da tecnologia quando a "essência" já não existe mais.
Veja, após um belíssimo prólogo construído em um competente plano sequência (ou seja, sem cortes), "10.000 Km" se apoia 90% das cenas em ligações de vídeo ou troca de mensagens entre os personagens, retratando uma realidade moderna, mas fria e distante (e aqui não menciono a questão geográfica). As cenas vão de comemorações de aniversários, passando pelo sexo virtual até chegar nas brigas e desentendimentos que só crescem com o passar do tempo. Funciona, mas pode soar monótono para grande parte da audiência - principalmente durante o segundo ato.
"10.000 Km" é original, profundo e muito bem realizado em todos os aspectos técnicos e artísticos. Não se trata de uma história convencional, embora tenhamos a correta impressão de que tudo aquilo não soa tão distante de nós. O caráter experimental e independente do filme chega a ser óbvio, porém não vai afastar quem se interessa por dramas de relação, muito pelo contrário.
O filme chega chancelado por inúmeros prêmios em festivais importantes de cinema independente como o European Film Awards, o Gaudí Awards, o Seattle International Film Festival, o SXSW Film Festival e o próprio Goya.
Vale a pena! "10.000 Km" é um filme dos mais interessantes e com muita alma - mesmo que ela esteja profundamente machucada.
"10.000 Km" é um filme sobre a vida real - e como tal, nem sempre tudo é tão espetacular! Obviamente que essa premiada produção espanhola vai se conectar com aquela audiência que se identifica com a situação, seja por uma memória afetiva, seja por uma experiência similar; mas o fato é que é preciso entender que o filme se trata de um recorte sobre como os relacionamentos vão se transformando e que a perspectiva de quem a assiste nem sempre é a mesma de quem vive - e talvez aí esteja o grande mérito dessa obra: ela nos toca como se nos reconhecêssemos na figura daqueles dois personagens.
Um ano longe e com um continente entre eles, Alex (Natalia Tena) e Sergi (David Verdaguer) precisam se adaptar a uma nova realidade e contar com a comunicação virtual para tentar manter viva a chama de seu relacionamento. Mas com os cotidianos não mais compartilhados e o contato mútuo desaparecido, a tecnologia que supostamente aproximou o mundo pode simplesmente separá-los. Confira o trailer (com legendas em inglês):
Se você gostou de "Malcolm e Marie"ou "Cenas de um Casamento", é bem possível que você vá gostar de "10.000 Km". Embora a estrutura narrativa seja um pouco menos fluída que a produção americana do diretor Sam Levinson ou que a recente série da HBO, aqui seguimos basicamente a mesma cartilha: dois ótimos atores discutindo e lidando com as dificuldades de uma relação. O diretor Carlos Marques-Marcet (que inclusive venceu o Goya de "Melhor Novo Diretor" em 2015 com esse filme) cria uma dinâmica bastante interessante e criativa para estabelecer o processo de degradação de um relacionamento quando as expectativas já não estão mais alinhadas. O roteiro do próprio Marcel em parceria com Clara Roquet, foi muito feliz em fragmentar essa desconexão entre os personagens usando o tempo de separação física como termômetro da relação e, ao mesmo tempo, expondo as fragilidades da comunicação e da tecnologia quando a "essência" já não existe mais.
Veja, após um belíssimo prólogo construído em um competente plano sequência (ou seja, sem cortes), "10.000 Km" se apoia 90% das cenas em ligações de vídeo ou troca de mensagens entre os personagens, retratando uma realidade moderna, mas fria e distante (e aqui não menciono a questão geográfica). As cenas vão de comemorações de aniversários, passando pelo sexo virtual até chegar nas brigas e desentendimentos que só crescem com o passar do tempo. Funciona, mas pode soar monótono para grande parte da audiência - principalmente durante o segundo ato.
"10.000 Km" é original, profundo e muito bem realizado em todos os aspectos técnicos e artísticos. Não se trata de uma história convencional, embora tenhamos a correta impressão de que tudo aquilo não soa tão distante de nós. O caráter experimental e independente do filme chega a ser óbvio, porém não vai afastar quem se interessa por dramas de relação, muito pelo contrário.
O filme chega chancelado por inúmeros prêmios em festivais importantes de cinema independente como o European Film Awards, o Gaudí Awards, o Seattle International Film Festival, o SXSW Film Festival e o próprio Goya.
Vale a pena! "10.000 Km" é um filme dos mais interessantes e com muita alma - mesmo que ela esteja profundamente machucada.
Será preciso uma certa sensibilidade para entender a proposta narrativa de "A Assistente", filme de estreia da diretora Kitty Green - que antes havia dirigido apenas documentários e isso acaba ficando claro na maneira como ela internaliza as dores da protagonista, a excelente Julia Garner de "Ozark". Não se trata de um filme tradicional, seu conceito é completamente autoral, cadenciado, trazendo um retrato realista de um ambiente pesado, onde o mal-estar está no rosto de cada funcionário e que se apoia no silêncio para causar uma repulsa pelo simples fato de nos provocar a imaginar o que estaria acontecendo do outro lado da parede!
O filme acompanha um dia na rotina de Jane (Julia Garner), uma assistente de um alto executivo de cinema que trabalha em uma famosa produtora em Manhattan. Jane é a primeira a chegar e a última a sair, responde pelas burocracias do escritório, precisa ouvir desaforos e ainda fazer vista grossa para os abusos dos superiores (e dos puxa-sacos), enfim, aquele pacote completo de uma estagiária que sonha em ter uma oportunidade de ascensão profissional. Porém tudo o que rodeia esse emprego a incomoda e a postura de seu chefe passa a ser retratada como um fantasma onipresente que Jane tem que enfrentar a cada chamada ameaçadora de telefone, a cada e-mail passivo-agressivo que ela recebe ou até a cada compromisso que ela precisa marcar para que essa "entidade" cumpra sua agenda sem maiores problemas. Confira o trailer (em inglês):
Um dos elementos que mais me chamaram a atenção no roteiro de "A Assistente" foi a forma como tudo fica sugestionado e como os pequenos gestos ganham tanto peso no sentimento de Jane - esse trabalho de Garner mereceria uma indicação ao Oscar, tranquilamente! Diferente de "O Escândalo" ou de "A voz mais forte", não se trata de um filme onde os assédios (morais e sexuais) são visíveis, mas sim de ações estruturais que vão se acumulando e ganhando uma forma aterrorizante e transformando o dia da protagonista em um verdadeiro pesadelo moral - o fato de não se ver, não quer dizer que não exista, certo? O desenho de som ajuda a pontuar esse terror do desconhecido, bem como nos guia através do que ouvimos de passagem - isso é tão bem explorado, que a própria Jane quase não fala durante os 90 minutos de filme e sentimos exatamente o seu sofrimento!
Embora muito cuidadosa, a história ganhou sua contextualização dentro do movimento #MeToo e de todos os casos de abuso sexual envolvendo “ex-chefões” de Hollywood, como Harvey Weinstein por exemplo. Onde o ambiente desconfortável se torna praticamente um personagem, inserido em uma gelada Nova Yorke, "A Assistente" cumpre o seu papel de criar a tensão, a angústia e a reflexão, mas talvez cometa o pecado de acreditar que somente o sentimento da protagonista basta para conquistar sua platéia - vai funcionar para alguns, mas muitos outros vão se decepcionar pela falta de conflito externo!
Filme difícil, assunto importante e conceito narrativo corajoso - nós gostamos e indicamos de olhos fechados!
Será preciso uma certa sensibilidade para entender a proposta narrativa de "A Assistente", filme de estreia da diretora Kitty Green - que antes havia dirigido apenas documentários e isso acaba ficando claro na maneira como ela internaliza as dores da protagonista, a excelente Julia Garner de "Ozark". Não se trata de um filme tradicional, seu conceito é completamente autoral, cadenciado, trazendo um retrato realista de um ambiente pesado, onde o mal-estar está no rosto de cada funcionário e que se apoia no silêncio para causar uma repulsa pelo simples fato de nos provocar a imaginar o que estaria acontecendo do outro lado da parede!
O filme acompanha um dia na rotina de Jane (Julia Garner), uma assistente de um alto executivo de cinema que trabalha em uma famosa produtora em Manhattan. Jane é a primeira a chegar e a última a sair, responde pelas burocracias do escritório, precisa ouvir desaforos e ainda fazer vista grossa para os abusos dos superiores (e dos puxa-sacos), enfim, aquele pacote completo de uma estagiária que sonha em ter uma oportunidade de ascensão profissional. Porém tudo o que rodeia esse emprego a incomoda e a postura de seu chefe passa a ser retratada como um fantasma onipresente que Jane tem que enfrentar a cada chamada ameaçadora de telefone, a cada e-mail passivo-agressivo que ela recebe ou até a cada compromisso que ela precisa marcar para que essa "entidade" cumpra sua agenda sem maiores problemas. Confira o trailer (em inglês):
Um dos elementos que mais me chamaram a atenção no roteiro de "A Assistente" foi a forma como tudo fica sugestionado e como os pequenos gestos ganham tanto peso no sentimento de Jane - esse trabalho de Garner mereceria uma indicação ao Oscar, tranquilamente! Diferente de "O Escândalo" ou de "A voz mais forte", não se trata de um filme onde os assédios (morais e sexuais) são visíveis, mas sim de ações estruturais que vão se acumulando e ganhando uma forma aterrorizante e transformando o dia da protagonista em um verdadeiro pesadelo moral - o fato de não se ver, não quer dizer que não exista, certo? O desenho de som ajuda a pontuar esse terror do desconhecido, bem como nos guia através do que ouvimos de passagem - isso é tão bem explorado, que a própria Jane quase não fala durante os 90 minutos de filme e sentimos exatamente o seu sofrimento!
Embora muito cuidadosa, a história ganhou sua contextualização dentro do movimento #MeToo e de todos os casos de abuso sexual envolvendo “ex-chefões” de Hollywood, como Harvey Weinstein por exemplo. Onde o ambiente desconfortável se torna praticamente um personagem, inserido em uma gelada Nova Yorke, "A Assistente" cumpre o seu papel de criar a tensão, a angústia e a reflexão, mas talvez cometa o pecado de acreditar que somente o sentimento da protagonista basta para conquistar sua platéia - vai funcionar para alguns, mas muitos outros vão se decepcionar pela falta de conflito externo!
Filme difícil, assunto importante e conceito narrativo corajoso - nós gostamos e indicamos de olhos fechados!
O que mais me chamou a atenção em "A Bruxa", sem dúvida, foi a atmosfera densa e opressiva criada pelo talentoso Robert Eggers (de "O Farol") ao longo da narrativa - ela é tão cativante quanto envolvente. Existe uma abordagem realista e muito detalhada da vida no período e no local em que se passa a história: algo em torno do século XVII, na Nova Inglaterra. Essa atenção meticulosa aos detalhes que vai do figurino aos diálogos em inglês arcaico, contribui para uma imersão impressionante que o roteiro faz questão de potencializar ao explorar nuances do paganismo e de uma paranoia religiosa naturalmente impactante.
Em "The Witch" (no original), uma família puritana é exilada de sua comunidade religiosa e se estabelece em uma fazenda isolada, à beira de uma floresta assombrada. Logo, eles começam a experimentar eventos sobrenaturais e perturbadores, culminando no desaparecimento misterioso de seu filho recém-nascido. Conforme a tensão aumenta e o medo se instala, a família se vê lutando contra forças obscuras e o mal que parece estar presente em seu meio. Confira o trailer:
"A Bruxa" chega chancelada por ser um dos filmes mais premiados na temporada de 2015. Seu conceito mais independente e autoral deu para Eggers o prêmio de um dos diretores mais promissores do ano por ser seu primeiro longa-metragem em Sundance - além do prêmio de "Melhor Filme" pelo júri, obviamente. É inegável que o filme se destaca por seus diferenciais técnicos e artísticos. A trilha sonora de Mark Korven é de arrepiar e contribui demais nessa construção sinistra que a fotografia do Jarin Blaschke (indicado ao Oscar com "O Farol") impõe visualmente com suas paisagens sombrias e enquadramentos precisos, que intensifica a sensação de claustrofobia e isolamento vivenciada pelos personagens. Aliás, as performances do elenco também merecem elogios - o destaque fica para Anya Taylor-Joy no papel da jovem Thomasin. Ela entrega uma interpretação poderosa, para não dizer visceral..
Existe um aspecto interessante na narrativa de "A Bruxa" - ela apresenta diversos elementos que podem passar despercebidos em uma primeira análise, mas que são fundamentais para a compreensão do filme (por isso que algumas pessoas não se conectam de cara). A história aborda temas sensíveis como fanatismo religioso, superstição e até repressão sexual - tudo de forma muito sutil, explorando o conflito entre a crença cega e a realidade de uma maneira muito inteligente. Reparem como os diálogos são carregados de simbolismos e referências históricas, o que exige uma atenção cuidadosa por parte da audiência, ou seja, não estamos diante de um filme fácil.
Se você está em busca de um filme que te desafia ao mesmo tempo em que te instiga, despertando emoções intensas (algumas não muito agradáveis), "A Bruxa" certamente é a escolha ideal, só não espere uma jornada usual ou uma perspectiva rasa, já que o drama é realmente potente e o suspense muito bem explorado!
Vale muito o seu play!
O que mais me chamou a atenção em "A Bruxa", sem dúvida, foi a atmosfera densa e opressiva criada pelo talentoso Robert Eggers (de "O Farol") ao longo da narrativa - ela é tão cativante quanto envolvente. Existe uma abordagem realista e muito detalhada da vida no período e no local em que se passa a história: algo em torno do século XVII, na Nova Inglaterra. Essa atenção meticulosa aos detalhes que vai do figurino aos diálogos em inglês arcaico, contribui para uma imersão impressionante que o roteiro faz questão de potencializar ao explorar nuances do paganismo e de uma paranoia religiosa naturalmente impactante.
Em "The Witch" (no original), uma família puritana é exilada de sua comunidade religiosa e se estabelece em uma fazenda isolada, à beira de uma floresta assombrada. Logo, eles começam a experimentar eventos sobrenaturais e perturbadores, culminando no desaparecimento misterioso de seu filho recém-nascido. Conforme a tensão aumenta e o medo se instala, a família se vê lutando contra forças obscuras e o mal que parece estar presente em seu meio. Confira o trailer:
"A Bruxa" chega chancelada por ser um dos filmes mais premiados na temporada de 2015. Seu conceito mais independente e autoral deu para Eggers o prêmio de um dos diretores mais promissores do ano por ser seu primeiro longa-metragem em Sundance - além do prêmio de "Melhor Filme" pelo júri, obviamente. É inegável que o filme se destaca por seus diferenciais técnicos e artísticos. A trilha sonora de Mark Korven é de arrepiar e contribui demais nessa construção sinistra que a fotografia do Jarin Blaschke (indicado ao Oscar com "O Farol") impõe visualmente com suas paisagens sombrias e enquadramentos precisos, que intensifica a sensação de claustrofobia e isolamento vivenciada pelos personagens. Aliás, as performances do elenco também merecem elogios - o destaque fica para Anya Taylor-Joy no papel da jovem Thomasin. Ela entrega uma interpretação poderosa, para não dizer visceral..
Existe um aspecto interessante na narrativa de "A Bruxa" - ela apresenta diversos elementos que podem passar despercebidos em uma primeira análise, mas que são fundamentais para a compreensão do filme (por isso que algumas pessoas não se conectam de cara). A história aborda temas sensíveis como fanatismo religioso, superstição e até repressão sexual - tudo de forma muito sutil, explorando o conflito entre a crença cega e a realidade de uma maneira muito inteligente. Reparem como os diálogos são carregados de simbolismos e referências históricas, o que exige uma atenção cuidadosa por parte da audiência, ou seja, não estamos diante de um filme fácil.
Se você está em busca de um filme que te desafia ao mesmo tempo em que te instiga, despertando emoções intensas (algumas não muito agradáveis), "A Bruxa" certamente é a escolha ideal, só não espere uma jornada usual ou uma perspectiva rasa, já que o drama é realmente potente e o suspense muito bem explorado!
Vale muito o seu play!
"A Casa" é mais um suspense psicológico que vem da Espanha e que justifica seu sucesso. Embora tenha lido muita gente reclamando do final (algo que se repetiu no ótimo "O Poço"), posso dizer tranquilamente que o filme entrega o que promete - angústia e mal estar!
