Menos ação, mais tensão e uma boa dose de drama pessoal - é isso que você vai encontrar nessa produção da Showtime que está na Paramount+. "A Agência", na verdade, é uma adaptação da premiada série francesa "Le Bureau des Légendes" de Eric Rochant - que inclusive teve cinco excelentes temporadas por lá. Seguindo uma linha narrativa e visual que transita perfeitamente entre "O Dia do Chacal" e "The Night Manager", mas com um leve toque de "O Assassino" do David Fincher, essa é uma das séries de espionagem mais inteligentes, envolventes e sofisticadas que você vai encontrar no streaming. Sob a liderança de Jez e John-Henry Butterworth (de "Ford vs. Ferrari"), "The Agency" (no original) constrói uma trama densa e psicologicamente instigante, que ecoa o trabalho de mestres do gênero como John Le Carré. Com uma jornada recheada de dilemas morais e intrigas políticas, mas sempre com uma abordagem profundamente humana, eu diria que você vai se impressionar com "A Agência" por sua complexidade dramática e especialmente pela riqueza de seus personagens.
No centro da história está Brandon Cunningham (Michael Fassbender), codinome "Marciano", um agente da CIA recém-retornado de uma missão de seis anos no Sudão. Durante esse tempo, ele viveu como "Paul Lewis", uma identidade falsa que utilizou para infiltrações e recrutamentos. Porém, Marciano carrega as marcas psicológicas dessa longa missão e tem dificuldade em abandonar seu alter ego. A situação se complica quando Samia Zahir (Jodie Turner-Smith), uma antropóloga sudanesa com quem teve um relacionamento secreto, aparece inesperadamente em Londres. Dividido entre a paixão por Samia e a paranoia de que ela possa ser uma espiã, Marciano entra em uma espiral de decisões erráticas que ameaçam sua carreira e sua segurança ao mesmo tempo em que precisa lidar com o desaparecimento de uma fonte da CIA na Bielorrússia. Confira o trailer:
Não espere resposta fáceis já que o grande mérito de "A Agência" é seu foco no estudo de personagens. A partir da complexidade das relações humanas e da introspecção dos desejos pessoais e dos deveres profissionais, a série é muito competente ao explorar a deterioração mental e emocional do protagonista enquanto ele se aprofunda em um jogo de mentiras, manipulações e escolhas bastante duvidosas. A atuação de Michael Fassbender, claro, é magnética - ele captura tanto o carisma quanto as fraquezas de um homem que é referência em seu ofício, mas vive à beira do colapso. Repare como a interação de Fassbender com a personagem de Jodie Turner-Smith combina fragilidade e determinação, adicionando camadas tão bem desenvolvidas à trama que o mistério em torno das verdadeiras intenções de Samia nos mantém em constante tensão - é realmente impressionante.
Embora soe mais cadenciado, sem pressa de nos mostrar os caminhos narrativos que "A Agência" pretende desenvolver ao longo das temporadas, aqui encontramos subtramas de fato muito ricas em conflitos, bem estabelecidos e que naturalmente expandem o escopo da história. A investigação sobre o desaparecimento na Bielorrússia por exemplo, conecta o protagonista ao chefe do escritório da CIA em Londres, James Bradley (Richard Gere), e ao seu subordinado Henry Ogletree (Jeffrey Wright). Esses personagens e suas respectivas ações, criam uma rede de eventos que refletem perfeitamente a pressão global sobre a agência, particularmente em situações atuais de alto risco como a Guerra da Ucrânia - essa atualização do conteúdo geopolítico para as crises dos dias atuais, aliás, é o grande acerto da adaptação em relação ao material original. E não para por aí, já que paralelamente, a série ainda aborda negociações de paz na Guerra Civil do Sudão, mediadas pelos chineses; o treinamento de uma jovem espiã, Danny (Saura Lightfoot-Leon), para se infiltrar no programa nuclear do Irã; entre outras coisas mais.
Com um ritmo envolvente, combinando tensão psicológica com sequências mais tradicionais de espionagem, Jez e John-Henry Butterworth, ao lado do diretor Joe Wright, acertam ao moldar uma atmosfera ficcional que captura o realismo das operações da CIA, com diálogos cheios de detalhes que dão autenticidade ao universo retratado. Nesse sentido as comparações com as obras de John Le Carré são inevitáveis e até justas, já que assim como as histórias do lendário autor britânico, "A Agência" é mais sobre os dilemas internos e o impacto na vida de seus personagens do que propriamente sobre perseguições frenéticas e ações paramilitares como vemos em "Lioness". Dito isso, esteja preparado para uma abordagem madura e reflexiva que evita simplificações em prol de uma análise mais profunda do mundo da espionagem como poucas vezes encontramos e acredite: vai valer demais o seu play!
Menos ação, mais tensão e uma boa dose de drama pessoal - é isso que você vai encontrar nessa produção da Showtime que está na Paramount+. "A Agência", na verdade, é uma adaptação da premiada série francesa "Le Bureau des Légendes" de Eric Rochant - que inclusive teve cinco excelentes temporadas por lá. Seguindo uma linha narrativa e visual que transita perfeitamente entre "O Dia do Chacal" e "The Night Manager", mas com um leve toque de "O Assassino" do David Fincher, essa é uma das séries de espionagem mais inteligentes, envolventes e sofisticadas que você vai encontrar no streaming. Sob a liderança de Jez e John-Henry Butterworth (de "Ford vs. Ferrari"), "The Agency" (no original) constrói uma trama densa e psicologicamente instigante, que ecoa o trabalho de mestres do gênero como John Le Carré. Com uma jornada recheada de dilemas morais e intrigas políticas, mas sempre com uma abordagem profundamente humana, eu diria que você vai se impressionar com "A Agência" por sua complexidade dramática e especialmente pela riqueza de seus personagens.
No centro da história está Brandon Cunningham (Michael Fassbender), codinome "Marciano", um agente da CIA recém-retornado de uma missão de seis anos no Sudão. Durante esse tempo, ele viveu como "Paul Lewis", uma identidade falsa que utilizou para infiltrações e recrutamentos. Porém, Marciano carrega as marcas psicológicas dessa longa missão e tem dificuldade em abandonar seu alter ego. A situação se complica quando Samia Zahir (Jodie Turner-Smith), uma antropóloga sudanesa com quem teve um relacionamento secreto, aparece inesperadamente em Londres. Dividido entre a paixão por Samia e a paranoia de que ela possa ser uma espiã, Marciano entra em uma espiral de decisões erráticas que ameaçam sua carreira e sua segurança ao mesmo tempo em que precisa lidar com o desaparecimento de uma fonte da CIA na Bielorrússia. Confira o trailer:
Não espere resposta fáceis já que o grande mérito de "A Agência" é seu foco no estudo de personagens. A partir da complexidade das relações humanas e da introspecção dos desejos pessoais e dos deveres profissionais, a série é muito competente ao explorar a deterioração mental e emocional do protagonista enquanto ele se aprofunda em um jogo de mentiras, manipulações e escolhas bastante duvidosas. A atuação de Michael Fassbender, claro, é magnética - ele captura tanto o carisma quanto as fraquezas de um homem que é referência em seu ofício, mas vive à beira do colapso. Repare como a interação de Fassbender com a personagem de Jodie Turner-Smith combina fragilidade e determinação, adicionando camadas tão bem desenvolvidas à trama que o mistério em torno das verdadeiras intenções de Samia nos mantém em constante tensão - é realmente impressionante.
Embora soe mais cadenciado, sem pressa de nos mostrar os caminhos narrativos que "A Agência" pretende desenvolver ao longo das temporadas, aqui encontramos subtramas de fato muito ricas em conflitos, bem estabelecidos e que naturalmente expandem o escopo da história. A investigação sobre o desaparecimento na Bielorrússia por exemplo, conecta o protagonista ao chefe do escritório da CIA em Londres, James Bradley (Richard Gere), e ao seu subordinado Henry Ogletree (Jeffrey Wright). Esses personagens e suas respectivas ações, criam uma rede de eventos que refletem perfeitamente a pressão global sobre a agência, particularmente em situações atuais de alto risco como a Guerra da Ucrânia - essa atualização do conteúdo geopolítico para as crises dos dias atuais, aliás, é o grande acerto da adaptação em relação ao material original. E não para por aí, já que paralelamente, a série ainda aborda negociações de paz na Guerra Civil do Sudão, mediadas pelos chineses; o treinamento de uma jovem espiã, Danny (Saura Lightfoot-Leon), para se infiltrar no programa nuclear do Irã; entre outras coisas mais.
Com um ritmo envolvente, combinando tensão psicológica com sequências mais tradicionais de espionagem, Jez e John-Henry Butterworth, ao lado do diretor Joe Wright, acertam ao moldar uma atmosfera ficcional que captura o realismo das operações da CIA, com diálogos cheios de detalhes que dão autenticidade ao universo retratado. Nesse sentido as comparações com as obras de John Le Carré são inevitáveis e até justas, já que assim como as histórias do lendário autor britânico, "A Agência" é mais sobre os dilemas internos e o impacto na vida de seus personagens do que propriamente sobre perseguições frenéticas e ações paramilitares como vemos em "Lioness". Dito isso, esteja preparado para uma abordagem madura e reflexiva que evita simplificações em prol de uma análise mais profunda do mundo da espionagem como poucas vezes encontramos e acredite: vai valer demais o seu play!
Um soco no estômago! "Adolescência" é realmente impactante, mas é preciso alinhar as expectativas: essa surpreendente minissérie da Netflix não é sobre um crime brutal e sim sobre os reflexos em quem, de alguma forma, está (ou esteve) envolvido com o caso. O fato é que "Adolescence" (no original) é uma daquelas produções que chegam discretamente e acabam surpreendendo pela profundidade de sua história e pela abordagem conceitual ousada de seu diretor. Criada por Jack Thorne (de "Extraordinário") e Stephen Graham (de "O Chef"), a minissérie de apenas quatro capítulos, aborda, com sensibilidade e um olhar crítico impressionante, temas complexos tão absurdamente comuns na juventude moderna que vão de conflitos familiares até as influências negativas das redes sociais, explorando os desafios da adolescência de forma incisiva e bastante visceral.
A trama acompanha o jovem Jamie Miller (Owen Cooper), um adolescente de 13 anos que se vê no centro de um crime chocante. A minissérie investiga as consequências deste evento, mostrando como diferentes personagens reagem diante das adversidades e pressões sociais. O roteiro evita os clichês típicos desse tipo de narrativa com muita habilidade, dedicando-se, ao invés disso, a um cuidadoso estudo das relações interpessoais e das dificuldades enfrentadas pelos adolescentes na atualidade. Confira o trailer (em inglês):
Para começar, como não citar um dos grandes destaques de "Adolescência": a direção habilidosa de Philip Barantini. Ele comanda todos os quatro episódios utilizando uma técnica incrível de plano-sequência, exatamente como fez com seu "O Chef"! Repare como essa dinâmica narrativa cria uma sensação constante de tensão e realismo, ampliando a nossa imersão na história ao mesmo tempo que reforça o caráter claustrofóbico e urgente das situações enfrentadas pelos personagens. Mesmo com o desafio de contar cada episódio em tempo real e em ambientes restritos, Barantini consegue manter o ritmo fluido e cativante, deixando a audiência mais do que engajada, eu diria, grudada na tela! Obviamente que o roteiro favorece essa escolha conceitual, já que ele não hesita em tocar em temas difíceis como as particularidades das dinâmicas escolares, abordando questões bem sensíveis como bullying, como a masculinidade tóxica, a misoginia e o perigoso impacto das redes sociais e das subculturas digitais (incels, manosfera e figuras nocivas como Andrew Tate são citadas claramente no roteiro). Veja, se a minissérie propõe reflexões importantes sobre responsabilidade familiar e social, questionando como a sociedade moderna pode estar contribuindo para o aumento da violência juvenil, saiba que no intimo de cada personagem o que encontramos mesmo é só a dor - cada um com a sua e em intensidades diferentes, inclusive.
