"Man in the Arena" é um jóia, tão boa (ou melhor - dependendo da sua relação com o esporte do protagonista) que "Arremesso Final" da Netflix.
Dirigida pelo Gotham Chopra, que já havia trabalhado com Tom Brady em 2018 na série documental "Tom vs. Time" para o Facebook Watch, "Man in the Arena" é um relato exclusivo sobre cada uma das 9 aparições de Brady (com os Patriots) no Super Bowl. Cada episódio de uma hora em média, explora os momentos da vida do atleta dentro e fora do campo, da sua relação com os companheiros, com a imprensa e até com a família e amigos. Confira o trailer, em inglês:
Talvez o mais interessante da série é que mesmo tendo com pano de fundo as (até então) 9 disputas de Brady no Super Bowl, Chopra expande a narrativa construindo uma verdadeira linha do tempo com as passagens mais marcantes de 20 anos de carreira do QB. Das suas primeiras aparições ainda como novato na Universidade de Michigan, passando pela 199ª escolha no draft de 2000 da NFL, sua relação com o QB titular do Patriots na época, Drew Bledsoe, até o fim da dinastia de New England e da parceria com técnico Bill Belichick.
Com Tom Brady em todos os episódios como entrevistado e usando de seus próprios depoimentos como guia dessa linha narrativa tão rica para quem adora o esporte, "Man in the Arena" pode até parecer não aliviar ao discutir algumas polêmicas envolvendo o jogador, mas ele também não se posicionando tão assertivamente sobre elas na frente das câmeras. Um exemplo, e pelo que muitos afirmam, talvez tenha sido a única mancha na carreira de Brady, o escândalo conhecido como Deflategate (onde, supostamente, os Patriots teriam usado bolas mais murchas do que a regra permite para levar vantagem sobre o Indianapolis Colts) poderia ter sido melhor desenvolvido no sentido de dar voz ao lado de Brady da história - mesmo sugerindo cobrir todos os pontos, Chopra parece não forçar muito a barra. No final, embora Brady tenha negado sua participação ou até a veracidade dessa denúncia, ele acabou suspenso por quatro jogos e os Patriots tiveram que pagar uma multa de US$ 1 milhão de dólares. Atualmente, virou história.
O único assunto que ficou de fora da série (e que incomodou um pouco) diz respeito ao drama vivido por seu companheiro de time Aaron Hernandez que, acusado de assassinar Ortiz Lloyd, foi preso e depois acabou se suicidando na prisão - tema, inclusive, que ganhou uma série documental na Netflix, também imperdível! O fato é que mesmo sendo considerado um fenômeno, Hernandez é citado rapidamente e seu nome praticamente desaparece na sombra do companheiro de posição, Rob Gronkowski.
"Man in the Arena" é um recorte expressivo, profundo e honesto da carreira de Tom Brady, sem dúvida, um dos melhores atletas de todos os tempos e do esporte mundial - daqueles que se encontram na disputada prateleira ao lado de Pelé, Usain Bolt, Michael Phelps, Ayrton Senna, Michael Jordan e Tiger Woods. Em cada episódio temos uma verdadeira aula de liderança, relacionamento, adaptabilidade, desempenho, dedicação e até de motivação, com imagens de dentro de um ambiente extremamente fechado e pela voz de quem realmente esteve lá e venceu.
Vale muito a pena!
"Man in the Arena" é um jóia, tão boa (ou melhor - dependendo da sua relação com o esporte do protagonista) que "Arremesso Final" da Netflix.
Dirigida pelo Gotham Chopra, que já havia trabalhado com Tom Brady em 2018 na série documental "Tom vs. Time" para o Facebook Watch, "Man in the Arena" é um relato exclusivo sobre cada uma das 9 aparições de Brady (com os Patriots) no Super Bowl. Cada episódio de uma hora em média, explora os momentos da vida do atleta dentro e fora do campo, da sua relação com os companheiros, com a imprensa e até com a família e amigos. Confira o trailer, em inglês:
Talvez o mais interessante da série é que mesmo tendo com pano de fundo as (até então) 9 disputas de Brady no Super Bowl, Chopra expande a narrativa construindo uma verdadeira linha do tempo com as passagens mais marcantes de 20 anos de carreira do QB. Das suas primeiras aparições ainda como novato na Universidade de Michigan, passando pela 199ª escolha no draft de 2000 da NFL, sua relação com o QB titular do Patriots na época, Drew Bledsoe, até o fim da dinastia de New England e da parceria com técnico Bill Belichick.
Com Tom Brady em todos os episódios como entrevistado e usando de seus próprios depoimentos como guia dessa linha narrativa tão rica para quem adora o esporte, "Man in the Arena" pode até parecer não aliviar ao discutir algumas polêmicas envolvendo o jogador, mas ele também não se posicionando tão assertivamente sobre elas na frente das câmeras. Um exemplo, e pelo que muitos afirmam, talvez tenha sido a única mancha na carreira de Brady, o escândalo conhecido como Deflategate (onde, supostamente, os Patriots teriam usado bolas mais murchas do que a regra permite para levar vantagem sobre o Indianapolis Colts) poderia ter sido melhor desenvolvido no sentido de dar voz ao lado de Brady da história - mesmo sugerindo cobrir todos os pontos, Chopra parece não forçar muito a barra. No final, embora Brady tenha negado sua participação ou até a veracidade dessa denúncia, ele acabou suspenso por quatro jogos e os Patriots tiveram que pagar uma multa de US$ 1 milhão de dólares. Atualmente, virou história.
O único assunto que ficou de fora da série (e que incomodou um pouco) diz respeito ao drama vivido por seu companheiro de time Aaron Hernandez que, acusado de assassinar Ortiz Lloyd, foi preso e depois acabou se suicidando na prisão - tema, inclusive, que ganhou uma série documental na Netflix, também imperdível! O fato é que mesmo sendo considerado um fenômeno, Hernandez é citado rapidamente e seu nome praticamente desaparece na sombra do companheiro de posição, Rob Gronkowski.
"Man in the Arena" é um recorte expressivo, profundo e honesto da carreira de Tom Brady, sem dúvida, um dos melhores atletas de todos os tempos e do esporte mundial - daqueles que se encontram na disputada prateleira ao lado de Pelé, Usain Bolt, Michael Phelps, Ayrton Senna, Michael Jordan e Tiger Woods. Em cada episódio temos uma verdadeira aula de liderança, relacionamento, adaptabilidade, desempenho, dedicação e até de motivação, com imagens de dentro de um ambiente extremamente fechado e pela voz de quem realmente esteve lá e venceu.
Vale muito a pena!
A única coisa ruim de "A Bilionária, o Mordomo e o Namorado", minissérie documental da Netflix, é o nome. Quilômetros de se alinhar com a proposta de retratar os bastidores da vida de Liliane Bettencourt, herdeira do império L'Oréal e considerada a mulher mais rica do mundo, o título diminui demais o valor histórico da trama que envolve desde espionagem, passando pelas brigas envolvendo sua família até chegar em conspirações politicas que quase derrubaram um presidente. E escrevo isso com a tranquilidade de quem achou que, em um primeiro olhar, se tratava de uma versão elegante de "Proibido por Deus"! Muito pelo contrário, aqui a narrativa nos leva para uma complexa teia de relacionamentos, dinheiro, poder e influência que deixaria os roteiristas de "The Crown" e de "Succession" de cabelo em pé - aliás, que série seria se a história dos Bettencourt fosse contada em detalhes na ficção!
Escândalo nas manchetes de todos os meios de comunicação franceses na década de 2010, o caso Bettencourt é o centro de uma história sombria onde uma bilionária idosa e fragilizada precisa lidar com várias pessoas tentando explorar sua riqueza, entre eles um fotógrafo picareta e um secretário de confiança; com uma filha distante determinada a obter a sua tutela legal e até mesmo com um mordomo que atuou como espião ao instalar microfones por toda a mansão e que depois ainda liberou todas essas gravações para a imprensa. Confira o trailer (em francês):
"L'Affaire Bettencourt: Scandale chez la femme la plus riche du monde" (no original), de fato, tem uma narrativa, habilmente construída pelos diretores Baptiste Etchegaray e Maxime Bonnet, muito envolvente - com depoimentos de peças-chave de todo o escândalo que envolveu a família (como Patrice de Maistre, secretário de Liliane), imagens de arquivo, reconstituições criadas tendo as fitas gravadas pelo mordomo como fio condutor e interferências gráficas belíssimas; a minissérie tem tudo para agradar quem gosta de um "barraco chique" - desculpem o tom da expressão (e não falo de superficialidade), mas é que é impossível não lembrar das passagens constrangedoras de "Succession" ao assistir esses três episódios.
Aqui é possível encontrar uma pesquisa minuciosa, com interações de jornalistas, amigos pessoais e até políticos influentes, que validam aquilo tudo que está sendo mostrado em retrospectiva - é como se esses depoimentos quisessem justificar tudo que aconteceu entre Liliane Bettencourt, sua filha Françoise Bettencourt Meyers, seu amigo François Marie Banier e, claro, Nicolas Sarkozy e seu ministro Eric Woerth. O roteiro é inteligente o bastante para, ao mesmo tempo que revela detalhes e nuances da vida de Liliane que escaparam à atenção pública, também expõe a influência política da família, lançando luz sobre uma complexa rede de relações pautadas no poder e no dinheiro que transita nas esferas políticas da França.
Mesmo que possa soar assunto de programa de fofoca, a minissérie sabe equilibrar muito bem nossa natural curiosidade pelo estilo de vida de uma mulher tão rica como Liliane, com uma análise mais crítica sobre os problemas que rodeavam sua família através dos anos. Existe sim uma busca pelos culpados, ou pelo menos pelas razões que fizeram pessoas agirem de uma forma, digamos, muito suspeita, mas é revelando o retrato humano, que transcende a espetacularização dos escândalos, que a "A Bilionária, o Mordomo e o Namorado" ganha força. Mesmo que o "Namorado" nunca tenha sido um namorado, que o "Mordomo" praticamente passe despercebido, é a história da "Bilionária" que nos faz ficar grudado na tela até o seu final - que aliás, deixa um certo gosto amargo e nos faz refletir sobre o que realmente representa a felicidade!
Vale muito o seu play!
A única coisa ruim de "A Bilionária, o Mordomo e o Namorado", minissérie documental da Netflix, é o nome. Quilômetros de se alinhar com a proposta de retratar os bastidores da vida de Liliane Bettencourt, herdeira do império L'Oréal e considerada a mulher mais rica do mundo, o título diminui demais o valor histórico da trama que envolve desde espionagem, passando pelas brigas envolvendo sua família até chegar em conspirações politicas que quase derrubaram um presidente. E escrevo isso com a tranquilidade de quem achou que, em um primeiro olhar, se tratava de uma versão elegante de "Proibido por Deus"! Muito pelo contrário, aqui a narrativa nos leva para uma complexa teia de relacionamentos, dinheiro, poder e influência que deixaria os roteiristas de "The Crown" e de "Succession" de cabelo em pé - aliás, que série seria se a história dos Bettencourt fosse contada em detalhes na ficção!
Escândalo nas manchetes de todos os meios de comunicação franceses na década de 2010, o caso Bettencourt é o centro de uma história sombria onde uma bilionária idosa e fragilizada precisa lidar com várias pessoas tentando explorar sua riqueza, entre eles um fotógrafo picareta e um secretário de confiança; com uma filha distante determinada a obter a sua tutela legal e até mesmo com um mordomo que atuou como espião ao instalar microfones por toda a mansão e que depois ainda liberou todas essas gravações para a imprensa. Confira o trailer (em francês):
"L'Affaire Bettencourt: Scandale chez la femme la plus riche du monde" (no original), de fato, tem uma narrativa, habilmente construída pelos diretores Baptiste Etchegaray e Maxime Bonnet, muito envolvente - com depoimentos de peças-chave de todo o escândalo que envolveu a família (como Patrice de Maistre, secretário de Liliane), imagens de arquivo, reconstituições criadas tendo as fitas gravadas pelo mordomo como fio condutor e interferências gráficas belíssimas; a minissérie tem tudo para agradar quem gosta de um "barraco chique" - desculpem o tom da expressão (e não falo de superficialidade), mas é que é impossível não lembrar das passagens constrangedoras de "Succession" ao assistir esses três episódios.
Aqui é possível encontrar uma pesquisa minuciosa, com interações de jornalistas, amigos pessoais e até políticos influentes, que validam aquilo tudo que está sendo mostrado em retrospectiva - é como se esses depoimentos quisessem justificar tudo que aconteceu entre Liliane Bettencourt, sua filha Françoise Bettencourt Meyers, seu amigo François Marie Banier e, claro, Nicolas Sarkozy e seu ministro Eric Woerth. O roteiro é inteligente o bastante para, ao mesmo tempo que revela detalhes e nuances da vida de Liliane que escaparam à atenção pública, também expõe a influência política da família, lançando luz sobre uma complexa rede de relações pautadas no poder e no dinheiro que transita nas esferas políticas da França.
Mesmo que possa soar assunto de programa de fofoca, a minissérie sabe equilibrar muito bem nossa natural curiosidade pelo estilo de vida de uma mulher tão rica como Liliane, com uma análise mais crítica sobre os problemas que rodeavam sua família através dos anos. Existe sim uma busca pelos culpados, ou pelo menos pelas razões que fizeram pessoas agirem de uma forma, digamos, muito suspeita, mas é revelando o retrato humano, que transcende a espetacularização dos escândalos, que a "A Bilionária, o Mordomo e o Namorado" ganha força. Mesmo que o "Namorado" nunca tenha sido um namorado, que o "Mordomo" praticamente passe despercebido, é a história da "Bilionária" que nos faz ficar grudado na tela até o seu final - que aliás, deixa um certo gosto amargo e nos faz refletir sobre o que realmente representa a felicidade!
Vale muito o seu play!
Para um experiência completa, antes de assistir essa recomendação eu sugiro dois documentários que vão contextualizar com muito mais profundidade o tamanho do problema em que Príncipe Andrew se meteu em 2010, são eles: "Jeffrey Epstein: Poder e Perversão" e "Ghislaine Maxwell: Poder e Perversão". No entanto, se você busca apenas um ótimo entretenimento "A Grande Entrevista" por si só já cumpre esse papel (e aí se a curiosidade tomar conta de você, busque essas duas outras produções da Netflix). O fato é que esse filme dirigido pelo talentoso Philip Martin (de "The Crown" e vencedor do Emmy com "Prime Suspect: The Final Act") e baseado no livro "Scoops" de Sam McAlister, é mais um daqueles dramas jornalísticos, com fortes elementos biográficos e com um toque de thriller político que vem fazendo muito sucesso no cinema e no streaming e que certamente vai te fazer lembrar de "Ela Disse", de "O Escândalo" e de "American Crime Story: Impeachment", para citar apenas três grandes sucessos.
Aqui, a trama basicamente acompanha a jornalista Emily Maitlis (Gillian Anderson) e a produtora Sam McAlister (Billie Piper) em sua missão de conseguir uma entrevista exclusiva com o Príncipe Andrew (Rufus Sewell) para o News Night da BBC. O objetivo: fazê-lo responder sobre sua relação próxima com o bilionário e pedófilo Jeffrey Epstein que acabara de aparecer morto na prisão. Em meio ao turbilhão dos fatos, a insegurança do jogo de poder entre a manipulação e a pressão da mídia, essas duas mulheres lutam para revelar a verdade e expor a hipocrisia da realeza britânica em rede nacional. Confira o trailer:
Mais do que um relato importante sobre os fatos, "A Grande Entrevista" é um interessante estudo de personagem - é fascinante como rapidamente o roteiro nos coloca dentro do assunto pelo olhar investigativo (e crítico) de McAlister e pelo receio (assustador) de Andrew. É ai que o filme ganha força, já que as performances de Piper e Sewell, respectivamente, são impecáveis. Enquanto existe um tom mais visceral em McAlister que captura com exatidão a ambição, a tenacidade e a frustração de não ser reconhecida em uma época onde a BBC passava por maus bocados, Anderson e Sewell revivem o embate midiático de uma forma tão sensível e detalhista que temos a exata sensação de estarmos assistindo a entrevista original e não sua dramatização.
Veja, com uma qualidade técnica e artística invejável, o filme de fato oferece um contraponto sólido e humano de como as jornalistas lidaram com o caso e de como isso impactou na relação dos britânicos com a realeza - especialmente em um ponto onde as mídias sociais borbulhavam com sua ironia e julgamento. A direção de Martin é precisa nesse sentido, já que ele usa os fatos de maneira muito elegante para criar uma atmosfera tensa e claustrofóbica que prende a audiência do início ao fim - talvez a personificação dessa relação conflituosa entre os personagens e o tempo onde os escândalos acontecem para serem julgados por qualquer um, esteja justamente em Amanda Thirsk (Keeley Hawes) secretária particular do Príncipe.
Obviamente que "A Grande Entrevista" te fará questionar os limites do poder, da verdade e da justiça. Rufus Sewell recria o desconforto e as manias de Andrew com maestria - até sua estranha obsessão por ursinhos de pelúcia está no filme. A fotografia da Nanu Segal, vale ressaltar, contribui para a construção do caos interno que é esse personagem com a mesma competência com que enquadra o vazio existencial do Palácio de Buckingham, fazendo assim um retrato corajoso e instigante de um momento crucial na história recente da realeza e um tributo à força e à perseverança das mulheres que desafiaram o status quo em busca de uma verdade bastante inconveniente.
Vale muito a pena!
Para um experiência completa, antes de assistir essa recomendação eu sugiro dois documentários que vão contextualizar com muito mais profundidade o tamanho do problema em que Príncipe Andrew se meteu em 2010, são eles: "Jeffrey Epstein: Poder e Perversão" e "Ghislaine Maxwell: Poder e Perversão". No entanto, se você busca apenas um ótimo entretenimento "A Grande Entrevista" por si só já cumpre esse papel (e aí se a curiosidade tomar conta de você, busque essas duas outras produções da Netflix). O fato é que esse filme dirigido pelo talentoso Philip Martin (de "The Crown" e vencedor do Emmy com "Prime Suspect: The Final Act") e baseado no livro "Scoops" de Sam McAlister, é mais um daqueles dramas jornalísticos, com fortes elementos biográficos e com um toque de thriller político que vem fazendo muito sucesso no cinema e no streaming e que certamente vai te fazer lembrar de "Ela Disse", de "O Escândalo" e de "American Crime Story: Impeachment", para citar apenas três grandes sucessos.