Javier Muñoz (Javier Gutierrez) é um publicitário muito conhecido em Barcelona que está desempregado há algum tempo. O temor iminente de uma queda de padrão social só aumenta a cada entrevista de emprego frustada. Marga (Ruth Díaz), sua esposa, sugere a Javier que se mudem para um apartamento mais simples até que as coisas se restabeleçam. Acontece que Javier não se conforma com a situação, sente-se humilhado, inseguro. Quando ele vê o jovem casal que agora mora no seu antigo apartamento e que parece viver uma vida perfeita, ele é tomado pela inveja e a partir daí, começa a arquitetar um plano minucioso para retomar o seu antigo status e a felicidade de viver no topo. Confira o trailer:
O filme é ótimo, mas se você espera um thriller ao melhor estilo americano , esqueça, "A Casa" não é para você! O filme tem um levada psicológica menos intensa na ação - ele funciona muito mais na empatia que sentimos pelo personagem, mesmo sabendo que suas atitudes vão se distanciando cada vez mais dos nosso valores. É quase o sentimento que tínhamos pelo inesquecível Walter White de "Breaking Bad". Isso não é uma comparação, é apenas uma citação para explicar que a "A Casa" é um filme mais cadenciado, mas que é muito competente em nos colocar dentro da trama sem o menor esforço!
Embora a trama do filme nos envolva desde seu inicio, o roteiro tem algumas inconstâncias que prejudicaram na experiência de muita gente. O primeiro e o segundo atos são excelentes - desde a apresentação do protagonista até se estabelecer a sua motivação! O medo estampado no rosto do excelente ator Javier Gutierrez naturalmente vai se transformando em ódio e, principalmente, inveja - é isso: o filme é sobre a inveja no seu nível mais estereotipado (no bom sentido) possível! O acerto das situações que transformam o personagem vai desde a escolha da sua profissão até a forma como ele lida com a necessidade de se reinventar. É claro que o roteiro abusa da suspensão da realidade, mas nem por isso nos afastamos da sua dor e isso ganha muita força quando percebemos que na verdade essa dor é muito mais pela vaidade do que pela situação que ele está vivendo - o que "justifica" sua relação com o jardineiro do seu antigo condomínio - reparem (ali temos um bom exemplo de como essa sub trama poderia ter sido melhor desenvolvida e, principalmente, melhor solucionada)! O maior deslize do roteiro está no terceiro ato, pois temos a sensação de que tudo é resolvido muito rapidamente e, mais uma vez citando Breaking Bad: falta tempo para desenvolver a transformação do protagonista em anti-herói e depois, mais tempo ainda, para colocá-lo como vitima de uma sociedade opressora, preconceituosa e de valores morais duvidosos.
Muito bem dirigido pelos irmãos David Pastor e Àlex Pastor, lindamente fotografado pelo Pau Castejón, "A Casa" é mais um exemplo de uma boa premissa para se discutir o mundo que estamos vivendo hoje, mas que infelizmente sofre com o formato - uma minissérie (ou até uma série) elevaria a qualidade do roteiro em níveis astronômicos! Em tempo, a comparação com "Parasita" é muito simplista - acreditem, não é o caso (nem de longe), mas mesmo assim é preciso dar mérito ao ótimo entretenimento que é o filme. Mais uma vez: não irá agradar a todos e compreendo as críticas sobre a falta de originalidade do assunto, mas independente de qualquer coisa, me diverti muito e indico com essas ressalvas.
"A Casa" é mais um suspense psicológico que vem da Espanha e que justifica seu sucesso. Embora tenha lido muita gente reclamando do final (algo que se repetiu no ótimo "O Poço"), posso dizer tranquilamente que o filme entrega o que promete - angústia e mal estar!
Javier Muñoz (Javier Gutierrez) é um publicitário muito conhecido em Barcelona que está desempregado há algum tempo. O temor iminente de uma queda de padrão social só aumenta a cada entrevista de emprego frustada. Marga (Ruth Díaz), sua esposa, sugere a Javier que se mudem para um apartamento mais simples até que as coisas se restabeleçam. Acontece que Javier não se conforma com a situação, sente-se humilhado, inseguro. Quando ele vê o jovem casal que agora mora no seu antigo apartamento e que parece viver uma vida perfeita, ele é tomado pela inveja e a partir daí, começa a arquitetar um plano minucioso para retomar o seu antigo status e a felicidade de viver no topo. Confira o trailer:
O filme é ótimo, mas se você espera um thriller ao melhor estilo americano , esqueça, "A Casa" não é para você! O filme tem um levada psicológica menos intensa na ação - ele funciona muito mais na empatia que sentimos pelo personagem, mesmo sabendo que suas atitudes vão se distanciando cada vez mais dos nosso valores. É quase o sentimento que tínhamos pelo inesquecível Walter White de "Breaking Bad". Isso não é uma comparação, é apenas uma citação para explicar que a "A Casa" é um filme mais cadenciado, mas que é muito competente em nos colocar dentro da trama sem o menor esforço!
Embora a trama do filme nos envolva desde seu inicio, o roteiro tem algumas inconstâncias que prejudicaram na experiência de muita gente. O primeiro e o segundo atos são excelentes - desde a apresentação do protagonista até se estabelecer a sua motivação! O medo estampado no rosto do excelente ator Javier Gutierrez naturalmente vai se transformando em ódio e, principalmente, inveja - é isso: o filme é sobre a inveja no seu nível mais estereotipado (no bom sentido) possível! O acerto das situações que transformam o personagem vai desde a escolha da sua profissão até a forma como ele lida com a necessidade de se reinventar. É claro que o roteiro abusa da suspensão da realidade, mas nem por isso nos afastamos da sua dor e isso ganha muita força quando percebemos que na verdade essa dor é muito mais pela vaidade do que pela situação que ele está vivendo - o que "justifica" sua relação com o jardineiro do seu antigo condomínio - reparem (ali temos um bom exemplo de como essa sub trama poderia ter sido melhor desenvolvida e, principalmente, melhor solucionada)! O maior deslize do roteiro está no terceiro ato, pois temos a sensação de que tudo é resolvido muito rapidamente e, mais uma vez citando Breaking Bad: falta tempo para desenvolver a transformação do protagonista em anti-herói e depois, mais tempo ainda, para colocá-lo como vitima de uma sociedade opressora, preconceituosa e de valores morais duvidosos.
Muito bem dirigido pelos irmãos David Pastor e Àlex Pastor, lindamente fotografado pelo Pau Castejón, "A Casa" é mais um exemplo de uma boa premissa para se discutir o mundo que estamos vivendo hoje, mas que infelizmente sofre com o formato - uma minissérie (ou até uma série) elevaria a qualidade do roteiro em níveis astronômicos! Em tempo, a comparação com "Parasita" é muito simplista - acreditem, não é o caso (nem de longe), mas mesmo assim é preciso dar mérito ao ótimo entretenimento que é o filme. Mais uma vez: não irá agradar a todos e compreendo as críticas sobre a falta de originalidade do assunto, mas independente de qualquer coisa, me diverti muito e indico com essas ressalvas.
"A Crônica Francesa" é genial, mas vai se conectar com uma audiência muito (mas, muito) particular e disposta a embarcar em uma experiência visual e narrativa bastante autoral e profundamente experimental - característica aliás, que fez do premiado (e muito criativo) Wes Anderson ("O Grande Hotel Budapeste" e "Moonrise Kingdom") um dos diretores mais cultuados de sua geração.
O filme serve como uma carta de amor aos jornalistas. Ambientada em um posto avançado de um jornal americano em uma pacata cidade na França do século XX, a fictícia Ennui-sur-Blasé, Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), editor da revista "The French Dispatch", morre subitamente de ataque cardíaco. De acordo com os desejos expressos em seu testamento, a publicação da revista teria que ser imediatamente suspensa após um último número de despedida onde seriam publicados quatro crônicas, além, é claro, do seu obituário. Confira o trailer:
Vamos aos fatos: sabe-se que Wes Anderson pensou em "A Crônica Francesa" como uma espécie de agradecimento para a revistaThe New Yorker, fundada em 1905 por Raoul Fleishmann e Harold Ross, este último, referência para a criação do personagem Arthur Howitzer Jr., editor doFrench Dispatch. Pois bem, como estamos falando de uma clara homenagem ao jornalismo raiz, aquele preocupado com a qualidade do texto, com a identidade de quem escreve e não necessariamente com a interpretação de quem lê, somos jogados em uma atmosfera que visualmente tenta reconstruir a experiência de ler uma revista, enquanto narrativamente expõe a maravilha que é mergulhar nas mentes mais brilhantes da profissão pelos olhos de quem escreve maravilhosas (e profundas) crônicas - que, aliás, marcaram a existência da publicação!
Pontuar a qualidade visual de um filme de Anderson não é novidade - o que me surpreende é a Academia ter esnobado o trabalho do diretor e de sua equipe em departamentos como "desenho de produção", "montagem", "figurino" e "fotografia" - só para citar quatro categorias que o filme merecia disputar. O roteiro do próprio diretor, baseado em uma história que ele criou ao lado de Roman Coppola, Hugo Guinness e Jason Schwartzman, é um primor, mas difícil de compreender, já que cada um dos jornalistas se envolvem com sua crônica de uma maneira muito pessoal, criando uma dinâmica narrativa única para cada história que vemos na tela. Os quatros artigos são divididos entre diversos assuntos, o jornalista Herbsaint Sazerac (Owen Wilson) faz um tour rápido pela cidade de Ennui-sur-Blasé. Ele compara o passado e o presente de cada lugar, demonstrando o quanto pouco mudou em Ennui ao longo do tempo. O segundo artigo é feito por J.K.L. Berensen (Tilda Swinton), a partir de uma palestra na galeria de arte de seu ex-chefe - aqui temos um Benicio Del Toro como o pintor Moses Rosenthaler, magnífico. No terceiro, Lucinda Krementz (Frances McDormand) relata um protesto estudantil nas ruas de Ennui que logo se transforma na "Revolução do Tabuleiro de Xadrez". Enquanto a revolução inicialmente é inspirada por preocupações mesquinhas sobre o acesso ao dormitório feminino, o traumático recrutamento militar de um estudante, Mitch-Mitch, inspira uma revolta infinitamente maior. E por último, Roebuck Wright (Jeffrey Wright) conta a história de sua participação em um jantar privado da força policial do Ennui, preparado pelo lendário policial/chef tenente Nescaffier (Steve Park), no dia que o filho do comissário foi sequestrado.
Se você não se delicia com uma crônica bem escrita e cheio de referências culturais e politicas (que muitas vezes se misturam, exigindo do leitor um boa capacidade de interpretação) e também com uma gramática cinematográfica completamente autoral, criativa e subversiva até, certamente "A Crônica Francesa" não vai te agradar. Antes do play, parta do principio que a experimentação de Anderson vai muito além do que estamos acostumados a ver normalmente - sempre foi assim e aqui talvez ele tenha elevado esse conceito para um outro nível. O filme traz uma conexão com o passado sem esquecer da importância da sua narrativa para o presente e é uma pena que muita gente vai achar o filme "sem pé nem cabeça" enquanto poucos vão agradecer pela incrível experiência.
"A Crônica Francesa" é genial, mas vai se conectar com uma audiência muito (mas, muito) particular e disposta a embarcar em uma experiência visual e narrativa bastante autoral e profundamente experimental - característica aliás, que fez do premiado (e muito criativo) Wes Anderson ("O Grande Hotel Budapeste" e "Moonrise Kingdom") um dos diretores mais cultuados de sua geração.
O filme serve como uma carta de amor aos jornalistas. Ambientada em um posto avançado de um jornal americano em uma pacata cidade na França do século XX, a fictícia Ennui-sur-Blasé, Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), editor da revista "The French Dispatch", morre subitamente de ataque cardíaco. De acordo com os desejos expressos em seu testamento, a publicação da revista teria que ser imediatamente suspensa após um último número de despedida onde seriam publicados quatro crônicas, além, é claro, do seu obituário. Confira o trailer:
Vamos aos fatos: sabe-se que Wes Anderson pensou em "A Crônica Francesa" como uma espécie de agradecimento para a revistaThe New Yorker, fundada em 1905 por Raoul Fleishmann e Harold Ross, este último, referência para a criação do personagem Arthur Howitzer Jr., editor doFrench Dispatch. Pois bem, como estamos falando de uma clara homenagem ao jornalismo raiz, aquele preocupado com a qualidade do texto, com a identidade de quem escreve e não necessariamente com a interpretação de quem lê, somos jogados em uma atmosfera que visualmente tenta reconstruir a experiência de ler uma revista, enquanto narrativamente expõe a maravilha que é mergulhar nas mentes mais brilhantes da profissão pelos olhos de quem escreve maravilhosas (e profundas) crônicas - que, aliás, marcaram a existência da publicação!
Pontuar a qualidade visual de um filme de Anderson não é novidade - o que me surpreende é a Academia ter esnobado o trabalho do diretor e de sua equipe em departamentos como "desenho de produção", "montagem", "figurino" e "fotografia" - só para citar quatro categorias que o filme merecia disputar. O roteiro do próprio diretor, baseado em uma história que ele criou ao lado de Roman Coppola, Hugo Guinness e Jason Schwartzman, é um primor, mas difícil de compreender, já que cada um dos jornalistas se envolvem com sua crônica de uma maneira muito pessoal, criando uma dinâmica narrativa única para cada história que vemos na tela. Os quatros artigos são divididos entre diversos assuntos, o jornalista Herbsaint Sazerac (Owen Wilson) faz um tour rápido pela cidade de Ennui-sur-Blasé. Ele compara o passado e o presente de cada lugar, demonstrando o quanto pouco mudou em Ennui ao longo do tempo. O segundo artigo é feito por J.K.L. Berensen (Tilda Swinton), a partir de uma palestra na galeria de arte de seu ex-chefe - aqui temos um Benicio Del Toro como o pintor Moses Rosenthaler, magnífico. No terceiro, Lucinda Krementz (Frances McDormand) relata um protesto estudantil nas ruas de Ennui que logo se transforma na "Revolução do Tabuleiro de Xadrez". Enquanto a revolução inicialmente é inspirada por preocupações mesquinhas sobre o acesso ao dormitório feminino, o traumático recrutamento militar de um estudante, Mitch-Mitch, inspira uma revolta infinitamente maior. E por último, Roebuck Wright (Jeffrey Wright) conta a história de sua participação em um jantar privado da força policial do Ennui, preparado pelo lendário policial/chef tenente Nescaffier (Steve Park), no dia que o filho do comissário foi sequestrado.
Se você não se delicia com uma crônica bem escrita e cheio de referências culturais e politicas (que muitas vezes se misturam, exigindo do leitor um boa capacidade de interpretação) e também com uma gramática cinematográfica completamente autoral, criativa e subversiva até, certamente "A Crônica Francesa" não vai te agradar. Antes do play, parta do principio que a experimentação de Anderson vai muito além do que estamos acostumados a ver normalmente - sempre foi assim e aqui talvez ele tenha elevado esse conceito para um outro nível. O filme traz uma conexão com o passado sem esquecer da importância da sua narrativa para o presente e é uma pena que muita gente vai achar o filme "sem pé nem cabeça" enquanto poucos vão agradecer pela incrível experiência.
"A Filha Perdida" é um grande filme, mas muito (muito mesmo) angustiante! A construção narrativa imposta pela talentosa atriz e agora diretora, Maggie Gyllenhaal, é baseada naquilo que "pode acontecer", não necessariamente no que "vai acontecer" - e isso pode até parecer contraditório já que a tensão do "presente" nada mais é do que um olhar profundo sobre algumas decisões do passado. Eu diria, inclusive, que o filme além de incrivelmente intimista, é provocador ao posicionar a protagonista em uma espécie de limbo entre seus fantasmas mais dolorosos e uma necessidade absurda de seguir em frente, mesmo carregada de culpa.
Leda (Olivia Colman) é uma professora, sozinha, que está em busca de paz e sossego em uma curta temporada de férias na Grécia. Ao se deparar com Nina (Dakota Johnson), uma linda jovem que vive um relacionamento tóxico com um criminoso local, as duas passam a dividir as dores de uma relação ambivalente com a maternidade. Essa aproximação faz com que Leda comece a ter que lidar com dolorosos flashbacks de uma época onde suas filhas eram pequenas e suas ambições não se encaixavam no padrão romântico de ter se tornado mãe tão jovem. Confira o trailer:
"A Filha Perdida" é um drama pesado, com elementos de suspense psicológico que servem "apenas" como gatilhos para um profundo processo de introspecção da protagonista - o que coloca Olivia Colman em um lugar extraordinário, dando um espaço para ela, mais uma vez, mostrar seu enorme talento de uma forma avassaladora. O caráter independente da produção ganhar ainda mais elegância com a direção de Gyllenhaal que usa e abusa das lentes mais fechadas (quase sempre em close-ups) para mergulhar nas camadas mais inacessíveis de um ser humano marcado pelo passado.
A escolha de dividir a narrativa em duas linhas temporais distintas que vão se cruzando entre memórias e coincidências da vida é brilhantemente pontuada por uma edição maravilhosa do Affonso Gonçalves (o premiado montador por trás de "True Detective" da HBO). Existe uma sensibilidade muito bacana ao indicar os perigos de ser inconstante (e ingenuamente reservada) em um ambiente que claramente não lhe pertence, ficando quase impossível assistir ao filme sem pausar algumas vezes para recuperar o fôlego. O roteiro que pode soar simples em um primeiro momento, vai se mostrando ameaçador por um lado e muito honesto por outro - embora alguns assuntos sejam discutidos sem a menor pretensão de carregar pré-julgamentos, como isso impacta na vida dos personagens, incomoda.