Outro ponto forte de "Adolescência", sem dúvida, são as atuações. Destaque especial para Stephen Graham, que entrega uma performance intensa e emocionalmente carregada como o pai de Jamie. Owen Cooper também impressiona em sua interpretação complexa e cheia de detalhes, retratando a insegurança e a confusão natural, típicas da adolescência, com muita autenticidade. Erin Doherty, mais uma vez, merece menção pela sutileza e força que traz à sua personagem no terceiro episódio, contribuindo para que a narrativa atinja um nível emocional realmente muito profundo. Aliás, a escolha do roteiro em pontuar a história em quatro tempos distintos, cada qual em seu episódio, focando sempre em um personagem distinto, é genial ao ponto da minissérie fazer difíceis análises sociais sem nunca forçar a barra, ao contrário, tudo é conduzido com uma delicadeza dramática única, reforçando o compromisso da produção em expor temas relevantes sem superficialidade.
Embora alguns momentos possam parecer ligeiramente expositivos demais devido à necessidade de contextualização rápida exigida pelo formato em tempo real, esses pequenos deslizes são facilmente superados pelo impacto emocional e pelo rigor artístico da obra. Cada episódio adiciona uma camada significativa à narrativa mais ampla, culminando em uma experiência que permanece com a gente muito além do fim da história - a decisão de encerrar com uma reflexão familiar profunda em vez de um julgamento dramático, por exemplo, oferece uma conclusão emocionalmente muito mais rica e madura, reafirmando o foco de "Adolescência" nas questões sociais e familiares subjacentes, e não no entretenimento fácil onde o fim nem sempre justificam os meios.
Vale demais o play, especialmente se você já tiver uma criança em casa!
Um soco no estômago! "Adolescência" é realmente impactante, mas é preciso alinhar as expectativas: essa surpreendente minissérie da Netflix não é sobre um crime brutal e sim sobre os reflexos em quem, de alguma forma, está (ou esteve) envolvido com o caso. O fato é que "Adolescence" (no original) é uma daquelas produções que chegam discretamente e acabam surpreendendo pela profundidade de sua história e pela abordagem conceitual ousada de seu diretor. Criada por Jack Thorne (de "Extraordinário") e Stephen Graham (de "O Chef"), a minissérie de apenas quatro capítulos, aborda, com sensibilidade e um olhar crítico impressionante, temas complexos tão absurdamente comuns na juventude moderna que vão de conflitos familiares até as influências negativas das redes sociais, explorando os desafios da adolescência de forma incisiva e bastante visceral.
A trama acompanha o jovem Jamie Miller (Owen Cooper), um adolescente de 13 anos que se vê no centro de um crime chocante. A minissérie investiga as consequências deste evento, mostrando como diferentes personagens reagem diante das adversidades e pressões sociais. O roteiro evita os clichês típicos desse tipo de narrativa com muita habilidade, dedicando-se, ao invés disso, a um cuidadoso estudo das relações interpessoais e das dificuldades enfrentadas pelos adolescentes na atualidade. Confira o trailer (em inglês):
Para começar, como não citar um dos grandes destaques de "Adolescência": a direção habilidosa de Philip Barantini. Ele comanda todos os quatro episódios utilizando uma técnica incrível de plano-sequência, exatamente como fez com seu "O Chef"! Repare como essa dinâmica narrativa cria uma sensação constante de tensão e realismo, ampliando a nossa imersão na história ao mesmo tempo que reforça o caráter claustrofóbico e urgente das situações enfrentadas pelos personagens. Mesmo com o desafio de contar cada episódio em tempo real e em ambientes restritos, Barantini consegue manter o ritmo fluido e cativante, deixando a audiência mais do que engajada, eu diria, grudada na tela! Obviamente que o roteiro favorece essa escolha conceitual, já que ele não hesita em tocar em temas difíceis como as particularidades das dinâmicas escolares, abordando questões bem sensíveis como bullying, como a masculinidade tóxica, a misoginia e o perigoso impacto das redes sociais e das subculturas digitais (incels, manosfera e figuras nocivas como Andrew Tate são citadas claramente no roteiro). Veja, se a minissérie propõe reflexões importantes sobre responsabilidade familiar e social, questionando como a sociedade moderna pode estar contribuindo para o aumento da violência juvenil, saiba que no intimo de cada personagem o que encontramos mesmo é só a dor - cada um com a sua e em intensidades diferentes, inclusive.
Outro ponto forte de "Adolescência", sem dúvida, são as atuações. Destaque especial para Stephen Graham, que entrega uma performance intensa e emocionalmente carregada como o pai de Jamie. Owen Cooper também impressiona em sua interpretação complexa e cheia de detalhes, retratando a insegurança e a confusão natural, típicas da adolescência, com muita autenticidade. Erin Doherty, mais uma vez, merece menção pela sutileza e força que traz à sua personagem no terceiro episódio, contribuindo para que a narrativa atinja um nível emocional realmente muito profundo. Aliás, a escolha do roteiro em pontuar a história em quatro tempos distintos, cada qual em seu episódio, focando sempre em um personagem distinto, é genial ao ponto da minissérie fazer difíceis análises sociais sem nunca forçar a barra, ao contrário, tudo é conduzido com uma delicadeza dramática única, reforçando o compromisso da produção em expor temas relevantes sem superficialidade.
Embora alguns momentos possam parecer ligeiramente expositivos demais devido à necessidade de contextualização rápida exigida pelo formato em tempo real, esses pequenos deslizes são facilmente superados pelo impacto emocional e pelo rigor artístico da obra. Cada episódio adiciona uma camada significativa à narrativa mais ampla, culminando em uma experiência que permanece com a gente muito além do fim da história - a decisão de encerrar com uma reflexão familiar profunda em vez de um julgamento dramático, por exemplo, oferece uma conclusão emocionalmente muito mais rica e madura, reafirmando o foco de "Adolescência" nas questões sociais e familiares subjacentes, e não no entretenimento fácil onde o fim nem sempre justificam os meios.
Vale demais o play, especialmente se você já tiver uma criança em casa!
"Conclave" é um verdadeiro "House of Cards" do Vaticano - e isso é um baita elogio! Dirigido pelo talentoso Edward Berger (de "Nada de Novo no Front") e roteirizado por Peter Straughan (indicado ao Oscar pelo "O Espião Que Sabia Demais"), o filme adapta o romance de Robert Harris para um verdadeiro thriller político e religioso que mergulha nos segredos e conspirações de um dos processos mais misteriosos e influentes do mundo: a escolha de um novo Papa. O filme combina elementos de suspense psicológico, com um drama verdadeiramente humano e questionamentos éticos e morais que nos tiram do sério. É impressionante como a narrativa é capaz de revelar o impacto do poder perante a fé em contextos de grande tensão, onde o ego parece guiar não só as ações como também as palavras - por mais absurdas que sejam. Assim como o inesquecível "O Nome da Rosa", "Conclave" sabe muito bem equilibrar uma dinâmica intensa com reflexões profundas, oferecendo um retrato fascinante de um sistema fechado e impregnado de tradições milenares.
A trama é centrada no Cardeal Lawrence (Ralph Fiennes), encarregado de supervisionar o conclave que será responsável por eleger o novo Papa após a morte súbita do pontífice. No entanto, à medida que os cardeais se reúnem na Capela Sistina, segredos pessoais, alianças políticas e revelações surpreendentes começam a emergir, colocando em risco não apenas a integridade do processo, mas também a estabilidade da Igreja Católica. Enquanto Lawrence tenta manter a ordem, ele é forçado a enfrentar suas próprias dúvidas de fé e moralidade, criando uma tensão permanente que se reflete em cada decisão do conclave. Confira o trailer:
Edward Berger, mais uma vez, imprime sua marca ao transformar o claustrofóbico ambiente do Vaticano em um palco de intrigas e reviravoltas. Sua direção é precisa ao utilizar planos muito bem pensados - dos abertos e com uma iluminação extremamente dramática para capturar a opulência e a austeridade daquele cenário, como dos fechados onde o silêncio ou os sussurros dos cardeais ao fundo criam uma atmosfera de constante atenção que contrasta com os momentos de introspecção e dúvida do protagonista em meio ao seu caos emocional. A abordagem de Berger, aliás, é cuidadosa nesse sentido, já que o diretor busca de todas as formas manter o equilíbrio entre o realismo e o simbolismo, sem nunca perder o foco nos personagens ou até de desrespeita-los. O roteiro de Peter Straughan adapta o romance de Robert Harris com precisão e inteligência, preservando a complexidade dos temas com diálogos incisivos e cheios de subtexto, refletindo as batalhas internas e externas dos cardeais enquanto navegam pela dicotomia do poder e da espiritualidade. A trama é hábil em revelar os segredos de cada um dos personagens gradualmente, mantendo o suspense enquanto aprofunda as questões delicadas que sustentam a história - porém, também é preciso que se diga, existe uma certa previsibilidade narrativa, mas que acaba quebrando nossa expectativa com outras revelações, de fato, surpreendentes.
Ralph Fiennes entrega a complexidade de um homem dividido entre sua devoção à Igreja e as verdades desconfortáveis que emergem durante o conclave. Sua performance transmite uma mistura de autoridade, vulnerabilidade e inquietação, tornando seu Cardeal Lawrence um protagonista fascinante e nitidamente humano. O elenco de coadjuvantes é outro golaço do filme - composto por intérpretes talentosos como Stanley Tucci, John Lithgow e Sergio Castellitto, ele traz credibilidade e nuances para personagens tão particulares e influentes que não se surpreenda se você desejar que "Conclave" seja uma minissérie.
Tecnicamente, não posso deixar de citar, "Conclave" é impecável. A fotografia do Stéphane Fontaine (de "Capitão Fantástico") é luxuosa, aproveitando o excepcional trabalho de Desenho de Produção que reconstrói a arquitetura e a arte do Vaticano para criar um ambiente visualmente deslumbrante, mas também carregado de opressão e ostentação. O uso das sombras e de uma iluminação recortada reflete a dualidade entre a santidade e a corrupção que permeia a narrativa, enquanto a trilha sonora e o desenho de som, evocativa ao extremo, adiciona um peso emocional aos momentos de maior tensão e introspecção - dignos de Oscar.
"Conclave", na sua essência, é um ótimo drama politico, mais elegante e introspectivo do que estamos acostumados, é verdade; que explora o poder, a fé e a moralidade em um dos contextos mais fascinantes da humanidade. Com uma direção refinada de Edward Berger, um roteiro inteligente de Peter Straughan e atuações marcantes lideradas por Ralph Fiennes, o filme é uma experiência cinematográfica rica, provocativa e marcante, que certamente vai dar muito o que falar no Oscar 2025!