Aqui, a trama basicamente acompanha a jornalista Emily Maitlis (Gillian Anderson) e a produtora Sam McAlister (Billie Piper) em sua missão de conseguir uma entrevista exclusiva com o Príncipe Andrew (Rufus Sewell) para o News Night da BBC. O objetivo: fazê-lo responder sobre sua relação próxima com o bilionário e pedófilo Jeffrey Epstein que acabara de aparecer morto na prisão. Em meio ao turbilhão dos fatos, a insegurança do jogo de poder entre a manipulação e a pressão da mídia, essas duas mulheres lutam para revelar a verdade e expor a hipocrisia da realeza britânica em rede nacional. Confira o trailer:
Mais do que um relato importante sobre os fatos, "A Grande Entrevista" é um interessante estudo de personagem - é fascinante como rapidamente o roteiro nos coloca dentro do assunto pelo olhar investigativo (e crítico) de McAlister e pelo receio (assustador) de Andrew. É ai que o filme ganha força, já que as performances de Piper e Sewell, respectivamente, são impecáveis. Enquanto existe um tom mais visceral em McAlister que captura com exatidão a ambição, a tenacidade e a frustração de não ser reconhecida em uma época onde a BBC passava por maus bocados, Anderson e Sewell revivem o embate midiático de uma forma tão sensível e detalhista que temos a exata sensação de estarmos assistindo a entrevista original e não sua dramatização.
Veja, com uma qualidade técnica e artística invejável, o filme de fato oferece um contraponto sólido e humano de como as jornalistas lidaram com o caso e de como isso impactou na relação dos britânicos com a realeza - especialmente em um ponto onde as mídias sociais borbulhavam com sua ironia e julgamento. A direção de Martin é precisa nesse sentido, já que ele usa os fatos de maneira muito elegante para criar uma atmosfera tensa e claustrofóbica que prende a audiência do início ao fim - talvez a personificação dessa relação conflituosa entre os personagens e o tempo onde os escândalos acontecem para serem julgados por qualquer um, esteja justamente em Amanda Thirsk (Keeley Hawes) secretária particular do Príncipe.
Obviamente que "A Grande Entrevista" te fará questionar os limites do poder, da verdade e da justiça. Rufus Sewell recria o desconforto e as manias de Andrew com maestria - até sua estranha obsessão por ursinhos de pelúcia está no filme. A fotografia da Nanu Segal, vale ressaltar, contribui para a construção do caos interno que é esse personagem com a mesma competência com que enquadra o vazio existencial do Palácio de Buckingham, fazendo assim um retrato corajoso e instigante de um momento crucial na história recente da realeza e um tributo à força e à perseverança das mulheres que desafiaram o status quo em busca de uma verdade bastante inconveniente.
Vale muito a pena!
Não é uma tarefa fácil analisar um documentário como esse - ele é forte, impactante, denso, provocador até! Dividido em duas partes, “Kevin Spacey – A História Não Contada”, posso adiantar, é ótimo, mas é impossível dizer que haja imparcialidade na sua narrativa. Embora o trabalho de pesquisa da Katherine Haywood (uma das produtoras de "Quem É Ghislaine Maxwell?") seja dos mais competentes, sua proposta narrativa como diretora, basicamente, se apoia em apenas um lado da história, colocando ainda mais lenha na fogueira. Ao trazer para os holofotes os depoimentos de 10 supostas vitimas do ator, sendo 9 novos casos, Haywood praticamente elimina qualquer chance de termos algum tipo de simpatia por Kevin Spacey que, diga-se de passagem, acabou de ser inocentado de todas as acusações de assédio e abuso sexual que tinham contra ele. Ao criar uma linha do tempo das mais interessantes, a diretora constrói um retrato do ator desde sua humilde infância em New Jersey até o auge de sua carreira em Hollywood, relativizando algumas passagens traumáticas para escancarar sua postura como abusador, onde o poder e a influência, reflexo do seu enorme sucesso, de fato, moldaram algumas de suas piores atitudes ao longo dos anos.
Sem nenhum corte, "A História Não Contada” impressiona demais pela honestidade de seus 10 depoentes. Ao acompanhar a trajetória de Spacey desde seus primeiros passos no teatro amador até se tornar um dos atores mais requisitados de Hollywood, temos um perfil dos mais curiosos sobre uma pessoa que parece ter perdido a noção do que é certo e errado em muitas oportunidades. Veja, são entrevistas com amigos, familiares, colegas de profissão e até mesmo com algumas das vítimas desses abusos, o que nos dá a exata noção do quão complexo e multifacetado é o ator, revelando tanto seu talento inegável quanto seus fantasmas mais íntimos. Confira o trailer:
Mais do que um mero relato de fatos, com inúmeras cenas de arquivo e gravações do próprio Kevin Spacey, essa produção da Discovery é um verdadeiro estudo psicológico sobre as motivações e os conflitos internos de um indivíduo talentoso, mas profundamente atormentado. Em dois episódios, a minissérie nos convida a questionar as nuances do comportamento humano, explorando temas como a insegurança, os traumas, a ambição, o poder, o vício e, principalmente, a sensação de invencibilidade. Ao revelar os bastidores da indústria do entretenimento e as consequências devastadoras do poder acima de tudo, "Kevin Spacey - A História Não Contada" se torna uma obra necessária e urgente - um lembrete de que nem tudo que reluz é ouro, e que por trás da máscara do sucesso podem se esconder histórias sombrias e dolorosas.
Mas nem tudo são elogios, se o documentário é eficaz ao mostrar como a fama pode ser uma ferramenta de manipulação, especialmente em um ambiente onde as estrelas têm um controle desproporcional sobre seus colegas de trabalho, ela falha ao não se aprofundar no contexto onde os supostos abusos foram realizados. Da forma como a história é contada, Kevin Spacey é claramente uma pessoa doente, então por qual razão ele não foi condenado em algum de seus supostos crimes? A resposta é simples: na vida real existiu uma dúvida, no documentário não existe!
"Kevin Spacey: A História Não Contada" é um documentário imperdível para quem busca ir além da superfície e tenta entender as complexas engrenagens da psique humana. Embora as resposta não estejam ali, a narrativa te convida ao julgamento - não existe uma saída que não seja condenar seu protagonista. Haywood entrega uma obra perigosa por sua parcialidade, mas ao olharmos por uma perspectiva um pouco mais ampla, seu propósito acaba sendo cumprido, provocando reflexões, despertando a consciência perante o poder e nos convidando a repensar nossos valores e crenças sobre fama e a justiça. Entender a complexidade das acusações contra o ator e o impacto de seu comportamento na vida de muitos homens, acredite, é só o começo dessa jornada bastante indigesta.
Vale seu play!
Não é uma tarefa fácil analisar um documentário como esse - ele é forte, impactante, denso, provocador até! Dividido em duas partes, “Kevin Spacey – A História Não Contada”, posso adiantar, é ótimo, mas é impossível dizer que haja imparcialidade na sua narrativa. Embora o trabalho de pesquisa da Katherine Haywood (uma das produtoras de "Quem É Ghislaine Maxwell?") seja dos mais competentes, sua proposta narrativa como diretora, basicamente, se apoia em apenas um lado da história, colocando ainda mais lenha na fogueira. Ao trazer para os holofotes os depoimentos de 10 supostas vitimas do ator, sendo 9 novos casos, Haywood praticamente elimina qualquer chance de termos algum tipo de simpatia por Kevin Spacey que, diga-se de passagem, acabou de ser inocentado de todas as acusações de assédio e abuso sexual que tinham contra ele. Ao criar uma linha do tempo das mais interessantes, a diretora constrói um retrato do ator desde sua humilde infância em New Jersey até o auge de sua carreira em Hollywood, relativizando algumas passagens traumáticas para escancarar sua postura como abusador, onde o poder e a influência, reflexo do seu enorme sucesso, de fato, moldaram algumas de suas piores atitudes ao longo dos anos.
Sem nenhum corte, "A História Não Contada” impressiona demais pela honestidade de seus 10 depoentes. Ao acompanhar a trajetória de Spacey desde seus primeiros passos no teatro amador até se tornar um dos atores mais requisitados de Hollywood, temos um perfil dos mais curiosos sobre uma pessoa que parece ter perdido a noção do que é certo e errado em muitas oportunidades. Veja, são entrevistas com amigos, familiares, colegas de profissão e até mesmo com algumas das vítimas desses abusos, o que nos dá a exata noção do quão complexo e multifacetado é o ator, revelando tanto seu talento inegável quanto seus fantasmas mais íntimos. Confira o trailer:
Mais do que um mero relato de fatos, com inúmeras cenas de arquivo e gravações do próprio Kevin Spacey, essa produção da Discovery é um verdadeiro estudo psicológico sobre as motivações e os conflitos internos de um indivíduo talentoso, mas profundamente atormentado. Em dois episódios, a minissérie nos convida a questionar as nuances do comportamento humano, explorando temas como a insegurança, os traumas, a ambição, o poder, o vício e, principalmente, a sensação de invencibilidade. Ao revelar os bastidores da indústria do entretenimento e as consequências devastadoras do poder acima de tudo, "Kevin Spacey - A História Não Contada" se torna uma obra necessária e urgente - um lembrete de que nem tudo que reluz é ouro, e que por trás da máscara do sucesso podem se esconder histórias sombrias e dolorosas.
Mas nem tudo são elogios, se o documentário é eficaz ao mostrar como a fama pode ser uma ferramenta de manipulação, especialmente em um ambiente onde as estrelas têm um controle desproporcional sobre seus colegas de trabalho, ela falha ao não se aprofundar no contexto onde os supostos abusos foram realizados. Da forma como a história é contada, Kevin Spacey é claramente uma pessoa doente, então por qual razão ele não foi condenado em algum de seus supostos crimes? A resposta é simples: na vida real existiu uma dúvida, no documentário não existe!
"Kevin Spacey: A História Não Contada" é um documentário imperdível para quem busca ir além da superfície e tenta entender as complexas engrenagens da psique humana. Embora as resposta não estejam ali, a narrativa te convida ao julgamento - não existe uma saída que não seja condenar seu protagonista. Haywood entrega uma obra perigosa por sua parcialidade, mas ao olharmos por uma perspectiva um pouco mais ampla, seu propósito acaba sendo cumprido, provocando reflexões, despertando a consciência perante o poder e nos convidando a repensar nossos valores e crenças sobre fama e a justiça. Entender a complexidade das acusações contra o ator e o impacto de seu comportamento na vida de muitos homens, acredite, é só o começo dessa jornada bastante indigesta.
Vale seu play!
"A Mente do Assassino: Aaron Hernandez" é mais um daqueles documentários que nos fazem refletir sobre a verdadeira condição humana como reflexo de uma sociedade doente, onde os valores são facilmente subvertidos e uma família desestruturada só colabora para essa quebra de confiança e afeto. Claro que existia uma patologia, a encefalopatia traumática crônica - uma doença que causa trauma cerebral em jogadores de futebol americano, resultado de concussões repetidas na cabeça e que merece nossa atenção; mas o fato é que alguns (ou a combinação) desses fatores transformaram um jovem jogador da NFL em um frio assassino! Aaron Hernandez já era uma realidade do esporte com pouco mais de 20 anos, jogava no New England Patriots com Tom Brady e ao lado de Rob Gronkowski, tinha acabado de jogar um Super Bowl onde, inclusive, marcou um Touchdown, tinha um contrato de 40 milhões de dólares garantidos, uma esposa e uma filha recém nascida! Tudo caminhava bem até que o corpo de Ortiz Lloyd é encontrado em North Attleboro, próximo a mansão de Aaron. Lloyd era namorado da irmã de sua esposa e foi só a investigação começar que o jogador já foi preso graças as inúmeras evidências que o colocavam como principal suspeito!
A série da Netflix, destrincha essas evidências ao mesmo tempo em que reconstrói a caminhada esportiva e social de Aaron Hernandez até o dia do seu suicídio. São três episódios de uma hora, com uma dinâmica bastante interessante que não se propõem em inocentar o atleta e sim tentar descobrir as razões que o levaram a cometer o crime! Olha, se você gostou de "O.J.: Made in America", não perca tempo, dê o play porque você não vai se arrepender! Confira o trailer:
O diretor de "A Mente do Assassino: Aaron Hernandez" é Geno McDermott, o produtor responsável por "The Murder Tapes". Ele foi muito inteligente em construir uma narrativa fácil de acompanhar, até para quem não conhece muito dos bastidores do futebol americano. Desde a infância de Aaron Hernandez em Connecticut, passando pela escolha de estudar (e jogar) na Universidade da Flórida, até seus últimos dias no melhor time da NFL, o New England Patriots; a série estabelece uma linha temporal que, embora não seja tão linear, equilibra muito bem vida pessoal e esportiva com depoimentos de fãs, colegas de trabalho, familiares, jornalistas e advogados, com imagens do julgamento, de reportagens da época e até uma ou outra cena dramatizada - o fato é que o documentário poderia ser um filme de ficção tranquilamente de tão potente que é a história - a dinâmica e o storytelling construído estão perfeitos! Algumas fotografias, vídeos, imagens de vigilância e até alguns telefonemas gravados enquanto Aaron Hernandez estava na prisão ajudam a construir um personagem extremamente complexo e uma história surreal, que nos convida ao julgamento a cada nova informação - muito na linha do que aprendemos a amar com "Making a Murderer".
"A Mente do Assassino:Aaron Hernandez" é uma série documental para quem gosta do gênero. Não é um projeto tão complexo como o já citado "Making a Murderer" que acompanha a investigação, o julgamento e busca pela inocência do protagonista; também não tem tantas reviravoltas e, poucas vezes, a história nos deixa alguma dúvida, mas, certamente, tem um valor enorme como o relato de uma vida que se perde dentro das suas próprias conquistas. Tomei muito cuidado durante minha escrita para não entrar em detalhes do caso e para não estragar a sua experiência de descobertas, mas quero deixar claro que existem pontos obscuros, versões nebulosas sobre certas passagens e até algumas especulações que seriam impossíveis de se comprovar nesse momento - o que torna a série da Netflix viciante como todas as outras desse mesmo estilo - para quem gosta, claro!
"A Mente do Assassino: Aaron Hernandez" é mais um daqueles documentários que nos fazem refletir sobre a verdadeira condição humana como reflexo de uma sociedade doente, onde os valores são facilmente subvertidos e uma família desestruturada só colabora para essa quebra de confiança e afeto. Claro que existia uma patologia, a encefalopatia traumática crônica - uma doença que causa trauma cerebral em jogadores de futebol americano, resultado de concussões repetidas na cabeça e que merece nossa atenção; mas o fato é que alguns (ou a combinação) desses fatores transformaram um jovem jogador da NFL em um frio assassino! Aaron Hernandez já era uma realidade do esporte com pouco mais de 20 anos, jogava no New England Patriots com Tom Brady e ao lado de Rob Gronkowski, tinha acabado de jogar um Super Bowl onde, inclusive, marcou um Touchdown, tinha um contrato de 40 milhões de dólares garantidos, uma esposa e uma filha recém nascida! Tudo caminhava bem até que o corpo de Ortiz Lloyd é encontrado em North Attleboro, próximo a mansão de Aaron. Lloyd era namorado da irmã de sua esposa e foi só a investigação começar que o jogador já foi preso graças as inúmeras evidências que o colocavam como principal suspeito!
A série da Netflix, destrincha essas evidências ao mesmo tempo em que reconstrói a caminhada esportiva e social de Aaron Hernandez até o dia do seu suicídio. São três episódios de uma hora, com uma dinâmica bastante interessante que não se propõem em inocentar o atleta e sim tentar descobrir as razões que o levaram a cometer o crime! Olha, se você gostou de "O.J.: Made in America", não perca tempo, dê o play porque você não vai se arrepender! Confira o trailer:
O diretor de "A Mente do Assassino: Aaron Hernandez" é Geno McDermott, o produtor responsável por "The Murder Tapes". Ele foi muito inteligente em construir uma narrativa fácil de acompanhar, até para quem não conhece muito dos bastidores do futebol americano. Desde a infância de Aaron Hernandez em Connecticut, passando pela escolha de estudar (e jogar) na Universidade da Flórida, até seus últimos dias no melhor time da NFL, o New England Patriots; a série estabelece uma linha temporal que, embora não seja tão linear, equilibra muito bem vida pessoal e esportiva com depoimentos de fãs, colegas de trabalho, familiares, jornalistas e advogados, com imagens do julgamento, de reportagens da época e até uma ou outra cena dramatizada - o fato é que o documentário poderia ser um filme de ficção tranquilamente de tão potente que é a história - a dinâmica e o storytelling construído estão perfeitos! Algumas fotografias, vídeos, imagens de vigilância e até alguns telefonemas gravados enquanto Aaron Hernandez estava na prisão ajudam a construir um personagem extremamente complexo e uma história surreal, que nos convida ao julgamento a cada nova informação - muito na linha do que aprendemos a amar com "Making a Murderer".
"A Mente do Assassino:Aaron Hernandez" é uma série documental para quem gosta do gênero. Não é um projeto tão complexo como o já citado "Making a Murderer" que acompanha a investigação, o julgamento e busca pela inocência do protagonista; também não tem tantas reviravoltas e, poucas vezes, a história nos deixa alguma dúvida, mas, certamente, tem um valor enorme como o relato de uma vida que se perde dentro das suas próprias conquistas. Tomei muito cuidado durante minha escrita para não entrar em detalhes do caso e para não estragar a sua experiência de descobertas, mas quero deixar claro que existem pontos obscuros, versões nebulosas sobre certas passagens e até algumas especulações que seriam impossíveis de se comprovar nesse momento - o que torna a série da Netflix viciante como todas as outras desse mesmo estilo - para quem gosta, claro!