Além de Colman, é preciso destacar as performances de Jessie Buckley (como a Leda, na sua versão jovem), Dakota Johnson (como Nina), Ed Harris (como Lyle) e a irreconhecível Dagmara Dominczyk (como Callie) - e aqui cabe um comentário pertinente: Colman merece o reconhecimento nas premiações, mas o elenco como um todo dá um suporte sensacional para a atriz brilhar e não vou me surpreender se mais indicações acontecerem.
"A Filha Perdida" expõe um universo, muito bem protegido, que existe no íntimo feminino e justamente por isso a conexão tende a ser imediata. Muitas vezes difícil de visitar e quando feito, de digerir, algumas questões vitais sobre a maternidade e como isso impacta na vida de todos, são retratadas aqui de uma maneira muito humana. Brilhantemente adaptado no livro homônimo "The Lost Daughter" de Elena Ferrante, o filme é cirúrgico na forma e no conteúdo, além de colocar a audiência dentro de uma mente cheia de culpas e de uma vida marcada por essas escolhas, mesmo que em silêncio.
Vale muito a pena!
"A Filha Perdida" é um grande filme, mas muito (muito mesmo) angustiante! A construção narrativa imposta pela talentosa atriz e agora diretora, Maggie Gyllenhaal, é baseada naquilo que "pode acontecer", não necessariamente no que "vai acontecer" - e isso pode até parecer contraditório já que a tensão do "presente" nada mais é do que um olhar profundo sobre algumas decisões do passado. Eu diria, inclusive, que o filme além de incrivelmente intimista, é provocador ao posicionar a protagonista em uma espécie de limbo entre seus fantasmas mais dolorosos e uma necessidade absurda de seguir em frente, mesmo carregada de culpa.
Leda (Olivia Colman) é uma professora, sozinha, que está em busca de paz e sossego em uma curta temporada de férias na Grécia. Ao se deparar com Nina (Dakota Johnson), uma linda jovem que vive um relacionamento tóxico com um criminoso local, as duas passam a dividir as dores de uma relação ambivalente com a maternidade. Essa aproximação faz com que Leda comece a ter que lidar com dolorosos flashbacks de uma época onde suas filhas eram pequenas e suas ambições não se encaixavam no padrão romântico de ter se tornado mãe tão jovem. Confira o trailer:
"A Filha Perdida" é um drama pesado, com elementos de suspense psicológico que servem "apenas" como gatilhos para um profundo processo de introspecção da protagonista - o que coloca Olivia Colman em um lugar extraordinário, dando um espaço para ela, mais uma vez, mostrar seu enorme talento de uma forma avassaladora. O caráter independente da produção ganhar ainda mais elegância com a direção de Gyllenhaal que usa e abusa das lentes mais fechadas (quase sempre em close-ups) para mergulhar nas camadas mais inacessíveis de um ser humano marcado pelo passado.
A escolha de dividir a narrativa em duas linhas temporais distintas que vão se cruzando entre memórias e coincidências da vida é brilhantemente pontuada por uma edição maravilhosa do Affonso Gonçalves (o premiado montador por trás de "True Detective" da HBO). Existe uma sensibilidade muito bacana ao indicar os perigos de ser inconstante (e ingenuamente reservada) em um ambiente que claramente não lhe pertence, ficando quase impossível assistir ao filme sem pausar algumas vezes para recuperar o fôlego. O roteiro que pode soar simples em um primeiro momento, vai se mostrando ameaçador por um lado e muito honesto por outro - embora alguns assuntos sejam discutidos sem a menor pretensão de carregar pré-julgamentos, como isso impacta na vida dos personagens, incomoda.
Além de Colman, é preciso destacar as performances de Jessie Buckley (como a Leda, na sua versão jovem), Dakota Johnson (como Nina), Ed Harris (como Lyle) e a irreconhecível Dagmara Dominczyk (como Callie) - e aqui cabe um comentário pertinente: Colman merece o reconhecimento nas premiações, mas o elenco como um todo dá um suporte sensacional para a atriz brilhar e não vou me surpreender se mais indicações acontecerem.
"A Filha Perdida" expõe um universo, muito bem protegido, que existe no íntimo feminino e justamente por isso a conexão tende a ser imediata. Muitas vezes difícil de visitar e quando feito, de digerir, algumas questões vitais sobre a maternidade e como isso impacta na vida de todos, são retratadas aqui de uma maneira muito humana. Brilhantemente adaptado no livro homônimo "The Lost Daughter" de Elena Ferrante, o filme é cirúrgico na forma e no conteúdo, além de colocar a audiência dentro de uma mente cheia de culpas e de uma vida marcada por essas escolhas, mesmo que em silêncio.
Vale muito a pena!
Uma co-produção entre Bélgica e França, "La fille inconnue" (título original) foi indicado para a Palme d'Or em 2016 e conta a história de uma jovem médica chamada Jenny (Adèle Haenel), que certa noite resolve não atender ao interfone do consultório pois o horário de expediente já havia terminado. Acontece que na manhã seguinte, ela é informada pela polícia que uma garota não identificada foi encontrada morta próximo ao seu local de trabalho. Sentindo-se culpada, Jenny passa a acreditar que poderia ter salvado a vítima se tivesse atendido sua chamada e como uma forma de redenção (ou perdão), ela inicia sua busca incessante pela verdade sobre o ocorrido. Confira o trailer:
O roteiro é inteligente em discutir algumas questões morais baseado na necessidade da protagonista em diminuir o peso de uma responsabilidade que ela acredita ser sua, o fato de que a garota não teria morrido se ela tive agido diferente só fortalece dois elementos que regem suas ações em todo o filme e que nos convidam à reflexão: o poder da culpa e as escolhas que fazemos sem nem ao menos pensar nas consequências. O problema é que o mesmo roteiro que entrega um subtexto interessante, falha ao querer dar a mesma importância aos dramas paralelos, deixando com que um conceito narrativo bem elaborado se esvazie na superficialidade com que os irmãos Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne, diretores e roteiristas, tratam seus personagens: os pais do estagiário de Jenny, Bryan (Louka Minnella), que tentam reatar o casamento e o trauma de Julien (Olivier Bonnaud) com o pai abusivo, são ótimos exemplos de tramas que não levam a lugar algum!
Embora simples, o filme é muito bem realizado, bem dirigido e tem uma fotografia bem peculiar (mérito de Alain Marcoen) e alinhada com o conceito estético marcante dos irmãos Dardenne, porém essa falta de foco, quase um emaranhado de sub-tramas sem muita conexão com o que realmente importa, prejudicam um pouco nossa percepção sobre o filme. Não que seja ruim, ele não é, mas ao assumir seu caráter independente, transformando algo que poderia ter a força de um thriller investigativo ao melhor estilo "Garota Exemplar" em algo muito mais conceitual, "A Garota Desconhecida" se torna interessante para um publico bastante nichado.
O assinante que se apegar a grife dos irmãos Dardenne: Jean-Pierre, de 65 anos, e Luc, de 62, ambos com duas Palmas de Ouro por "Rosetta" em 1999 e por "A Criança" em 2005 - além de mais de 50 prêmios nos maiores festivais de cinema do mundo e cujo maior sucesso recente foi "Dois Dias, uma Noite" com Marion Cotillard indicada ao Oscar de Melhor Atriz em 2015 por sua personagem no filme, certamente vai relevar muito do que comentei nesse review, mas para você que busca um filme de investigação ou até um drama melhor estruturado, mesmo que comercial, pode ter certeza que existem melhores opções no seu serviço de streaming!
Uma co-produção entre Bélgica e França, "La fille inconnue" (título original) foi indicado para a Palme d'Or em 2016 e conta a história de uma jovem médica chamada Jenny (Adèle Haenel), que certa noite resolve não atender ao interfone do consultório pois o horário de expediente já havia terminado. Acontece que na manhã seguinte, ela é informada pela polícia que uma garota não identificada foi encontrada morta próximo ao seu local de trabalho. Sentindo-se culpada, Jenny passa a acreditar que poderia ter salvado a vítima se tivesse atendido sua chamada e como uma forma de redenção (ou perdão), ela inicia sua busca incessante pela verdade sobre o ocorrido. Confira o trailer:
O roteiro é inteligente em discutir algumas questões morais baseado na necessidade da protagonista em diminuir o peso de uma responsabilidade que ela acredita ser sua, o fato de que a garota não teria morrido se ela tive agido diferente só fortalece dois elementos que regem suas ações em todo o filme e que nos convidam à reflexão: o poder da culpa e as escolhas que fazemos sem nem ao menos pensar nas consequências. O problema é que o mesmo roteiro que entrega um subtexto interessante, falha ao querer dar a mesma importância aos dramas paralelos, deixando com que um conceito narrativo bem elaborado se esvazie na superficialidade com que os irmãos Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne, diretores e roteiristas, tratam seus personagens: os pais do estagiário de Jenny, Bryan (Louka Minnella), que tentam reatar o casamento e o trauma de Julien (Olivier Bonnaud) com o pai abusivo, são ótimos exemplos de tramas que não levam a lugar algum!
Embora simples, o filme é muito bem realizado, bem dirigido e tem uma fotografia bem peculiar (mérito de Alain Marcoen) e alinhada com o conceito estético marcante dos irmãos Dardenne, porém essa falta de foco, quase um emaranhado de sub-tramas sem muita conexão com o que realmente importa, prejudicam um pouco nossa percepção sobre o filme. Não que seja ruim, ele não é, mas ao assumir seu caráter independente, transformando algo que poderia ter a força de um thriller investigativo ao melhor estilo "Garota Exemplar" em algo muito mais conceitual, "A Garota Desconhecida" se torna interessante para um publico bastante nichado.
O assinante que se apegar a grife dos irmãos Dardenne: Jean-Pierre, de 65 anos, e Luc, de 62, ambos com duas Palmas de Ouro por "Rosetta" em 1999 e por "A Criança" em 2005 - além de mais de 50 prêmios nos maiores festivais de cinema do mundo e cujo maior sucesso recente foi "Dois Dias, uma Noite" com Marion Cotillard indicada ao Oscar de Melhor Atriz em 2015 por sua personagem no filme, certamente vai relevar muito do que comentei nesse review, mas para você que busca um filme de investigação ou até um drama melhor estruturado, mesmo que comercial, pode ter certeza que existem melhores opções no seu serviço de streaming!
Derek Cianfrance (de "Blue Vallentine") é um dos melhores diretores da sua geração! O cara manda muito bem, a câmera está sempre no lugar certo, para contar a história que tem que ser contada! Em "A Luz entre Oceanos" ele mais uma vez está impecável para contara a história de Tom Sherbourne (Michael Fassbender) e a sua esposa Isabel (Alicia Vikander), um casal feliz que vive em uma ilha na costa da Austrália, no período após a Primeira Guerra Mundial. O maior desejo de Tom e Isabel é ter um filho, mas depois de Isabel abortar algumas vezes, eles acabam perdendo a esperança. No entanto, um dia o casal resgata uma menina em um barco, provavelmente resultado de um naufrágio. Os dois decidem chamá-la de Lucy e adotá-la como filha. Após alguns anos de felicidade, Tom e Isabel, em uma visita ao continente, encontram a viúva Hannah Roennfeldt (Rachel Weisz) que perdeu o marido e a filha no mar. Fica claro para Tom que Lucy é, na verdade, filha de Hannah, e ele sente que é o seu dever devolver a criança à mãe. Mas Isabel não quer que a sua família seja destruída por uma crise de consciência do marido. A partir daí, um maravilhoso sonho se transforma em um terrível pesadelo, trazendo à tona questões difíceis sobre o casamento e a paternidade. Confira o trailer:
"A Luz entre Oceanos" é lindamente bem fotografado pelo diretor Adam Arkapaw (True Detective) e tem um trilha sonora digna de Oscar do, 10 vezes indicado, Alexandre Desplat (Adoráveis Mulheres) - ele venceu duas vezes com "O Grande Hotel Budapeste" e "A Forma da Água". Embora tenha vencido o Festival de Veneza em 2016, o filme me deu a sensação que se tivesse 15 minutos a menos tudo terminaria melhor. Na verdade não sei se é só uma opinião pessoal, certa ou errada, mas quando me entregam demais acabo ficando com preguiça de me envolver tanto. Mas e o público, será que não prefere algo mais fácil? Talvez achar o equilíbrio seja o melhor caminho, talvez o roteiro do próprio Cianfrance, baseado no livro de M.L. Stedman, tenha feito essa escolha, mas para mim ficou a nítida impressão que o filme poderia ter me levado mais longe, porque a história é muito envolvente de fato, mas são aconteceu - ele acabou não me permitindo discutir sobre o final, sobre as escolhas, sobre a história em si!
Eu gostei do filme, ele poético, profundo e visceral em muitos momentos. Para quem acompanha o diretor, o filme é imperdível! Se você gostou de "Blue Valentine" certamente vai encontrar a marca de Cianfrance nesse filme! Não é um filme muito dinâmico, mas mesmo assim vale à pena - só não espere algo que te surpreenda!
Derek Cianfrance (de "Blue Vallentine") é um dos melhores diretores da sua geração! O cara manda muito bem, a câmera está sempre no lugar certo, para contar a história que tem que ser contada! Em "A Luz entre Oceanos" ele mais uma vez está impecável para contara a história de Tom Sherbourne (Michael Fassbender) e a sua esposa Isabel (Alicia Vikander), um casal feliz que vive em uma ilha na costa da Austrália, no período após a Primeira Guerra Mundial. O maior desejo de Tom e Isabel é ter um filho, mas depois de Isabel abortar algumas vezes, eles acabam perdendo a esperança. No entanto, um dia o casal resgata uma menina em um barco, provavelmente resultado de um naufrágio. Os dois decidem chamá-la de Lucy e adotá-la como filha. Após alguns anos de felicidade, Tom e Isabel, em uma visita ao continente, encontram a viúva Hannah Roennfeldt (Rachel Weisz) que perdeu o marido e a filha no mar. Fica claro para Tom que Lucy é, na verdade, filha de Hannah, e ele sente que é o seu dever devolver a criança à mãe. Mas Isabel não quer que a sua família seja destruída por uma crise de consciência do marido. A partir daí, um maravilhoso sonho se transforma em um terrível pesadelo, trazendo à tona questões difíceis sobre o casamento e a paternidade. Confira o trailer:
"A Luz entre Oceanos" é lindamente bem fotografado pelo diretor Adam Arkapaw (True Detective) e tem um trilha sonora digna de Oscar do, 10 vezes indicado, Alexandre Desplat (Adoráveis Mulheres) - ele venceu duas vezes com "O Grande Hotel Budapeste" e "A Forma da Água". Embora tenha vencido o Festival de Veneza em 2016, o filme me deu a sensação que se tivesse 15 minutos a menos tudo terminaria melhor. Na verdade não sei se é só uma opinião pessoal, certa ou errada, mas quando me entregam demais acabo ficando com preguiça de me envolver tanto. Mas e o público, será que não prefere algo mais fácil? Talvez achar o equilíbrio seja o melhor caminho, talvez o roteiro do próprio Cianfrance, baseado no livro de M.L. Stedman, tenha feito essa escolha, mas para mim ficou a nítida impressão que o filme poderia ter me levado mais longe, porque a história é muito envolvente de fato, mas são aconteceu - ele acabou não me permitindo discutir sobre o final, sobre as escolhas, sobre a história em si!
Eu gostei do filme, ele poético, profundo e visceral em muitos momentos. Para quem acompanha o diretor, o filme é imperdível! Se você gostou de "Blue Valentine" certamente vai encontrar a marca de Cianfrance nesse filme! Não é um filme muito dinâmico, mas mesmo assim vale à pena - só não espere algo que te surpreenda!
"A Mão de Deus" é o representante da Itália no Oscar 2022 - e com todo merecimento. O filme fala sobre a "solidão", ou melhor, sobre "de repente estar sozinho" e para isso o premiado diretor Paolo Sorrentino retorna a Nápoles em busca de um retrato profundamente nostálgico que se divide em dois momentos: o primeiro é barulhento, colorido, animado - um recorte divertido de uma família napolitana que vivia a expectativa do melhor jogador de futebol do mundo (pelo menos para eles), Maradona, ser contratado pelo time da cidade. O segundo, completamente silencioso, quase monocromático, triste, mas ainda assim maduro para discutir o luto - justamente quando o sonho de ver o Napoli campeão italiano se concretizava graças ao talento do jogador argentino!