Imperdível!
Up-date: "Conclave" ganhou na categoria Melhor Roteiro Adaptado no Oscar 2025!
"Conclave" é um verdadeiro "House of Cards" do Vaticano - e isso é um baita elogio! Dirigido pelo talentoso Edward Berger (de "Nada de Novo no Front") e roteirizado por Peter Straughan (indicado ao Oscar pelo "O Espião Que Sabia Demais"), o filme adapta o romance de Robert Harris para um verdadeiro thriller político e religioso que mergulha nos segredos e conspirações de um dos processos mais misteriosos e influentes do mundo: a escolha de um novo Papa. O filme combina elementos de suspense psicológico, com um drama verdadeiramente humano e questionamentos éticos e morais que nos tiram do sério. É impressionante como a narrativa é capaz de revelar o impacto do poder perante a fé em contextos de grande tensão, onde o ego parece guiar não só as ações como também as palavras - por mais absurdas que sejam. Assim como o inesquecível "O Nome da Rosa", "Conclave" sabe muito bem equilibrar uma dinâmica intensa com reflexões profundas, oferecendo um retrato fascinante de um sistema fechado e impregnado de tradições milenares.
A trama é centrada no Cardeal Lawrence (Ralph Fiennes), encarregado de supervisionar o conclave que será responsável por eleger o novo Papa após a morte súbita do pontífice. No entanto, à medida que os cardeais se reúnem na Capela Sistina, segredos pessoais, alianças políticas e revelações surpreendentes começam a emergir, colocando em risco não apenas a integridade do processo, mas também a estabilidade da Igreja Católica. Enquanto Lawrence tenta manter a ordem, ele é forçado a enfrentar suas próprias dúvidas de fé e moralidade, criando uma tensão permanente que se reflete em cada decisão do conclave. Confira o trailer:
Edward Berger, mais uma vez, imprime sua marca ao transformar o claustrofóbico ambiente do Vaticano em um palco de intrigas e reviravoltas. Sua direção é precisa ao utilizar planos muito bem pensados - dos abertos e com uma iluminação extremamente dramática para capturar a opulência e a austeridade daquele cenário, como dos fechados onde o silêncio ou os sussurros dos cardeais ao fundo criam uma atmosfera de constante atenção que contrasta com os momentos de introspecção e dúvida do protagonista em meio ao seu caos emocional. A abordagem de Berger, aliás, é cuidadosa nesse sentido, já que o diretor busca de todas as formas manter o equilíbrio entre o realismo e o simbolismo, sem nunca perder o foco nos personagens ou até de desrespeita-los. O roteiro de Peter Straughan adapta o romance de Robert Harris com precisão e inteligência, preservando a complexidade dos temas com diálogos incisivos e cheios de subtexto, refletindo as batalhas internas e externas dos cardeais enquanto navegam pela dicotomia do poder e da espiritualidade. A trama é hábil em revelar os segredos de cada um dos personagens gradualmente, mantendo o suspense enquanto aprofunda as questões delicadas que sustentam a história - porém, também é preciso que se diga, existe uma certa previsibilidade narrativa, mas que acaba quebrando nossa expectativa com outras revelações, de fato, surpreendentes.
Ralph Fiennes entrega a complexidade de um homem dividido entre sua devoção à Igreja e as verdades desconfortáveis que emergem durante o conclave. Sua performance transmite uma mistura de autoridade, vulnerabilidade e inquietação, tornando seu Cardeal Lawrence um protagonista fascinante e nitidamente humano. O elenco de coadjuvantes é outro golaço do filme - composto por intérpretes talentosos como Stanley Tucci, John Lithgow e Sergio Castellitto, ele traz credibilidade e nuances para personagens tão particulares e influentes que não se surpreenda se você desejar que "Conclave" seja uma minissérie.
Tecnicamente, não posso deixar de citar, "Conclave" é impecável. A fotografia do Stéphane Fontaine (de "Capitão Fantástico") é luxuosa, aproveitando o excepcional trabalho de Desenho de Produção que reconstrói a arquitetura e a arte do Vaticano para criar um ambiente visualmente deslumbrante, mas também carregado de opressão e ostentação. O uso das sombras e de uma iluminação recortada reflete a dualidade entre a santidade e a corrupção que permeia a narrativa, enquanto a trilha sonora e o desenho de som, evocativa ao extremo, adiciona um peso emocional aos momentos de maior tensão e introspecção - dignos de Oscar.
"Conclave", na sua essência, é um ótimo drama politico, mais elegante e introspectivo do que estamos acostumados, é verdade; que explora o poder, a fé e a moralidade em um dos contextos mais fascinantes da humanidade. Com uma direção refinada de Edward Berger, um roteiro inteligente de Peter Straughan e atuações marcantes lideradas por Ralph Fiennes, o filme é uma experiência cinematográfica rica, provocativa e marcante, que certamente vai dar muito o que falar no Oscar 2025!
Imperdível!
Up-date: "Conclave" ganhou na categoria Melhor Roteiro Adaptado no Oscar 2025!
Vai ser difícil você querer parar de assistir mais essa pérola que está no catálogo da Disney+! Com apenas 6 episódios nessa primeira temporada, "Mil Golpes", criada por Steven Knight (o brilhante roteirista por trás de sucessos como "Peaky Blinders"), é uma série intensa, visualmente deslumbrante e com uma história profundamente envolvente. Knight novamente demonstra seu talento ao criar um drama histórico brutal, com personagens reais e ambientado nas ruas violentas e decadentes do subúrbio de uma Londres vitoriana. Combinando a crueza da luta pela sobrevivência com uma narrativa que aborda temas sensíveis como racismo, imigração e identidade cultural, "Mil Golpes", pode apostar, já se coloca entre os grandes dramas de época dos últimos anos, ao lado de produções "de grife" como "The Knick" e "Gangs of New York".
A trama se passa em meados do século XIX e acompanha a trajetória de Hezekiah Moscow (Malachi Kirby), um imigrante jamaicano que chega à Londres em busca de uma nova vida, até ele se encontrar em um submundo sombrio dominado pela violência, pela corrupção e pelo preconceito racial. Lutando para sobreviver e prosperar, ele se envolve com o brutal mundo do boxe clandestino, onde ele cruza caminhos com Sugar Goodson (Stephen Graham), um lutador implacável, cuja abordagem para a vida e para o esporte torna-se o fio condutor para uma série de conflitos explosivos, tanto dentro quanto fora do ringue. Confira o trailer:
Steven Knight é conhecido por sua capacidade de criar atmosferas de tensão com um rigor histórico impressionante - e em "Mil Golpes" não é diferente! Sua escrita detalhada e meticulosa revela um profundo compromisso em retratar uma Londres sem romantismo ou glamourização exagerada. Knight expõe as entranhas de uma sociedade que se sustentava à base da exploração, discriminação e violência. Sua habilidade em criar personagens moralmente ambíguos, multifacetados e, ao mesmo tempo, profundamente humanos, é o ponto alto da série. Os diálogos são realmente afiados, vigorosos e frequentemente dúbios, mesmo quando refletem o desespero e as batalhas cotidianas das classes marginalizadas. Nesse sentido, a equipe de direção da série liderada por Nick Murphy (de "O Nevoeiro") merece um reconhecimento especial. Alinhado a uma fotografia deslumbrante e sombria, cada episódio tem uma textura visual quase palpável, lembrando em alguns momentos o estilo cru e fantasioso de séries como "Carnival Row". Repare como a Londres apresentada aqui é uma cidade ao mesmo tempo vibrante e sufocante, cheia de becos escuros, tavernas lotadas e arenas clandestinas. A violência das lutas é retratada com um realismo visceral, com cenas de combate coreografadas com uma precisão quase cirúrgica - cada golpe é sentido pela audiência, não apenas fisicamente, mas emocionalmente, algo reforçado pela excelente edição de som e pela trilha sonora primorosa.
A performance de Malachi Kirby é digna de todos os elogios, entregando um protagonista mais complexo do que carismático - seu Hezekiah é uma figura poderosa, movida por sonhos, dores e cicatrizes de uma vida difícil e de um passado marcante. Kirby sabe navegar com segurança pelas nuances emocionais do personagem - nos provocando uma enorme empatia por ele. Já Stephen Graham entrega outra atuação impressionante como Sugar Goodson, um homem cuja dureza exterior esconde cicatrizes profundas - Graham constrói um personagem enigmático, cativante e perigoso, que muitas vezes rouba a cena graças ao magnetismo de sua interpretação. Outro ponto alto de "Mil Golpes" não poderia deixar de ser a Mary Carr de Erin Doherty. Que personagem incrível, uma espécie de Don Corleone de saias - com sua força, inteligência, charme e, principalmente, coerência!
Se há um aspecto que merece um olhar mais crítico para "A Thousand Blows" (no original) é a lentidão ocasional com que a narrativa se desenvolve na metade inicial da temporada. Knight se dedica bastante a estabelecer cuidadosamente seu universo e os conflitos centrais, como aliás ele já tinha feito em Peaky Blinders - isso pode exigir um pouco mais de paciência daqueles mais ansiosos por uma ação imediata. No entanto, esse investimento compensa, já que a série vai ganhando força episódio após episódio, culminando em um final onde todos os elementos dramáticos finalmente se encaixam de forma brilhante. Saiba que "Mil Golpes" é, acima de tudo, uma série sobre resistência e sobrevivência em um mundo cruel e indiferente. Ao tratar com honestidade temas sensíveis, Steven Knight entrega mais um projeto notável, que certamente agradará os fãs de dramas históricos densos com um toque de humanidade que faz toda a diferença!.
Mais um título imperdível da Disney+! Vale muito o seu play!
Vai ser difícil você querer parar de assistir mais essa pérola que está no catálogo da Disney+! Com apenas 6 episódios nessa primeira temporada, "Mil Golpes", criada por Steven Knight (o brilhante roteirista por trás de sucessos como "Peaky Blinders"), é uma série intensa, visualmente deslumbrante e com uma história profundamente envolvente. Knight novamente demonstra seu talento ao criar um drama histórico brutal, com personagens reais e ambientado nas ruas violentas e decadentes do subúrbio de uma Londres vitoriana. Combinando a crueza da luta pela sobrevivência com uma narrativa que aborda temas sensíveis como racismo, imigração e identidade cultural, "Mil Golpes", pode apostar, já se coloca entre os grandes dramas de época dos últimos anos, ao lado de produções "de grife" como "The Knick" e "Gangs of New York".