Você precisa assistir esse documentário! Independente da sua idade, mas sabendo que para os maiores de 40 anos a história terá uma camada extra de nostalgia, "A Noite que Mudou o Pop" é uma das melhores coisas que você vai assistir em muito tempo. Sim, eu sei que posso parecer exagerado, mas o documentário do diretor Bao Nguyen ("Be Water") é um verdadeiro mergulho na emocionante gravação de "We Are the World", canção beneficente contra fome na Etiópia, que reuniu as maiores estrelas da música naquele ano. O filme é uma aula de criatividade, de network, de planejamento (naquelas condições tão especiais), de liderança e, principalmente, de generosidade (embora aqui dê para separar o "joio do trigo").
Em 28 de janeiro de 1985, ícones da música como Lionel Richie, Michael Jackson, Stevie Wonder, Cyndi Lauper, Bruce Springsteen, entre outros; se reuniram para gravar "We Are the World", uma canção composta por Richie e Jackson para combater a fome na África que alcançava números alarmantes. Aqui acompanhamos os bastidores desse projeto histórico, desde a ideia, a concepção da música, a logística para que todos estivessem em Los Angeles no mesmo dia, até a gravação final; revelando os desafios, as alegrias e uma envolvente camaradagem entre tantos profissionais bem acima da média. Confira o trailer (em inglês):
Cheio de preciosidades, o roteiro de Nguyen é preciso ao construir uma linha temporal clara e objetiva sobre o projeto e como tudo foi se encaixando. Bob Geldof e Midge Ure iniciaram um movimento contra a fome que originou o "Do They Know It’s Christmas?"- uma gravação realizada por uma "super banda" chamada Band Aid e que contava com nomes como George Michael, Phil Collins, Bono Vox, Paul McCartney, Sting, entre outros. Inspirado por Geldof e Ure, Harry Belafonte pediu para o agente musical e produtor americano Ken Kragen começar a reunir nomes importantes do que viria a se tornar o fenômeno "We Are the World". A grande questão é que não se reune quase 50 astros da música em apenas uma semana. Dito isso, dá para se ter uma ideia da maratona (e todas as dificuldades) que foi colocar esse projeto em pé, culminando nas gravações (de áudio e vídeo) em uma única noite e que acabou durando por toda a madrugada - era isso ou nada!
Com imagens de arquivo e entrevistas com alguns participantes memoráveis como Springsteen, Richie e Lauper, o documentário não só captura a magia daquele momento único como também pontua casos curiosos de bastidores que nunca antes foram revelados. Nguyen é sensível ao criar uma dinâmica que soa como uma viagem no tempo, intercalando essas entrevistas com imagens da gravação e cenas da época, fazendo um recorte histórico importante daquela noite - e digo histórico no sentido mais amplo da palavra, já que, infelizmente, muitos que estiveram ali, já se foram, e claro, não preciso nem dizer o quanto "We Are the World" foi importante como obra. Talvez, ou até justamente por isso, senti que "A Noite que Mudou o Pop" parece ter uma duração apertada. Para lidar com tantos nomes importantes, eu diria que é admirável o esforço da produção em não esquecer de ninguém ou de nenhum detalhe - o desconforto de Bob Dylan é tão evidente quanto a sua transformação quando ele vira protagonista da gravação. Reparem.
"The Greatest Night in Pop" (no original) vai além da música que estava sendo gravada - é um filme sobre esperança, união e o poder da arte para fazer a diferença. É um lembrete da importância da ação social e da responsabilidade que os artistas têm e de como usar sua enorme capacidade criativa (até da voz, claro) para causas tão importantes. Mais do que um documentário, o que temos aqui é uma experiência emocionante, inspiradora e muito envolvente - um filme que vai te tocar a alma e, certamente, te fazer cantar. Imperdível!
Vale muito o seu play!
Você precisa assistir esse documentário! Independente da sua idade, mas sabendo que para os maiores de 40 anos a história terá uma camada extra de nostalgia, "A Noite que Mudou o Pop" é uma das melhores coisas que você vai assistir em muito tempo. Sim, eu sei que posso parecer exagerado, mas o documentário do diretor Bao Nguyen ("Be Water") é um verdadeiro mergulho na emocionante gravação de "We Are the World", canção beneficente contra fome na Etiópia, que reuniu as maiores estrelas da música naquele ano. O filme é uma aula de criatividade, de network, de planejamento (naquelas condições tão especiais), de liderança e, principalmente, de generosidade (embora aqui dê para separar o "joio do trigo").
Em 28 de janeiro de 1985, ícones da música como Lionel Richie, Michael Jackson, Stevie Wonder, Cyndi Lauper, Bruce Springsteen, entre outros; se reuniram para gravar "We Are the World", uma canção composta por Richie e Jackson para combater a fome na África que alcançava números alarmantes. Aqui acompanhamos os bastidores desse projeto histórico, desde a ideia, a concepção da música, a logística para que todos estivessem em Los Angeles no mesmo dia, até a gravação final; revelando os desafios, as alegrias e uma envolvente camaradagem entre tantos profissionais bem acima da média. Confira o trailer (em inglês):
Cheio de preciosidades, o roteiro de Nguyen é preciso ao construir uma linha temporal clara e objetiva sobre o projeto e como tudo foi se encaixando. Bob Geldof e Midge Ure iniciaram um movimento contra a fome que originou o "Do They Know It’s Christmas?"- uma gravação realizada por uma "super banda" chamada Band Aid e que contava com nomes como George Michael, Phil Collins, Bono Vox, Paul McCartney, Sting, entre outros. Inspirado por Geldof e Ure, Harry Belafonte pediu para o agente musical e produtor americano Ken Kragen começar a reunir nomes importantes do que viria a se tornar o fenômeno "We Are the World". A grande questão é que não se reune quase 50 astros da música em apenas uma semana. Dito isso, dá para se ter uma ideia da maratona (e todas as dificuldades) que foi colocar esse projeto em pé, culminando nas gravações (de áudio e vídeo) em uma única noite e que acabou durando por toda a madrugada - era isso ou nada!
Com imagens de arquivo e entrevistas com alguns participantes memoráveis como Springsteen, Richie e Lauper, o documentário não só captura a magia daquele momento único como também pontua casos curiosos de bastidores que nunca antes foram revelados. Nguyen é sensível ao criar uma dinâmica que soa como uma viagem no tempo, intercalando essas entrevistas com imagens da gravação e cenas da época, fazendo um recorte histórico importante daquela noite - e digo histórico no sentido mais amplo da palavra, já que, infelizmente, muitos que estiveram ali, já se foram, e claro, não preciso nem dizer o quanto "We Are the World" foi importante como obra. Talvez, ou até justamente por isso, senti que "A Noite que Mudou o Pop" parece ter uma duração apertada. Para lidar com tantos nomes importantes, eu diria que é admirável o esforço da produção em não esquecer de ninguém ou de nenhum detalhe - o desconforto de Bob Dylan é tão evidente quanto a sua transformação quando ele vira protagonista da gravação. Reparem.
"The Greatest Night in Pop" (no original) vai além da música que estava sendo gravada - é um filme sobre esperança, união e o poder da arte para fazer a diferença. É um lembrete da importância da ação social e da responsabilidade que os artistas têm e de como usar sua enorme capacidade criativa (até da voz, claro) para causas tão importantes. Mais do que um documentário, o que temos aqui é uma experiência emocionante, inspiradora e muito envolvente - um filme que vai te tocar a alma e, certamente, te fazer cantar. Imperdível!
Vale muito o seu play!
O documentário do Star+ foi até vendido com ares de drama e lavação de roupa suja, mas a grande verdade é que "A Super Fantástica História do Balão" é muito mais uma celebração, um recorte de uma época que praticamente marcou uma geração, e, principalmente, é uma análise sobre o sucesso pela perspectiva de cada um dos seus quatro integrantes. Se em "Sandy & Junior: A História" somos transportados para uma jornada de 30 anos de carreira da maior referência na música jovem que o Brasil já teve, aqui a minissérie de três episódios mergulha nos, inacreditáveis 3 anos de sucesso fenomenal do maior grupo infantil da nossa história. E já adianto, se você passou dos 40, você vai se emocionar!
Em "A Super Fantástica História do Balão", o quarteto Simony, Jairzinho, Tob e Mike se reunem pela primeira vez para dar suas versões sobre o começo, o auge e o fim do fenômeno infantil dos anos 80, o Balão Mágico. Ilustrados por depoimentos de pessoas que fizeram parte do projeto e por inéditas imagens de arquivo, os quatro relatam suas experiências pessoais e profissionais a partir do sucesso meteórico do grupo, ainda quando eram crianças. Confira o trailer:
Com direção de Tatiana Issa, que comandou o filme “Pacto Brutal: o assassinato de Daniela Perez” e roteiro de Fernando Ceylão (“Zorra Total”) e de Beatriz Monteiro (“Caso Evandro”), a minissérie sabe equilibrar perfeitamente dois cenários: um com os depoimentos dos quatro integrantes juntos, em uma espécie de reencontro emocional; e outro com uma versão tão honesta quanto, de entrevistas individuais com cada um deles. Obviamente que os assuntos mais espinhosos são discutidos individualmente e mesmo assim fica longe do que a plataforma insistiu em vender como polêmica desde o anúncio do projeto. Outro ponto a ser observado, diz respeito aos depoimentos dos artistas, familiares e executivos do entretenimento que participaram da construção do Balão Mágico - são eles que pontuam os dramas e os pontos mais sensíveis dos bastidores, mas já te adianto: nada que possa nos deixar de cabelo em pé ou nos provocar alguma emoção mais acalorada. O fato é que o tom da narrativa é leve, nostálgica, agradável e até emocionante; nunca tensa.
O grupo era claramente um produto da indústria fonográfica dos anos 80, mais precisamente da CBS (que depois veio ser vendida para a Som Livre). Tudo, absolutamente tudo, foi moldado para atender aos interesses comerciais de uma fatia do mercado de entretenimento praticamente inexistente na época. O grande ponto, e aí "A Super Fantástica História do Balão" talvez não tenha a força dramática que outros documentários como "Showbiz Kids" (por exemplo), é que, mesmo com esse impacto cultural pioneiro do grupo infantil, a vida dos integrantes pós-sucesso não é muito bem explorada - o plot até existe, claro, mas me pareceu que poderia ter sido melhor desenvolvido. Essa abordagem mais, digamos, controversa, talvez trouxesse um pouco mais de conflito ao roteiro, nos foi vendido isso, mas ela não está ali. No entanto existe uma honestidade tão marcante em cada um dos ex-integrantes que até esse vacilo narrativo, parece não fazer tanta falta. Aliás aqui é impossível não destacar a postura do Mike em expor toda sua história e sua relação com seu pai, o famoso assaltante Ronald Biggs (falecido há 10 anos) ou de Tob nos contando sobre seus medos gerados pela necessidade de acertar sempre.
"A Super Fantástica História do Balão" é daquelas para assistir em uma sentada - muito bem produzida e com uma dinâmica narrativa das mais competentes, a minissérie merece sua atenção., principalmente se você for dessa época! Se sim, é bem possível que você se divirta e se emocione com as histórias e as lembranças nostálgicas que inevitavelmente vão te transportar para a sua infância - nisso o documentário cumpre seu papel. Agora, para ganhar um 10, faltou cutucar algumas feridas com mais vontade - tanto nas questões de bastidores envolvendo a família da Simony quanto na relação da própria Simony com a Mara Maravilha, são exemplos de alguns espinhos que ainda não parecem prontos para serem eliminados. Uma pena!
Para você que também cantou "A Galinha Magricela" o play é quase uma obrigação!
O documentário do Star+ foi até vendido com ares de drama e lavação de roupa suja, mas a grande verdade é que "A Super Fantástica História do Balão" é muito mais uma celebração, um recorte de uma época que praticamente marcou uma geração, e, principalmente, é uma análise sobre o sucesso pela perspectiva de cada um dos seus quatro integrantes. Se em "Sandy & Junior: A História" somos transportados para uma jornada de 30 anos de carreira da maior referência na música jovem que o Brasil já teve, aqui a minissérie de três episódios mergulha nos, inacreditáveis 3 anos de sucesso fenomenal do maior grupo infantil da nossa história. E já adianto, se você passou dos 40, você vai se emocionar!
Em "A Super Fantástica História do Balão", o quarteto Simony, Jairzinho, Tob e Mike se reunem pela primeira vez para dar suas versões sobre o começo, o auge e o fim do fenômeno infantil dos anos 80, o Balão Mágico. Ilustrados por depoimentos de pessoas que fizeram parte do projeto e por inéditas imagens de arquivo, os quatro relatam suas experiências pessoais e profissionais a partir do sucesso meteórico do grupo, ainda quando eram crianças. Confira o trailer:
Com direção de Tatiana Issa, que comandou o filme “Pacto Brutal: o assassinato de Daniela Perez” e roteiro de Fernando Ceylão (“Zorra Total”) e de Beatriz Monteiro (“Caso Evandro”), a minissérie sabe equilibrar perfeitamente dois cenários: um com os depoimentos dos quatro integrantes juntos, em uma espécie de reencontro emocional; e outro com uma versão tão honesta quanto, de entrevistas individuais com cada um deles. Obviamente que os assuntos mais espinhosos são discutidos individualmente e mesmo assim fica longe do que a plataforma insistiu em vender como polêmica desde o anúncio do projeto. Outro ponto a ser observado, diz respeito aos depoimentos dos artistas, familiares e executivos do entretenimento que participaram da construção do Balão Mágico - são eles que pontuam os dramas e os pontos mais sensíveis dos bastidores, mas já te adianto: nada que possa nos deixar de cabelo em pé ou nos provocar alguma emoção mais acalorada. O fato é que o tom da narrativa é leve, nostálgica, agradável e até emocionante; nunca tensa.
O grupo era claramente um produto da indústria fonográfica dos anos 80, mais precisamente da CBS (que depois veio ser vendida para a Som Livre). Tudo, absolutamente tudo, foi moldado para atender aos interesses comerciais de uma fatia do mercado de entretenimento praticamente inexistente na época. O grande ponto, e aí "A Super Fantástica História do Balão" talvez não tenha a força dramática que outros documentários como "Showbiz Kids" (por exemplo), é que, mesmo com esse impacto cultural pioneiro do grupo infantil, a vida dos integrantes pós-sucesso não é muito bem explorada - o plot até existe, claro, mas me pareceu que poderia ter sido melhor desenvolvido. Essa abordagem mais, digamos, controversa, talvez trouxesse um pouco mais de conflito ao roteiro, nos foi vendido isso, mas ela não está ali. No entanto existe uma honestidade tão marcante em cada um dos ex-integrantes que até esse vacilo narrativo, parece não fazer tanta falta. Aliás aqui é impossível não destacar a postura do Mike em expor toda sua história e sua relação com seu pai, o famoso assaltante Ronald Biggs (falecido há 10 anos) ou de Tob nos contando sobre seus medos gerados pela necessidade de acertar sempre.
"A Super Fantástica História do Balão" é daquelas para assistir em uma sentada - muito bem produzida e com uma dinâmica narrativa das mais competentes, a minissérie merece sua atenção., principalmente se você for dessa época! Se sim, é bem possível que você se divirta e se emocione com as histórias e as lembranças nostálgicas que inevitavelmente vão te transportar para a sua infância - nisso o documentário cumpre seu papel. Agora, para ganhar um 10, faltou cutucar algumas feridas com mais vontade - tanto nas questões de bastidores envolvendo a família da Simony quanto na relação da própria Simony com a Mara Maravilha, são exemplos de alguns espinhos que ainda não parecem prontos para serem eliminados. Uma pena!
Para você que também cantou "A Galinha Magricela" o play é quase uma obrigação!
Se você gostou de "Uma noite em Miami..." certamente você vai gostar de "A Voz Suprema do Blues" já que ambos os filmes possuem elementos narrativos muito similares, embora com abordagens diferentes, um mais politico e o outro mais musical, as tramas giram em torno de diálogos muito bem construídos e de personagens cheios de camadas que interagem entre sim, em poucas locações, para que as discussões não se dissipem e ganhem o valor exato do seu propósito!
Também baseada na peça de teatro, dessa vez do premiado dramaturgo August Wilson, cujos textos são conhecidos por representarem os aspectos cômicos e trágicos da experiência dos africanos-americanos no século XX, "A Voz Suprema do Blues" se passa em Chicago de 1927 e volta sua atenção para dentro de um antigo estúdio de gravação da cidade. Lá, Ma Rainey (Viola Davis) e sua banda estão prontos para gravar mais um disco. Só que no estúdio o clima começa a esquentar quando a tensão aumenta entre a cantora, seu ambicioso trompista Levee (Chadwick Boseman) e a gerência branca determinada a controlar uma incontrolável “Mãe do Blues”. Confira o trailer:
Todo filme que possui bons personagens, a matéria prima para o ator bilhar, cria uma perspectiva de muito reconhecimento e, pode apostar, ele virá! Esse foi o último filme de Chadwick Boseman e sua performance está simplesmente magnífica, perfeita, no tom exato, com um range de interpretação impressionante, digno de Oscar! Visivelmente debilitado, sua postura praticamente transforma um problema em diferencial - tudo se encaixa tão perfeitamente que é triste condicionar esse reconhecimento em respeito por sua carreira: não é e não deveria ser o caso! Viola Davis é outra força da natureza, que nos tira o equilíbrio e explode na tela! Coberta de uma pesada maquiagem, roupas extravagantes e uma postura imponente, carregada de suor e arrogância, a atriz entrega um Ma Rainey digna de sua importância na música!
Com uma direção muito competente do George C. Wolfe (de Noites de Tormenta) e uma belíssima fotografia do Tobias Schliessler (de A Grande Mentira), o filme cria uma atmosfera desconfortável, angustiante, como se estivéssemos assistindo uma bomba prestes a explodir! O texto chega a nos provocar certa aflição e é muito inteligente ao pontuar os problemas sociais da época como racismo estrutural e todo o descaso com o negro de forma mais orgânica que ideológica.
“A Voz Suprema do Blues” é um daqueles filmes surpreendentes que usa de longos monólogos para evidenciar a força do seu texto e que transforma o ator em uma espécie de mensageiro e de ações muito mais internas do que impactantes - e o final é a maior prova disso! Filme para quem gosta do profundo, ao som de uma bela trilha sonora e daquela atmosfera nostálgica e sexy do blues bem tocado e interpretado com alma!