Na década de 1980, o jovem Fabietto Schisa (Filippo Scotti) mora em Nápoles junto de seu pai Saverio (Toni Servillo) e sua mãe Maria (Teresa Saponangelo). Embora não seja um rapaz introvertido, Fabietto não tem muitos amigos ou namoradas, tendo como foco se preparar para cursar filosofia na faculdade. Apaixonado pela música e principalmente pelo seu time do coração, o Napoli de Diego Maradona, o jovem sempre se dedicou a família, inclusive seguindo seu irmão Marchino (Marlon Joubert) durante alguns testes para atuar em filmes do cineasta Frederico Felinni - de onde começa a despertar nele um certo interesse pelo cinema, e não necessariamente apenas pela arte. Até que uma tragédia atinge sua família, e Fabietto se vê chegando na maioridade de uma forma cruel e solitária. Confira o trailer:
Com uma narrativa que mistura elementos de "Roma" com o conceito visual e nostálgico de "Me chame pelo seu nome", "A Mão de Deus" é praticamente um filme de personagem, tendo em Fabietto uma espécie de alter-ego de Sorrentino - mais ou menos como Almodóvar fez no seu "Dor e Glória". Embora aqui a proposta do diretor não seja provocar uma enorme reflexão e muito menos se colocar como um personagem egocêntrico e saudosista como o espanhol, "A Mão de Deus" não deixa de ser um recorte sobre a família napolitana contada por quem viveu aquela história. Filippo Scotti (uma versão carismática de Timothée Chalamet) traz um tom extremamente naturalista, sem nenhum tipo de exagero, para o personagem, criando uma abordagem quase que documental da sua própria vida - nos bons e nos maus momentos.
O interessante da história é que Sorrentino brinca com nossa imaginação em todo momento, como se aquela vida fosse contada apenas a partir das lembranças de Fabietto - o que não necessariamente funciona como um relato fiel dos acontecimentos em si. Será que a Baronesa solitária (Betty Pedrazzi), vizinha da sua família, era realmente daquela forma e reagiu daquela maneira durante o período de luto do jovem? Ou Patrizia (Luisa Ranieri), ela realmente agia daquela forma ou não passava de uma fantasia de Fabietto? E sua irmã, ela realmente vivia trancada no banheiro? Veja, os demais personagens são tão alegóricos que nos faz duvidar sobre a veracidade daquilo que assistimos - agora uma coisa é fato: as reuniões da família Schisa são deliciosas de vivenciar.
"È stata la mano di Dio" (no original) explora paisagens belíssimas da cidade costeira italiana de um modo mágico - mérito do diretor de fotografia Daria D'Antoni. Mas sem dúvida que é na atmosfera nostálgica criada por Sorrentino que o filme ganha um valor inestimável - sua capacidade de estabelecer os laços familiares pelas alegrias de algumas passagens e pela tristeza marcante de outros momentos, mexem com nossos sentimentos mais profundos e criam uma experiência quase sensorial ao pontuar determinadas tradições familiares através da memória, da linha do tempo e, por que não, de Diego Maradona.
Vale muito a pena!
"A Mão de Deus" é o representante da Itália no Oscar 2022 - e com todo merecimento. O filme fala sobre a "solidão", ou melhor, sobre "de repente estar sozinho" e para isso o premiado diretor Paolo Sorrentino retorna a Nápoles em busca de um retrato profundamente nostálgico que se divide em dois momentos: o primeiro é barulhento, colorido, animado - um recorte divertido de uma família napolitana que vivia a expectativa do melhor jogador de futebol do mundo (pelo menos para eles), Maradona, ser contratado pelo time da cidade. O segundo, completamente silencioso, quase monocromático, triste, mas ainda assim maduro para discutir o luto - justamente quando o sonho de ver o Napoli campeão italiano se concretizava graças ao talento do jogador argentino!
Na década de 1980, o jovem Fabietto Schisa (Filippo Scotti) mora em Nápoles junto de seu pai Saverio (Toni Servillo) e sua mãe Maria (Teresa Saponangelo). Embora não seja um rapaz introvertido, Fabietto não tem muitos amigos ou namoradas, tendo como foco se preparar para cursar filosofia na faculdade. Apaixonado pela música e principalmente pelo seu time do coração, o Napoli de Diego Maradona, o jovem sempre se dedicou a família, inclusive seguindo seu irmão Marchino (Marlon Joubert) durante alguns testes para atuar em filmes do cineasta Frederico Felinni - de onde começa a despertar nele um certo interesse pelo cinema, e não necessariamente apenas pela arte. Até que uma tragédia atinge sua família, e Fabietto se vê chegando na maioridade de uma forma cruel e solitária. Confira o trailer:
Com uma narrativa que mistura elementos de "Roma" com o conceito visual e nostálgico de "Me chame pelo seu nome", "A Mão de Deus" é praticamente um filme de personagem, tendo em Fabietto uma espécie de alter-ego de Sorrentino - mais ou menos como Almodóvar fez no seu "Dor e Glória". Embora aqui a proposta do diretor não seja provocar uma enorme reflexão e muito menos se colocar como um personagem egocêntrico e saudosista como o espanhol, "A Mão de Deus" não deixa de ser um recorte sobre a família napolitana contada por quem viveu aquela história. Filippo Scotti (uma versão carismática de Timothée Chalamet) traz um tom extremamente naturalista, sem nenhum tipo de exagero, para o personagem, criando uma abordagem quase que documental da sua própria vida - nos bons e nos maus momentos.
O interessante da história é que Sorrentino brinca com nossa imaginação em todo momento, como se aquela vida fosse contada apenas a partir das lembranças de Fabietto - o que não necessariamente funciona como um relato fiel dos acontecimentos em si. Será que a Baronesa solitária (Betty Pedrazzi), vizinha da sua família, era realmente daquela forma e reagiu daquela maneira durante o período de luto do jovem? Ou Patrizia (Luisa Ranieri), ela realmente agia daquela forma ou não passava de uma fantasia de Fabietto? E sua irmã, ela realmente vivia trancada no banheiro? Veja, os demais personagens são tão alegóricos que nos faz duvidar sobre a veracidade daquilo que assistimos - agora uma coisa é fato: as reuniões da família Schisa são deliciosas de vivenciar.
"È stata la mano di Dio" (no original) explora paisagens belíssimas da cidade costeira italiana de um modo mágico - mérito do diretor de fotografia Daria D'Antoni. Mas sem dúvida que é na atmosfera nostálgica criada por Sorrentino que o filme ganha um valor inestimável - sua capacidade de estabelecer os laços familiares pelas alegrias de algumas passagens e pela tristeza marcante de outros momentos, mexem com nossos sentimentos mais profundos e criam uma experiência quase sensorial ao pontuar determinadas tradições familiares através da memória, da linha do tempo e, por que não, de Diego Maradona.
Vale muito a pena!
"A Menina Silenciosa" é uma verdadeira poesia cinematográfica - é um filme que fala sobre o amor da forma mais dolorosa possível, já que sua narrativa é construída pela perspectiva do encontro de quem nunca recebeu amor com quem não sabe como lidar com a impossibilidade de amar e que desesperadamente busca uma segunda chance! Sim, eu sei que pode parecer abstrato demais, mas é assim que o filme dirigido por Colm Bairéad vai nos entregando uma jornada desconcertante e ao mesmo tempo absolutamente encantadora que conecta assuntos difíceis e desagradáveis, como o luto e a negligência parental, com a inocência de uma personagem sensível e apaixonante! Embora cadenciada demais, é preciso que se diga, essa história vai te emocionar e te provocar inúmeras sensações - e nem todas confortáveis.
Indicado ao Oscar de Melhor Filme Internacional em 2023, "An Cailín Ciúin" (no original) acompanha Cáit (Catherine Clinch), uma menina de nove anos que tem uma família enorme, pobre e completamente disfuncional. Com a aproximação de mais um parto de sua mãe, ela é enviada para a casa de parentes distantes apenas com a roupa do corpo. Ao receber os cuidados deste casal de meia idade, Cáit descobre uma nova forma de viver, mas nesta casa onde o carinho cresce e onde não há segredos, ela faz uma dolorosa descoberta que passa a moldar sua percepção de mundo. Confira o trailer:
"Uma Jornada de Descobertas e Autoconhecimento" - talvez seja essa a melhor maneira de definir essa produção irlandesa que acumulou inúmeros prêmios importantes na temporada 22/23 em festivais ao redor do planeta. Vencedor do
dicotomia sem cair no melodrama barato ou em maniqueísmos simplórios - etrilha sonora original composta por Stephen Rennicks - uma obra-prima que vai ajudar a esmagar seu coração, especialmente na última sequência do filme.
Com atuações de tirar o fôlego, especialmente a performance hipnotizante de Catherine Clinch, posso te garantir que "A Menina Silenciosa" toca a alma, e mesmo explorando temas sensíveis como perda, identidade, família e a busca por um lugar no mundo, o filme é basicamente um convite a reflexão sobre nossas próprias experiências e sobre uma complexa teia de relações que nos define como seres humanos perante o mundo. Olha, prepare-se para se emocionar, se encantar e se conectar com a história de Cáit de uma maneira que você jamais esquecerá.
Vale seu play!
"A Menina Silenciosa" é uma verdadeira poesia cinematográfica - é um filme que fala sobre o amor da forma mais dolorosa possível, já que sua narrativa é construída pela perspectiva do encontro de quem nunca recebeu amor com quem não sabe como lidar com a impossibilidade de amar e que desesperadamente busca uma segunda chance! Sim, eu sei que pode parecer abstrato demais, mas é assim que o filme dirigido por Colm Bairéad vai nos entregando uma jornada desconcertante e ao mesmo tempo absolutamente encantadora que conecta assuntos difíceis e desagradáveis, como o luto e a negligência parental, com a inocência de uma personagem sensível e apaixonante! Embora cadenciada demais, é preciso que se diga, essa história vai te emocionar e te provocar inúmeras sensações - e nem todas confortáveis.
Indicado ao Oscar de Melhor Filme Internacional em 2023, "An Cailín Ciúin" (no original) acompanha Cáit (Catherine Clinch), uma menina de nove anos que tem uma família enorme, pobre e completamente disfuncional. Com a aproximação de mais um parto de sua mãe, ela é enviada para a casa de parentes distantes apenas com a roupa do corpo. Ao receber os cuidados deste casal de meia idade, Cáit descobre uma nova forma de viver, mas nesta casa onde o carinho cresce e onde não há segredos, ela faz uma dolorosa descoberta que passa a moldar sua percepção de mundo. Confira o trailer:
"Uma Jornada de Descobertas e Autoconhecimento" - talvez seja essa a melhor maneira de definir essa produção irlandesa que acumulou inúmeros prêmios importantes na temporada 22/23 em festivais ao redor do planeta. Vencedor do
dicotomia sem cair no melodrama barato ou em maniqueísmos simplórios - etrilha sonora original composta por Stephen Rennicks - uma obra-prima que vai ajudar a esmagar seu coração, especialmente na última sequência do filme.
Com atuações de tirar o fôlego, especialmente a performance hipnotizante de Catherine Clinch, posso te garantir que "A Menina Silenciosa" toca a alma, e mesmo explorando temas sensíveis como perda, identidade, família e a busca por um lugar no mundo, o filme é basicamente um convite a reflexão sobre nossas próprias experiências e sobre uma complexa teia de relações que nos define como seres humanos perante o mundo. Olha, prepare-se para se emocionar, se encantar e se conectar com a história de Cáit de uma maneira que você jamais esquecerá.
Vale seu play!
"A pé ele não vai longe" é, na verdade, um recorte biográfico do cartunista americano John Callahan - o que transforma a obra em um "filme de personagem" que usa e abusa da capacidade de Joaquin Phoenix para contar uma história cheia de camadas, conduzida por um diretor talentoso como Gus Van Sant (de "Gênio Indomável"), mas com uma narrativa truncada, fragmentada e difícil de se conectar (principalmente para nós brasileiros que não conhecemos o personagem). Por outro lado, o roteiro é muito feliz em mostrar a transformação de uma figura perdida na vida em uma referência artística para uma geração, que usou do humor e da ironia para discutir temas sensíveis como o racismo, a sexualidade e a deficiência física. Na linha do "ame ou odeie", esse é mais um daqueles filmes onde o personagem se confunde com a própria história!
Na trajetória difícil para a sobriedade, após um acidente que mudou sua vida, John Callahan (Joaquin Phoenix) descobre o poder curativo da arte, permitindo que suas mãos lesionadas criem desenhos arrojados, hilários e muitas vezes polêmicos, proporcionando para ele fama e uma nova perspectiva de futuro. Confira o trailer:
Inicialmente a montagem do próprio Gus Van Sant pode causar um certo estranhamento, já que a quebra de linearidade temporal é dinâmica e se repete de maneira extremamente orgânica a todo momento. Esse conceito narrativo, inclusive, ajuda a criar um universo bastante particular já que os personagens parecem estereotipados, sempre um tom acima - John Callahan, por exemplo, parece uma caricatura de si mesmo com seu cabelo laranja e um figurino setentista cheio de cores e estampas; ou até Donnie Green (Jonah Hill), uma espécie de padrinho e tutor emocional de Callahan, com sua caracterização quase divina, um tom de voz manso, mesmo quando faz discursos mais críticos, equilibrando uma certa passividade com uma agressividade cheia de contradições. O fato é que funciona como alegoria, mas nos dá uma sensação de distanciamento da realidade.
Um detalhe que me soou bastante interessante diz respeito ao posicionamento do roteiro em assumir uma postura neutra quanto a defender ou acusar Callahan de seus excessos - e aqui não falo apenas do álcool. A personalidade complexa do protagonista nos provoca toda hora, já que em muitos momentos o enxergamos como um gênio, em outros como um frustrado e pessimista; em várias passagens ele é grosseiro, mas pontualmente é também encantador - a verdade é que o julgamento (e não serão poucos) está nas nossas mãos como audiência. Reparem na cena em que Callahan conversa com uma especialista sobre sexo para pessoas paraplégicas e depois em como ele se relaciona com Annu (Rooney Mara).
Apesar das cenas tristes, naturalmente previstas devido ao drama da paralisia, o tom de "A pé ele não vai longe" é relativamente leve. Temos algumas cenas bem divertidas de superação, como a luta de Callahan para cumprir seu tratamento de "12 passos para a sobriedade", e outras extremamente emotivas como o discurso de Donnie Green ou a conversa, anos depois, entre o protagonista e o homem que causou seu acidente. Eu diria, com a maior tranquilidade, que mesmo tentando escapar do "piegas", Van Sant não deixa de entregar um belo filme sobre o verdadeiro valor da vida, mas com aquele toque bastante autoral.
Vale seu play!
"A pé ele não vai longe" é, na verdade, um recorte biográfico do cartunista americano John Callahan - o que transforma a obra em um "filme de personagem" que usa e abusa da capacidade de Joaquin Phoenix para contar uma história cheia de camadas, conduzida por um diretor talentoso como Gus Van Sant (de "Gênio Indomável"), mas com uma narrativa truncada, fragmentada e difícil de se conectar (principalmente para nós brasileiros que não conhecemos o personagem). Por outro lado, o roteiro é muito feliz em mostrar a transformação de uma figura perdida na vida em uma referência artística para uma geração, que usou do humor e da ironia para discutir temas sensíveis como o racismo, a sexualidade e a deficiência física. Na linha do "ame ou odeie", esse é mais um daqueles filmes onde o personagem se confunde com a própria história!
Na trajetória difícil para a sobriedade, após um acidente que mudou sua vida, John Callahan (Joaquin Phoenix) descobre o poder curativo da arte, permitindo que suas mãos lesionadas criem desenhos arrojados, hilários e muitas vezes polêmicos, proporcionando para ele fama e uma nova perspectiva de futuro. Confira o trailer:
Inicialmente a montagem do próprio Gus Van Sant pode causar um certo estranhamento, já que a quebra de linearidade temporal é dinâmica e se repete de maneira extremamente orgânica a todo momento. Esse conceito narrativo, inclusive, ajuda a criar um universo bastante particular já que os personagens parecem estereotipados, sempre um tom acima - John Callahan, por exemplo, parece uma caricatura de si mesmo com seu cabelo laranja e um figurino setentista cheio de cores e estampas; ou até Donnie Green (Jonah Hill), uma espécie de padrinho e tutor emocional de Callahan, com sua caracterização quase divina, um tom de voz manso, mesmo quando faz discursos mais críticos, equilibrando uma certa passividade com uma agressividade cheia de contradições. O fato é que funciona como alegoria, mas nos dá uma sensação de distanciamento da realidade.
Um detalhe que me soou bastante interessante diz respeito ao posicionamento do roteiro em assumir uma postura neutra quanto a defender ou acusar Callahan de seus excessos - e aqui não falo apenas do álcool. A personalidade complexa do protagonista nos provoca toda hora, já que em muitos momentos o enxergamos como um gênio, em outros como um frustrado e pessimista; em várias passagens ele é grosseiro, mas pontualmente é também encantador - a verdade é que o julgamento (e não serão poucos) está nas nossas mãos como audiência. Reparem na cena em que Callahan conversa com uma especialista sobre sexo para pessoas paraplégicas e depois em como ele se relaciona com Annu (Rooney Mara).