A trama se passa em meados do século XIX e acompanha a trajetória de Hezekiah Moscow (Malachi Kirby), um imigrante jamaicano que chega à Londres em busca de uma nova vida, até ele se encontrar em um submundo sombrio dominado pela violência, pela corrupção e pelo preconceito racial. Lutando para sobreviver e prosperar, ele se envolve com o brutal mundo do boxe clandestino, onde ele cruza caminhos com Sugar Goodson (Stephen Graham), um lutador implacável, cuja abordagem para a vida e para o esporte torna-se o fio condutor para uma série de conflitos explosivos, tanto dentro quanto fora do ringue. Confira o trailer:
Steven Knight é conhecido por sua capacidade de criar atmosferas de tensão com um rigor histórico impressionante - e em "Mil Golpes" não é diferente! Sua escrita detalhada e meticulosa revela um profundo compromisso em retratar uma Londres sem romantismo ou glamourização exagerada. Knight expõe as entranhas de uma sociedade que se sustentava à base da exploração, discriminação e violência. Sua habilidade em criar personagens moralmente ambíguos, multifacetados e, ao mesmo tempo, profundamente humanos, é o ponto alto da série. Os diálogos são realmente afiados, vigorosos e frequentemente dúbios, mesmo quando refletem o desespero e as batalhas cotidianas das classes marginalizadas. Nesse sentido, a equipe de direção da série liderada por Nick Murphy (de "O Nevoeiro") merece um reconhecimento especial. Alinhado a uma fotografia deslumbrante e sombria, cada episódio tem uma textura visual quase palpável, lembrando em alguns momentos o estilo cru e fantasioso de séries como "Carnival Row". Repare como a Londres apresentada aqui é uma cidade ao mesmo tempo vibrante e sufocante, cheia de becos escuros, tavernas lotadas e arenas clandestinas. A violência das lutas é retratada com um realismo visceral, com cenas de combate coreografadas com uma precisão quase cirúrgica - cada golpe é sentido pela audiência, não apenas fisicamente, mas emocionalmente, algo reforçado pela excelente edição de som e pela trilha sonora primorosa.
A performance de Malachi Kirby é digna de todos os elogios, entregando um protagonista mais complexo do que carismático - seu Hezekiah é uma figura poderosa, movida por sonhos, dores e cicatrizes de uma vida difícil e de um passado marcante. Kirby sabe navegar com segurança pelas nuances emocionais do personagem - nos provocando uma enorme empatia por ele. Já Stephen Graham entrega outra atuação impressionante como Sugar Goodson, um homem cuja dureza exterior esconde cicatrizes profundas - Graham constrói um personagem enigmático, cativante e perigoso, que muitas vezes rouba a cena graças ao magnetismo de sua interpretação. Outro ponto alto de "Mil Golpes" não poderia deixar de ser a Mary Carr de Erin Doherty. Que personagem incrível, uma espécie de Don Corleone de saias - com sua força, inteligência, charme e, principalmente, coerência!
Se há um aspecto que merece um olhar mais crítico para "A Thousand Blows" (no original) é a lentidão ocasional com que a narrativa se desenvolve na metade inicial da temporada. Knight se dedica bastante a estabelecer cuidadosamente seu universo e os conflitos centrais, como aliás ele já tinha feito em Peaky Blinders - isso pode exigir um pouco mais de paciência daqueles mais ansiosos por uma ação imediata. No entanto, esse investimento compensa, já que a série vai ganhando força episódio após episódio, culminando em um final onde todos os elementos dramáticos finalmente se encaixam de forma brilhante. Saiba que "Mil Golpes" é, acima de tudo, uma série sobre resistência e sobrevivência em um mundo cruel e indiferente. Ao tratar com honestidade temas sensíveis, Steven Knight entrega mais um projeto notável, que certamente agradará os fãs de dramas históricos densos com um toque de humanidade que faz toda a diferença!.
Mais um título imperdível da Disney+! Vale muito o seu play!
Como a versão americana, com Naomi Watts, do premiado filme austríaco "Goodnight Mommy", dos diretores Severin Fiala e Veronika Franz, eu diria que essa nova adaptação de "Não Fale o Mal" também não decepciona, no entanto é preciso ressaltar que ela não não tem, nem de longe, a coragem e o requinte narrativo/estético do seu original - e aqui cabe uma sugestão: assista essa versão primeiro e se você gostar, pode ir tranquilo buscar o play do filme dinamarquês que tenho certeza, você vai amar justamente por suas diferenças! "Speak No Evil", no original, é daqueles filmes que permanecem martelando na nossa cabeça muito tempo após os créditos finais. Dirigido pelo James Watkins, conhecido pelo perturbador “A Mulher de Preto” (2012), o filme é mais do que um remake em inglês do excelente thriller psicológico de Christian e Mads Tafdrup, é na verdade uma releitura do material original que escolhe outros caminhos, talvez mais expositivos e menos impactantes, para entreter um público menos alternativo. Tal qual obras contemporâneas que causam muito desconforto ao trazer o horror mais psicológico para a narrativa, como “Midsommar” de Ari Aster, esse "Não Fale o Mal" de Watkins entrega uma jornada realmente intensa que sabe explorar magistralmente os limites sociais e a natureza da maldade escondida sob as aparências, digamos, mais gentis.
A trama segue um casal, a americana Louise (Mackenzie Davis) e o britânico Ben Dalton(Scoot McNairy), que durante uma viagem de férias na Itália, conhece outro casal, que transita entre o simpático e o sem noção, formado pelo carismático Paddy (James McAvoy) e sua esposa Agnes (Alix West Lefler). Encantados pelo novo vínculo criado, Louise e Ben aceitam o convite para visitar a casa dos novos amigos em uma isolada propriedade rural na Europa. O que deveria ser um agradável final de semana, rapidamente se transforma em uma sucessão perturbadora de situações chatas, pequenos conflitos, e manipulações sutis que questionam até onde somos capazes de suportar o desconforto para manter as aparências. Confira o trailer:
Para começar uma análise mais profunda, vale citar que Watkins acerta em cheio ao preservar a essência do original dinamarquês enquanto adiciona sua própria visão cinematográfica, aproveitando ao máximo o talento do elenco liderado por um inspirado McAvoy e destacando ainda mais os elementos inquietantes do roteiro dos Tafdrup. Sua direção é extremamente hábil ao manipular a tensão psicológica sem nunca revelar demais, preferindo trabalhar com uma atmosfera de ansiedade crescente. A sensação de ameaça constante permeia cada diálogo e cada silêncio prolongado, muitas vezes até constrangedores, enquanto o diretor brinca com a nossas expectativas sobre quando e como o verdadeiro terror irá se manifestar. Aqui, Watkins prova novamente que domina o gênero do suspense psicológico com excelência, nos guiando por uma experiência que nos tira da zona de conforto - olha, é impossível não nos colocarmos na situação que Ben e Louise estão passando.
A fotografia assinada por Tim Maurice-Jones (de "Atentado em Paris") traz uma iluminação baixa e enquadramentos meticulosamente posicionados que criam uma atmosfera claustrofóbica e opressora, especialmente no contraste entre as cenas internas, carregadas de ansiedade e tensão, e as paisagens externas aparentemente tranquilas e bucólicas. Cada plano, aliás, parece estrategicamente pensado para aumentar a sensação de vulnerabilidade dos protagonistas, reforçando o sentimento de que algo muito errado está acontecendo sob aquela superfície de gentileza excessiva. O roteiro é perfeito ao retratar como funciona o comportamento passivo-agressivo, especialmente por parte dos antagonistas. James McAvoy entrega mais uma performance assustadoramente convincente, oscilando entre a simpatia irresistível e uma marcante ambiguidade moral. Mackenzie Davis, para mim, é o grande destaque dessa versão - sua atuação é cheia de subtextos, um misto de força e insegurança muito convincente, que vão moldando o drama mais profundo que aquele casal vive (o gatilho da crise me pareceu até mais interessante que o original, inclusive).
Para quem já viu a versão dinamarquesa, algumas passagens podem parecer atenuadas, reduzindo levemente a surpresa que tanto marcou o filme original - mas o contrário não será verdadeiro, pode confiar. Mesmo assim, Watkins acerta ao preservar o impacto devastador da mensagem social sobre as armadilhas de algumas convenções e sobre o medo do confronto deliberado fantasiado de educação - algo que nos remete ao ótimo "Pisque Duas Vezes". É exatamente nessa reflexão que reside o verdadeiro horror da narrativa: até onde uma pessoa comum pode ir, abrindo mão de seus instintos e ignorando sinais de perigo, apenas para evitar desconfortos sociais? “Não Fale o Mal” em ambas as versões é uma obra profundamente perturbadora, cujo verdadeiro terror está nas banalidades que regem nosso comportamento - e isso vai te fazer pensar durante toda a jornada!
Vale demais o seu play!
Como a versão americana, com Naomi Watts, do premiado filme austríaco "Goodnight Mommy", dos diretores Severin Fiala e Veronika Franz, eu diria que essa nova adaptação de "Não Fale o Mal" também não decepciona, no entanto é preciso ressaltar que ela não não tem, nem de longe, a coragem e o requinte narrativo/estético do seu original - e aqui cabe uma sugestão: assista essa versão primeiro e se você gostar, pode ir tranquilo buscar o play do filme dinamarquês que tenho certeza, você vai amar justamente por suas diferenças! "Speak No Evil", no original, é daqueles filmes que permanecem martelando na nossa cabeça muito tempo após os créditos finais. Dirigido pelo James Watkins, conhecido pelo perturbador “A Mulher de Preto” (2012), o filme é mais do que um remake em inglês do excelente thriller psicológico de Christian e Mads Tafdrup, é na verdade uma releitura do material original que escolhe outros caminhos, talvez mais expositivos e menos impactantes, para entreter um público menos alternativo. Tal qual obras contemporâneas que causam muito desconforto ao trazer o horror mais psicológico para a narrativa, como “Midsommar” de Ari Aster, esse "Não Fale o Mal" de Watkins entrega uma jornada realmente intensa que sabe explorar magistralmente os limites sociais e a natureza da maldade escondida sob as aparências, digamos, mais gentis.
A trama segue um casal, a americana Louise (Mackenzie Davis) e o britânico Ben Dalton(Scoot McNairy), que durante uma viagem de férias na Itália, conhece outro casal, que transita entre o simpático e o sem noção, formado pelo carismático Paddy (James McAvoy) e sua esposa Agnes (Alix West Lefler). Encantados pelo novo vínculo criado, Louise e Ben aceitam o convite para visitar a casa dos novos amigos em uma isolada propriedade rural na Europa. O que deveria ser um agradável final de semana, rapidamente se transforma em uma sucessão perturbadora de situações chatas, pequenos conflitos, e manipulações sutis que questionam até onde somos capazes de suportar o desconforto para manter as aparências. Confira o trailer:
Para começar uma análise mais profunda, vale citar que Watkins acerta em cheio ao preservar a essência do original dinamarquês enquanto adiciona sua própria visão cinematográfica, aproveitando ao máximo o talento do elenco liderado por um inspirado McAvoy e destacando ainda mais os elementos inquietantes do roteiro dos Tafdrup. Sua direção é extremamente hábil ao manipular a tensão psicológica sem nunca revelar demais, preferindo trabalhar com uma atmosfera de ansiedade crescente. A sensação de ameaça constante permeia cada diálogo e cada silêncio prolongado, muitas vezes até constrangedores, enquanto o diretor brinca com a nossas expectativas sobre quando e como o verdadeiro terror irá se manifestar. Aqui, Watkins prova novamente que domina o gênero do suspense psicológico com excelência, nos guiando por uma experiência que nos tira da zona de conforto - olha, é impossível não nos colocarmos na situação que Ben e Louise estão passando.