Se você gostou de "Uma noite em Miami..." certamente você vai gostar de "A Voz Suprema do Blues" já que ambos os filmes possuem elementos narrativos muito similares, embora com abordagens diferentes, um mais politico e o outro mais musical, as tramas giram em torno de diálogos muito bem construídos e de personagens cheios de camadas que interagem entre sim, em poucas locações, para que as discussões não se dissipem e ganhem o valor exato do seu propósito!
Também baseada na peça de teatro, dessa vez do premiado dramaturgo August Wilson, cujos textos são conhecidos por representarem os aspectos cômicos e trágicos da experiência dos africanos-americanos no século XX, "A Voz Suprema do Blues" se passa em Chicago de 1927 e volta sua atenção para dentro de um antigo estúdio de gravação da cidade. Lá, Ma Rainey (Viola Davis) e sua banda estão prontos para gravar mais um disco. Só que no estúdio o clima começa a esquentar quando a tensão aumenta entre a cantora, seu ambicioso trompista Levee (Chadwick Boseman) e a gerência branca determinada a controlar uma incontrolável “Mãe do Blues”. Confira o trailer:
Todo filme que possui bons personagens, a matéria prima para o ator bilhar, cria uma perspectiva de muito reconhecimento e, pode apostar, ele virá! Esse foi o último filme de Chadwick Boseman e sua performance está simplesmente magnífica, perfeita, no tom exato, com um range de interpretação impressionante, digno de Oscar! Visivelmente debilitado, sua postura praticamente transforma um problema em diferencial - tudo se encaixa tão perfeitamente que é triste condicionar esse reconhecimento em respeito por sua carreira: não é e não deveria ser o caso! Viola Davis é outra força da natureza, que nos tira o equilíbrio e explode na tela! Coberta de uma pesada maquiagem, roupas extravagantes e uma postura imponente, carregada de suor e arrogância, a atriz entrega um Ma Rainey digna de sua importância na música!
Com uma direção muito competente do George C. Wolfe (de Noites de Tormenta) e uma belíssima fotografia do Tobias Schliessler (de A Grande Mentira), o filme cria uma atmosfera desconfortável, angustiante, como se estivéssemos assistindo uma bomba prestes a explodir! O texto chega a nos provocar certa aflição e é muito inteligente ao pontuar os problemas sociais da época como racismo estrutural e todo o descaso com o negro de forma mais orgânica que ideológica.
“A Voz Suprema do Blues” é um daqueles filmes surpreendentes que usa de longos monólogos para evidenciar a força do seu texto e que transforma o ator em uma espécie de mensageiro e de ações muito mais internas do que impactantes - e o final é a maior prova disso! Filme para quem gosta do profundo, ao som de uma bela trilha sonora e daquela atmosfera nostálgica e sexy do blues bem tocado e interpretado com alma!
Esse documentário da Netflix é mais um estudo de caso dos mais interessantes sobre "cultura corporativa" - e que, pode ter certeza, vai te provocar várias reflexões. A "Abercrombie & Fitch" se tornou um verdadeiro fenômeno de vendas nos anos 90, porém sua jornada foi marcada por inúmeras acusações que vão desde abusos (inclusive sexuais) até atitudes de preconceito e racismo.
"Abercrombie & Fitch - Ascensão e Queda" faz uma análise sobre o impacto da marca na cultura pop americana na virada do milênio, esmiuçando as estratégias de marketing e as escolhas conceituais para atingir o imaginário popular, além de discutir em detalhes como a marca prosperou e depois entrou em queda livre por defender o principio da exclusão durante três décadas. Confira o trailer (em inglês):
Definida como uma marca que representava o verdadeiro estilo americanos de ser "cool", a "Abercrombie & Fitch" se posicionou entre o sexy da Calvin Klein e o engomadinho da Ralph Lauren. O interessante porém, é que a proposta da empresa não levou em conta o que o público de 18 à 22 anos queria usar, e sim como uma excelente estratégia de marketing faria com que esse mesmo público desejasse usar suas peças - e funcionou!
Dirigido pela premiada Alison Klayman (do excelente "Jagged" da HBO Max), o documentário constrói uma linha do tempo muito competente, criando uma narrativa dinâmica, mas ao mesmo tempo de fácil entendimento. A forma como Klayman aproveita o sucesso da marca para sugerir os problemas que viriam à tona anos depois, é sensacional. Desde a chegada de Lex Wexner da L-Brands (o cara que transformou a Victoria Secret) até a escolha de Michael Jeffries como CEO, passando pelas polêmicas campanhas de Bruce Weber que tem em seu currículo trabalhos para marcas como Calvin Klein, Ralph Lauren, Pirelli, Revlon e Gianni Versace; o documentário explora como "Abercrombie & Fitch" inovou em muitos sentidos, mas como também parou no tempo, não evoluindo de acordo com as gerações, com a tecnologia e com o entendimento de determinados posicionamentos que já não faziam o menor sentido - essa contextualização é muito importante antes de qualquer julgamento precipitado ou superficial.
Com inúmeros depoimentos de ex-funcionários, ativistas e jornalistas; além de imagens de arquivo e ótimas aplicações gráficas que ajudam a ilustrar tudo o que é contado pelas fontes, "Abercrombie & Fitch - Ascensão e Queda" vai além de uma história curiosa e passa a ser um relevante material de estudos sobre como fazer para moldar a percepção de uma sociedade (e de um mercado) e o que não fazer para se manter evoluindo quando o foco é diferenciação de produto (e de experiência).
Vale muito o seu play!
Esse documentário da Netflix é mais um estudo de caso dos mais interessantes sobre "cultura corporativa" - e que, pode ter certeza, vai te provocar várias reflexões. A "Abercrombie & Fitch" se tornou um verdadeiro fenômeno de vendas nos anos 90, porém sua jornada foi marcada por inúmeras acusações que vão desde abusos (inclusive sexuais) até atitudes de preconceito e racismo.
"Abercrombie & Fitch - Ascensão e Queda" faz uma análise sobre o impacto da marca na cultura pop americana na virada do milênio, esmiuçando as estratégias de marketing e as escolhas conceituais para atingir o imaginário popular, além de discutir em detalhes como a marca prosperou e depois entrou em queda livre por defender o principio da exclusão durante três décadas. Confira o trailer (em inglês):
Definida como uma marca que representava o verdadeiro estilo americanos de ser "cool", a "Abercrombie & Fitch" se posicionou entre o sexy da Calvin Klein e o engomadinho da Ralph Lauren. O interessante porém, é que a proposta da empresa não levou em conta o que o público de 18 à 22 anos queria usar, e sim como uma excelente estratégia de marketing faria com que esse mesmo público desejasse usar suas peças - e funcionou!
Dirigido pela premiada Alison Klayman (do excelente "Jagged" da HBO Max), o documentário constrói uma linha do tempo muito competente, criando uma narrativa dinâmica, mas ao mesmo tempo de fácil entendimento. A forma como Klayman aproveita o sucesso da marca para sugerir os problemas que viriam à tona anos depois, é sensacional. Desde a chegada de Lex Wexner da L-Brands (o cara que transformou a Victoria Secret) até a escolha de Michael Jeffries como CEO, passando pelas polêmicas campanhas de Bruce Weber que tem em seu currículo trabalhos para marcas como Calvin Klein, Ralph Lauren, Pirelli, Revlon e Gianni Versace; o documentário explora como "Abercrombie & Fitch" inovou em muitos sentidos, mas como também parou no tempo, não evoluindo de acordo com as gerações, com a tecnologia e com o entendimento de determinados posicionamentos que já não faziam o menor sentido - essa contextualização é muito importante antes de qualquer julgamento precipitado ou superficial.
Com inúmeros depoimentos de ex-funcionários, ativistas e jornalistas; além de imagens de arquivo e ótimas aplicações gráficas que ajudam a ilustrar tudo o que é contado pelas fontes, "Abercrombie & Fitch - Ascensão e Queda" vai além de uma história curiosa e passa a ser um relevante material de estudos sobre como fazer para moldar a percepção de uma sociedade (e de um mercado) e o que não fazer para se manter evoluindo quando o foco é diferenciação de produto (e de experiência).
Vale muito o seu play!
"Allen contra Farrow" é mais um soco no estômago - provavelmente tão intenso quando "Deixando Neverland". Talvez porquê o Woody Allen seja uma espécie Michael Jackson do cinema, se não para o público, certamente para toda classe cinematográfica de Hollywood. Não sei até que ponto a grandiosidade artística de um profissional como Allen interferiu na quantidade avassaladora de criticas que esse documentário em 4 partes da HBO recebeu, mas o fato é que, para mim e independente das minhas convicções como ser humano, a série é muito boa - mas é preciso dizer: existe uma certa espetacularização ao melhor estilo "American Crime Story" de um assunto bastante sensível.
A série mergulha nos bastidores de um dos escândalos mais notórios de Hollywood: a denúncia de abuso sexual que recaiu sobre o diretor Woody Allen em 1992, levada a público por Dylan Farrow, sua filha adotiva com a atriz Mia Farrow. Dylan tinha apenas sete anos quando acusou o pai de molestá-la dentro da casa de sua mãe, no estado americano de Connecticut. Deu-se início, em seguida, a um turbulento processo de custódia que ganhou as manchetes do mundo todo. Na época, Allen e Mia viviam um relacionamento de 12 anos e tinham três filhos – dois adotivos, Dylan e Moses, e um biológico, Satchel (agora conhecido como Ronan Farrow). Na esteira das alegações feitas por Dylan, veio à tona o fato de que Allen também se relacionava com outra filha de Mia, Soon-Yi Previn, sem que ninguém soubesse. Confira o trailer:
Se você espera um documentário marcado por uma investigação jornalística profunda e uma narrativa menos cinematográfica, pode esquecer, "Allen contra Farrow" não é para você. A série traz para a discussão temas pesados e quase sempre pautados por imagens bastante perturbadoras, porém o conceito narrativo é extremamente voltado para o entretenimento, com uma edição dinâmica, uma direção claramente orientada para manipulação de sentimentos, apoiada em artifícios dramáticos e, claro, que explora apenas um lado da história - mesmo citando o outro lado em todos os episódios, mas sem a mesma força de contra-argumentação.
O que pode incomodar, é o fato dos diretores Kirby Dick (duas vezes indicado ao Oscar - "The Invisible War" e "Twist of Faith") e Amy Ziering (com uma indicação por "The Invisible War"), e que repetem a parceria no assunto depois do aclamado "The Hunting Ground", escancararem suas opiniões sobre o caso e com isso desacreditarem nas provas contrárias à acusação, como por exemplo um depoimento de Moses Farrow (filho adotivo de Mia), que diz ter sofrido abuso físico pelas mãos de sua mãe. A impressão de que foi "dois pesos duas medidas" não para por aí - Ronan Farrow (filho biológico do casal) alega ter sido orientado pelo pai para defende-lo publicamente em troca de dinheiro para faculdade, porém em nenhum momento do documentário é abordado o fato de que Mia Farrow tenha feito uma oferta para Woody Allen em troca de abafar o caso mediante ao pagamento. Esse tipo de atitude, aliás, acaba desqualificando algo muito sério, como o filme que Farrow fez com Dylan dias depois dela ter, supostamente, sofrido abuso.
Ao se pautar apenas pelo documentário, qualquer ser humano será incapaz de dar um play em qualquer outro filme do Woody Allen, mas, sinceramente, não sei se seria esse o caso - muita coisa fica no ar, é pouco conclusivo e até os fatos são confusos. Cabe a quem assiste interpretar os fatos e tentar se abster da manipulação emocional que a própria história propõe. Tecnicamente, o documentário merece elogios, aproveitando muito bem os filmes caseiros da família, depoimentos de muitas pessoas que estiveram envolvidos com aquela situação, cenas de arquivo dos noticiários da época, ilustrações dos julgamentos pela guarda dos filhos, gravações telefônicas inéditas, enfim, é um show de montagem e de conexão dos fatos - algumas forçando demais a barra (como a que tenta encontrar padrões nos filmes de Allen para justificar suas atitudes pessoais) e outras completamente coerentes com a visão de quem sofreu durante anos com o fato - o encontro de Dylan com o promotor do caso é rápido, mas muito humano!
Olha, mesmo sabendo que vai dividir opiniões eu indico "Allen contra Farrow" de olhos fechados, mas aviso: não será uma jornada fácil (principalmente nos episódios 2 e 3)!
"Allen contra Farrow" é mais um soco no estômago - provavelmente tão intenso quando "Deixando Neverland". Talvez porquê o Woody Allen seja uma espécie Michael Jackson do cinema, se não para o público, certamente para toda classe cinematográfica de Hollywood. Não sei até que ponto a grandiosidade artística de um profissional como Allen interferiu na quantidade avassaladora de criticas que esse documentário em 4 partes da HBO recebeu, mas o fato é que, para mim e independente das minhas convicções como ser humano, a série é muito boa - mas é preciso dizer: existe uma certa espetacularização ao melhor estilo "American Crime Story" de um assunto bastante sensível.
A série mergulha nos bastidores de um dos escândalos mais notórios de Hollywood: a denúncia de abuso sexual que recaiu sobre o diretor Woody Allen em 1992, levada a público por Dylan Farrow, sua filha adotiva com a atriz Mia Farrow. Dylan tinha apenas sete anos quando acusou o pai de molestá-la dentro da casa de sua mãe, no estado americano de Connecticut. Deu-se início, em seguida, a um turbulento processo de custódia que ganhou as manchetes do mundo todo. Na época, Allen e Mia viviam um relacionamento de 12 anos e tinham três filhos – dois adotivos, Dylan e Moses, e um biológico, Satchel (agora conhecido como Ronan Farrow). Na esteira das alegações feitas por Dylan, veio à tona o fato de que Allen também se relacionava com outra filha de Mia, Soon-Yi Previn, sem que ninguém soubesse. Confira o trailer:
Se você espera um documentário marcado por uma investigação jornalística profunda e uma narrativa menos cinematográfica, pode esquecer, "Allen contra Farrow" não é para você. A série traz para a discussão temas pesados e quase sempre pautados por imagens bastante perturbadoras, porém o conceito narrativo é extremamente voltado para o entretenimento, com uma edição dinâmica, uma direção claramente orientada para manipulação de sentimentos, apoiada em artifícios dramáticos e, claro, que explora apenas um lado da história - mesmo citando o outro lado em todos os episódios, mas sem a mesma força de contra-argumentação.
O que pode incomodar, é o fato dos diretores Kirby Dick (duas vezes indicado ao Oscar - "The Invisible War" e "Twist of Faith") e Amy Ziering (com uma indicação por "The Invisible War"), e que repetem a parceria no assunto depois do aclamado "The Hunting Ground", escancararem suas opiniões sobre o caso e com isso desacreditarem nas provas contrárias à acusação, como por exemplo um depoimento de Moses Farrow (filho adotivo de Mia), que diz ter sofrido abuso físico pelas mãos de sua mãe. A impressão de que foi "dois pesos duas medidas" não para por aí - Ronan Farrow (filho biológico do casal) alega ter sido orientado pelo pai para defende-lo publicamente em troca de dinheiro para faculdade, porém em nenhum momento do documentário é abordado o fato de que Mia Farrow tenha feito uma oferta para Woody Allen em troca de abafar o caso mediante ao pagamento. Esse tipo de atitude, aliás, acaba desqualificando algo muito sério, como o filme que Farrow fez com Dylan dias depois dela ter, supostamente, sofrido abuso.
Ao se pautar apenas pelo documentário, qualquer ser humano será incapaz de dar um play em qualquer outro filme do Woody Allen, mas, sinceramente, não sei se seria esse o caso - muita coisa fica no ar, é pouco conclusivo e até os fatos são confusos. Cabe a quem assiste interpretar os fatos e tentar se abster da manipulação emocional que a própria história propõe. Tecnicamente, o documentário merece elogios, aproveitando muito bem os filmes caseiros da família, depoimentos de muitas pessoas que estiveram envolvidos com aquela situação, cenas de arquivo dos noticiários da época, ilustrações dos julgamentos pela guarda dos filhos, gravações telefônicas inéditas, enfim, é um show de montagem e de conexão dos fatos - algumas forçando demais a barra (como a que tenta encontrar padrões nos filmes de Allen para justificar suas atitudes pessoais) e outras completamente coerentes com a visão de quem sofreu durante anos com o fato - o encontro de Dylan com o promotor do caso é rápido, mas muito humano!
Olha, mesmo sabendo que vai dividir opiniões eu indico "Allen contra Farrow" de olhos fechados, mas aviso: não será uma jornada fácil (principalmente nos episódios 2 e 3)!
“American Crime Story” é uma série antológica, onde a cada temporada uma história é contada (com começo, meio e fim como uma minissérie), que derivou do grande sucesso que foi “American Horror Story”, criada pelo badalado Ryan Murphy (de “Halston”) A diferença entre as duas, é que em "Crime Story”, como o próprio nome diz, cada temporada se baseia em um caso real, seja de assassinato ou não (tanto que o terceiro ano da série focou no escândalo envolvendo o ex presidente Bill Clinton e Mônica Lewinsky).
Nessa primeira temporada, acompanhamos o advogado Robert Shapiro (John Travolta) reunindo um time de estrelas para defender o ex-astro da NFL, OJ Simpson (Cuba Gooding Jr.). Os advogados foram chamados 13 dias depois dos assassinatos de Nicole Brown Simpson, ex-esposa de OJ e Ronald Lyle Goldman, um amigo que foi até a casa de Nicole para, supostamente, devolver um pertence da mãe dela. O interessante porém, é que depois do crime, todas as provas recolhidas pela policia não diziam outra coisa: OJ era culpado. Confira o trailer:
Embora fosse tão nítido a culpa do ex jogador de futebol americano, esse não era um caso comum - o envolvido era famoso, amado por todos e ainda era negro. A complexidade está em uma trama que conta uma história de maneira muito clara, não deixando dúvidas sobre quem foi o verdadeiro culpado, mas é na atuação de Cuba Gooding Jr., tão convincente, que por vezes você também pode ficar em dúvida se ele era realmente o assassino.