Apesar das cenas tristes, naturalmente previstas devido ao drama da paralisia, o tom de "A pé ele não vai longe" é relativamente leve. Temos algumas cenas bem divertidas de superação, como a luta de Callahan para cumprir seu tratamento de "12 passos para a sobriedade", e outras extremamente emotivas como o discurso de Donnie Green ou a conversa, anos depois, entre o protagonista e o homem que causou seu acidente. Eu diria, com a maior tranquilidade, que mesmo tentando escapar do "piegas", Van Sant não deixa de entregar um belo filme sobre o verdadeiro valor da vida, mas com aquele toque bastante autoral.
Vale seu play!
"À Sombra de Duas Mulheres" é um filme francês de 2015 com uma carreira bastante interessante em festivais independentes pelo mundo. Mas mais importante que isso, certamente é a forma magistral como o diretor Philippe Garrel foi capaz de construir um relação completamente destruída pelo dia a dia e como a confiança passa a ser o maior problema de um casal, visivelmente frágil. Reparem que Garrel vai nos direcionando por um caminho, de repente ele quebra nossa expectativa e aí ele sugere uma solução que parece menos provável até que ele encontra seu ponto final - ele, de fato, brinca com nossa percepção ao nos colocar no papel dos protagonistas!
Pierre (Stanislas Merhar) e Manon (Clotilde Courau) formam um casal de documentaristas que sobrevivem fazendo trabalhos temporários para poder dar suporte aos filmes que desejam realizar. Cansado do cotidiano e de suas dificuldades e mesmo, aparentemente, apaixonado por Manon, Pierre acaba se aproximando de Elizabeth (Lena Paugam) uma estágiaria de cinema formada em história e, a partir daí, passa a manter um relacionamento constante com as duas mulheres. Acontece que a atração sexual do primeiro contato vai se transformando e o que parecia um caso passageiro, passa a complicar a relação de todos os envolvidos e mesmo sem ao menos se conhecerem, muitas verdades começam vir à tona. Confira o trailer:
Para quem assistiu o recente "Malcolm e Marie", "À Sombra de Duas Mulheres" vai cair como uma luva! O filme francês é notavelmente mais profundo ao discutir as camadas de uma relação fragilizada pela convivência. Se pela sinopse e pelo trailer temos a impressão que o assunto abordado é a traição, eu já te aviso: traição é só o "fim", porque o "meio" mesmo, são as pequenas situações que nos levam, justamente, praticar a traição - e o bacana é que o roteiro nos mostra ambos os lados e é assim que julgamos muitas atitudes, seja se baseando no gênero, seja quando percebemos que na verdade, cada um dos personagens sempre foi incapaz de enxergar o que o outro precisava ou estava sentindo.
Diferente da produção da Netflix, Philippe Garrel usa e abusa do silêncio propositalmente - e isso é cruel para quem assiste, pois nos dá o tempo suficiente para visitarmos nossas lembranças, recapitular algumas de nossas atitudes durante a vida e ainda espelhar nossas fraquezas nos personagens. Se no inicio temos uma visão machista de um relacionamento falido, logo entendemos o lado da mulher e suas necessidades, mesmo sem levantar nenhuma bandeira, todos podem errar - quando se trata de discutir a igualdade com isenção, na alegria e na tristeza, as consequências são para todos!
"À Sombra de Duas Mulheres" é um filme muito cadenciado, focado no que é dito e no que é sentido, sem nenhuma dinâmica cênica que nos impacte visualmente, porém é tão profundo na sua proposta, que rapidamente somos fisgados e nem vemos o tempo passar - que diga-se de passagem é o ideal para uma narrativa com esse conceito: não cansa, é objetivo e nos faz refletir intensamente sobre "escolhas"! Não é um filme fácil, mas para quem for capaz de perceber a sensibilidade nos pequenos atos e entender onde esses mesmos atos podem nos levar, certamente a experiência vai valer a pena!
Vale seu play!
"À Sombra de Duas Mulheres" é um filme francês de 2015 com uma carreira bastante interessante em festivais independentes pelo mundo. Mas mais importante que isso, certamente é a forma magistral como o diretor Philippe Garrel foi capaz de construir um relação completamente destruída pelo dia a dia e como a confiança passa a ser o maior problema de um casal, visivelmente frágil. Reparem que Garrel vai nos direcionando por um caminho, de repente ele quebra nossa expectativa e aí ele sugere uma solução que parece menos provável até que ele encontra seu ponto final - ele, de fato, brinca com nossa percepção ao nos colocar no papel dos protagonistas!
Pierre (Stanislas Merhar) e Manon (Clotilde Courau) formam um casal de documentaristas que sobrevivem fazendo trabalhos temporários para poder dar suporte aos filmes que desejam realizar. Cansado do cotidiano e de suas dificuldades e mesmo, aparentemente, apaixonado por Manon, Pierre acaba se aproximando de Elizabeth (Lena Paugam) uma estágiaria de cinema formada em história e, a partir daí, passa a manter um relacionamento constante com as duas mulheres. Acontece que a atração sexual do primeiro contato vai se transformando e o que parecia um caso passageiro, passa a complicar a relação de todos os envolvidos e mesmo sem ao menos se conhecerem, muitas verdades começam vir à tona. Confira o trailer:
Para quem assistiu o recente "Malcolm e Marie", "À Sombra de Duas Mulheres" vai cair como uma luva! O filme francês é notavelmente mais profundo ao discutir as camadas de uma relação fragilizada pela convivência. Se pela sinopse e pelo trailer temos a impressão que o assunto abordado é a traição, eu já te aviso: traição é só o "fim", porque o "meio" mesmo, são as pequenas situações que nos levam, justamente, praticar a traição - e o bacana é que o roteiro nos mostra ambos os lados e é assim que julgamos muitas atitudes, seja se baseando no gênero, seja quando percebemos que na verdade, cada um dos personagens sempre foi incapaz de enxergar o que o outro precisava ou estava sentindo.
Diferente da produção da Netflix, Philippe Garrel usa e abusa do silêncio propositalmente - e isso é cruel para quem assiste, pois nos dá o tempo suficiente para visitarmos nossas lembranças, recapitular algumas de nossas atitudes durante a vida e ainda espelhar nossas fraquezas nos personagens. Se no inicio temos uma visão machista de um relacionamento falido, logo entendemos o lado da mulher e suas necessidades, mesmo sem levantar nenhuma bandeira, todos podem errar - quando se trata de discutir a igualdade com isenção, na alegria e na tristeza, as consequências são para todos!
"À Sombra de Duas Mulheres" é um filme muito cadenciado, focado no que é dito e no que é sentido, sem nenhuma dinâmica cênica que nos impacte visualmente, porém é tão profundo na sua proposta, que rapidamente somos fisgados e nem vemos o tempo passar - que diga-se de passagem é o ideal para uma narrativa com esse conceito: não cansa, é objetivo e nos faz refletir intensamente sobre "escolhas"! Não é um filme fácil, mas para quem for capaz de perceber a sensibilidade nos pequenos atos e entender onde esses mesmos atos podem nos levar, certamente a experiência vai valer a pena!
Vale seu play!
"A Vastidão da Noite" ("The Vast of Night", título original) é uma ficção científica com toques de filme independente, de baixo orçamento e que se baseia em um conceito narrativo que não vai agradar a todos, mas que resolve, com muita criatividade e talento, as limitações da produção. É claro que quando falamos de um "filme de ETs", nossa maior expectativa gira em torno da maneira como a criatura será apresentada ou nos sustos que ela pode nos causar (basta lembrar de "Sinais"), mas "A Vastidão da Noite" não segue esse caminho e isso, quase sempre, causa uma certa decepção - não foi o meu caso, eu gostei muito do filme. Muito mesmo!
O filme se passa em poucas horas, durante uma noite aparentemente normal, em uma cidade bem do interior no Novo México. Estamos no final dos anos 50, uma época onde a ficção científica domina a TV e o Cinema seguindo as novidades da recém-criada corrida espacial e da rivalidade entre americanos e russos. Dois adolescentes, a telefonista Fay (Sierra McCormick) e o apresentador de um programa da rádio local, Everett (Jake Horowitz), percebem uma misteriosa interferência no rádio. Os sons, quase indecifráveis, desencadeiam para uma série de situações bastante curiosas que os levam a crer que algo fantástico está acontecendo na cidade enquanto todo o resto da população está no ginásio de uma escola assistindo um jogo de basquete colegial. Confira o trailer (em inglês):
"A Vastidão da Noite" é o primeiro projeto para o cinema do diretor e roteirista Andrew Patterson. Patterson rodou todo o filme em apenas 17 dias, com seu próprio investimento, o que só valoriza ainda mais o resultado que vemos na tela - a sensação é de estarmos ouvindo histórias sobre alienígenas de várias pessoas que garantem ser testemunhas dessas incríveis experiências. Muitos podem dizer que essa estrutura transforma o filme em verborrágico demais ou que falta ação e suspense dá sono - e de fato essas escolhas do diretor estão muito presentes na narrativa, mas de modo algum isso atrapalha a experiência de quem gosta do assunto e do gênero raiz.
Olha, vale muito a pena, mas, por favor, não esperem algo hollywoodiano, ok?
Um dos pontos altos do filme, sem dúvida, é o seu roteiro. Ele pode parecer muito denso, já que os diálogos dominam as cenas e isso deve causar um certo estranhamento inicial. Como os planos são muito longos, a câmera quase não se mexe enquanto um personagem conta (ou está ouvindo) uma história, enquanto nas cenas onde eles precisam ir para outros pontos da cidade, vemos vários planos-sequência muito bem realizados - a sensação é que estamos acompanhando aquela jornada em tempo real. O fato de Patterson imprimir uma linguagem extremamente autoral só beneficia a forma como ele resolveu alguns planos bastante complexos - sua edição (sim, foi ele quem editou o filme) colabora com essa frequente sensação de urgência dos protagonistas em contraponto aos momentos introspectivos e de reflexão durante os depoimentos dos coadjuvantes. Outro recurso interessante é a forma como Patterson nos faz acreditar em uma situação especifica e rapidamente nos sugere que essa mesma situação pode não passar de uma mera ficção ou de uma fantasia de um programa de TV - em muitos momentos ele deixa a tela completamente preta, ouvimos apenas a voz ou efeitos sonoros e isso basta para nos provocar e criar uma atmosfera de mistério absurdo, em outros ele transfere a imagem do filme para dentro de um aparelho de TV e assim vai transitando entre os dois mundos. O fato é que durante essas pausas dramáticas, existe uma sensação de que alguma coisa muito séria está prestes a acontecer e isso nos acompanha durante todo o filme, reparem!
As referências de "A Guerra dos Mundos" vai de Orson Welles em 1938 à Steven Spielberg de 20015. Algumas cenas nos remetem ao clássico "Contatos Imediatos do Terceiro Grau" - tudo isso serve como uma homenagem bastante respeitosa ao gênero! "A Vastidão da Noite" é muito bem dirigida em todos os sentidos, trás muito de Paul Thomas Anderson, mas também referencia a inventividade de M. Night Shyamalan ou dinâmica de J.J. Abrams. A fotografia do chileno M.I. Littin-Menz e a trilha sonora de Erick Alexander e Jared Bulmer só colaboram (e nunca se sobressaem) nessa construção tão particular de Patterson - é como se tudo fizesse sentido por ser do tamanho que é e com as peças que ele tem (como vemos muito em curtas-metragens).
"A Vastidão da Noite" é uma ficção cientifica nostálgica e imperdível para quem cresceu assistindo os filmes de Spielberg e acreditando que existem muitas histórias fantásticas para se contar sem necessariamente de encher o filme com tecnologia, Computação Gráfica e o escambau, onde o fator humano e o ato de dividir uma experiência (seja ela verdadeira ou não) já é o suficiente para nos fazer viajar com a imaginação - e digo mais: o final do filme comprova justamente isso!
Vale muito seu play!
"A Vastidão da Noite" ("The Vast of Night", título original) é uma ficção científica com toques de filme independente, de baixo orçamento e que se baseia em um conceito narrativo que não vai agradar a todos, mas que resolve, com muita criatividade e talento, as limitações da produção. É claro que quando falamos de um "filme de ETs", nossa maior expectativa gira em torno da maneira como a criatura será apresentada ou nos sustos que ela pode nos causar (basta lembrar de "Sinais"), mas "A Vastidão da Noite" não segue esse caminho e isso, quase sempre, causa uma certa decepção - não foi o meu caso, eu gostei muito do filme. Muito mesmo!
O filme se passa em poucas horas, durante uma noite aparentemente normal, em uma cidade bem do interior no Novo México. Estamos no final dos anos 50, uma época onde a ficção científica domina a TV e o Cinema seguindo as novidades da recém-criada corrida espacial e da rivalidade entre americanos e russos. Dois adolescentes, a telefonista Fay (Sierra McCormick) e o apresentador de um programa da rádio local, Everett (Jake Horowitz), percebem uma misteriosa interferência no rádio. Os sons, quase indecifráveis, desencadeiam para uma série de situações bastante curiosas que os levam a crer que algo fantástico está acontecendo na cidade enquanto todo o resto da população está no ginásio de uma escola assistindo um jogo de basquete colegial. Confira o trailer (em inglês):
"A Vastidão da Noite" é o primeiro projeto para o cinema do diretor e roteirista Andrew Patterson. Patterson rodou todo o filme em apenas 17 dias, com seu próprio investimento, o que só valoriza ainda mais o resultado que vemos na tela - a sensação é de estarmos ouvindo histórias sobre alienígenas de várias pessoas que garantem ser testemunhas dessas incríveis experiências. Muitos podem dizer que essa estrutura transforma o filme em verborrágico demais ou que falta ação e suspense dá sono - e de fato essas escolhas do diretor estão muito presentes na narrativa, mas de modo algum isso atrapalha a experiência de quem gosta do assunto e do gênero raiz.
Olha, vale muito a pena, mas, por favor, não esperem algo hollywoodiano, ok?
Um dos pontos altos do filme, sem dúvida, é o seu roteiro. Ele pode parecer muito denso, já que os diálogos dominam as cenas e isso deve causar um certo estranhamento inicial. Como os planos são muito longos, a câmera quase não se mexe enquanto um personagem conta (ou está ouvindo) uma história, enquanto nas cenas onde eles precisam ir para outros pontos da cidade, vemos vários planos-sequência muito bem realizados - a sensação é que estamos acompanhando aquela jornada em tempo real. O fato de Patterson imprimir uma linguagem extremamente autoral só beneficia a forma como ele resolveu alguns planos bastante complexos - sua edição (sim, foi ele quem editou o filme) colabora com essa frequente sensação de urgência dos protagonistas em contraponto aos momentos introspectivos e de reflexão durante os depoimentos dos coadjuvantes. Outro recurso interessante é a forma como Patterson nos faz acreditar em uma situação especifica e rapidamente nos sugere que essa mesma situação pode não passar de uma mera ficção ou de uma fantasia de um programa de TV - em muitos momentos ele deixa a tela completamente preta, ouvimos apenas a voz ou efeitos sonoros e isso basta para nos provocar e criar uma atmosfera de mistério absurdo, em outros ele transfere a imagem do filme para dentro de um aparelho de TV e assim vai transitando entre os dois mundos. O fato é que durante essas pausas dramáticas, existe uma sensação de que alguma coisa muito séria está prestes a acontecer e isso nos acompanha durante todo o filme, reparem!
As referências de "A Guerra dos Mundos" vai de Orson Welles em 1938 à Steven Spielberg de 20015. Algumas cenas nos remetem ao clássico "Contatos Imediatos do Terceiro Grau" - tudo isso serve como uma homenagem bastante respeitosa ao gênero! "A Vastidão da Noite" é muito bem dirigida em todos os sentidos, trás muito de Paul Thomas Anderson, mas também referencia a inventividade de M. Night Shyamalan ou dinâmica de J.J. Abrams. A fotografia do chileno M.I. Littin-Menz e a trilha sonora de Erick Alexander e Jared Bulmer só colaboram (e nunca se sobressaem) nessa construção tão particular de Patterson - é como se tudo fizesse sentido por ser do tamanho que é e com as peças que ele tem (como vemos muito em curtas-metragens).
"A Vastidão da Noite" é uma ficção cientifica nostálgica e imperdível para quem cresceu assistindo os filmes de Spielberg e acreditando que existem muitas histórias fantásticas para se contar sem necessariamente de encher o filme com tecnologia, Computação Gráfica e o escambau, onde o fator humano e o ato de dividir uma experiência (seja ela verdadeira ou não) já é o suficiente para nos fazer viajar com a imaginação - e digo mais: o final do filme comprova justamente isso!
Vale muito seu play!