A fotografia assinada por Tim Maurice-Jones (de "Atentado em Paris") traz uma iluminação baixa e enquadramentos meticulosamente posicionados que criam uma atmosfera claustrofóbica e opressora, especialmente no contraste entre as cenas internas, carregadas de ansiedade e tensão, e as paisagens externas aparentemente tranquilas e bucólicas. Cada plano, aliás, parece estrategicamente pensado para aumentar a sensação de vulnerabilidade dos protagonistas, reforçando o sentimento de que algo muito errado está acontecendo sob aquela superfície de gentileza excessiva. O roteiro é perfeito ao retratar como funciona o comportamento passivo-agressivo, especialmente por parte dos antagonistas. James McAvoy entrega mais uma performance assustadoramente convincente, oscilando entre a simpatia irresistível e uma marcante ambiguidade moral. Mackenzie Davis, para mim, é o grande destaque dessa versão - sua atuação é cheia de subtextos, um misto de força e insegurança muito convincente, que vão moldando o drama mais profundo que aquele casal vive (o gatilho da crise me pareceu até mais interessante que o original, inclusive).
Para quem já viu a versão dinamarquesa, algumas passagens podem parecer atenuadas, reduzindo levemente a surpresa que tanto marcou o filme original - mas o contrário não será verdadeiro, pode confiar. Mesmo assim, Watkins acerta ao preservar o impacto devastador da mensagem social sobre as armadilhas de algumas convenções e sobre o medo do confronto deliberado fantasiado de educação - algo que nos remete ao ótimo "Pisque Duas Vezes". É exatamente nessa reflexão que reside o verdadeiro horror da narrativa: até onde uma pessoa comum pode ir, abrindo mão de seus instintos e ignorando sinais de perigo, apenas para evitar desconfortos sociais? “Não Fale o Mal” em ambas as versões é uma obra profundamente perturbadora, cujo verdadeiro terror está nas banalidades que regem nosso comportamento - e isso vai te fazer pensar durante toda a jornada!
Vale demais o seu play!
Que história fantástica! Se você tem mais de 40 anos e é um apaixonado por basquete, esse documentário da HBO Sports, disponível na Max, vai te fazer dar boas gargalhadas. Quando se fala no Dream Team dos Estados Unidos, a lembrança é de um time que esmagou seus adversários nas Olimpíadas de Barcelona em 1992. Liderado por Michael Jordan, Magic Johnson e Larry Bird, o primeiro time olímpico formado por jogadores da NBA se tornou um dos maiores ícones do esporte coletivo mundial. Mas há um detalhe pouco mencionado nessa trajetória: antes de dominar as quadras na Espanha, o Dream Team perdeu um jogo-treino contra um grupo de universitários conhecido como "Select Team". E é justamente essa história que "Nós Derrotamos o Dream Team", busca resgatar.
Dirigido por Michael Tolajian (produtor de "The Last Dance"), o documentário se apoia em imagens de arquivo e depoimentos de quem esteve lá e foi testemunha ocular desse acontecimento esportivo. "Nós Derrotamos o Dream Team" explora como oito jovens talentos do basquete universitário dos EUA conseguiram vencer, ainda que em um jogo treino, o time que mudaria a história do basquete mundial. Entre os entrevistados está Grant Hill, que se tornou um dos maiores jogadores da NBA e que serve como uma espécie de narrador dos eventos, detalhando o impacto desse jogo para todos os envolvidos e para a continuidade do projeto americano de retomar a hegemonia no basquete. Confira o trailer (em inglês):
O contexto histórico é essencial para entender a importância desse episódio. Até 1988, os Estados Unidos enviavam apenas equipes universitárias para torneios internacionais, mas a derrota para a União Soviética na semifinal olímpica daquele ano escancarou a necessidade de mudança. O acordo com a FIBA permitiu que os atletas da NBA representassem seu país nos Jogos, e assim nasceu o Dream Team, uma equipe montada para vencer o que disputar e com larga vantagem. Sabendo que as regras internacionais eram diferentes daquelas praticadas na NBA, o técnico Chuck Daly (ex-Detroit Pistons) resolveu testar seus jogadores em um ambiente controlado. Para isso, reuniu um grupo de universitários de elite, que incluía nomes como Chris Webber, Penny Hardaway e Allan Houston, para enfrentar os astros da NBA em um jogo-treino fechado ao público. O que deveria ser apenas um teste se transformou em um alerta para o Dream Team - acreditem: os jovens venceram a partida.
A grande sacada do documentário é justamente reconstruir a tensão desse momento. Os depoimentos dos jogadores universitários revelam a empolgação de quem sabia que estava vivendo um evento histórico. Já os relatos dos atletas do Dream Team mostram a surpresa e a frustração diante daquela derrota. A narrativa se intensifica ainda mais quando um dos assistentes técnicos de Daly, o emblemático Coach K, sugere que o treinador pode ter planejado algum tipo de situação adversa para acordar seus jogadores. Essa revelação, aliás, adiciona uma camada intrigante ao documentário, levantando questões sobre motivação e estratégia.
Visualmente, "Nós Derrotamos o Dream Team" é bem construído, combinando imagens restauradas da época com entrevistas recentes e algumas intervenções gráficas bem pertinentes. A montagem é outro ponto a se elogiar - ela mantém um ritmo dinâmico, alternando momentos de nostalgia com algumas análises mais técnicas do jogo, mas sempre preservando o bom humor. Além disso, a produção acerta demais ao contextualizar a evolução do basquete internacional, mostrando como esse episódio foi um prenúncio do crescimento do esporte fora dos Estados Unidos. No fim, o documentário não tenta diminuir o impacto do Dream Team, mas sim enriquecer sua história. O jogo contra os universitários foi um momento de vulnerabilidade para um time que parecia invencível, e a forma como reagiram a ele só reforça a grandeza do que conquistaram em Barcelona.
Para os fãs de basquete e de histórias esportivas, "Nós Derrotamos o Dream Team" é um relato fascinante, que mostra que até os gigantes podem tropeçar - e que às vezes, perder faz parte do processo e acaba se tornando essencial para alcançar a glória!
Vale demais o seu play!
Que história fantástica! Se você tem mais de 40 anos e é um apaixonado por basquete, esse documentário da HBO Sports, disponível na Max, vai te fazer dar boas gargalhadas. Quando se fala no Dream Team dos Estados Unidos, a lembrança é de um time que esmagou seus adversários nas Olimpíadas de Barcelona em 1992. Liderado por Michael Jordan, Magic Johnson e Larry Bird, o primeiro time olímpico formado por jogadores da NBA se tornou um dos maiores ícones do esporte coletivo mundial. Mas há um detalhe pouco mencionado nessa trajetória: antes de dominar as quadras na Espanha, o Dream Team perdeu um jogo-treino contra um grupo de universitários conhecido como "Select Team". E é justamente essa história que "Nós Derrotamos o Dream Team", busca resgatar.
Dirigido por Michael Tolajian (produtor de "The Last Dance"), o documentário se apoia em imagens de arquivo e depoimentos de quem esteve lá e foi testemunha ocular desse acontecimento esportivo. "Nós Derrotamos o Dream Team" explora como oito jovens talentos do basquete universitário dos EUA conseguiram vencer, ainda que em um jogo treino, o time que mudaria a história do basquete mundial. Entre os entrevistados está Grant Hill, que se tornou um dos maiores jogadores da NBA e que serve como uma espécie de narrador dos eventos, detalhando o impacto desse jogo para todos os envolvidos e para a continuidade do projeto americano de retomar a hegemonia no basquete. Confira o trailer (em inglês):
O contexto histórico é essencial para entender a importância desse episódio. Até 1988, os Estados Unidos enviavam apenas equipes universitárias para torneios internacionais, mas a derrota para a União Soviética na semifinal olímpica daquele ano escancarou a necessidade de mudança. O acordo com a FIBA permitiu que os atletas da NBA representassem seu país nos Jogos, e assim nasceu o Dream Team, uma equipe montada para vencer o que disputar e com larga vantagem. Sabendo que as regras internacionais eram diferentes daquelas praticadas na NBA, o técnico Chuck Daly (ex-Detroit Pistons) resolveu testar seus jogadores em um ambiente controlado. Para isso, reuniu um grupo de universitários de elite, que incluía nomes como Chris Webber, Penny Hardaway e Allan Houston, para enfrentar os astros da NBA em um jogo-treino fechado ao público. O que deveria ser apenas um teste se transformou em um alerta para o Dream Team - acreditem: os jovens venceram a partida.
A grande sacada do documentário é justamente reconstruir a tensão desse momento. Os depoimentos dos jogadores universitários revelam a empolgação de quem sabia que estava vivendo um evento histórico. Já os relatos dos atletas do Dream Team mostram a surpresa e a frustração diante daquela derrota. A narrativa se intensifica ainda mais quando um dos assistentes técnicos de Daly, o emblemático Coach K, sugere que o treinador pode ter planejado algum tipo de situação adversa para acordar seus jogadores. Essa revelação, aliás, adiciona uma camada intrigante ao documentário, levantando questões sobre motivação e estratégia.
Visualmente, "Nós Derrotamos o Dream Team" é bem construído, combinando imagens restauradas da época com entrevistas recentes e algumas intervenções gráficas bem pertinentes. A montagem é outro ponto a se elogiar - ela mantém um ritmo dinâmico, alternando momentos de nostalgia com algumas análises mais técnicas do jogo, mas sempre preservando o bom humor. Além disso, a produção acerta demais ao contextualizar a evolução do basquete internacional, mostrando como esse episódio foi um prenúncio do crescimento do esporte fora dos Estados Unidos. No fim, o documentário não tenta diminuir o impacto do Dream Team, mas sim enriquecer sua história. O jogo contra os universitários foi um momento de vulnerabilidade para um time que parecia invencível, e a forma como reagiram a ele só reforça a grandeza do que conquistaram em Barcelona.
Para os fãs de basquete e de histórias esportivas, "Nós Derrotamos o Dream Team" é um relato fascinante, que mostra que até os gigantes podem tropeçar - e que às vezes, perder faz parte do processo e acaba se tornando essencial para alcançar a glória!
Vale demais o seu play!
É muito difícil olhar para "O Aprendiz" simplesmente pelo viés cinematográfico. Independente do posicionamento político, é praticamente impossível desassociar a figura pública de Donald Trump de um ser-humano com uma dificuldade enorme de lidar com o poder - graças as suas incontáveis inseguranças que aliás, o filme pontua com perfeição. Ao olhar pela perspectiva do empreendedor, certamente você vai encontrar em seu íntimo, traços megalomaníacos de um Adam Neumann com uma boa dose de fraqueza de Mark Zuckerberg - e aqui estou levando muito em consideração o que assistimos em "WeCrashed" e em "A Rede Social" (nada mais). Pois bem, "O Aprendiz" não é apenas um filme biográfico convencional, mas um estudo de personagem que examina as engrenagens do poder e a construção de uma persona pública. Dirigido por Ali Abbasi (de "Holy Spider") e roteirizado por Gabriel Sherman (de "A Voz Mais Forte"), temos aqui um recorte capaz de nos levar pelos bastidores da ascensão de Trump nos anos 1970 e 1980, explorando sua relação com o polêmico advogado e estrategista Roy Cohn. Longe de um retrato panfletário, o filme se apresenta como um drama psicológico dos mais eficientes, especialmente por discutir as nuances da ambição, da corrupção e da formação de um dos personagens mais polarizadores da história recente. A abordagem de Abbasi nos remete a obras como "O Lobo de Wall Street" e "Vice" com um toque nostálgico de "Succession", onde a ascensão ao poder é tratada com um misto de fascínio e, principalmente, de repulsa.