A trama frenética sempre está em movimento, afinal em um caso como esse não existiria tempo para respirar, tudo acontece muito rápido e toma proporções inimagináveis. É um turbilhão de emoções (e de discussões culturais) para todos os personagens envolvidos, e principalmente para nós como audiência. Para se ter uma ideia, uma revista foi capaz de "embranquecer" a figura de O.J. Simpson em uma capa de revista como se isso radicasse sua inocência - é quase surreal, mas acreditem, tudo isso realmente aconteceu.
A atriz Sarah Paulson, também foi uma escolha mais que certa para interpretar a promotora de justiça Marcia Clark - ela sempre foi muito assediada pela mídia, pelos seus companheiros de trabalho, especialmente porque nunca se preocupava com a aparência como outras mulheres, e para esses homens isso era quase de outro mundo. Ao dar vida para uma mulher que não tinha uma vida fácil, nem profissional e muito menos pessoal, Paulson brilhou, carregando nuances necessárias para transmitir todas as inseguranças da personagem com muita sensibilidade - esse performance, inclusive, lhe rendeu o Emmy de Melhor Atriz em 2016.
“American Crime Story: O Povo Contra O.J. Simpson” é exemplar! Essa primeira temporada, responsabilidade de Scott Alexander e Larry Karaszewski, acerta em todos os quesitos possíveis: seja na adaptação do livro em que se baseou, "The Run of His Life: The People v. O.J. Simpson" de Jeffrey Toobin; na direção do próprio Ryan Murphy; no casting maravilhoso que proporcionou atuações seguras e competentes e até mesmo no ritmo que proporciona uma maratona mais que bem vinda, afinal essa história vai te prender do inicio ao fim.
PS: O documentário "O.J. Simpson Made in America", grande vencedor do Oscar de 2017, faz com que tenhamos uma percepção da série um pouco diferente, mas não por isso menos interessante. A sensação de torcer para que tudo fosse mentira quando se assiste ao documentário, dado o carisma (e a história de superação) do O.J., praticamente some na ficção, já que fica impossível não torcer para os promotores - talvez por uma visão mais romântica dos fatos e por acabar se envolvendo mais com a narrativa proposta pelo roteiro, onde o backstage do processo está mais presente, a vida dos promotores mais exposta, etc. São experiências diferentes, mas complementares. Sugiro conhecer a história pelo documentário (que também está disponível no Star+) e depois partir para o entretenimento dessa série.
Escrito por Mark Hewes - uma parceria @indiqueipraver
“American Crime Story” é uma série antológica, onde a cada temporada uma história é contada (com começo, meio e fim como uma minissérie), que derivou do grande sucesso que foi “American Horror Story”, criada pelo badalado Ryan Murphy (de “Halston”) A diferença entre as duas, é que em "Crime Story”, como o próprio nome diz, cada temporada se baseia em um caso real, seja de assassinato ou não (tanto que o terceiro ano da série focou no escândalo envolvendo o ex presidente Bill Clinton e Mônica Lewinsky).
Nessa primeira temporada, acompanhamos o advogado Robert Shapiro (John Travolta) reunindo um time de estrelas para defender o ex-astro da NFL, OJ Simpson (Cuba Gooding Jr.). Os advogados foram chamados 13 dias depois dos assassinatos de Nicole Brown Simpson, ex-esposa de OJ e Ronald Lyle Goldman, um amigo que foi até a casa de Nicole para, supostamente, devolver um pertence da mãe dela. O interessante porém, é que depois do crime, todas as provas recolhidas pela policia não diziam outra coisa: OJ era culpado. Confira o trailer:
Embora fosse tão nítido a culpa do ex jogador de futebol americano, esse não era um caso comum - o envolvido era famoso, amado por todos e ainda era negro. A complexidade está em uma trama que conta uma história de maneira muito clara, não deixando dúvidas sobre quem foi o verdadeiro culpado, mas é na atuação de Cuba Gooding Jr., tão convincente, que por vezes você também pode ficar em dúvida se ele era realmente o assassino.
A trama frenética sempre está em movimento, afinal em um caso como esse não existiria tempo para respirar, tudo acontece muito rápido e toma proporções inimagináveis. É um turbilhão de emoções (e de discussões culturais) para todos os personagens envolvidos, e principalmente para nós como audiência. Para se ter uma ideia, uma revista foi capaz de "embranquecer" a figura de O.J. Simpson em uma capa de revista como se isso radicasse sua inocência - é quase surreal, mas acreditem, tudo isso realmente aconteceu.
A atriz Sarah Paulson, também foi uma escolha mais que certa para interpretar a promotora de justiça Marcia Clark - ela sempre foi muito assediada pela mídia, pelos seus companheiros de trabalho, especialmente porque nunca se preocupava com a aparência como outras mulheres, e para esses homens isso era quase de outro mundo. Ao dar vida para uma mulher que não tinha uma vida fácil, nem profissional e muito menos pessoal, Paulson brilhou, carregando nuances necessárias para transmitir todas as inseguranças da personagem com muita sensibilidade - esse performance, inclusive, lhe rendeu o Emmy de Melhor Atriz em 2016.
“American Crime Story: O Povo Contra O.J. Simpson” é exemplar! Essa primeira temporada, responsabilidade de Scott Alexander e Larry Karaszewski, acerta em todos os quesitos possíveis: seja na adaptação do livro em que se baseou, "The Run of His Life: The People v. O.J. Simpson" de Jeffrey Toobin; na direção do próprio Ryan Murphy; no casting maravilhoso que proporcionou atuações seguras e competentes e até mesmo no ritmo que proporciona uma maratona mais que bem vinda, afinal essa história vai te prender do inicio ao fim.
PS: O documentário "O.J. Simpson Made in America", grande vencedor do Oscar de 2017, faz com que tenhamos uma percepção da série um pouco diferente, mas não por isso menos interessante. A sensação de torcer para que tudo fosse mentira quando se assiste ao documentário, dado o carisma (e a história de superação) do O.J., praticamente some na ficção, já que fica impossível não torcer para os promotores - talvez por uma visão mais romântica dos fatos e por acabar se envolvendo mais com a narrativa proposta pelo roteiro, onde o backstage do processo está mais presente, a vida dos promotores mais exposta, etc. São experiências diferentes, mas complementares. Sugiro conhecer a história pelo documentário (que também está disponível no Star+) e depois partir para o entretenimento dessa série.
Escrito por Mark Hewes - uma parceria @indiqueipraver
Diferente das duas primeiras (excelentes) temporadas da série antológica "American Crime Story", dessa vez a vítima central é o foco da narrativa. Aqui não se trata de algo impactante como o destino do suposto criminoso O.J. Simpson e dos embates de seus advogados no tribunal americano, muito menos de desvendar os fantasmas do assassino de Gianni Versace, Andrew Cunanan - a construção de "Impeachment" basicamente deixa de lado a intimidade do presidente Bill Clinton para dar voz ao curioso e improvável lado mais fraco da história: Monica Lewinsky e sua relação com uma companheira de trabalho, a sempre dissimulada Linda Tripp.
"American Crime Story: Impeachment" se baseia no livro "A Vast Conspiracy", de Jeffrey Toobin, e acompanha os bastidores dos fatos que envolveram Bill Clinton (Clive Owen) quando era o presidente dos EUA (entre 1995 a 1997), e sua relação com a estagiária Monica Lewinsky (Beanie Feldstein). Assim que o caso se tornou inconveniente para Clinton, Monica foi transferida para o Pentágono, onde conheceu Linda Tripp (Sarah Paulson), ex-funcionária da Casa Branca que virou sua confidente e que, por acaso, nutria um profundo desprezo pela família do presidente - estava armada a bomba relógio! Confira o trailer (em inglês):
Durante muitos anos, Monica Lewinsky foi tratada como a mulher que tentou destruir o casamento do homem mais poderoso do mundo, enquanto as mentiras do então presidente dos EUA eram ignoradas em favor de uma esposa fiel, que perdoou o marido mesmo depois de tantas histórias de traição, e abuso de poder, vir a público - fatos que lhe causaram uma enorme humilhação. Dito isso, o que é mais perceptível nessa temporada de American Crime Story, não é necessariamente o fato (ou a relação) envolvendo Monica e Bill, mas sim mostrar a perspectiva do elo mais fraco - com suas fragilidades de caráter, sim, mas também explorando a "sacanagem" que fizeram com ela (e aqui não estou falando da sua relação "amorosa").
E é ai que entra o grande destaque dessa temporada: Sarah Paulson, atriz que brilhou em "O Povo Contra O.J. Simpson", onde, inclusive, ganhou o Emmy por sua performance como Marcia Clark; retorna à franquia de uma forma simplesmente impecável! Irreconhecível como Linda Tripp, ex-servidora da Casa Branca, a atriz dá vida a uma figura marcante no caso por ter se aproximado de Monica apenas para se "vingar" dos Clinton e por ter gravado conversas telefônicas com Monica, onde ela estimulava a estagiária a dar detalhes de todos encontros com o presidente. O interessante porém, é que Paulson constrói uma personagem com tantas camadas, profundidade e nuances que, por si só, já mereceria ser chamada de protagonista de "Impeachment" - ela dá um verdadeiro show!
"Impeachment" foi considerada por muitos a temporada mais fraca de "American Crime Story"- eu discordo! Eu diria que essa temporada é a mais humana de todas e talvez por isso a menos espetacular como narrativa. Assistir "American Crime Story: Impeachment" é como ler um livro que encontra nos detalhes a força de sua trama, onde o envolvimento é diretamente proporcional ao nosso interesse pelo fato em si. Veja, aqui não estamos falando de mortes envolvendo um astro do futebol americano ou do assassinato de um maiores estilistas de todos os tempos, estamos falando de uma jovem como tantas outras que teimava em romantizar uma relação improvável, extremamente sexual, que pagou um preço caro por sua ingenuidade e que precisou lidar com uma mídia (e uma sociedade) hipócrita e cruel.
Vale seu play!
Diferente das duas primeiras (excelentes) temporadas da série antológica "American Crime Story", dessa vez a vítima central é o foco da narrativa. Aqui não se trata de algo impactante como o destino do suposto criminoso O.J. Simpson e dos embates de seus advogados no tribunal americano, muito menos de desvendar os fantasmas do assassino de Gianni Versace, Andrew Cunanan - a construção de "Impeachment" basicamente deixa de lado a intimidade do presidente Bill Clinton para dar voz ao curioso e improvável lado mais fraco da história: Monica Lewinsky e sua relação com uma companheira de trabalho, a sempre dissimulada Linda Tripp.
"American Crime Story: Impeachment" se baseia no livro "A Vast Conspiracy", de Jeffrey Toobin, e acompanha os bastidores dos fatos que envolveram Bill Clinton (Clive Owen) quando era o presidente dos EUA (entre 1995 a 1997), e sua relação com a estagiária Monica Lewinsky (Beanie Feldstein). Assim que o caso se tornou inconveniente para Clinton, Monica foi transferida para o Pentágono, onde conheceu Linda Tripp (Sarah Paulson), ex-funcionária da Casa Branca que virou sua confidente e que, por acaso, nutria um profundo desprezo pela família do presidente - estava armada a bomba relógio! Confira o trailer (em inglês):
Durante muitos anos, Monica Lewinsky foi tratada como a mulher que tentou destruir o casamento do homem mais poderoso do mundo, enquanto as mentiras do então presidente dos EUA eram ignoradas em favor de uma esposa fiel, que perdoou o marido mesmo depois de tantas histórias de traição, e abuso de poder, vir a público - fatos que lhe causaram uma enorme humilhação. Dito isso, o que é mais perceptível nessa temporada de American Crime Story, não é necessariamente o fato (ou a relação) envolvendo Monica e Bill, mas sim mostrar a perspectiva do elo mais fraco - com suas fragilidades de caráter, sim, mas também explorando a "sacanagem" que fizeram com ela (e aqui não estou falando da sua relação "amorosa").
E é ai que entra o grande destaque dessa temporada: Sarah Paulson, atriz que brilhou em "O Povo Contra O.J. Simpson", onde, inclusive, ganhou o Emmy por sua performance como Marcia Clark; retorna à franquia de uma forma simplesmente impecável! Irreconhecível como Linda Tripp, ex-servidora da Casa Branca, a atriz dá vida a uma figura marcante no caso por ter se aproximado de Monica apenas para se "vingar" dos Clinton e por ter gravado conversas telefônicas com Monica, onde ela estimulava a estagiária a dar detalhes de todos encontros com o presidente. O interessante porém, é que Paulson constrói uma personagem com tantas camadas, profundidade e nuances que, por si só, já mereceria ser chamada de protagonista de "Impeachment" - ela dá um verdadeiro show!
"Impeachment" foi considerada por muitos a temporada mais fraca de "American Crime Story"- eu discordo! Eu diria que essa temporada é a mais humana de todas e talvez por isso a menos espetacular como narrativa. Assistir "American Crime Story: Impeachment" é como ler um livro que encontra nos detalhes a força de sua trama, onde o envolvimento é diretamente proporcional ao nosso interesse pelo fato em si. Veja, aqui não estamos falando de mortes envolvendo um astro do futebol americano ou do assassinato de um maiores estilistas de todos os tempos, estamos falando de uma jovem como tantas outras que teimava em romantizar uma relação improvável, extremamente sexual, que pagou um preço caro por sua ingenuidade e que precisou lidar com uma mídia (e uma sociedade) hipócrita e cruel.
Vale seu play!
Já vamos partir de um principio básico: "Apenas uma Vez" é imperdível - daqueles filmes gostosos de assistir e que mesmo soando "meio água com açúcar", nos conquista pela sua capacidade de nos emocionar com uma premissa simples, mas muito eficaz: a de que mesmo nas dificuldades, a vida está sempre pronta para nos mostrar que podemos ser felizes! Sim, se você está em busca de um filme descomplicado e ao mesmo tempo muito surpreendente, "Once" (no original) é perfeito - para assistir várias vezes! O filme dirigidopelo John Carney, de fato, oferece uma experiência profundamente cativante e envolvente que combina uma narrativa simples e bem desenvolvida, performances excepcionais de um elenco muito bem escalado (com alma) e uma trilha sonora que olha, é de tirar o fôlego. Não é de surpreender que "Apenas uma Vez" tenha conquistado tantos elogios e prêmios no cenário independente até chegar no Oscar de 2008, para faturar a estatueta de "Melhor Canção Original" - e na minha opinião, foi pouco!
Na trama, somos jogados em meio às ruas movimentadas de Dublin, na Irlanda, onde um músico talentoso de rua e sem nome (Glen Hansard) encontra uma imigrante tcheca (Markéta Irglová) que toca piano. O destino que os uniu através da música faz com que eles compartilhem histórias pessoais, esperanças e sonhos, construindo uma conexão profunda, única e apaixonante. Confira o trailer (em inglês):
"Apenas uma Vez" é uma verdadeira joia do cinema indie que explora a alma humana através de sua sensibilidade e delicadeza. A beleza do filme reside muito na sua autenticidade e na forma como os personagens, interpretados de maneira magnífica por Glen Hansard e Markéta Irglová, transmitem emoções cruas e genuínas - eles são tão reais que parecem ter saído de um documentário. Hansard e Irglová não são apenas atores talentosos, mas também músicos excepcionais que oferecem performances deslumbrantes que evocam sensações que transitam entre a melancolia e a esperança. Hansard é vocalista da banda dublinense The Frames, onde, não por acaso, Carney participou como contrabaixista até 1993. Já Irglova trabalhou com Hansard no álbum folk, The Swell Season.
A direção talentosa de Carney é evidente na escolha do elenco, mas também na construção do tom da narrativa - reparem nas pausas dramáticas que ele estimula entre um diálogo e outro. As belíssimas locações de Dublin se conectam perfeitamente com a fotografia do grande Tim Fleming (de "Citadel") - a maneira como ele captura a atmosfera da cidade, tornando-a quase um personagem em si mesma, lembra muito o trabalho de Sean Price Williams em "Amor, Drogas e Nova York".A fotografia contrastada e uma montagem extremamente cuidadosa do Paul Mullen aprofundam a imersão na história de um maneira arrebatadora - e é aí que entra a estrela do filme: a trilha sonora! Composta principalmente por canções originais escritas pelos próprios protagonistas, posso te garantir que é uma das mais marcantes da história do cinema independente - daquelas onde as músicas continuam ecoando na sua mente muito tempo após o término do filme e que passam a fazer parte da nossa playlist com muita naturalidade.
"Apenas uma Vez" é uma homenagem à beleza da música como uma forma de comunicação universal que transcende as barreiras linguísticas e culturais. O filme é uma jornada emocional que vai tocar seu coração e que alimentará sua alma pelo que ele é na sua essência - e isso é tão raro. Não hesite em dar o play para um filme que se destacou nos festivais independentes do mundo inteiro e se consolidou como um dos melhores exemplos do poder transformador que cinema pode proporcionar. Seja você um amante da boa música ou simplesmente alguém que busca uma história emocionalmente rica e muito sensível, "Once" é uma escolha inigualável que você não pode perder. É sério!
Já vamos partir de um principio básico: "Apenas uma Vez" é imperdível - daqueles filmes gostosos de assistir e que mesmo soando "meio água com açúcar", nos conquista pela sua capacidade de nos emocionar com uma premissa simples, mas muito eficaz: a de que mesmo nas dificuldades, a vida está sempre pronta para nos mostrar que podemos ser felizes! Sim, se você está em busca de um filme descomplicado e ao mesmo tempo muito surpreendente, "Once" (no original) é perfeito - para assistir várias vezes! O filme dirigidopelo John Carney, de fato, oferece uma experiência profundamente cativante e envolvente que combina uma narrativa simples e bem desenvolvida, performances excepcionais de um elenco muito bem escalado (com alma) e uma trilha sonora que olha, é de tirar o fôlego. Não é de surpreender que "Apenas uma Vez" tenha conquistado tantos elogios e prêmios no cenário independente até chegar no Oscar de 2008, para faturar a estatueta de "Melhor Canção Original" - e na minha opinião, foi pouco!