"Acima das Nuvens" fala sobre o dolorido processo de envelhecer pelos olhos de uma atriz completamente dependente de um personagem que não representa há muitos anos e que, por uma rasteira do destino, terá que encarar de frente, interpretado por uma jovem e talentosa atriz marcada por atitudes, digamos, pouco convencionais - e aí é que está a genialidade do filme e de sua narrativa metalinguística: Juliette Binoche é essa atriz que precisa encarar o que ela mesmo foi, porém em uma peça de teatro.
Há 20 anos, Maria Enders (Binoche) ficou famosa por uma atuação memorável nos palcos pelas mãos do renomado dramaturgo e cineasta Wilhelm Melchior. Anos depois, ela tem que enfrentar o fato de que terá que dividir cena com uma jovem estrela de Hollywood que irá interpretar o mesmo papel em uma remontagem do espetáculo que a consagrou. Sua nova personagem, porém, é a antítese da jovialidade e irresponsabilidade que Maria representou um dia, agora ela fará o papel de uma empresária de meia-idade, insegura e apaixonada pela assistente 20 anos mais jovem. Para se preparar para o espetáculo, Enders parte com sua bela, jovem e dedicada assistente Vallentine (Kristen Stewart) para a região montanhosa suíça de Engadin, onde é obrigada a enfrentar o presente, o revisitar seu passado e , principalmente, encarar seus desejos mais ocultos e solitários. Confira o trailer:
Reparem no contexto: Maria Enders está tentando recomeçar sua vida depois de um divórcio pouco amigável, carrega o fato de ter sido ignorada por um amor platônico da juventude e com quem dividiu cena em vários trabalhos do seu mentor Wilhelm Melchior que, inclusive, acaba de abandona-la depois de se suicidar, justamente no momento em que ela iria fazer uma homenagem por sua história e obra. Sim, são três situações razoavelmente independentes, mas que carregam as marcas que Maria insiste em esconder e isso se torna um presente inimaginável na construção de uma personagem tão cheia de camadas que ela resolve interpretar - e que para Binoche a regra é serve da mesma forma!
A passagem do tempo, simbolizada pelas nuvens sinuosas de Sils Maria, nos Alpes suíços, é o primeiro de muitos símbolos que o talentoso diretor Olivier Assayas propõe para "Acima das Nuvens". O filme é uma espécie de jornada de auto-conhecimento ou até um drama de redenção fantasiado de conflito geracional, cheio de comentários e críticas sobre arte, cinema, relacionamentos, irresponsabilidades e sobre cultura de celebridades. Ao acompanharmos a relação de Maria Enders e Vallentine percebemos a dualidade entre os textos da peça sendo ensaiada com divagações pessoais que impactam no relacionamento das duas, com muita sensibilidade e provocando muitas desconfianças em quem assiste - será que a vida está imitando a arte?
"Acima das Nuvens" não é um filme fácil, seu simbolismo é frequente e mergulhar nele é quase condicional para se apaixonar pelo filme - embora o diretor equilibre muito bem o jogo do "duplo sentido", ele não faz questão nenhuma de entregar suas convicções. Assayas não se esquece do universo em que esta inserido e muito menos do passado de Binoche ou de Kristen Stewart para citar os "valores" do cinema moderno americano frente ao clássico e artísticos cinema europeu ou até sobre o abismo temporal que se abre e vai sugando as oportunidades de uma atriz experiente em detrimento ao novo estilo de vida marginal de outras atrizes que são notícia - é cruel, mas real!
Veja, "Acima das Nuvens" concorreu em Cannes em 2014 e levou mais de 20 prêmios em sua carreira nos festivais - seu conceito narrativo é muito autoral e extremamente independente, ou seja, vai agradar quem gosta do estilo e quem está disposto a olhar para os detalhes muito além do que vemos nas telas!
É lindo, mas não será para todos!
"Acima das Nuvens" fala sobre o dolorido processo de envelhecer pelos olhos de uma atriz completamente dependente de um personagem que não representa há muitos anos e que, por uma rasteira do destino, terá que encarar de frente, interpretado por uma jovem e talentosa atriz marcada por atitudes, digamos, pouco convencionais - e aí é que está a genialidade do filme e de sua narrativa metalinguística: Juliette Binoche é essa atriz que precisa encarar o que ela mesmo foi, porém em uma peça de teatro.
Há 20 anos, Maria Enders (Binoche) ficou famosa por uma atuação memorável nos palcos pelas mãos do renomado dramaturgo e cineasta Wilhelm Melchior. Anos depois, ela tem que enfrentar o fato de que terá que dividir cena com uma jovem estrela de Hollywood que irá interpretar o mesmo papel em uma remontagem do espetáculo que a consagrou. Sua nova personagem, porém, é a antítese da jovialidade e irresponsabilidade que Maria representou um dia, agora ela fará o papel de uma empresária de meia-idade, insegura e apaixonada pela assistente 20 anos mais jovem. Para se preparar para o espetáculo, Enders parte com sua bela, jovem e dedicada assistente Vallentine (Kristen Stewart) para a região montanhosa suíça de Engadin, onde é obrigada a enfrentar o presente, o revisitar seu passado e , principalmente, encarar seus desejos mais ocultos e solitários. Confira o trailer:
Reparem no contexto: Maria Enders está tentando recomeçar sua vida depois de um divórcio pouco amigável, carrega o fato de ter sido ignorada por um amor platônico da juventude e com quem dividiu cena em vários trabalhos do seu mentor Wilhelm Melchior que, inclusive, acaba de abandona-la depois de se suicidar, justamente no momento em que ela iria fazer uma homenagem por sua história e obra. Sim, são três situações razoavelmente independentes, mas que carregam as marcas que Maria insiste em esconder e isso se torna um presente inimaginável na construção de uma personagem tão cheia de camadas que ela resolve interpretar - e que para Binoche a regra é serve da mesma forma!
A passagem do tempo, simbolizada pelas nuvens sinuosas de Sils Maria, nos Alpes suíços, é o primeiro de muitos símbolos que o talentoso diretor Olivier Assayas propõe para "Acima das Nuvens". O filme é uma espécie de jornada de auto-conhecimento ou até um drama de redenção fantasiado de conflito geracional, cheio de comentários e críticas sobre arte, cinema, relacionamentos, irresponsabilidades e sobre cultura de celebridades. Ao acompanharmos a relação de Maria Enders e Vallentine percebemos a dualidade entre os textos da peça sendo ensaiada com divagações pessoais que impactam no relacionamento das duas, com muita sensibilidade e provocando muitas desconfianças em quem assiste - será que a vida está imitando a arte?
"Acima das Nuvens" não é um filme fácil, seu simbolismo é frequente e mergulhar nele é quase condicional para se apaixonar pelo filme - embora o diretor equilibre muito bem o jogo do "duplo sentido", ele não faz questão nenhuma de entregar suas convicções. Assayas não se esquece do universo em que esta inserido e muito menos do passado de Binoche ou de Kristen Stewart para citar os "valores" do cinema moderno americano frente ao clássico e artísticos cinema europeu ou até sobre o abismo temporal que se abre e vai sugando as oportunidades de uma atriz experiente em detrimento ao novo estilo de vida marginal de outras atrizes que são notícia - é cruel, mas real!
Veja, "Acima das Nuvens" concorreu em Cannes em 2014 e levou mais de 20 prêmios em sua carreira nos festivais - seu conceito narrativo é muito autoral e extremamente independente, ou seja, vai agradar quem gosta do estilo e quem está disposto a olhar para os detalhes muito além do que vemos nas telas!
É lindo, mas não será para todos!
"Adoráveis Mulheres", novo projeto da diretora de "Lady Bird", Greta Gerwig, é uma graça! O filme é mais uma adaptação do livro homônimo de Louisa May Alcott e conta a história das irmãs March, quatro jovens americanas de personalidades completamente diferentes e que vivem em uma família cheia de valores e união.
O processo de amadurecimento de cada uma delas, sem a presença do pai que luta na Guerra Civil, é o fio narrativo dessa história que fala sobre a essência da vida e como a felicidade pode estar nos pequenos gestos, na simplicidade do dia a dia, na ingenuidade dos sonhos adolescentes e na esperança de uma plenitude eterna - e é isso que nos toca e até nos machuca, pois sabemos que a vida não é bem assim
Transitando do passado para o presente com muita delicadeza e inteligência, Gerwig entrega um filme com alma, que mexe com a gente, mas com muito respeito (como deve ser). Uma aula de sensibilidade para falar sobre saudade, que merece ser aplaudida. Prestem atenção nesse filme - tenho certeza que ele estará no Oscar 2020, inclusive na disputa de melhor filme (ou no mínimo de melhor roteiro adaptado).
"Adoráveis Mulheres" é um destes textos clássicos várias vezes adaptados para o cinema - a mais famosa, contou com Winona Ryder, Susan Sarandon, Christian Bale e Kirsten Dusnt e foi produzida em 1994. Essa versão, dirigida pela australiana Gillian Armstrong, foi indicada para o Oscar em três categorias: melhor atriz (Winona Ryder), figurino e música. Pelo que vimos, o filme de Greta Gerwig tem tudo para se tornar a versão mais premiada da obra, começando pelas atuações marcantes de Saoirse Ronan como Jo March e mais um excelente trabalho de Laura Dern como Marmee March - lembrando que Dern deve ser indicada como coadjuvante por "Cenas de um Casamento". Emma Watson, Florence Pugh e Eliza Scanlen também merecem destaque - foram interpretações honestíssimas, principalmente de Pugh! Timothée Chalamet (Me chame pelo seu nome) é outro que entrega um grande personagem! Tenho a impressão que Saoirse Ronan receberá sua quinta indicação e que Greta Gerwig representará as mulheres em duas categorias: melhor direção e roteiro adaptado!
A fotografia do francés Yorick Le Saux é maravilhosa e pontuada com um tons mais quentes (amarelados) no passado, transbordando alegria e com tons mais frios (azulados) no presente, o que trás uma sensação mais real, da dificuldade da vida, do amadurecimento forçado - aliás, é basicamente na troca de cor e de temperatura que entendemos essa dinâmica de "vai e vem" na linha do tempo - é muito delicado, demora algumas cenas para percebermos, mas depois flui tão naturalmente que fica fácil de acompanhar! A montagem também ajuda nessa organicidade, claro, e, para mim, mereceria uma indicação ao Oscar junto com Desenho de Produção e Figurino. Até entendo se isso não acontecer em todas as categorias, mas é importante deixar registrado que potencial para várias indicações teria! Todos esses elementos técnicos só colaboram na entrega de um filme belíssimo, bem dirigido, bem interpretado e lindo visualmente. A capacidade de Gerwig em nos transportar para a vida dessas quatro mulheres, estabelece uma relação de cumplicidade e empatia que dificilmente vemos nos filmes de hoje com tanta sensibilidade. De fato não é um filme complexo ou com reviravoltas surpreendentes, mas as mais de duas horas de história servem como convite à revisitar nosso passado, nossos laços e lembranças - e a linda trilha sonora só colabora nessa imersão - reparem!
"Adoráveis Mulheres" é um filme leve ao mesmo tempo em que é denso, otimista ao mesmo tempo em que é saudoso, lindo ao mesmo tempo em que é difícil de digerir! "Adoráveis Mulheres" é um grande filme, técnico e artístico, e tranquilamente merece sua audiência!
Up-date: "Adoráveis Mulheres" ganhou em uma categoria no Oscar 2020: Melhor Figurino!
"Adoráveis Mulheres", novo projeto da diretora de "Lady Bird", Greta Gerwig, é uma graça! O filme é mais uma adaptação do livro homônimo de Louisa May Alcott e conta a história das irmãs March, quatro jovens americanas de personalidades completamente diferentes e que vivem em uma família cheia de valores e união.
O processo de amadurecimento de cada uma delas, sem a presença do pai que luta na Guerra Civil, é o fio narrativo dessa história que fala sobre a essência da vida e como a felicidade pode estar nos pequenos gestos, na simplicidade do dia a dia, na ingenuidade dos sonhos adolescentes e na esperança de uma plenitude eterna - e é isso que nos toca e até nos machuca, pois sabemos que a vida não é bem assim
Transitando do passado para o presente com muita delicadeza e inteligência, Gerwig entrega um filme com alma, que mexe com a gente, mas com muito respeito (como deve ser). Uma aula de sensibilidade para falar sobre saudade, que merece ser aplaudida. Prestem atenção nesse filme - tenho certeza que ele estará no Oscar 2020, inclusive na disputa de melhor filme (ou no mínimo de melhor roteiro adaptado).
"Adoráveis Mulheres" é um destes textos clássicos várias vezes adaptados para o cinema - a mais famosa, contou com Winona Ryder, Susan Sarandon, Christian Bale e Kirsten Dusnt e foi produzida em 1994. Essa versão, dirigida pela australiana Gillian Armstrong, foi indicada para o Oscar em três categorias: melhor atriz (Winona Ryder), figurino e música. Pelo que vimos, o filme de Greta Gerwig tem tudo para se tornar a versão mais premiada da obra, começando pelas atuações marcantes de Saoirse Ronan como Jo March e mais um excelente trabalho de Laura Dern como Marmee March - lembrando que Dern deve ser indicada como coadjuvante por "Cenas de um Casamento". Emma Watson, Florence Pugh e Eliza Scanlen também merecem destaque - foram interpretações honestíssimas, principalmente de Pugh! Timothée Chalamet (Me chame pelo seu nome) é outro que entrega um grande personagem! Tenho a impressão que Saoirse Ronan receberá sua quinta indicação e que Greta Gerwig representará as mulheres em duas categorias: melhor direção e roteiro adaptado!
A fotografia do francés Yorick Le Saux é maravilhosa e pontuada com um tons mais quentes (amarelados) no passado, transbordando alegria e com tons mais frios (azulados) no presente, o que trás uma sensação mais real, da dificuldade da vida, do amadurecimento forçado - aliás, é basicamente na troca de cor e de temperatura que entendemos essa dinâmica de "vai e vem" na linha do tempo - é muito delicado, demora algumas cenas para percebermos, mas depois flui tão naturalmente que fica fácil de acompanhar! A montagem também ajuda nessa organicidade, claro, e, para mim, mereceria uma indicação ao Oscar junto com Desenho de Produção e Figurino. Até entendo se isso não acontecer em todas as categorias, mas é importante deixar registrado que potencial para várias indicações teria! Todos esses elementos técnicos só colaboram na entrega de um filme belíssimo, bem dirigido, bem interpretado e lindo visualmente. A capacidade de Gerwig em nos transportar para a vida dessas quatro mulheres, estabelece uma relação de cumplicidade e empatia que dificilmente vemos nos filmes de hoje com tanta sensibilidade. De fato não é um filme complexo ou com reviravoltas surpreendentes, mas as mais de duas horas de história servem como convite à revisitar nosso passado, nossos laços e lembranças - e a linda trilha sonora só colabora nessa imersão - reparem!
"Adoráveis Mulheres" é um filme leve ao mesmo tempo em que é denso, otimista ao mesmo tempo em que é saudoso, lindo ao mesmo tempo em que é difícil de digerir! "Adoráveis Mulheres" é um grande filme, técnico e artístico, e tranquilamente merece sua audiência!
Up-date: "Adoráveis Mulheres" ganhou em uma categoria no Oscar 2020: Melhor Figurino!
"Amor, Drogas e Nova York" é um soco no estômago! Esse drama é tão intenso e visceral quanto "Eu, Christiane F." sem a menor dúvida - o que justifica meu aviso: só assista o filme se estiver preparado para enfrentar uma realidade quase documental de tão perturbadora! O filme dirigido pelos irmãos Safdie (Jóias Brutas) acompanha a relação doentia entre Harley (Arielle Holmes) e Ilya (Caleb Landry Jones), dois jovens "sem teto" que vivem em Nova York perambulando de um lado para o outro em busca de alguns trocados para poder comprar e consumir heroína.
Pesado? Então saiba que "Amor, Drogas e Nova York" é baseado no livro autobiográfico (Mad Love in New York City) de Arielle Holmes - isso mesmo, a atriz que interpreta a protagonista, revive em cena os eventos mais marcantes de uma época da sua vida em que flertava com a morte a cada instante! Isso pode até explicar o trabalho sensacional de Holmes, mas, sinceramente, os irmãos Safdie dão uma aula de direção ao nos colocar ao lado dos personagens como poucas vezes vemos - vou analisar mais a fundo esse trabalho abaixo, mas adianto: é impressionante! Se você, como eu, gostou de "Euphoria" da HBO, não deixe de dar o play, mas saiba que estamos falando uma obra alguns degraus acima, não apenas na forma, mas também no conteúdo!