No início de sua carreira, Donald Trump (Sebastian Stan) buscou orientação de Roy Cohn (Jeremy Strong), advogado de extrema direita conhecido por sua influência pouco ortodoxa nos bastidores da política e dos negócios. Cohn se tornou uma figura determinante para a consolidação do ambicioso jovem empresário no mercado imobiliário, especialmente nos círculos de poder de Nova York. Ao longo dos anos, essa relação moldou não apenas sua trajetória profissional, mas sua visão de mundo e sua estratégia política. Confira o trailer:
Ali Abbasi constrói sua narrativa sem apelar para caricaturas ou julgamentos óbvios. Em vez disso, ele nos apresenta um jovem Trump ainda em processo de formação, absorvendo a crueldade e o pragmatismo de Cohn. A relação entre os dois é o coração do filme, funcionando como uma espécie de pacto faustiano, onde Trump, inicialmente ingênuo e ambicioso, aprende a manipular e dobrar as regras do jogo para alcançar seus objetivos - e aqui é preciso elogiar de pé, Jeremy Strong. Ele entrega uma performance que canaliza toda a arrogância, astúcia e frieza de Cohn, um personagem que se torna quase um mentor malévolo para Trump. Enquanto Sebastian Stan constrói um Trump diferente do que estamos acostumados a ver na mídia. Não é a figura bombástica dos anos 2010, mas um jovem empresário tentando consolidar seu nome em Nova York. Sua atuação foge da imitação barata na busca por nuances: há momentos de insegurança, hesitação e até mesmo vulnerabilidade, mas sempre permeados por uma crescente absorção da filosofia implacável de Cohn. A transformação ao longo da jornada é sutil, mas perceptível – e é aí que Abbasi acerta em cheio. Ele nos faz testemunhar a mutação do protagonista, em vez de simplesmente retratar a história por si só.
A direção de Abbasi aposta em um realismo seco, evitando os maneirismos estilísticos comuns em cinebiografias políticas. A fotografia do dinamarquês Kasper Tuxen (de "Loucos por Justiça") é primorosa - ele cria uma ambientação com tons frios e pastéis, sempre muito granulado, em enquadramentos que projetam os contrastes entre os luxuosos escritórios e os ambientes mais sombrios onde as negociações de bastidores aconteciam - é difícil não se perguntar a razão pela qual Tuxen não foi indicado ao Oscar 2025. O desenho de produção é outro espetáculo - limitado pelo aspecto 4:3 da tela, ele recria com precisão a Nova York dos anos 70 e 80, trazendo detalhes que vão desde dos trajes impecáveis de Cohn até os primeiros edifícios que levariam o nome Trump na fachada. Outro ponto que favorece demais nossa imersão é a trilha sonora - ela transita entre o minimalismo que intensifica a tensão e o jogo de poder entre os personagens com as referências culturais da época, marcada por bandas como Pet Shop Boys, por exemplo!
O roteiro de Gabriel Sherman se baseia em pesquisas detalhadas e depoimentos sobre essa fase inicial da vida de Trump, mas evita cair em uma abordagem documental. Em vez disso, a estrutura de "O Aprendiz" se assemelha ao drama mais psicológico, onde cada decisão tomada pelo protagonista tem consequências que reverberam até hoje. O diálogo é afiado, refletindo a retórica agressiva de Cohn e o aprendizado gradual de Trump em dominar o discurso e a manipulação da mídia. Mesmo que o filme não tente oferecer respostas definitivas sobre o impacto da relação entre Trump e Cohn, ele deixa claro como esse período foi determinante para o que viria depois - a transformação do jovem empresário em um jogador implacável da política e dos negócios não é tratada como um evento isolado, mas como um processo meticulosamente arquitetado.
Veja, "O Aprendiz" não é um filme que busca escândalos ou grandes revelações, mas sim uma imersão na mentalidade de poder e influência que moldou um dos personagens mais controversos do EUA, ou seja, para aqueles interessados em histórias de ascensão e corrupção, este é um drama que vale a pena ser visto e, claro, debatido.
Up Date: Tanto Sebastian Stan quanto Jeremy Strong foram indicados ao Oscar 2025 - o trabalho dos dois é uma aula!
É muito difícil olhar para "O Aprendiz" simplesmente pelo viés cinematográfico. Independente do posicionamento político, é praticamente impossível desassociar a figura pública de Donald Trump de um ser-humano com uma dificuldade enorme de lidar com o poder - graças as suas incontáveis inseguranças que aliás, o filme pontua com perfeição. Ao olhar pela perspectiva do empreendedor, certamente você vai encontrar em seu íntimo, traços megalomaníacos de um Adam Neumann com uma boa dose de fraqueza de Mark Zuckerberg - e aqui estou levando muito em consideração o que assistimos em "WeCrashed" e em "A Rede Social" (nada mais). Pois bem, "O Aprendiz" não é apenas um filme biográfico convencional, mas um estudo de personagem que examina as engrenagens do poder e a construção de uma persona pública. Dirigido por Ali Abbasi (de "Holy Spider") e roteirizado por Gabriel Sherman (de "A Voz Mais Forte"), temos aqui um recorte capaz de nos levar pelos bastidores da ascensão de Trump nos anos 1970 e 1980, explorando sua relação com o polêmico advogado e estrategista Roy Cohn. Longe de um retrato panfletário, o filme se apresenta como um drama psicológico dos mais eficientes, especialmente por discutir as nuances da ambição, da corrupção e da formação de um dos personagens mais polarizadores da história recente. A abordagem de Abbasi nos remete a obras como "O Lobo de Wall Street" e "Vice" com um toque nostálgico de "Succession", onde a ascensão ao poder é tratada com um misto de fascínio e, principalmente, de repulsa.
No início de sua carreira, Donald Trump (Sebastian Stan) buscou orientação de Roy Cohn (Jeremy Strong), advogado de extrema direita conhecido por sua influência pouco ortodoxa nos bastidores da política e dos negócios. Cohn se tornou uma figura determinante para a consolidação do ambicioso jovem empresário no mercado imobiliário, especialmente nos círculos de poder de Nova York. Ao longo dos anos, essa relação moldou não apenas sua trajetória profissional, mas sua visão de mundo e sua estratégia política. Confira o trailer:
Ali Abbasi constrói sua narrativa sem apelar para caricaturas ou julgamentos óbvios. Em vez disso, ele nos apresenta um jovem Trump ainda em processo de formação, absorvendo a crueldade e o pragmatismo de Cohn. A relação entre os dois é o coração do filme, funcionando como uma espécie de pacto faustiano, onde Trump, inicialmente ingênuo e ambicioso, aprende a manipular e dobrar as regras do jogo para alcançar seus objetivos - e aqui é preciso elogiar de pé, Jeremy Strong. Ele entrega uma performance que canaliza toda a arrogância, astúcia e frieza de Cohn, um personagem que se torna quase um mentor malévolo para Trump. Enquanto Sebastian Stan constrói um Trump diferente do que estamos acostumados a ver na mídia. Não é a figura bombástica dos anos 2010, mas um jovem empresário tentando consolidar seu nome em Nova York. Sua atuação foge da imitação barata na busca por nuances: há momentos de insegurança, hesitação e até mesmo vulnerabilidade, mas sempre permeados por uma crescente absorção da filosofia implacável de Cohn. A transformação ao longo da jornada é sutil, mas perceptível – e é aí que Abbasi acerta em cheio. Ele nos faz testemunhar a mutação do protagonista, em vez de simplesmente retratar a história por si só.
A direção de Abbasi aposta em um realismo seco, evitando os maneirismos estilísticos comuns em cinebiografias políticas. A fotografia do dinamarquês Kasper Tuxen (de "Loucos por Justiça") é primorosa - ele cria uma ambientação com tons frios e pastéis, sempre muito granulado, em enquadramentos que projetam os contrastes entre os luxuosos escritórios e os ambientes mais sombrios onde as negociações de bastidores aconteciam - é difícil não se perguntar a razão pela qual Tuxen não foi indicado ao Oscar 2025. O desenho de produção é outro espetáculo - limitado pelo aspecto 4:3 da tela, ele recria com precisão a Nova York dos anos 70 e 80, trazendo detalhes que vão desde dos trajes impecáveis de Cohn até os primeiros edifícios que levariam o nome Trump na fachada. Outro ponto que favorece demais nossa imersão é a trilha sonora - ela transita entre o minimalismo que intensifica a tensão e o jogo de poder entre os personagens com as referências culturais da época, marcada por bandas como Pet Shop Boys, por exemplo!
O roteiro de Gabriel Sherman se baseia em pesquisas detalhadas e depoimentos sobre essa fase inicial da vida de Trump, mas evita cair em uma abordagem documental. Em vez disso, a estrutura de "O Aprendiz" se assemelha ao drama mais psicológico, onde cada decisão tomada pelo protagonista tem consequências que reverberam até hoje. O diálogo é afiado, refletindo a retórica agressiva de Cohn e o aprendizado gradual de Trump em dominar o discurso e a manipulação da mídia. Mesmo que o filme não tente oferecer respostas definitivas sobre o impacto da relação entre Trump e Cohn, ele deixa claro como esse período foi determinante para o que viria depois - a transformação do jovem empresário em um jogador implacável da política e dos negócios não é tratada como um evento isolado, mas como um processo meticulosamente arquitetado.
Veja, "O Aprendiz" não é um filme que busca escândalos ou grandes revelações, mas sim uma imersão na mentalidade de poder e influência que moldou um dos personagens mais controversos do EUA, ou seja, para aqueles interessados em histórias de ascensão e corrupção, este é um drama que vale a pena ser visto e, claro, debatido.
Up Date: Tanto Sebastian Stan quanto Jeremy Strong foram indicados ao Oscar 2025 - o trabalho dos dois é uma aula!
Como normalmente acontece com a dramaturgia argentina, especialmente nas comédias, nem todos vão amar essa minissérie de seis episódios que está no Disney+. No entanto, para aqueles dispostos a embarcar em uma jornada envolvente e cheia de ironias, especialmente por sua abordagem mais humana e muito sincera sobre as pequenas tragédias do cotidiano, eu diria que "O Melhor Infarto da Minha Vida" é um tiro mais do que certeiro - pode apostar que será uma agradável surpresa! Antes do play, saiba que Hernán Casciari é um nome conhecido na literatura daquele país por sua escrita bem-humorada e quase sempre autobiográfica - foi a partir do material original de Casciari que o roteirista Lucas Figueroa (de "Viral") captura sua essência para adaptar uma inusitada experiência de quase-morte do escritor e assim entregar uma comédia com um olhar afiado sobre a vida, sobre o destino e sobre uma segunda chance. Na linha de obras como "After Life" de Ricky Gervais ou até da inesquecível "O Método Kominsky", ambas séries que misturam humor com muita reflexão, Figueroa desenvolve uma narrativa tão divertida quanto melancólica, mas sempre apaixonante.