Na trama, somos jogados em meio às ruas movimentadas de Dublin, na Irlanda, onde um músico talentoso de rua e sem nome (Glen Hansard) encontra uma imigrante tcheca (Markéta Irglová) que toca piano. O destino que os uniu através da música faz com que eles compartilhem histórias pessoais, esperanças e sonhos, construindo uma conexão profunda, única e apaixonante. Confira o trailer (em inglês):
"Apenas uma Vez" é uma verdadeira joia do cinema indie que explora a alma humana através de sua sensibilidade e delicadeza. A beleza do filme reside muito na sua autenticidade e na forma como os personagens, interpretados de maneira magnífica por Glen Hansard e Markéta Irglová, transmitem emoções cruas e genuínas - eles são tão reais que parecem ter saído de um documentário. Hansard e Irglová não são apenas atores talentosos, mas também músicos excepcionais que oferecem performances deslumbrantes que evocam sensações que transitam entre a melancolia e a esperança. Hansard é vocalista da banda dublinense The Frames, onde, não por acaso, Carney participou como contrabaixista até 1993. Já Irglova trabalhou com Hansard no álbum folk, The Swell Season.
A direção talentosa de Carney é evidente na escolha do elenco, mas também na construção do tom da narrativa - reparem nas pausas dramáticas que ele estimula entre um diálogo e outro. As belíssimas locações de Dublin se conectam perfeitamente com a fotografia do grande Tim Fleming (de "Citadel") - a maneira como ele captura a atmosfera da cidade, tornando-a quase um personagem em si mesma, lembra muito o trabalho de Sean Price Williams em "Amor, Drogas e Nova York".A fotografia contrastada e uma montagem extremamente cuidadosa do Paul Mullen aprofundam a imersão na história de um maneira arrebatadora - e é aí que entra a estrela do filme: a trilha sonora! Composta principalmente por canções originais escritas pelos próprios protagonistas, posso te garantir que é uma das mais marcantes da história do cinema independente - daquelas onde as músicas continuam ecoando na sua mente muito tempo após o término do filme e que passam a fazer parte da nossa playlist com muita naturalidade.
"Apenas uma Vez" é uma homenagem à beleza da música como uma forma de comunicação universal que transcende as barreiras linguísticas e culturais. O filme é uma jornada emocional que vai tocar seu coração e que alimentará sua alma pelo que ele é na sua essência - e isso é tão raro. Não hesite em dar o play para um filme que se destacou nos festivais independentes do mundo inteiro e se consolidou como um dos melhores exemplos do poder transformador que cinema pode proporcionar. Seja você um amante da boa música ou simplesmente alguém que busca uma história emocionalmente rica e muito sensível, "Once" é uma escolha inigualável que você não pode perder. É sério!
Tão sensacional quanto "Formula 1: Dirigir para Sobreviver", "Arremesso Final" tem dois diferenciais que precisam ser destacados, o primeiro é para o lado bom: dentro de uma história narrativamente muito bem construída temos um personagem que é simplesmente único e certamente está entre os três maiores gênios de todos os esportes em todos os tempos - Michael Jordan. Já o segundo não é tão bom assim: o projeto se trata de uma minissérie de apenas 10 episódios - é impossível não querer saber mais de todas aquelas histórias, seja você um amante de basquete ou só um curioso em conhecer os bastidores da criação de um mito! Confira o trailer:
"Last Dance", título original e infinitamente mais coerente que "Arremesso Final", é um registro imperdível de um dos períodos mais importantes da história do basquete americano e da NBA, onde o Chicago Bulls (saco de pancadas da Liga) vai se transformando em no time quase imbatível que alcançou a incrível marca de seis títulos em oito anos, depois da chegada de Jordan, um atleta que além de fenômeno no esporte, alcançou patamares inimagináveis até aquele momento no que diz respeito a influência cultural e poder de marketing! O mais sensacional disso tudo é que o diretor Jason Hehir conseguiu construir uma narrativa tão dinâmica e coerente para contar essa história que temos a sensação de estar revivendo aqueles momentos como se fosse hoje!
Embora seja impossível desassociar o sucesso dos Bulls com a ascensão esportiva de Michael Jordan, "Arremesso Final" vai muito além ao contar histórias bastante peculiares tanto dos bastidores do time (nas temporadas que ganharam e que perderam), quanto das pessoas que rodeavam o grande astro. Rodman, Kerr, Paxton, Pippen e até Phil Jackson foram de extrema importância em momentos-chaves de toda essa jornada que começou em 1985 com a terceira escolha no draft. O bacana é que são tantas curiosidades, muitas delas contadas pela primeira vez e pelos próprios personagens, que não conseguimos parar de assistir os episódios - mesmo sofrendo por saber que são apenas 10!
Esse projeto começou durante a temporada 1997/98 daNBA, quando uma equipe de filmagem ganhou total acesso aos bastidores do Chicago Bulls para registrar as coletivas de imprensa, as conversas de vestiários e todo o cotidiano de treinos e viagens do time. O material de mais de um ano de gravações ficou guardado por duas décadas, até que produtores da NBA em parceria com a ESPN entraram em contato com o próprio Jordan, dono dos direitos, e prometeram um verdadeiro tratado sobre sua carreira para que as novas gerações pudessem conhecer o seu legado no esporte e na cultura pop.
Um dos (vários) postos-altos da minissérie é a forma como Hehir equilibra a construção da jornada esportiva de MJ com a transformação cultural dos anos 90 - sempre pontuada por uma trilha sonora nostálgica! A edição tem um papel fundamental nesse trabalho - ela usa dos noticiários da época para ilustrar algumas passagens como o atentado terrorista que matou o pai de Steve Kerr ou os possíveis indícios da relação de Jordan com o vício em jogos de azar que poderiam, inclusive, ter sido a razão da sua primeira aposentadoria e, para quem gosta de teorias da conspiração, a causa da morte de seu pai. Já pelo lado esportivo, o diretor se baseia no sexto (e último) título dos Bulls para desconstruir todas as demais campanhas até ali, indo e voltando na linha do tempo, para justificar algumas dificuldades pontais, aumentar a força dramática e relacionar causas com efeitos para que a audiência entenda perfeitamente o valor de cada conquista.
"Arremesso Final" é uma daquelas relíquias que, graças a Deus, foram produzidas e democratizadas pelo streaming! Uma aula de história esportiva e um mergulho no dia a dia de um atleta que para muitos pertencia a um outro planeta, mas que na verdade foi uma pessoa como nós, com todas as imperfeições e angustias, mas que se dedicou e buscou seus objetivos com muita resiliência, treinamento e talento. Olha, a minissérie é, de fato, imperdível! Play now!!!!
Tão sensacional quanto "Formula 1: Dirigir para Sobreviver", "Arremesso Final" tem dois diferenciais que precisam ser destacados, o primeiro é para o lado bom: dentro de uma história narrativamente muito bem construída temos um personagem que é simplesmente único e certamente está entre os três maiores gênios de todos os esportes em todos os tempos - Michael Jordan. Já o segundo não é tão bom assim: o projeto se trata de uma minissérie de apenas 10 episódios - é impossível não querer saber mais de todas aquelas histórias, seja você um amante de basquete ou só um curioso em conhecer os bastidores da criação de um mito! Confira o trailer:
"Last Dance", título original e infinitamente mais coerente que "Arremesso Final", é um registro imperdível de um dos períodos mais importantes da história do basquete americano e da NBA, onde o Chicago Bulls (saco de pancadas da Liga) vai se transformando em no time quase imbatível que alcançou a incrível marca de seis títulos em oito anos, depois da chegada de Jordan, um atleta que além de fenômeno no esporte, alcançou patamares inimagináveis até aquele momento no que diz respeito a influência cultural e poder de marketing! O mais sensacional disso tudo é que o diretor Jason Hehir conseguiu construir uma narrativa tão dinâmica e coerente para contar essa história que temos a sensação de estar revivendo aqueles momentos como se fosse hoje!
Embora seja impossível desassociar o sucesso dos Bulls com a ascensão esportiva de Michael Jordan, "Arremesso Final" vai muito além ao contar histórias bastante peculiares tanto dos bastidores do time (nas temporadas que ganharam e que perderam), quanto das pessoas que rodeavam o grande astro. Rodman, Kerr, Paxton, Pippen e até Phil Jackson foram de extrema importância em momentos-chaves de toda essa jornada que começou em 1985 com a terceira escolha no draft. O bacana é que são tantas curiosidades, muitas delas contadas pela primeira vez e pelos próprios personagens, que não conseguimos parar de assistir os episódios - mesmo sofrendo por saber que são apenas 10!
Esse projeto começou durante a temporada 1997/98 daNBA, quando uma equipe de filmagem ganhou total acesso aos bastidores do Chicago Bulls para registrar as coletivas de imprensa, as conversas de vestiários e todo o cotidiano de treinos e viagens do time. O material de mais de um ano de gravações ficou guardado por duas décadas, até que produtores da NBA em parceria com a ESPN entraram em contato com o próprio Jordan, dono dos direitos, e prometeram um verdadeiro tratado sobre sua carreira para que as novas gerações pudessem conhecer o seu legado no esporte e na cultura pop.
Um dos (vários) postos-altos da minissérie é a forma como Hehir equilibra a construção da jornada esportiva de MJ com a transformação cultural dos anos 90 - sempre pontuada por uma trilha sonora nostálgica! A edição tem um papel fundamental nesse trabalho - ela usa dos noticiários da época para ilustrar algumas passagens como o atentado terrorista que matou o pai de Steve Kerr ou os possíveis indícios da relação de Jordan com o vício em jogos de azar que poderiam, inclusive, ter sido a razão da sua primeira aposentadoria e, para quem gosta de teorias da conspiração, a causa da morte de seu pai. Já pelo lado esportivo, o diretor se baseia no sexto (e último) título dos Bulls para desconstruir todas as demais campanhas até ali, indo e voltando na linha do tempo, para justificar algumas dificuldades pontais, aumentar a força dramática e relacionar causas com efeitos para que a audiência entenda perfeitamente o valor de cada conquista.
"Arremesso Final" é uma daquelas relíquias que, graças a Deus, foram produzidas e democratizadas pelo streaming! Uma aula de história esportiva e um mergulho no dia a dia de um atleta que para muitos pertencia a um outro planeta, mas que na verdade foi uma pessoa como nós, com todas as imperfeições e angustias, mas que se dedicou e buscou seus objetivos com muita resiliência, treinamento e talento. Olha, a minissérie é, de fato, imperdível! Play now!!!!
"As Faces da Marca", ou no original "LuLaRich", mostra a jornada de ascensão e queda de um dos maiores fenômenos da moda feminina nos EUA nos últimos tempos: aquelas calças leggings chamativas, e de gosto bem duvidoso, da LuLaRoe. Na verdade, o interessante dessa minissérie em 4 episódios, Original Prime Vídeo, é justamente entender como algumas estratégias da empresa faziam muito sentido e outras foram completamente amadoras, para não dizer gananciosas, e que praticamente transformaram uma marca que era idolatrada por suas consumidoras (fiéis) em sinônimo de arrogância, mal cartismo e péssima qualidade produto.
A produção desvenda o segredo do sucesso LuLaRoe, mas da pior forma possível. Conhecida por suas leggings, a infame empresa de marketing multi-nível viralizou prometendo para jovens mães, uma salvação financeira, trabalhando de casa, em meio período, mas ganhando muito dinheiro. Os excêntricos fundadores da LuLaRoe, DeAnne Brady e Mark Stidham, recrutaram um exército de vendedoras independentes para vender suas roupas cada vez mais bizarras e defeituosas, até que tudo começou a dar errado. Confira o trailer (em inglês):
Os diretores Jenner Furst e Julia Willoughby Nason (do ótimo "Prescrição Fatal") constroem uma narrativa bastante tradicional para esse documentário, porém com uma dinâmica brilhantemente pontuada por uma trilha sonora que define exatamente o sentimento que temos ao assistir os depoimentos de DeAnne e Mark, de seus antigos funcionários e, especialmente, de suas vendedoras mais relevantes e que um dia foram embaixadoras da marca. Apoiada em imagens de arquivo, algumas extremamente constrangedoras, "LuLaRich" tem muito mais a nos ensinar do que podemos imaginar.
Para aqueles envolvidos com empreendedorismo eu destaco dois pontos: a importância de encontrar o público ideal que vai consumir seu produto (a famosa "persona") e a estratégia de comunicação para construção de uma comunidade fiel, defensora da marca e de todos seus produtos. Por outro lado, e aqui aprender com os erros dos outros deixa a experiência ainda mais completa, a forma como os fundadores da LuLaRoe constituíram suas lideranças dentro da empresa soa patético - que transformou uma cultura que parecia ser bastante saudável em uma postura tão tóxica, onde suas práticas lembravam (e muito) algumas seitas abusivas que já vimos em outros documentários como "The Vow", por exemplo.
Impressiona o fato de que DeAnne e Mark parecem não entender as consequências de suas péssimas atitudes como empresários - a não ser que eles sejam atores incríveis, parece que eles realmente acreditam que convidar as próprias clientes como vendedoras oficiais da marca, oferecendo comissões apenas quando outras mulheres são recrutadas por elas, para aí sim vender LuLaRoe, com custo fixo de aquisição de produto garantido; não seja uma pirâmide!
"As Faces da Marca" é muito feliz em discutir os limites éticos de um negócio de família que deu certo muito rápido. A linha tênue entre uma cultura corporativa marcada pela informalidade e um ambiente de trabalho abusivo pode ser até sutil, mas em escala acaba destruindo algo que tinha, de fato, muito potencial. O problema é que o preço foi caro, principalmente para aquele lado da corda mais fraco, que enxergavam na LuLaRoe uma oportunidade de mudar de vida, de ascensão social, mas que na verdade não passava de uma grande fantasia (para não dizer "furada").
Vale muito seu play!
"As Faces da Marca", ou no original "LuLaRich", mostra a jornada de ascensão e queda de um dos maiores fenômenos da moda feminina nos EUA nos últimos tempos: aquelas calças leggings chamativas, e de gosto bem duvidoso, da LuLaRoe. Na verdade, o interessante dessa minissérie em 4 episódios, Original Prime Vídeo, é justamente entender como algumas estratégias da empresa faziam muito sentido e outras foram completamente amadoras, para não dizer gananciosas, e que praticamente transformaram uma marca que era idolatrada por suas consumidoras (fiéis) em sinônimo de arrogância, mal cartismo e péssima qualidade produto.
A produção desvenda o segredo do sucesso LuLaRoe, mas da pior forma possível. Conhecida por suas leggings, a infame empresa de marketing multi-nível viralizou prometendo para jovens mães, uma salvação financeira, trabalhando de casa, em meio período, mas ganhando muito dinheiro. Os excêntricos fundadores da LuLaRoe, DeAnne Brady e Mark Stidham, recrutaram um exército de vendedoras independentes para vender suas roupas cada vez mais bizarras e defeituosas, até que tudo começou a dar errado. Confira o trailer (em inglês):
Os diretores Jenner Furst e Julia Willoughby Nason (do ótimo "Prescrição Fatal") constroem uma narrativa bastante tradicional para esse documentário, porém com uma dinâmica brilhantemente pontuada por uma trilha sonora que define exatamente o sentimento que temos ao assistir os depoimentos de DeAnne e Mark, de seus antigos funcionários e, especialmente, de suas vendedoras mais relevantes e que um dia foram embaixadoras da marca. Apoiada em imagens de arquivo, algumas extremamente constrangedoras, "LuLaRich" tem muito mais a nos ensinar do que podemos imaginar.
Para aqueles envolvidos com empreendedorismo eu destaco dois pontos: a importância de encontrar o público ideal que vai consumir seu produto (a famosa "persona") e a estratégia de comunicação para construção de uma comunidade fiel, defensora da marca e de todos seus produtos. Por outro lado, e aqui aprender com os erros dos outros deixa a experiência ainda mais completa, a forma como os fundadores da LuLaRoe constituíram suas lideranças dentro da empresa soa patético - que transformou uma cultura que parecia ser bastante saudável em uma postura tão tóxica, onde suas práticas lembravam (e muito) algumas seitas abusivas que já vimos em outros documentários como "The Vow", por exemplo.
Impressiona o fato de que DeAnne e Mark parecem não entender as consequências de suas péssimas atitudes como empresários - a não ser que eles sejam atores incríveis, parece que eles realmente acreditam que convidar as próprias clientes como vendedoras oficiais da marca, oferecendo comissões apenas quando outras mulheres são recrutadas por elas, para aí sim vender LuLaRoe, com custo fixo de aquisição de produto garantido; não seja uma pirâmide!
"As Faces da Marca" é muito feliz em discutir os limites éticos de um negócio de família que deu certo muito rápido. A linha tênue entre uma cultura corporativa marcada pela informalidade e um ambiente de trabalho abusivo pode ser até sutil, mas em escala acaba destruindo algo que tinha, de fato, muito potencial. O problema é que o preço foi caro, principalmente para aquele lado da corda mais fraco, que enxergavam na LuLaRoe uma oportunidade de mudar de vida, de ascensão social, mas que na verdade não passava de uma grande fantasia (para não dizer "furada").
Vale muito seu play!
"Bastidores do Pop" é um mistura de "Fyre Festival", "Menudo: Sempre Jovens" e "Bernie Madoff"! É sério, essa minissérie documental da Netflix oferece uma visão reveladora e chocante sobre a ascensão e queda de Lou Pearlman, o magnata da música responsável por criar algumas das maiores boy-bands dos anos 90, incluindo Backstreet Boys, *NSYNC e O-Town. Em apenas três episódios somos convidados a mergulhar fundo nos bastidores da indústria musical, expondo os esquemas e as fraudes que Pearlman arquitetou, ao mesmo tempo em que explora o impacto devastador de suas ações sobre os artistas e milhares de pessoas que caíram em seus golpes.