O roteiro de "Amor, Drogas e Nova York" trás a dor de uma personagem perdida, dependente e, principalmente, solitária. Embora a relação com a heroína seja o ponto mais marcante ou até impactante para quem assiste, o filme tem um mood de solidão que incomoda na alma. Ter Nova York como cenário só potencializa essa sensação e a forma como algumas situações são enquadradas trazem um realismo absurdo - não raro, os personagens discutem, gritam, se agridem no meio da rua, completamente alterados pela droga, e as pessoas ao redor se relacionam com aquela cena de uma forma muito natural (ou pelo menos tentando ser muito natural). Reparem! O sofrimento dos personagens (de todos) é outro ponto crucial no filme: ele está estampado em olhos completamente perdidos e os diretores fazem questão de amplificar essa percepção com lentes bem fechadas, 85mm, em closes belíssimos, mas muito cruéis! A câmera mais solta, ajuda na sensação de desordem, de caos, e a fotografia do americano Sean Price Williams, vencedor no Tribeca Film Festival de 2016 com "Contemporary Color", tem o mérito dessa organicidade.
Ver a forma como Harley está inserida no meio do tráfico, em um universo de mendicância, de pequenos furtos, de pouco dinheiro e de nomadismo, impressiona até aquele que parece estar mais preparado - chega a ser cruel (e vemos isso todos os dias e nem nos damos conta no que está por trás daquela condição). Nesse cenário desolador ainda tem o "amor" entre os protagonistas, pautado no abuso psicológico e fisico, e isso, meu amigo, é só a ponta do iceberg para completar a escolha de não romantizar aquela situação e muito menos as escolhas absurdas que eles próprios fazem, em todo momento! O mérito de tanto impacto visual imposto pelos irmãos Safdie só tem sentido pelo sensacional trabalho do elenco e aí eu tenho que reforçar: todos os atores, sejam eles os mais desconhecidos, estão impecáveis. Além de Arielle Holmes e Caleb Landry Jones, eu ainda destaco, Buddy Duress (Mike) e Necro (Skully).
"Amor, Drogas e Nova York" venceu o prêmio da crítica no Festival de Veneza em 2014 e, mesmo cruel, teve o mérito de trazer um assunto delicado, mas sem maquiagem, que choca ao mesmo tempo em que emociona. Como se não existisse a necessidade de explicar a razão pela qual tudo aquilo está acontecendo, a verdade é que aquilo é a verdade e por isso incomoda tanto. É um belíssimo filme, embora não seja para todos, eu diria que é imperdível se você gostar de uma pegada mais independente, com um nível técnico e artístico acima da média!
"Amor, Drogas e Nova York" é um soco no estômago! Esse drama é tão intenso e visceral quanto "Eu, Christiane F." sem a menor dúvida - o que justifica meu aviso: só assista o filme se estiver preparado para enfrentar uma realidade quase documental de tão perturbadora! O filme dirigido pelos irmãos Safdie (Jóias Brutas) acompanha a relação doentia entre Harley (Arielle Holmes) e Ilya (Caleb Landry Jones), dois jovens "sem teto" que vivem em Nova York perambulando de um lado para o outro em busca de alguns trocados para poder comprar e consumir heroína.
Pesado? Então saiba que "Amor, Drogas e Nova York" é baseado no livro autobiográfico (Mad Love in New York City) de Arielle Holmes - isso mesmo, a atriz que interpreta a protagonista, revive em cena os eventos mais marcantes de uma época da sua vida em que flertava com a morte a cada instante! Isso pode até explicar o trabalho sensacional de Holmes, mas, sinceramente, os irmãos Safdie dão uma aula de direção ao nos colocar ao lado dos personagens como poucas vezes vemos - vou analisar mais a fundo esse trabalho abaixo, mas adianto: é impressionante! Se você, como eu, gostou de "Euphoria" da HBO, não deixe de dar o play, mas saiba que estamos falando uma obra alguns degraus acima, não apenas na forma, mas também no conteúdo!
O roteiro de "Amor, Drogas e Nova York" trás a dor de uma personagem perdida, dependente e, principalmente, solitária. Embora a relação com a heroína seja o ponto mais marcante ou até impactante para quem assiste, o filme tem um mood de solidão que incomoda na alma. Ter Nova York como cenário só potencializa essa sensação e a forma como algumas situações são enquadradas trazem um realismo absurdo - não raro, os personagens discutem, gritam, se agridem no meio da rua, completamente alterados pela droga, e as pessoas ao redor se relacionam com aquela cena de uma forma muito natural (ou pelo menos tentando ser muito natural). Reparem! O sofrimento dos personagens (de todos) é outro ponto crucial no filme: ele está estampado em olhos completamente perdidos e os diretores fazem questão de amplificar essa percepção com lentes bem fechadas, 85mm, em closes belíssimos, mas muito cruéis! A câmera mais solta, ajuda na sensação de desordem, de caos, e a fotografia do americano Sean Price Williams, vencedor no Tribeca Film Festival de 2016 com "Contemporary Color", tem o mérito dessa organicidade.
Ver a forma como Harley está inserida no meio do tráfico, em um universo de mendicância, de pequenos furtos, de pouco dinheiro e de nomadismo, impressiona até aquele que parece estar mais preparado - chega a ser cruel (e vemos isso todos os dias e nem nos damos conta no que está por trás daquela condição). Nesse cenário desolador ainda tem o "amor" entre os protagonistas, pautado no abuso psicológico e fisico, e isso, meu amigo, é só a ponta do iceberg para completar a escolha de não romantizar aquela situação e muito menos as escolhas absurdas que eles próprios fazem, em todo momento! O mérito de tanto impacto visual imposto pelos irmãos Safdie só tem sentido pelo sensacional trabalho do elenco e aí eu tenho que reforçar: todos os atores, sejam eles os mais desconhecidos, estão impecáveis. Além de Arielle Holmes e Caleb Landry Jones, eu ainda destaco, Buddy Duress (Mike) e Necro (Skully).
"Amor, Drogas e Nova York" venceu o prêmio da crítica no Festival de Veneza em 2014 e, mesmo cruel, teve o mérito de trazer um assunto delicado, mas sem maquiagem, que choca ao mesmo tempo em que emociona. Como se não existisse a necessidade de explicar a razão pela qual tudo aquilo está acontecendo, a verdade é que aquilo é a verdade e por isso incomoda tanto. É um belíssimo filme, embora não seja para todos, eu diria que é imperdível se você gostar de uma pegada mais independente, com um nível técnico e artístico acima da média!
Se você é um leitor que nos acompanha há algum tempo, você sabe quanto apreciamos um cinema que valoriza obras que transcendem a tela, que de fato deixam uma marca e que nos permite horas e horas de conversa assim que os créditos sobem. Pensando nisso, é impossível deixar passar o primeiro filme do vencedor de 4 Oscars, Alejandro G. Iñárritu, "Amores Brutos"! O filme é simplesmente imperdível, daqueles para ver e rever - e que se por acaso você deixou passar, acredite, deve estar no topo da sua lista de prioridades. Um verdadeiro tour de force cinematográfico, repleto de elementos técnicos e artísticos que o colocam como uma verdadeira obra-prima do cinema contemporâneo - para você ter uma ideia, mais de vinte anos do seu lançamento, ele ainda é considerado um dos melhores filmes de todos tempos. "Amores Brutos" não apenas recebeu reconhecimento da crítica e do público, mas também abriu caminho para uma nova era do cinema latino-americano, estabelecendo Iñárritu como um diretor visionário capaz de nos oferecer experiências intensas e inesquecíveis - e aqui não é diferente!
Aqui temos uma narrativa poderosa e visceral que entrelaça a vida de três personagens diferentes na Cidade do México. Octavio (Gael García Bernal), é um jovem apaixonado que se envolve em lutas ilegais de cães para ganhar dinheiro e fugir com a mulher que ama, sua cunhada Susana (Vanessa Bauche). Ao mesmo tempo, Daniel, um homem de meia-idade vivido por Álvaro Guerrero, enfrenta uma tragédia familiar que o coloca em rota de colisão com Octavio. Já a terceira história gira em torno de El Chivo, um ex-guerrilheiro interpretado por Emilio Echevarría, que encontra um vínculo inesperado com os outros personagens enquanto tenta voltar para sua família. Confira o trailer (em espanhol):
É inegável a qualidade do roteiro do Guillermo Arriaga (de "Babel") em construir tão bem três histórias entrelaçadas que se desenrolam de forma tão inteligente quanto complexa e emocionante. Ao imprimir um conceito extremamente autoral com aquela atmosfera do cinema independente envolvente que se apoia no talento e na criatividade para criar uma narrativa única, Iñárritu se conecta com Arriaga para nos provocar a todo momento, revelando uma certa beleza crua da vida nas ruas da Cidade do México que se mistura com os dramas mais íntimos de cada um dos personagens - olha, é lindo de ver!
Dito isso, fica fácil afirmar que a fotografia do Rodrigo Prieto (de "O Irlandês") é realmente uma verdadeira poesia visual. A maneira como ele captura a realidade da cidade e a beleza oculta das paisagens urbanas, digamos, mais underground, é impressionante. Esse contexto impacta diretamente na performance do elenco - aliás, é de tirar o fôlego como Gael García Bernal entrega uma atuação carregada de paixão e vulnerabilidade. Emilio Echevarría também brilha - seu personagem é profundamente humano na agonia de sua condição e na "moralidade" de suas decisões. A direção de Iñárritu é virtuosa também nesse sentida, já que ele usa de uma narrativa não linear para costurar as histórias desses personagens de maneira que tudo faça sentido em esferas diferentes, mas complementares.
A trilha sonora é outro elemento essencial na experiência da audiência - as músicas evocam uma sensação de melancolia e esperança que complementa perfeitamente o conceito narrativo que o diretor imprime em todo o filme. A montagem do Luis Carballar com o Fernando Pérez Unda e com o próprio Iñárritu, dá o tom dinâmico para esse quebra-cabeça visual - é ela que mantém o ritmo pulsante da narrativa, nos mantendo imersos nas três histórias com a mesma competência.
"Amores Perros" (no original) aborda temas profundos, como o destino, a redenção e a violência que permeia a vida urbana no inicio dos anos 2000. A maneira como o filme examina as relações humanas em um ambiente tão brutal e caótico oferece uma perspectiva muito particular sobre a complexidade da vida em diversos níveis sociais. "Amores Brutos" é um filme que transcende as barreiras do tempo e da cultura, mantendo sua relevância e impacto mesmo anos após seu lançamento. É uma obra-prima de verdade - que cativa com sua intensidade emocional. Se você busca um filme que desafia, emociona e deixa uma marca duradoura, não esqueça de dar o play. Eu diria que é uma experiência que vai provocar suas emoções e fazer você refletir sobre a beleza e a brutalidade que pode ser a vida.
PS: Essa versão que está na Netflix foi restaurada a partir das cópias originais em 35 mm e passadas para 4k com ajustes de cor e som - tudo aprovado pelo grande Alejandro G. Iñárritu.
Se você é um leitor que nos acompanha há algum tempo, você sabe quanto apreciamos um cinema que valoriza obras que transcendem a tela, que de fato deixam uma marca e que nos permite horas e horas de conversa assim que os créditos sobem. Pensando nisso, é impossível deixar passar o primeiro filme do vencedor de 4 Oscars, Alejandro G. Iñárritu, "Amores Brutos"! O filme é simplesmente imperdível, daqueles para ver e rever - e que se por acaso você deixou passar, acredite, deve estar no topo da sua lista de prioridades. Um verdadeiro tour de force cinematográfico, repleto de elementos técnicos e artísticos que o colocam como uma verdadeira obra-prima do cinema contemporâneo - para você ter uma ideia, mais de vinte anos do seu lançamento, ele ainda é considerado um dos melhores filmes de todos tempos. "Amores Brutos" não apenas recebeu reconhecimento da crítica e do público, mas também abriu caminho para uma nova era do cinema latino-americano, estabelecendo Iñárritu como um diretor visionário capaz de nos oferecer experiências intensas e inesquecíveis - e aqui não é diferente!
Aqui temos uma narrativa poderosa e visceral que entrelaça a vida de três personagens diferentes na Cidade do México. Octavio (Gael García Bernal), é um jovem apaixonado que se envolve em lutas ilegais de cães para ganhar dinheiro e fugir com a mulher que ama, sua cunhada Susana (Vanessa Bauche). Ao mesmo tempo, Daniel, um homem de meia-idade vivido por Álvaro Guerrero, enfrenta uma tragédia familiar que o coloca em rota de colisão com Octavio. Já a terceira história gira em torno de El Chivo, um ex-guerrilheiro interpretado por Emilio Echevarría, que encontra um vínculo inesperado com os outros personagens enquanto tenta voltar para sua família. Confira o trailer (em espanhol):
É inegável a qualidade do roteiro do Guillermo Arriaga (de "Babel") em construir tão bem três histórias entrelaçadas que se desenrolam de forma tão inteligente quanto complexa e emocionante. Ao imprimir um conceito extremamente autoral com aquela atmosfera do cinema independente envolvente que se apoia no talento e na criatividade para criar uma narrativa única, Iñárritu se conecta com Arriaga para nos provocar a todo momento, revelando uma certa beleza crua da vida nas ruas da Cidade do México que se mistura com os dramas mais íntimos de cada um dos personagens - olha, é lindo de ver!
Dito isso, fica fácil afirmar que a fotografia do Rodrigo Prieto (de "O Irlandês") é realmente uma verdadeira poesia visual. A maneira como ele captura a realidade da cidade e a beleza oculta das paisagens urbanas, digamos, mais underground, é impressionante. Esse contexto impacta diretamente na performance do elenco - aliás, é de tirar o fôlego como Gael García Bernal entrega uma atuação carregada de paixão e vulnerabilidade. Emilio Echevarría também brilha - seu personagem é profundamente humano na agonia de sua condição e na "moralidade" de suas decisões. A direção de Iñárritu é virtuosa também nesse sentida, já que ele usa de uma narrativa não linear para costurar as histórias desses personagens de maneira que tudo faça sentido em esferas diferentes, mas complementares.
A trilha sonora é outro elemento essencial na experiência da audiência - as músicas evocam uma sensação de melancolia e esperança que complementa perfeitamente o conceito narrativo que o diretor imprime em todo o filme. A montagem do Luis Carballar com o Fernando Pérez Unda e com o próprio Iñárritu, dá o tom dinâmico para esse quebra-cabeça visual - é ela que mantém o ritmo pulsante da narrativa, nos mantendo imersos nas três histórias com a mesma competência.
"Amores Perros" (no original) aborda temas profundos, como o destino, a redenção e a violência que permeia a vida urbana no inicio dos anos 2000. A maneira como o filme examina as relações humanas em um ambiente tão brutal e caótico oferece uma perspectiva muito particular sobre a complexidade da vida em diversos níveis sociais. "Amores Brutos" é um filme que transcende as barreiras do tempo e da cultura, mantendo sua relevância e impacto mesmo anos após seu lançamento. É uma obra-prima de verdade - que cativa com sua intensidade emocional. Se você busca um filme que desafia, emociona e deixa uma marca duradoura, não esqueça de dar o play. Eu diria que é uma experiência que vai provocar suas emoções e fazer você refletir sobre a beleza e a brutalidade que pode ser a vida.
PS: Essa versão que está na Netflix foi restaurada a partir das cópias originais em 35 mm e passadas para 4k com ajustes de cor e som - tudo aprovado pelo grande Alejandro G. Iñárritu.
Bem na linha da trilogia de Richard Linklater, especificamente de "Antes do Amanhecer", esse filme dirigido pelo estreante na função, Chris Evans, é de uma sensibilidade impressionante! Surpreendentemente bem dirigido e com um uma dupla de protagonistas muito afinados, "Antes do Adeus" é uma viagem profunda ao nosso íntimo, honesta na sua proposta e muito competente na sua entrega - é impossível não respirar fundo algumas vezes dada a fácil conexão com a história!
Na trama, Brooke (Alice Eve) é uma jovem que está correndo pela Grand Central Station com o intuito de tentar pegar o último trem para Boston, mas ela acaba se atrasando após ser assaltada. Sem dinheiro ou amigos, ela está perdida na noite de Nova York, até que conhece, meio que por acidente, o trompetista Nick (Chris Evans). Nick, então, oferece ajuda e os dois acabam passando a madrugada juntos até percebem a importância daquele encontro tão casual. Confira o trailer:
"Before we go" (no original) tem uma história até que curiosa: o projeto conhecido como "1:30 Train" seria dirigido por Joel Schumacher (8mm) e teria a belíssima atriz italiana Monica Bellucci como protagonista - o ano era 2008 e por uma série de problemas o filme acabou não saindo do papel. Seis anos depois, o cineasta e produtor McG (de "O Exterminador do Futuro: A Salvação") convida Evans para dirigir e atuar no filme e cá entre nós, decisão das mais acertadas - é impressionante como Evans se conecta com a trama e transita perfeitamente entre uma atuação muito segura com uma direção para lá de inspirada!