Na trama acompanhamos Ariel (Alan Sabbagh), um "escritor fantasma" que leva um estilo de vida caótico e sem grandes perspectivas, até que um certo dia ele sofre um infarto fulminante. É justamente esse episódio que obriga Ariel a encarar sua própria mortalidade e a repensar a maneira como tem levado sua vida nos últimos anos. Enquanto se recupera, ele passa a ver o mundo de uma forma diferente e que, inevitavelmente, acaba transformando aqueles ao seu redor. Confia o trailer (em espanhol):
A diretora Mariana Wainstein até que acerta ao manter o tom agridoce que marca os textos de Casciari, equilibrando os momentos mais cômicos com uma sensibilidade emocional dos subtextos que dá uma interessante profundidade para a narrativa. Sua direção se destaca pelo uso inteligente de planos fechados que enfatizam os momentos de vulnerabilidade de Ariel, contrastando com uma paleta de cores mais acolhedora, que reforça o lado esperançoso da história - essa dicotomia visual, muito usada na cinematografia argentina, sem a menor sobra de dúvida, traz um charme extra para a minissérie. Nesse sentido, o roteiro, escrito por Figueroa em colaboração com Maria Zanetti e com a própria Wainstein, trabalha bem o conceito de renascimento pessoal, explorando como um evento traumático pode redefinir nossas prioridades, com leveza e uma certa despretensão.
Ao olhar para o elenco, encontramos Alan Sabbagh - o ator carrega a minissérie com uma atuação carismática, transitando com naturalidade entre o sarcasmo e a fragilidade de seu personagem, sem nunca escolher os caminhos mais fáceis. Sabbagh tem uma boa dinâmica com Olivia Molina, que interpreta Concha, e com Rogelio Gracia, que vive Javier - figuras essenciais na jornada do protagonista ao ponto de criar um retrato sincero de um homem em busca de um novo sentido para sua existência.
"O Melhor Infarto da Minha Vida" é, de fato, uma experiência enxuta e bem estruturada - daquelas que matamos em uma tarde, sem tempo para enrolações. A minissérie consegue ser leve e impactante com muita elegância, convidando a audiência a rir das ironias da vida enquanto reflete sobre a importância de estar presente no "agora". Aqui, não temos um drama convencional e tampouco uma história que se propõe a trazer grandes respostas filosóficas, muito pelo contrário, "O Melhor Infarto da Minha Vida" acerta mesmo ao construir um protagonista realista e falho enquanto torna sua jornada de redescoberta uma experiência realmente autêntica e marcante - para todos.
Se você gosta de narrativas que exploram o humor dentro de um contexto de tragédia, vale muito a pena dar uma chance para "O Melhor Infarto da Minha Vida"!
Como normalmente acontece com a dramaturgia argentina, especialmente nas comédias, nem todos vão amar essa minissérie de seis episódios que está no Disney+. No entanto, para aqueles dispostos a embarcar em uma jornada envolvente e cheia de ironias, especialmente por sua abordagem mais humana e muito sincera sobre as pequenas tragédias do cotidiano, eu diria que "O Melhor Infarto da Minha Vida" é um tiro mais do que certeiro - pode apostar que será uma agradável surpresa! Antes do play, saiba que Hernán Casciari é um nome conhecido na literatura daquele país por sua escrita bem-humorada e quase sempre autobiográfica - foi a partir do material original de Casciari que o roteirista Lucas Figueroa (de "Viral") captura sua essência para adaptar uma inusitada experiência de quase-morte do escritor e assim entregar uma comédia com um olhar afiado sobre a vida, sobre o destino e sobre uma segunda chance. Na linha de obras como "After Life" de Ricky Gervais ou até da inesquecível "O Método Kominsky", ambas séries que misturam humor com muita reflexão, Figueroa desenvolve uma narrativa tão divertida quanto melancólica, mas sempre apaixonante.
Na trama acompanhamos Ariel (Alan Sabbagh), um "escritor fantasma" que leva um estilo de vida caótico e sem grandes perspectivas, até que um certo dia ele sofre um infarto fulminante. É justamente esse episódio que obriga Ariel a encarar sua própria mortalidade e a repensar a maneira como tem levado sua vida nos últimos anos. Enquanto se recupera, ele passa a ver o mundo de uma forma diferente e que, inevitavelmente, acaba transformando aqueles ao seu redor. Confia o trailer (em espanhol):
A diretora Mariana Wainstein até que acerta ao manter o tom agridoce que marca os textos de Casciari, equilibrando os momentos mais cômicos com uma sensibilidade emocional dos subtextos que dá uma interessante profundidade para a narrativa. Sua direção se destaca pelo uso inteligente de planos fechados que enfatizam os momentos de vulnerabilidade de Ariel, contrastando com uma paleta de cores mais acolhedora, que reforça o lado esperançoso da história - essa dicotomia visual, muito usada na cinematografia argentina, sem a menor sobra de dúvida, traz um charme extra para a minissérie. Nesse sentido, o roteiro, escrito por Figueroa em colaboração com Maria Zanetti e com a própria Wainstein, trabalha bem o conceito de renascimento pessoal, explorando como um evento traumático pode redefinir nossas prioridades, com leveza e uma certa despretensão.
Ao olhar para o elenco, encontramos Alan Sabbagh - o ator carrega a minissérie com uma atuação carismática, transitando com naturalidade entre o sarcasmo e a fragilidade de seu personagem, sem nunca escolher os caminhos mais fáceis. Sabbagh tem uma boa dinâmica com Olivia Molina, que interpreta Concha, e com Rogelio Gracia, que vive Javier - figuras essenciais na jornada do protagonista ao ponto de criar um retrato sincero de um homem em busca de um novo sentido para sua existência.
"O Melhor Infarto da Minha Vida" é, de fato, uma experiência enxuta e bem estruturada - daquelas que matamos em uma tarde, sem tempo para enrolações. A minissérie consegue ser leve e impactante com muita elegância, convidando a audiência a rir das ironias da vida enquanto reflete sobre a importância de estar presente no "agora". Aqui, não temos um drama convencional e tampouco uma história que se propõe a trazer grandes respostas filosóficas, muito pelo contrário, "O Melhor Infarto da Minha Vida" acerta mesmo ao construir um protagonista realista e falho enquanto torna sua jornada de redescoberta uma experiência realmente autêntica e marcante - para todos.
Se você gosta de narrativas que exploram o humor dentro de um contexto de tragédia, vale muito a pena dar uma chance para "O Melhor Infarto da Minha Vida"!
Você vai se surpreender com "Paradise" - e aqui não me refiro de forma figurada, muito pelo contrário, já que a série do Hulu (aqui no Disney+) parece ter como premissa quebrar todas as expectativas de uma maneira tão fluída que dificilmente você se dará conta de "para onde está indo essa maluquice"! Veja, Dan Fogelman, conhecido por sua habilidade em construir reviravoltas narrativas realmente marcantes, retorna em "Paradise" depois de explorar com muita competência os dramas emocionais em "This Is Us" e "Pitch". Seu novo projeto, mais ambicioso, é um mergulho em uma atmosfera delicada, já que mistura intriga, conspiração e política, em um cenário bastante inesperado. O resultado é uma narrativa envolvente, que se distancia do sentimentalismo característico de suas obras anteriores e aposta em um suspense mais intenso, ágil e envolvente que vai te provocar a cada episódio. O fato é que "Paradise" chega como uma nova abordagem ao drama político com um toque primoroso de ficção científica!
A trama, basicamente, acompanha Xavier Collins (Sterling K. Brown), um agente do Serviço Secreto encarregado de proteger o presidente dos Estados Unidos, Cal Bradford (James Marsden), que governa em meio a uma importante crise mundial. Até que a rotina de Collins é bruscamente interrompida quando um crime coloca em xeque toda a estrutura do governo americano - o que parecia ser apenas mais uma história sobre proteção e lealdade, rapidamente se revela algo muito maior, trazendo à tona segredos, rivalidades e questões que vão muito além do que se podia imaginar. Confira o trailer (ou pare antes e vá direto ao "assista agora" - eu faria isso):
Pois bem, se você assistiu ao trailer, já sabe o que a aconteceu com Cal Bradford, mas esse fato é só a ponta de um iceberg que Fogelman insiste em esconder. Desde os primeiros episódios, "Paradise" se diferencia ao equilibrar um mistério intrigante com uma atmosfera politica de constante tensão ao melhor estilo "House of Cards". A narrativa que intercala o presente com momentos do passado dos personagens, vai revelando aos poucos as circunstâncias que os levaram até ali - e é impressionante como as peças vão se encaixando perfeitamente nessa história. A ambientação e a forma como o universo da série é construído, aliás, contribuem para que esse conceito "homeopático" brilhe, nos convidando para uma intensa imersão ao mesmo tempo em que cria uma sensação absurda de desconforto e incerteza sobre o que realmente está acontecendo. O roteiro de Fogelman utiliza dessas camadas de (pouca) informação para manter um ritmo alucinante, sem abrir mão do desenvolvimento dos personagens que conduzem a trama - e aqui eu já destaco o trabalho de Sterling K. Brown, de James Marsden, de Julianne Nicholson e de Sarah Shahi.
K. Brown entrega um protagonista tão carismático quanto complexo - um homem de caráter que carrega o peso de um trauma pessoal enquanto tenta navegar entre as conspirações que permeiam a sociedade em que vive. James Marsden, por sua vez, interpreta um presidente pop com um misto de charme e arrogância, sendo o tipo de figura política que oscila entre uma liderança inspiradora e a desconfiança de ser a peça fundamental de uma corrupção moral. Julianne Nicholson no papel de Sinatra, uma poderosa bilionária, influente politicamente e muito visionária (cuidado com as comparações irresponsáveis...rs) e Sarah Shahi, a psicoterapeuta Gabriela Torabi, encarregada de manter os ânimos sob controle dentro daquele universo, são as cerejas do bolo de "Paradise".
Um ponto interessante da série é que ao percebermos na narrativa a dualidade entre uma segurança aparente e um perigo iminente, entendemos perfeitamente sua proposta de manter um ar de diversão e imprevisibilidade que sempre oferece uma camada extra de mistério antes mesmo que tenhamos tempo de processar a anterior. Mesmo que "Paradise"gere comparações inevitáveis (que não vou citá-las para não estragar sua experiência), ainda assim, a série consegue manter um frescor ao apostar em ótimas reviravoltas e, claro, em um senso de urgência constante que vai te impedir de sair da frente da tela - como poucas vezes você já vivenciou. Posso apostar!
Vale muito o seu play!
Você vai se surpreender com "Paradise" - e aqui não me refiro de forma figurada, muito pelo contrário, já que a série do Hulu (aqui no Disney+) parece ter como premissa quebrar todas as expectativas de uma maneira tão fluída que dificilmente você se dará conta de "para onde está indo essa maluquice"! Veja, Dan Fogelman, conhecido por sua habilidade em construir reviravoltas narrativas realmente marcantes, retorna em "Paradise" depois de explorar com muita competência os dramas emocionais em "This Is Us" e "Pitch". Seu novo projeto, mais ambicioso, é um mergulho em uma atmosfera delicada, já que mistura intriga, conspiração e política, em um cenário bastante inesperado. O resultado é uma narrativa envolvente, que se distancia do sentimentalismo característico de suas obras anteriores e aposta em um suspense mais intenso, ágil e envolvente que vai te provocar a cada episódio. O fato é que "Paradise" chega como uma nova abordagem ao drama político com um toque primoroso de ficção científica!