"Dirty Pop: The Boy Band Scam" (no original) é estruturada de maneira cronológica, apresentando Lou Pearlman como empresário da aviação, depois mostrando sua entrada na indústria musical através de sua habilidade inegável para descobrir e promover jovens talentos, até a descoberta de um dos maiores esquemas Ponzi da história dos EUA. Pearlman, em entrevistas e imagens de arquivo, é apresentado como um empresário carismático e visionário, mas também como um manipulador astuto e sem escrúpulos. A minissérie documenta a formação e o sucesso meteórico das boy-bands sob sua tutela, ao mesmo tempo em que revela os contratos draconianos e os golpes financeiros que acabaram por destruir sua carreira e a confiança de seus jovens artistas. Confira o trailer (em inglês):
Como não poderia deixar de ser, são os depoimentos dos membros das boy-bands que Pearlman empresariou que, de fato, causam impacto. Artistas como Lance Bass (*NSYNC) e AJ McLean (Backstreet Boys) compartilham suas experiências pessoais, desde o entusiasmo inicial de serem descobertos até a amarga desilusão ao perceberem a extensão da exploração que sofriam - esses relatos adicionam uma camada de profundidade emocional à narrativa impressionante. Nesse sentido o roteiro de "Bastidores do Pop" é cuidadosamente escrito para capturar tanto a grandiosidade de se criar fenômenos da música jovem quanto uma certa sordidez da trajetória de Pearlman. O documentário equilibra habilmente o glamour e o brilho da indústria musical, com a realidade sombria dos esquemas e manipulações financeiras que o empresário conduzia debaixo dos panos.
David Terry Fine (do excelente "Untold - a namorada que não existiu") dirige a minissérie com uma abordagem honesta e direta, combinando entrevistas com os membros das bandas, executivos da indústria musical, jornalistas especializados e outras pessoas próximas ao escândalo - alguns amigos e parceiros de Pearlman, inclusive, não economizam em suas duras opiniões. As entrevistas são realmente sinceras por um lado e emocionantes por outro, oferecendo um recorte bem provocador sobre os efeitos de todas as ações do empresário em diversos níveis de relacionamentos - do profissional ao pessoal. Nesse sentido a direção de Fine é sensível e meticulosa, capaz de entregar uma narrativa tão coesa e envolvente como todas as referências que citei acima, mas sem impor qualquer tipo de julgamento prévio.
"Bastidores do Pop" também aborda temas como a exploração, a ganância e a busca pelo sucesso a qualquer custo, pautado em uma crítica incisiva da indústria musical e dos mecanismos que permitiram que Pearlman operasse impunemente por tanto tempo. Ao som de músicas icônicas das boy-bands dos anos 90, a minissérie brinca com nossa percepção de "certo e errado" ao trazer uma sensação de nostalgia e contraste sobre os eventos sombrios da história, intensificando esse impacto emocional e nos envolvendo por toda jornada.
Antes de finalizar, um registro importante: uma decisão conceitual do diretor pode incomodar alguns já que ele usa inteligência artificial para criar um “Pearlman digital” narrando trechos de seu livro - embora os produtores sejam transparentes sobre o uso da tecnologia, essa escolha me pareceu duvidosa, mas fique tranquilo, não ao ponto de impactar nossa experiência como audiência.
Vale seu play!
"Bastidores do Pop" é um mistura de "Fyre Festival", "Menudo: Sempre Jovens" e "Bernie Madoff"! É sério, essa minissérie documental da Netflix oferece uma visão reveladora e chocante sobre a ascensão e queda de Lou Pearlman, o magnata da música responsável por criar algumas das maiores boy-bands dos anos 90, incluindo Backstreet Boys, *NSYNC e O-Town. Em apenas três episódios somos convidados a mergulhar fundo nos bastidores da indústria musical, expondo os esquemas e as fraudes que Pearlman arquitetou, ao mesmo tempo em que explora o impacto devastador de suas ações sobre os artistas e milhares de pessoas que caíram em seus golpes.
"Dirty Pop: The Boy Band Scam" (no original) é estruturada de maneira cronológica, apresentando Lou Pearlman como empresário da aviação, depois mostrando sua entrada na indústria musical através de sua habilidade inegável para descobrir e promover jovens talentos, até a descoberta de um dos maiores esquemas Ponzi da história dos EUA. Pearlman, em entrevistas e imagens de arquivo, é apresentado como um empresário carismático e visionário, mas também como um manipulador astuto e sem escrúpulos. A minissérie documenta a formação e o sucesso meteórico das boy-bands sob sua tutela, ao mesmo tempo em que revela os contratos draconianos e os golpes financeiros que acabaram por destruir sua carreira e a confiança de seus jovens artistas. Confira o trailer (em inglês):
Como não poderia deixar de ser, são os depoimentos dos membros das boy-bands que Pearlman empresariou que, de fato, causam impacto. Artistas como Lance Bass (*NSYNC) e AJ McLean (Backstreet Boys) compartilham suas experiências pessoais, desde o entusiasmo inicial de serem descobertos até a amarga desilusão ao perceberem a extensão da exploração que sofriam - esses relatos adicionam uma camada de profundidade emocional à narrativa impressionante. Nesse sentido o roteiro de "Bastidores do Pop" é cuidadosamente escrito para capturar tanto a grandiosidade de se criar fenômenos da música jovem quanto uma certa sordidez da trajetória de Pearlman. O documentário equilibra habilmente o glamour e o brilho da indústria musical, com a realidade sombria dos esquemas e manipulações financeiras que o empresário conduzia debaixo dos panos.
David Terry Fine (do excelente "Untold - a namorada que não existiu") dirige a minissérie com uma abordagem honesta e direta, combinando entrevistas com os membros das bandas, executivos da indústria musical, jornalistas especializados e outras pessoas próximas ao escândalo - alguns amigos e parceiros de Pearlman, inclusive, não economizam em suas duras opiniões. As entrevistas são realmente sinceras por um lado e emocionantes por outro, oferecendo um recorte bem provocador sobre os efeitos de todas as ações do empresário em diversos níveis de relacionamentos - do profissional ao pessoal. Nesse sentido a direção de Fine é sensível e meticulosa, capaz de entregar uma narrativa tão coesa e envolvente como todas as referências que citei acima, mas sem impor qualquer tipo de julgamento prévio.
"Bastidores do Pop" também aborda temas como a exploração, a ganância e a busca pelo sucesso a qualquer custo, pautado em uma crítica incisiva da indústria musical e dos mecanismos que permitiram que Pearlman operasse impunemente por tanto tempo. Ao som de músicas icônicas das boy-bands dos anos 90, a minissérie brinca com nossa percepção de "certo e errado" ao trazer uma sensação de nostalgia e contraste sobre os eventos sombrios da história, intensificando esse impacto emocional e nos envolvendo por toda jornada.
Antes de finalizar, um registro importante: uma decisão conceitual do diretor pode incomodar alguns já que ele usa inteligência artificial para criar um “Pearlman digital” narrando trechos de seu livro - embora os produtores sejam transparentes sobre o uso da tecnologia, essa escolha me pareceu duvidosa, mas fique tranquilo, não ao ponto de impactar nossa experiência como audiência.
Vale seu play!
Nesse vasto universo do entretenimento, existem histórias que realmente transcendem o nicho ao qual pertencem e é aqui, mais uma vez, que a vida imita a arte! "Beckham", minissérie de 4 episódios sobre a vida e carreira do astro David Beckham, é uma dessas pérolas imperdíveis para quem gosta e para quem não gosta de futebol. Com o propósito de responder intermináveis questionamentos sobre sua capacidade como atleta ou seu valor como produto construído pela mídia para gerar mais dinheiro do que títulos nos clubes que jogou, essa produção dirigida pelo renomado Fisher Stevens (vencedor do Oscar por "A Enseada") é um verdadeiro estudo de caso sobre uma das maiores referências do esporte inglês de todos os tempos - e olha, ele pagou um preço bem caro para alcançar esse status.
A minissérie narra a jornada extraordinária de David Beckham, desde seu humilde começo com 12, 13 anos no Manchester United até se tornar um ícone global do esporte e do marketing. O roteiro apresenta um David Beckham autêntico e emocional, sem filtros, que explora não apenas os altos e baixos de sua carreira esportiva, mas também a influência de sua família, com destaque para sua esposa e ex-Spice Girls, Victoria Beckham. Confira o trailer:
Com uma abordagem extremamente íntima e cativante, "Beckham" é um mergulho na psique do atleta como poucas vezes vimos - até se compararmos com outros documentários do gênero, é de se elogiar a capacidade Stevens em alcançar tantas respostas sinceras de vários personagens que deram seu depoimento. Ao buscar uma certa originalidade conceitual para a narrativa, o diretor equilibra esses depoimentos com os fatos mais marcantes da história do atleta e um vasto material de arquivos da época para ilustrar tudo isso - muito em ordem cronológica, aliás. Dito isso, é impossível não destacar a presença de nomes como Alex Ferguson (seu treinador no Manchester United), Fabio Capello (seu treinador no Real Madrid), Ronaldo, Roberto Carlos, Roy Keane, Paul Scholes, Simeone, Landon Donovan, entre outros.
Essa combinação de elementos narrativos se encaixa perfeitamente em uma edição realmente primorosa que prioriza seu protagonista sem se esquecer do esmero visual como obra cinematográfica - isso torna a minissérie uma experiência única, muito agradável de acompanhar. Ao oferecer uma análise critica sobre os feitos esportivos de David Beckham, durante quase 5 horas de material, a produção não deixa de convidar o próprio atleta a fazer um olhar retrospectivo sobre os impasses que viveu com a imprensa, com a família (leia-se Victoria) e com os colegas de equipe (principalmente com alguns de seus treinadores). O bacana disso tudo é que Beckham não se esquiva dessas polêmicas e mesmo soando "chapa branca", a minissérie se esforça para mostrar sempre os dois lados da história.
A grande verdade é que, ao lado de "Arremesso Final" e "Man in the Arena", "Beckham" é um dos melhores documentários biográficos sobre um atleta produzidos até aqui! Bem dirigido por Stevens, eu diria que esse é daqueles projetos que transcendem nossas expectativas como audiência. Com uma narrativa envolvente e depoimentos incríveis, oferece uma visão profunda da vida de um verdadeiro ícone. Seja você um fã de esportes ou alguém que aprecia apenas uma boa história, esta minissérie encapsula a essência do sucesso, perseverança e autenticidade, fazendo jus à grandiosidade de David Beckham e de sua enorme influência global além dos gramados, até hoje.
Imperdível!
Nesse vasto universo do entretenimento, existem histórias que realmente transcendem o nicho ao qual pertencem e é aqui, mais uma vez, que a vida imita a arte! "Beckham", minissérie de 4 episódios sobre a vida e carreira do astro David Beckham, é uma dessas pérolas imperdíveis para quem gosta e para quem não gosta de futebol. Com o propósito de responder intermináveis questionamentos sobre sua capacidade como atleta ou seu valor como produto construído pela mídia para gerar mais dinheiro do que títulos nos clubes que jogou, essa produção dirigida pelo renomado Fisher Stevens (vencedor do Oscar por "A Enseada") é um verdadeiro estudo de caso sobre uma das maiores referências do esporte inglês de todos os tempos - e olha, ele pagou um preço bem caro para alcançar esse status.
A minissérie narra a jornada extraordinária de David Beckham, desde seu humilde começo com 12, 13 anos no Manchester United até se tornar um ícone global do esporte e do marketing. O roteiro apresenta um David Beckham autêntico e emocional, sem filtros, que explora não apenas os altos e baixos de sua carreira esportiva, mas também a influência de sua família, com destaque para sua esposa e ex-Spice Girls, Victoria Beckham. Confira o trailer:
Com uma abordagem extremamente íntima e cativante, "Beckham" é um mergulho na psique do atleta como poucas vezes vimos - até se compararmos com outros documentários do gênero, é de se elogiar a capacidade Stevens em alcançar tantas respostas sinceras de vários personagens que deram seu depoimento. Ao buscar uma certa originalidade conceitual para a narrativa, o diretor equilibra esses depoimentos com os fatos mais marcantes da história do atleta e um vasto material de arquivos da época para ilustrar tudo isso - muito em ordem cronológica, aliás. Dito isso, é impossível não destacar a presença de nomes como Alex Ferguson (seu treinador no Manchester United), Fabio Capello (seu treinador no Real Madrid), Ronaldo, Roberto Carlos, Roy Keane, Paul Scholes, Simeone, Landon Donovan, entre outros.
Essa combinação de elementos narrativos se encaixa perfeitamente em uma edição realmente primorosa que prioriza seu protagonista sem se esquecer do esmero visual como obra cinematográfica - isso torna a minissérie uma experiência única, muito agradável de acompanhar. Ao oferecer uma análise critica sobre os feitos esportivos de David Beckham, durante quase 5 horas de material, a produção não deixa de convidar o próprio atleta a fazer um olhar retrospectivo sobre os impasses que viveu com a imprensa, com a família (leia-se Victoria) e com os colegas de equipe (principalmente com alguns de seus treinadores). O bacana disso tudo é que Beckham não se esquiva dessas polêmicas e mesmo soando "chapa branca", a minissérie se esforça para mostrar sempre os dois lados da história.
A grande verdade é que, ao lado de "Arremesso Final" e "Man in the Arena", "Beckham" é um dos melhores documentários biográficos sobre um atleta produzidos até aqui! Bem dirigido por Stevens, eu diria que esse é daqueles projetos que transcendem nossas expectativas como audiência. Com uma narrativa envolvente e depoimentos incríveis, oferece uma visão profunda da vida de um verdadeiro ícone. Seja você um fã de esportes ou alguém que aprecia apenas uma boa história, esta minissérie encapsula a essência do sucesso, perseverança e autenticidade, fazendo jus à grandiosidade de David Beckham e de sua enorme influência global além dos gramados, até hoje.
Imperdível!
“Being the Ricardos” é muito bacana - e certamente vai se conectar melhor com aqueles, digamos, um pouco mais velhos e que se lembram (mesmo que vagamente) o que representou o show “I Love Lucy” na história da TV. Obviamente que o filme chega chancelado pelo selo de qualidade do diretor e roteirista Aaron Sorkin que, mesmo tendo como sua característica narrativa a verborragia desde os tempos onde a escrita era seu único expediente, entrega um pouco mais de duas horas de um ótimo entretenimento, equilibrando uma dinâmica visual simples com uma história que, aí sim, vai além das piadas que deram fama para a sua protagonista.
Lucille Ball (Nicole Kidman, mais uma vez brilhante) e Desi Arnaz (Javier Bardem) se casaram em 1940 e viram sua fama decolar após estrearem uma das mais memoráveis sitcoms americanas, “I Love Lucy”. Entretanto, quando tudo parecia estar indo bem, os dois se veem envolvidos em uma trama de acusações chocantes que ameaçam sua vida pessoal e profissional. Ao longo da semana mais tensa de gravações do show, o relacionamento complexo dos dois é posto à prova, enquanto algumas verdades vêm à tona. Confira o trailer:
Essa biografia produzida pela Amazon para o seu Prime Vídeo apresenta uma personagem que se encaixa perfeitamente na maior habilidade de Sorkin como roteirista: construir diálogos. Desde o primeiro momento, se estabelece um conceito narrativo documental onde a radiografia que vai sendo construída para Lucille Ball se apoia, justamente, em como ela se comunica - o que eu quero dizer é que os diálogos de “Being the Ricardos” são intensos, mas afiadíssimos. O problema é que a capacidade de Sorkin como diretor não é a mesma que escrevendo - não que seja ruim, até existe algum vislumbre criativo no filme (mas é pouco), principalmente quando Lucy visualiza as cenas que serão filmadas de acordo com sua imaginação e que nos remete ao material original do show (mesmo não sendo). O ponto fraco da sua direção está na forma como ele cuida do elenco coadjuvante, pois ele não respeita a individualidade dos personagens - reparem como todos se expressam com vocabulários, ritmos e tiques exatamente da mesma forma. É como se cada diálogo tivesse que ser carregado com um tom de ironia e uma pitada sarcasmo!
Esse ponto fraco não atrapalha nossa jornada como audiência porque Nicole Kidman está simplesmente fantástica no papel de protagonista. Quatro vezes indicadas ao Oscar e com uma vitória em "As Horas", Kidman está impecável nos gestos, na fala e no visual - me surpreendeu que “Being the Ricardos” não tenha sido nem pré-selecionado para concorrer na categoria "Cabelo e Maquiagem" do Oscar 2022. Javier Bardem, mesmo sendo espanhol, interpreta um cubano - sinceramente não acho isso um grande problema, embora o esteriótipo de Latin Loveresteja muito presente na sua performance. Quando Bardem tira essa máscara (que pediram para ele colocar), ele brilha - e não falo isso com demérito, já que seu personagem pede essa dualidade, mas é nítido como nas cenas mais profundas, ele vai muito além.
“Being the Ricardos” se baseia na genialidade de uma artista que fazia dos seus instintos sua diferença - e é na constatação dessa densidade como ser humano que o filme cresce. Saiba que Lucy, diferente de Judy (por exemplo), foi uma artista que precisou se provar de tantas formas ao longo de tantos anos que soa improvável que, a cada episódio, seu show alcançasse 60 milhões de americanos todas as segundas - hoje um show de muito sucesso talvez alcance 1/4 disso. O filme mostra algumas passagens onde discutiam sobre seu talento, sobre sua capacidade dramática, sobre sua aparência e até sobre sua relação com o comunismo; mas “Being the Ricardos” é bom mesmo quando mostra a força e a capacidade de uma mulher que, desacreditada, fez de tudo para vencer na vida!
Vale muito a pena!
“Being the Ricardos” é muito bacana - e certamente vai se conectar melhor com aqueles, digamos, um pouco mais velhos e que se lembram (mesmo que vagamente) o que representou o show “I Love Lucy” na história da TV. Obviamente que o filme chega chancelado pelo selo de qualidade do diretor e roteirista Aaron Sorkin que, mesmo tendo como sua característica narrativa a verborragia desde os tempos onde a escrita era seu único expediente, entrega um pouco mais de duas horas de um ótimo entretenimento, equilibrando uma dinâmica visual simples com uma história que, aí sim, vai além das piadas que deram fama para a sua protagonista.