Embora Evans não tenha o talento de Derek Cianfrance, acaba sendo muito perceptível as referências conceituais de "Namorados para Sempre" em "Antes do Adeus" - a câmera mais solta, as lentes mais fechadas (85mm na maioria das vezes), um movimento mais cadenciado e, claro, uma fotografia maravilhosa do americano John Guleserian, o mesmo de "Questão de Tempo" - reparem como ele contextualiza aquela atmosfera noturna nos planos mais abertos deixando NY sempre presente, funcionando como uma moldura para os diálogos muito bem estruturados e que de tão realistas, temos a exata sensação de conhecer uma história parecida. Mérito do roteiro escrito pelo experiente Ron Bass (de "Paixões Paralelas"), pelo jovem Chris Shafer (de "Deixa Rolar") e pela estreante Jen Smolka.
Parte da seleção oficial doFestival de Toronto de 2015, "Antes do Adeus" é o típico drama de relações que além de nos entreter de um forma maravilhosa ainda nos faz refletir e visitar nossas próprias histórias que estão guardadinhas dentro do coração. Sensível e no tom certo, o que vemos na tela é o envolvimento de dois ótimos atores em uma performance cheia de camadas que certamente vai te surpreender em muitos sentidos!
Vale a pena demais!
Bem na linha da trilogia de Richard Linklater, especificamente de "Antes do Amanhecer", esse filme dirigido pelo estreante na função, Chris Evans, é de uma sensibilidade impressionante! Surpreendentemente bem dirigido e com um uma dupla de protagonistas muito afinados, "Antes do Adeus" é uma viagem profunda ao nosso íntimo, honesta na sua proposta e muito competente na sua entrega - é impossível não respirar fundo algumas vezes dada a fácil conexão com a história!
Na trama, Brooke (Alice Eve) é uma jovem que está correndo pela Grand Central Station com o intuito de tentar pegar o último trem para Boston, mas ela acaba se atrasando após ser assaltada. Sem dinheiro ou amigos, ela está perdida na noite de Nova York, até que conhece, meio que por acidente, o trompetista Nick (Chris Evans). Nick, então, oferece ajuda e os dois acabam passando a madrugada juntos até percebem a importância daquele encontro tão casual. Confira o trailer:
"Before we go" (no original) tem uma história até que curiosa: o projeto conhecido como "1:30 Train" seria dirigido por Joel Schumacher (8mm) e teria a belíssima atriz italiana Monica Bellucci como protagonista - o ano era 2008 e por uma série de problemas o filme acabou não saindo do papel. Seis anos depois, o cineasta e produtor McG (de "O Exterminador do Futuro: A Salvação") convida Evans para dirigir e atuar no filme e cá entre nós, decisão das mais acertadas - é impressionante como Evans se conecta com a trama e transita perfeitamente entre uma atuação muito segura com uma direção para lá de inspirada!
Embora Evans não tenha o talento de Derek Cianfrance, acaba sendo muito perceptível as referências conceituais de "Namorados para Sempre" em "Antes do Adeus" - a câmera mais solta, as lentes mais fechadas (85mm na maioria das vezes), um movimento mais cadenciado e, claro, uma fotografia maravilhosa do americano John Guleserian, o mesmo de "Questão de Tempo" - reparem como ele contextualiza aquela atmosfera noturna nos planos mais abertos deixando NY sempre presente, funcionando como uma moldura para os diálogos muito bem estruturados e que de tão realistas, temos a exata sensação de conhecer uma história parecida. Mérito do roteiro escrito pelo experiente Ron Bass (de "Paixões Paralelas"), pelo jovem Chris Shafer (de "Deixa Rolar") e pela estreante Jen Smolka.
Parte da seleção oficial doFestival de Toronto de 2015, "Antes do Adeus" é o típico drama de relações que além de nos entreter de um forma maravilhosa ainda nos faz refletir e visitar nossas próprias histórias que estão guardadinhas dentro do coração. Sensível e no tom certo, o que vemos na tela é o envolvimento de dois ótimos atores em uma performance cheia de camadas que certamente vai te surpreender em muitos sentidos!
Vale a pena demais!
Desde o dia que a Netflix confirmou a distribuição internacional de "Atlantique" e liberou o trailer do vencedor do Grande Prêmio do Júri em Cannes 2019, tive a certeza que se tratava de um filme bastante interessante - o que realmente se confirmou, porém, confesso, esperava mais! Antes de mais nada é preciso deixar claro que "Atlantique" é um filme independente com um perfil bem particular que deve agradar aqueles que buscam filmes mais introspectivos e com boa carreira em Festivais pelo mundo. Por se tratar de um tema que atrai o público em geral, muitas pessoas vão criticar o filme, pois, definitivamente, "Atlantique" está anos luz de distância de "Ghost", por exemplo! Depois do naufrágio de um grupo de operários senegaleses que buscavam uma melhor oportunidade na Espanha, a jovem Ada, embora prometida para outro homem, sofre secretamente a perda do seu verdadeiro amor, Souleiman, morto no acidente. Porém na noite do seu casamento, um incêndio acontece e uma das convidadas, e amiga de Ada, afirma ter visto Souleiman pelas redondezas. Com o inicio da investigação, outros acontecimentos chamam a atenção da policia e um clima sobrenatural passa a tomar conta da história. "Atlantique" tem um ritmo muito cadenciado, trabalha bem o drama da protagonista, mas, para mim, perdeu o foco da trama principal ao querer contar histórias demais! Eu gostei do filme, mas achei o roteiro econômico em vários momentos e isso atrapalhou um pouco na compreensão de determinadas situações e até na relação de alguns personagem com as subtramas. Vale o play, mas só faça isso se você gostar de filmes mais poéticos e, digamos, alternativos!
A diretora francesa Mati Diop foi muito inteligente em abordar temas delicados de uma sociedade sofrida e cheia de conflitos sociais mostrando diversos pontos de vista e usando elementos sobrenaturais como pano de fundo. Essa co-produção França / Senegal / Bélgica usa o cenário interessando do que Dakar vem se transformando. Enquanto o abismo social entre empreiteiros e operários ditam as regras na região, a bem construída introdução de uma história de amor dá o tom de "Atlantique" no primeiro ato. O problema é que o segundo e o terceiro atos vão se enfraquecendo com a quantidade de explicações e, depois, conclusões que a história se sente obrigada a fazer. A história de Ada e Souleiman já me parecia ser o suficiente, porém o roteiro trás outras tramas sem tanto desenvolvimento - uma delas é a febre que as mulheres tem após a morte dos maridos citada em todas as sinopses do filme. Sim, ela é vital para o entendimento do que vem a seguir, mas o sua importância não se reflete nas poucas cenas que contam essa passagem. Os reais motivos da fuga para a Espanha também me soaram frágeis, embora entendível; mas não deu a dimensão da perda para as mulheres que ficaram e isso complica ainda mais quando os mortos resolvem voltar para cobrar a dívida incorporando nelas - a idéia é ótima, mas poderia ser mais impactante - fiquei com essa impressão!
O filme é lindamente fotografado pela Claire Mathon, porém alguns planos comandados por Diop são longos demais - repare na cena em que os operários estão voltando para casa no inicio do filme! A trilha sonora e o desenho de som me chamaram muito atenção - achei muito bem construída a ambientação da cidade, enaltecendo o propósito de escancarar a diferença social do país. A trilha tem uma levada bastante emocional, mas, ao mesmo tempo, conta com elementos de suspense que funcionam perfeitamente na história. Os atores também vão bem, mas nada fora da curva - me agradou o trabalho Mame Bineta Sane como Ada e só! A produção não é ruim, mas as duas cenas de incêndio em nada me convenceram - sinceramente, era possível não mostrar e mesmo assim trazer o peso e o drama das situações só com o trabalho dos atores ou com as consequências desses fatos para os personagens (o que aliás foi um grande acerto da diretora quando resolveu não mostrar o naufrágio).
"Atlantique" chegou no catálogo como a aposta da Netflix para a disputa do Oscar de filme estrangeiro. Não acredito na indicação, embora não me surpreenderá caso ela vier. Já vencer, acho muito (mas muito) difícil! O filme pode parecer contemplativo demais para alguns e passar a impressão de artístico demais para outros - é uma pena, pois acredito que vale a pena conhecer o trabalho de Diop na direção e do cinema senegalês como um todo (embora a produção seja basicamente francesa). É o estilo de filme que me atrai, mas preciso dizer que não me marcou como eu imaginava - o trailer me impactou mais que o filme! Vale a indicação apenas se você for um amante de filmes com uma pegada mais lírica!
Desde o dia que a Netflix confirmou a distribuição internacional de "Atlantique" e liberou o trailer do vencedor do Grande Prêmio do Júri em Cannes 2019, tive a certeza que se tratava de um filme bastante interessante - o que realmente se confirmou, porém, confesso, esperava mais! Antes de mais nada é preciso deixar claro que "Atlantique" é um filme independente com um perfil bem particular que deve agradar aqueles que buscam filmes mais introspectivos e com boa carreira em Festivais pelo mundo. Por se tratar de um tema que atrai o público em geral, muitas pessoas vão criticar o filme, pois, definitivamente, "Atlantique" está anos luz de distância de "Ghost", por exemplo! Depois do naufrágio de um grupo de operários senegaleses que buscavam uma melhor oportunidade na Espanha, a jovem Ada, embora prometida para outro homem, sofre secretamente a perda do seu verdadeiro amor, Souleiman, morto no acidente. Porém na noite do seu casamento, um incêndio acontece e uma das convidadas, e amiga de Ada, afirma ter visto Souleiman pelas redondezas. Com o inicio da investigação, outros acontecimentos chamam a atenção da policia e um clima sobrenatural passa a tomar conta da história. "Atlantique" tem um ritmo muito cadenciado, trabalha bem o drama da protagonista, mas, para mim, perdeu o foco da trama principal ao querer contar histórias demais! Eu gostei do filme, mas achei o roteiro econômico em vários momentos e isso atrapalhou um pouco na compreensão de determinadas situações e até na relação de alguns personagem com as subtramas. Vale o play, mas só faça isso se você gostar de filmes mais poéticos e, digamos, alternativos!
A diretora francesa Mati Diop foi muito inteligente em abordar temas delicados de uma sociedade sofrida e cheia de conflitos sociais mostrando diversos pontos de vista e usando elementos sobrenaturais como pano de fundo. Essa co-produção França / Senegal / Bélgica usa o cenário interessando do que Dakar vem se transformando. Enquanto o abismo social entre empreiteiros e operários ditam as regras na região, a bem construída introdução de uma história de amor dá o tom de "Atlantique" no primeiro ato. O problema é que o segundo e o terceiro atos vão se enfraquecendo com a quantidade de explicações e, depois, conclusões que a história se sente obrigada a fazer. A história de Ada e Souleiman já me parecia ser o suficiente, porém o roteiro trás outras tramas sem tanto desenvolvimento - uma delas é a febre que as mulheres tem após a morte dos maridos citada em todas as sinopses do filme. Sim, ela é vital para o entendimento do que vem a seguir, mas o sua importância não se reflete nas poucas cenas que contam essa passagem. Os reais motivos da fuga para a Espanha também me soaram frágeis, embora entendível; mas não deu a dimensão da perda para as mulheres que ficaram e isso complica ainda mais quando os mortos resolvem voltar para cobrar a dívida incorporando nelas - a idéia é ótima, mas poderia ser mais impactante - fiquei com essa impressão!
O filme é lindamente fotografado pela Claire Mathon, porém alguns planos comandados por Diop são longos demais - repare na cena em que os operários estão voltando para casa no inicio do filme! A trilha sonora e o desenho de som me chamaram muito atenção - achei muito bem construída a ambientação da cidade, enaltecendo o propósito de escancarar a diferença social do país. A trilha tem uma levada bastante emocional, mas, ao mesmo tempo, conta com elementos de suspense que funcionam perfeitamente na história. Os atores também vão bem, mas nada fora da curva - me agradou o trabalho Mame Bineta Sane como Ada e só! A produção não é ruim, mas as duas cenas de incêndio em nada me convenceram - sinceramente, era possível não mostrar e mesmo assim trazer o peso e o drama das situações só com o trabalho dos atores ou com as consequências desses fatos para os personagens (o que aliás foi um grande acerto da diretora quando resolveu não mostrar o naufrágio).
"Atlantique" chegou no catálogo como a aposta da Netflix para a disputa do Oscar de filme estrangeiro. Não acredito na indicação, embora não me surpreenderá caso ela vier. Já vencer, acho muito (mas muito) difícil! O filme pode parecer contemplativo demais para alguns e passar a impressão de artístico demais para outros - é uma pena, pois acredito que vale a pena conhecer o trabalho de Diop na direção e do cinema senegalês como um todo (embora a produção seja basicamente francesa). É o estilo de filme que me atrai, mas preciso dizer que não me marcou como eu imaginava - o trailer me impactou mais que o filme! Vale a indicação apenas se você for um amante de filmes com uma pegada mais lírica!
"La vie d'Adèle" (que internacionalmente recebeu o terrível título de "Azul é a cor mais quente") é excelente, embora seja, notavelmente, pesado!
Baseado em uma graphic novel francesa da autora Julie Maroh que a escreveu quando tinha 19 anos e levou cinco anos para terminar, o filme é uma bela história de amor, amadurecimento e se concentra nos primeiros anos da relação entre Adèle (Adèle Exarchopoulos), uma estudante que está descobrindo o sexo, e a pintora Emma (Léa Seydoux), poucos anos mais velha - sim, o filme, como o próprio nome original adianta, é sobre a vida de Adèle e nada mais, mas não se engane: o roteiro é cheio de camadas e tem uma profundidade impressionante! Confira o trailer:
O filme foi o vencedor da "Palme d'Or" em Cannes (2013) na categoria "Melhor Direção" e, pela primeira vez na história do Festival, o prêmio de "Melhor Atriz" foi dividido entre as duas protagonistas. De fato "Azul é a Cor Mais Quente" é muito bem dirigido pelo tunisiano Abdellatif Kechiche - ele usa e abusa dos planos fechados e foi capaz de tirar uma naturalidade impressionante com esse tipo de lente mais introspectiva, mesmo que as vezes possa nos chocar pela proximidade exagerada.
As duas atrizes também estão simplesmente perfeitas, mas o trabalho de Adèle Exarchopoulos me chamou mais atenção - o papel dela é dificílimo e ela, além de corajosa, foi capaz de construir uma personagem com alma, intensa e delicada ao mesmo tempo.
Olha, para quem gosta de filmes de relações, intenso, cheio de camadas, esse filme é simplesmente imperdível, mas saiba que não se trata de uma história fácil, seu conceito narrativo é denso e o roteiro não alivia. Vale muito a pena - esse é um dos melhores filmes de 2013 com a mais absoluta certeza e só não foi mais longe em algumas premiações pela ousadia, para muitos exagerada, de algumas cenas.
PS: O filme levou mais de 80 prêmios enquanto fazia carreira por vários festivais do mundo em que foi selecionado!
"La vie d'Adèle" (que internacionalmente recebeu o terrível título de "Azul é a cor mais quente") é excelente, embora seja, notavelmente, pesado!
Baseado em uma graphic novel francesa da autora Julie Maroh que a escreveu quando tinha 19 anos e levou cinco anos para terminar, o filme é uma bela história de amor, amadurecimento e se concentra nos primeiros anos da relação entre Adèle (Adèle Exarchopoulos), uma estudante que está descobrindo o sexo, e a pintora Emma (Léa Seydoux), poucos anos mais velha - sim, o filme, como o próprio nome original adianta, é sobre a vida de Adèle e nada mais, mas não se engane: o roteiro é cheio de camadas e tem uma profundidade impressionante! Confira o trailer:
O filme foi o vencedor da "Palme d'Or" em Cannes (2013) na categoria "Melhor Direção" e, pela primeira vez na história do Festival, o prêmio de "Melhor Atriz" foi dividido entre as duas protagonistas. De fato "Azul é a Cor Mais Quente" é muito bem dirigido pelo tunisiano Abdellatif Kechiche - ele usa e abusa dos planos fechados e foi capaz de tirar uma naturalidade impressionante com esse tipo de lente mais introspectiva, mesmo que as vezes possa nos chocar pela proximidade exagerada.
As duas atrizes também estão simplesmente perfeitas, mas o trabalho de Adèle Exarchopoulos me chamou mais atenção - o papel dela é dificílimo e ela, além de corajosa, foi capaz de construir uma personagem com alma, intensa e delicada ao mesmo tempo.
Olha, para quem gosta de filmes de relações, intenso, cheio de camadas, esse filme é simplesmente imperdível, mas saiba que não se trata de uma história fácil, seu conceito narrativo é denso e o roteiro não alivia. Vale muito a pena - esse é um dos melhores filmes de 2013 com a mais absoluta certeza e só não foi mais longe em algumas premiações pela ousadia, para muitos exagerada, de algumas cenas.
PS: O filme levou mais de 80 prêmios enquanto fazia carreira por vários festivais do mundo em que foi selecionado!
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