Lucille Ball (Nicole Kidman, mais uma vez brilhante) e Desi Arnaz (Javier Bardem) se casaram em 1940 e viram sua fama decolar após estrearem uma das mais memoráveis sitcoms americanas, “I Love Lucy”. Entretanto, quando tudo parecia estar indo bem, os dois se veem envolvidos em uma trama de acusações chocantes que ameaçam sua vida pessoal e profissional. Ao longo da semana mais tensa de gravações do show, o relacionamento complexo dos dois é posto à prova, enquanto algumas verdades vêm à tona. Confira o trailer:
Essa biografia produzida pela Amazon para o seu Prime Vídeo apresenta uma personagem que se encaixa perfeitamente na maior habilidade de Sorkin como roteirista: construir diálogos. Desde o primeiro momento, se estabelece um conceito narrativo documental onde a radiografia que vai sendo construída para Lucille Ball se apoia, justamente, em como ela se comunica - o que eu quero dizer é que os diálogos de “Being the Ricardos” são intensos, mas afiadíssimos. O problema é que a capacidade de Sorkin como diretor não é a mesma que escrevendo - não que seja ruim, até existe algum vislumbre criativo no filme (mas é pouco), principalmente quando Lucy visualiza as cenas que serão filmadas de acordo com sua imaginação e que nos remete ao material original do show (mesmo não sendo). O ponto fraco da sua direção está na forma como ele cuida do elenco coadjuvante, pois ele não respeita a individualidade dos personagens - reparem como todos se expressam com vocabulários, ritmos e tiques exatamente da mesma forma. É como se cada diálogo tivesse que ser carregado com um tom de ironia e uma pitada sarcasmo!
Esse ponto fraco não atrapalha nossa jornada como audiência porque Nicole Kidman está simplesmente fantástica no papel de protagonista. Quatro vezes indicadas ao Oscar e com uma vitória em "As Horas", Kidman está impecável nos gestos, na fala e no visual - me surpreendeu que “Being the Ricardos” não tenha sido nem pré-selecionado para concorrer na categoria "Cabelo e Maquiagem" do Oscar 2022. Javier Bardem, mesmo sendo espanhol, interpreta um cubano - sinceramente não acho isso um grande problema, embora o esteriótipo de Latin Loveresteja muito presente na sua performance. Quando Bardem tira essa máscara (que pediram para ele colocar), ele brilha - e não falo isso com demérito, já que seu personagem pede essa dualidade, mas é nítido como nas cenas mais profundas, ele vai muito além.
“Being the Ricardos” se baseia na genialidade de uma artista que fazia dos seus instintos sua diferença - e é na constatação dessa densidade como ser humano que o filme cresce. Saiba que Lucy, diferente de Judy (por exemplo), foi uma artista que precisou se provar de tantas formas ao longo de tantos anos que soa improvável que, a cada episódio, seu show alcançasse 60 milhões de americanos todas as segundas - hoje um show de muito sucesso talvez alcance 1/4 disso. O filme mostra algumas passagens onde discutiam sobre seu talento, sobre sua capacidade dramática, sobre sua aparência e até sobre sua relação com o comunismo; mas “Being the Ricardos” é bom mesmo quando mostra a força e a capacidade de uma mulher que, desacreditada, fez de tudo para vencer na vida!
Vale muito a pena!
"Bem-Vindos ao Clube da Sedução" é tão excelente que chega a ser inacreditável que o Star+ não tenha dado mais atenção ao marketing dessa minissérie baseada em fatos reais que além de te surpreender, vai te prender durante os 8 episódios de uma forma impressionante. Veja, se inicialmente temos a leve impressão de estarmos diante de uma narrativa que nos remete àquela história de um pacato cidadão que vê uma oportunidade de se dar muito bem na vida mesmo que para isso ele tenha que sujar as mãos, ao melhor estilo "anti-herói" de Walter White em "Breaking Bad"; imediatamente depois somos jogados ao mundo do empreendedorismo com fortes gatilhos emocionais como em "O Urso" ou "Physical", mas que na verdade tudo não passa de uma jornada de vaidade, crime e dinheiro como em "The Thing About Pam" ou “Halston”, por exemplo.
Somen “Steve” Banerjee (Kumail Nanjiani) é um empreendedor indiano-americano que criou o Chippendales - conhecido na década de 70 como o primeiro show de strip-tease apenas com modelos masculinos. Depois de imigrar para Playa del Rey, na Califórnia, Steve vê uma oportunidade única de transformar um bar de gamão em algo único, inédito e muito rentável. Sua ambição o leva ao sucesso, com decisões firmes, criativas e visionárias, com a mesma velocidade com que sua vaidade e insegurança emocional começa destrui-lo. Confira o trailer:
Eu dei o play sem muito saber sobre a história - mal sabia, inclusive, que ela era real; porém acho necessário dizer que o clube Chippendales (de onde vem o título original "Welcome to Chippendales"), de fato, marcou uma geração de mulheres que buscavam liberdade e diversão no final dos anos 70, com a mesma veemência com que figurou nos noticiários americanos pelos consecutivos casos de assassinato e suicídio que envolveram funcionários que ali trabalharam. Por isso que a minissérie se apoia em elementos de true crime, mas 90% do seu tempo ela é muito mais sobre negócios, sucesso, dinheiro e vaidade do que qualquer outra coisa - eu diria que são ”os bastidores de showbiz" que nos guiam durante toda a jornada
Criada por Robert Siegel (o mesmo de "Pam & Tommy"), "Bem-Vindos ao Clube da Sedução" nos envolve de tal maneira que naturalmente emendamos um episódio no outro - e aqui cabe um aviso: como em “Halston” e em "Hollywood", algumas cenas que recriam o cenário gay da época, podem chocar parte da audiência. Por outro lado, o trabalho do departamento de Arte é fenomenal - dos cabelos aos figurinos, até mesmo passando pelos cenários cuidadosamente recriados, temos um projeto tecnicamente impecável e visualmente muito caprichado. O elenco encabeçado pelo talentoso Kumail Nanjiani também merece destaque. Todo núcleo principal que conta com Murray Bartlett (o Nick De Noia), Annaleigh Ashford (como Irene) e a impagável Juliette Lewis (como Denise), é digno de prêmios pela performance e pela capacidade de equilibrar a dor mais íntima com o estereótipo mais despojado típico daquele universo.
"Bem-Vindos ao Clube da Sedução" é uma jóia que pode até incomodar os mais preconceituosos, mas que encanta pela veracidade de sua jornada e nos provoca inúmeras reflexões sobre o poder que o sucesso e o dinheiro tem de transformar até quem são, como a própria Irene definiu, "pessoas boas". Com um roteiro de muita profundidade, que discute assuntos espinhosos e marcantes para toda uma sociedade, ao mesmo tempo em que nos maravilha com uma qualidade artística acima da média, fica fácil afirmar que estamos diante de um dos títulos mais subestimados de 2022 e que merece (e muito) o seu play!
"Bem-Vindos ao Clube da Sedução" é tão excelente que chega a ser inacreditável que o Star+ não tenha dado mais atenção ao marketing dessa minissérie baseada em fatos reais que além de te surpreender, vai te prender durante os 8 episódios de uma forma impressionante. Veja, se inicialmente temos a leve impressão de estarmos diante de uma narrativa que nos remete àquela história de um pacato cidadão que vê uma oportunidade de se dar muito bem na vida mesmo que para isso ele tenha que sujar as mãos, ao melhor estilo "anti-herói" de Walter White em "Breaking Bad"; imediatamente depois somos jogados ao mundo do empreendedorismo com fortes gatilhos emocionais como em "O Urso" ou "Physical", mas que na verdade tudo não passa de uma jornada de vaidade, crime e dinheiro como em "The Thing About Pam" ou “Halston”, por exemplo.
Somen “Steve” Banerjee (Kumail Nanjiani) é um empreendedor indiano-americano que criou o Chippendales - conhecido na década de 70 como o primeiro show de strip-tease apenas com modelos masculinos. Depois de imigrar para Playa del Rey, na Califórnia, Steve vê uma oportunidade única de transformar um bar de gamão em algo único, inédito e muito rentável. Sua ambição o leva ao sucesso, com decisões firmes, criativas e visionárias, com a mesma velocidade com que sua vaidade e insegurança emocional começa destrui-lo. Confira o trailer:
Eu dei o play sem muito saber sobre a história - mal sabia, inclusive, que ela era real; porém acho necessário dizer que o clube Chippendales (de onde vem o título original "Welcome to Chippendales"), de fato, marcou uma geração de mulheres que buscavam liberdade e diversão no final dos anos 70, com a mesma veemência com que figurou nos noticiários americanos pelos consecutivos casos de assassinato e suicídio que envolveram funcionários que ali trabalharam. Por isso que a minissérie se apoia em elementos de true crime, mas 90% do seu tempo ela é muito mais sobre negócios, sucesso, dinheiro e vaidade do que qualquer outra coisa - eu diria que são ”os bastidores de showbiz" que nos guiam durante toda a jornada
Criada por Robert Siegel (o mesmo de "Pam & Tommy"), "Bem-Vindos ao Clube da Sedução" nos envolve de tal maneira que naturalmente emendamos um episódio no outro - e aqui cabe um aviso: como em “Halston” e em "Hollywood", algumas cenas que recriam o cenário gay da época, podem chocar parte da audiência. Por outro lado, o trabalho do departamento de Arte é fenomenal - dos cabelos aos figurinos, até mesmo passando pelos cenários cuidadosamente recriados, temos um projeto tecnicamente impecável e visualmente muito caprichado. O elenco encabeçado pelo talentoso Kumail Nanjiani também merece destaque. Todo núcleo principal que conta com Murray Bartlett (o Nick De Noia), Annaleigh Ashford (como Irene) e a impagável Juliette Lewis (como Denise), é digno de prêmios pela performance e pela capacidade de equilibrar a dor mais íntima com o estereótipo mais despojado típico daquele universo.
"Bem-Vindos ao Clube da Sedução" é uma jóia que pode até incomodar os mais preconceituosos, mas que encanta pela veracidade de sua jornada e nos provoca inúmeras reflexões sobre o poder que o sucesso e o dinheiro tem de transformar até quem são, como a própria Irene definiu, "pessoas boas". Com um roteiro de muita profundidade, que discute assuntos espinhosos e marcantes para toda uma sociedade, ao mesmo tempo em que nos maravilha com uma qualidade artística acima da média, fica fácil afirmar que estamos diante de um dos títulos mais subestimados de 2022 e que merece (e muito) o seu play!
Uma cinebiografia diferente! Talvez essa seja a melhor forma de descrever "Bob Marley: One Love" do diretor Reinaldo Marcus Green - e basta lembrar do seu trabalho anterior, "King Richard", para entender que, como na história das tenistas Williams onde a perspectiva era de seu pai, sua proposta de humanizar o protagonista, focando muito mais em sua vulnerabilidade do que no ícone que ele se tornou, faz todo o sentido! É isso, essa é uma jornada que oferece uma visão íntima da vida e do legado de uma das maiores referências da música e da cultura mundial: Bob Marley. "One Love" busca capturar a essência do homem por trás da lenda, mostrando não apenas seu impacto na música e na luta pela paz dentro de um contexto sócio-político, mas também os desafios pessoais e os obstáculos que enfrentou ao longo de sua trajetória.
A narrativa se passa quase que inteiramente entre 1976 e 1978, período de conflitos armados na Jamaica onde os hits como "I Shot the Sheriff" ou "No Woman, No Cry" já existiam. Através das memórias de seu protagonista (interpretado pelo talentoso Kingsley Ben-Adir) o filme se concentra em momentos-chave da vida de Marley, desde suas origens humildes na Jamaica até sua ascensão como um fenômeno global, imortalizado pelas mensagens de amor e resistência que permeiam sua música. O roteiro não se limita a ser um tributo à sua carreira; ele também aprofunda as relações pessoais de Marley, como seu casamento com Rita Marley e a complexa dinâmica com seus filhos e outros parceiros musicais. Confira o trailer:
Não espere encontrar um pequeno Bob, triste pelo abandono do seu pai, sofrendo sob a dura realidade de uma Jamaica colonizada. Esquece! O filme de Reinaldo Marcus Green entrega uma direção sensível e cuidadosa, mas sem cair na tentação de transformar a vida de Marley em uma narrativa simplista de “ascensão e queda”. Em vez disso,o diretor se apropria de um recorte temporal para focar na essência espiritual e cultural do protagonista. Claro que o filme não se esquiva dos momentos difíceis - ele aborda as tensões políticas na Jamaica e até o atentado sofrido por Marley, mas sem dúvida alguma que é pela celebração da alegria e da transcendência de sua música que somos praticamente obrigados a não tirar os olhos da tela. Repare como a música de Marley é incorporada à narrativa - canções icônicas como “One Love”, “Redemption Song” e “No Woman, No Cry” são usadas de maneira orgânica, não apenas como pano de fundo, mas como elementos que impulsionam a história e refletem emoções e desafios. Aqui, a trilha sonora é tratada como um personagem em si, lembrando o impacto que essas músicas continuam a ter globalmente, décadas após sua criação.
Kingsley Ben-Adir, mais uma vez, oferece uma performance poderosa e envolvente. Ele traz para tela a presença carismática e a serenidade de Marley, bem como suas lutas mais internas e a intensidade de seu compromisso com a arte em sua proposta de usar a música como uma mensagem de paz. É importante dizer que Ben-Adir não se limita a "imitar" ou a se apoiar nos trejeitos de Marley, muito pelo contrário, ele incorpora sua alma, tornando seu personagem mais do que apenas um ícone distante. Seu desempenho é complementar ao de Lashana Lynch, que interpreta Rita Marley - ela traz a complexidade e a força para uma mulher que, além de ser esposa, foi uma parceira essencial na vida e na carreira do músico. A química entre os dois é impressionante, tão palpável quanto a beleza dessa fala de Rita: "As vezes o mensageiro tem que se tornar a mensagem!".
Sem a menor dúvida que "Bob Marley: One Love" é uma cinematografia vibrante que evoca desde as paisagens jamaicanas, que nos transporta para os bairros humildes de Kingston, como o brilho do sucesso, através dos palcos ao redor do mundo onde Marley se apresentou. O filme realmente sabe capturar a essência de uma época, criando uma atmosfera autêntica que celebra a cultura jamaicana e a universalidade de uma mensagem muito potente. E embora enfrente as limitações inerentes de um biografia, o filme consegue equilibrar momentos de alegria e dor, oferecendo ao público uma experiência imersiva e emocionante que reflete a atemporalidade da obra de Marley. Para os fãs e para aqueles que buscam entender o impacto duradouro de sua música, "One Love" é uma obra imperdível.
Vale muito o seu play!
Uma cinebiografia diferente! Talvez essa seja a melhor forma de descrever "Bob Marley: One Love" do diretor Reinaldo Marcus Green - e basta lembrar do seu trabalho anterior, "King Richard", para entender que, como na história das tenistas Williams onde a perspectiva era de seu pai, sua proposta de humanizar o protagonista, focando muito mais em sua vulnerabilidade do que no ícone que ele se tornou, faz todo o sentido! É isso, essa é uma jornada que oferece uma visão íntima da vida e do legado de uma das maiores referências da música e da cultura mundial: Bob Marley. "One Love" busca capturar a essência do homem por trás da lenda, mostrando não apenas seu impacto na música e na luta pela paz dentro de um contexto sócio-político, mas também os desafios pessoais e os obstáculos que enfrentou ao longo de sua trajetória.
A narrativa se passa quase que inteiramente entre 1976 e 1978, período de conflitos armados na Jamaica onde os hits como "I Shot the Sheriff" ou "No Woman, No Cry" já existiam. Através das memórias de seu protagonista (interpretado pelo talentoso Kingsley Ben-Adir) o filme se concentra em momentos-chave da vida de Marley, desde suas origens humildes na Jamaica até sua ascensão como um fenômeno global, imortalizado pelas mensagens de amor e resistência que permeiam sua música. O roteiro não se limita a ser um tributo à sua carreira; ele também aprofunda as relações pessoais de Marley, como seu casamento com Rita Marley e a complexa dinâmica com seus filhos e outros parceiros musicais. Confira o trailer:
Não espere encontrar um pequeno Bob, triste pelo abandono do seu pai, sofrendo sob a dura realidade de uma Jamaica colonizada. Esquece! O filme de Reinaldo Marcus Green entrega uma direção sensível e cuidadosa, mas sem cair na tentação de transformar a vida de Marley em uma narrativa simplista de “ascensão e queda”. Em vez disso,o diretor se apropria de um recorte temporal para focar na essência espiritual e cultural do protagonista. Claro que o filme não se esquiva dos momentos difíceis - ele aborda as tensões políticas na Jamaica e até o atentado sofrido por Marley, mas sem dúvida alguma que é pela celebração da alegria e da transcendência de sua música que somos praticamente obrigados a não tirar os olhos da tela. Repare como a música de Marley é incorporada à narrativa - canções icônicas como “One Love”, “Redemption Song” e “No Woman, No Cry” são usadas de maneira orgânica, não apenas como pano de fundo, mas como elementos que impulsionam a história e refletem emoções e desafios. Aqui, a trilha sonora é tratada como um personagem em si, lembrando o impacto que essas músicas continuam a ter globalmente, décadas após sua criação.
Kingsley Ben-Adir, mais uma vez, oferece uma performance poderosa e envolvente. Ele traz para tela a presença carismática e a serenidade de Marley, bem como suas lutas mais internas e a intensidade de seu compromisso com a arte em sua proposta de usar a música como uma mensagem de paz. É importante dizer que Ben-Adir não se limita a "imitar" ou a se apoiar nos trejeitos de Marley, muito pelo contrário, ele incorpora sua alma, tornando seu personagem mais do que apenas um ícone distante. Seu desempenho é complementar ao de Lashana Lynch, que interpreta Rita Marley - ela traz a complexidade e a força para uma mulher que, além de ser esposa, foi uma parceira essencial na vida e na carreira do músico. A química entre os dois é impressionante, tão palpável quanto a beleza dessa fala de Rita: "As vezes o mensageiro tem que se tornar a mensagem!".
Sem a menor dúvida que "Bob Marley: One Love" é uma cinematografia vibrante que evoca desde as paisagens jamaicanas, que nos transporta para os bairros humildes de Kingston, como o brilho do sucesso, através dos palcos ao redor do mundo onde Marley se apresentou. O filme realmente sabe capturar a essência de uma época, criando uma atmosfera autêntica que celebra a cultura jamaicana e a universalidade de uma mensagem muito potente. E embora enfrente as limitações inerentes de um biografia, o filme consegue equilibrar momentos de alegria e dor, oferecendo ao público uma experiência imersiva e emocionante que reflete a atemporalidade da obra de Marley. Para os fãs e para aqueles que buscam entender o impacto duradouro de sua música, "One Love" é uma obra imperdível.
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