A trama, basicamente, acompanha Xavier Collins (Sterling K. Brown), um agente do Serviço Secreto encarregado de proteger o presidente dos Estados Unidos, Cal Bradford (James Marsden), que governa em meio a uma importante crise mundial. Até que a rotina de Collins é bruscamente interrompida quando um crime coloca em xeque toda a estrutura do governo americano - o que parecia ser apenas mais uma história sobre proteção e lealdade, rapidamente se revela algo muito maior, trazendo à tona segredos, rivalidades e questões que vão muito além do que se podia imaginar. Confira o trailer (ou pare antes e vá direto ao "assista agora" - eu faria isso):
Pois bem, se você assistiu ao trailer, já sabe o que a aconteceu com Cal Bradford, mas esse fato é só a ponta de um iceberg que Fogelman insiste em esconder. Desde os primeiros episódios, "Paradise" se diferencia ao equilibrar um mistério intrigante com uma atmosfera politica de constante tensão ao melhor estilo "House of Cards". A narrativa que intercala o presente com momentos do passado dos personagens, vai revelando aos poucos as circunstâncias que os levaram até ali - e é impressionante como as peças vão se encaixando perfeitamente nessa história. A ambientação e a forma como o universo da série é construído, aliás, contribuem para que esse conceito "homeopático" brilhe, nos convidando para uma intensa imersão ao mesmo tempo em que cria uma sensação absurda de desconforto e incerteza sobre o que realmente está acontecendo. O roteiro de Fogelman utiliza dessas camadas de (pouca) informação para manter um ritmo alucinante, sem abrir mão do desenvolvimento dos personagens que conduzem a trama - e aqui eu já destaco o trabalho de Sterling K. Brown, de James Marsden, de Julianne Nicholson e de Sarah Shahi.
K. Brown entrega um protagonista tão carismático quanto complexo - um homem de caráter que carrega o peso de um trauma pessoal enquanto tenta navegar entre as conspirações que permeiam a sociedade em que vive. James Marsden, por sua vez, interpreta um presidente pop com um misto de charme e arrogância, sendo o tipo de figura política que oscila entre uma liderança inspiradora e a desconfiança de ser a peça fundamental de uma corrupção moral. Julianne Nicholson no papel de Sinatra, uma poderosa bilionária, influente politicamente e muito visionária (cuidado com as comparações irresponsáveis...rs) e Sarah Shahi, a psicoterapeuta Gabriela Torabi, encarregada de manter os ânimos sob controle dentro daquele universo, são as cerejas do bolo de "Paradise".
Um ponto interessante da série é que ao percebermos na narrativa a dualidade entre uma segurança aparente e um perigo iminente, entendemos perfeitamente sua proposta de manter um ar de diversão e imprevisibilidade que sempre oferece uma camada extra de mistério antes mesmo que tenhamos tempo de processar a anterior. Mesmo que "Paradise"gere comparações inevitáveis (que não vou citá-las para não estragar sua experiência), ainda assim, a série consegue manter um frescor ao apostar em ótimas reviravoltas e, claro, em um senso de urgência constante que vai te impedir de sair da frente da tela - como poucas vezes você já vivenciou. Posso apostar!
Vale muito o seu play!
Que série incrível - e realmente impactante! "Plantão Policial" me lembrou muito a dinamarquesa "Zona de Confronto"- pelo seu estilo quase documental e pela crueldade visceral de sua narrativa. O fato é que séries policiais sempre foram um dos pilares mais sólidos da TV americana, e "Plantão Policial" ou "On Call", no original, chega com uma proposta bastante provocativa ao mesclar um realismo absurdo, com muita intensidade e ótimas discussões sobre dilemas morais, diferenciando-se assim, das narrativas mais convencionais de investigação criminal. Criada por Tim Walsh e Elliot Wolf, com produção de Dick Wolf (de "Lei e Ordem"), essa produção da Prime Video mergulha no dia a dia de uma patrulha policial em Long Beach, Califórnia, acompanhando dois oficiais em um ambiente onde as linhas entre certo e errado são frequentemente desafiadas. Olha, para quem gosta da tensão e de uma abordagem realmente imersiva, essa nova aposta da Amazon Studios não vai decepcionar - ela entrega ação e drama na medida certa!
A trama, basicamente, segue o cotidiano da oficial Traci Harmon (Troian Bellisario), uma policial experiente e marcada pelo trauma da morte de sua última pupila, e Alex Diaz (Brandon Larracuente), um jovem oficial que ainda precisa aprender os limites entre empatia e impulsividade. A relação entre os dois funciona como o coração da série, adotando uma dinâmica de mentor e aprendiz, mas que se revela mais profunda conforme os episódios avançam. Harmon luta contra a culpa e tenta garantir que não repetirá os mesmos erros do passado, enquanto Diaz, lidando com problemas familiares e um irmão preso, busca se provar dentro da corporação. Confira o trailer e sinta o clima:
Uma das coisas que mais chamam a atenção de"PlantãoPolicial" é sua coragem em meio aquela estética ultra-realista. É justamente por esse gatilho narrativo que a construção dos personagens e de seus conflitos internos se mostram como dois dos maiores acertos da série. Veja, o roteiro não apenas explora a rotina exaustiva das patrulhas, como também mergulha nos dilemas íntimos dos protagonistas, tornando-os figuras mais palpáveis, complexas e análogas. A head-writer Molly Manning (de"Hightown") acerta ao criar diálogos diretos e honestos entre Harmon e Diaz, fazendo com que as interações entre eles tenham, além de tudo, um peso emocional profundo - aqui não há espaço para heroísmo idealizado; cada decisão traz consequências, e a ética policial, em diversas camadas, é constantemente questionada.
A direção de Brenna Malloy (não por acaso de "Chicago P.D.") e de Eriq La Salle (da saudosa "Without a Trace") adiciona um ritmo dinâmico para a série, utilizando uma estética mais documental, realista e claustrofóbica que reforça a tensão das situações enfrentadas pelos personagens. O uso de câmeras acopladas aos uniformes dos policiais é um dos acertos da série, trazendo uma perspectiva de fato imersiva e colocando a audiência dentro da ação. Repare como as cenas de"Plantão Policial" oscilam entre momentos de aparente rotina com situações de alta periculosidade, garantindo que cada episódio mantenha um nível constante de suspense e urgência - bem "a vida como ela é"! Agora é importante que se diga: a ação nunca é gratuita, mas sempre orgânica dentro de uma narrativa que surprendente pela forma, pelo conteúdo e pelo estilo.
Os episódios curtos, com cerca de 30 minutos cada, evitam enrolação e garantem que cada conflito tenha algum impacto, sem perder tempo com tramas secundárias irrelevantes. Aliás, se há um grande mérito em"PlantãoPolicial", é justamente sua capacidade de ser direta e com isso apresentar uma abordagem menos maniqueísta da justiça - a série reconhece que a aplicação da lei não é um jogo de mocinhos contra vilões, e que os próprios policiais, muitas vezes, precisam recorrer a decisões moralmente ambíguas para garantir a ordem (e a sobrevivência). Da mesma forma, os criminosos também não são retratados como figuras unidimensionais, mas como produtos de um ambiente e de um contexto que os moldam.
"PlantãoPolicial" não reinventa o gênero, mas traz frescor ao explorar a rotina policial com um olhar humano e sem romantizações, apostando no real e em ótimos gatilhos emocionais para criar uma experiência envolvente e reflexiva que vai fazer valer o seu play!
Que série incrível - e realmente impactante! "Plantão Policial" me lembrou muito a dinamarquesa "Zona de Confronto"- pelo seu estilo quase documental e pela crueldade visceral de sua narrativa. O fato é que séries policiais sempre foram um dos pilares mais sólidos da TV americana, e "Plantão Policial" ou "On Call", no original, chega com uma proposta bastante provocativa ao mesclar um realismo absurdo, com muita intensidade e ótimas discussões sobre dilemas morais, diferenciando-se assim, das narrativas mais convencionais de investigação criminal. Criada por Tim Walsh e Elliot Wolf, com produção de Dick Wolf (de "Lei e Ordem"), essa produção da Prime Video mergulha no dia a dia de uma patrulha policial em Long Beach, Califórnia, acompanhando dois oficiais em um ambiente onde as linhas entre certo e errado são frequentemente desafiadas. Olha, para quem gosta da tensão e de uma abordagem realmente imersiva, essa nova aposta da Amazon Studios não vai decepcionar - ela entrega ação e drama na medida certa!
A trama, basicamente, segue o cotidiano da oficial Traci Harmon (Troian Bellisario), uma policial experiente e marcada pelo trauma da morte de sua última pupila, e Alex Diaz (Brandon Larracuente), um jovem oficial que ainda precisa aprender os limites entre empatia e impulsividade. A relação entre os dois funciona como o coração da série, adotando uma dinâmica de mentor e aprendiz, mas que se revela mais profunda conforme os episódios avançam. Harmon luta contra a culpa e tenta garantir que não repetirá os mesmos erros do passado, enquanto Diaz, lidando com problemas familiares e um irmão preso, busca se provar dentro da corporação. Confira o trailer e sinta o clima:
Uma das coisas que mais chamam a atenção de"PlantãoPolicial" é sua coragem em meio aquela estética ultra-realista. É justamente por esse gatilho narrativo que a construção dos personagens e de seus conflitos internos se mostram como dois dos maiores acertos da série. Veja, o roteiro não apenas explora a rotina exaustiva das patrulhas, como também mergulha nos dilemas íntimos dos protagonistas, tornando-os figuras mais palpáveis, complexas e análogas. A head-writer Molly Manning (de"Hightown") acerta ao criar diálogos diretos e honestos entre Harmon e Diaz, fazendo com que as interações entre eles tenham, além de tudo, um peso emocional profundo - aqui não há espaço para heroísmo idealizado; cada decisão traz consequências, e a ética policial, em diversas camadas, é constantemente questionada.
A direção de Brenna Malloy (não por acaso de "Chicago P.D.") e de Eriq La Salle (da saudosa "Without a Trace") adiciona um ritmo dinâmico para a série, utilizando uma estética mais documental, realista e claustrofóbica que reforça a tensão das situações enfrentadas pelos personagens. O uso de câmeras acopladas aos uniformes dos policiais é um dos acertos da série, trazendo uma perspectiva de fato imersiva e colocando a audiência dentro da ação. Repare como as cenas de"Plantão Policial" oscilam entre momentos de aparente rotina com situações de alta periculosidade, garantindo que cada episódio mantenha um nível constante de suspense e urgência - bem "a vida como ela é"! Agora é importante que se diga: a ação nunca é gratuita, mas sempre orgânica dentro de uma narrativa que surprendente pela forma, pelo conteúdo e pelo estilo.
Os episódios curtos, com cerca de 30 minutos cada, evitam enrolação e garantem que cada conflito tenha algum impacto, sem perder tempo com tramas secundárias irrelevantes. Aliás, se há um grande mérito em"PlantãoPolicial", é justamente sua capacidade de ser direta e com isso apresentar uma abordagem menos maniqueísta da justiça - a série reconhece que a aplicação da lei não é um jogo de mocinhos contra vilões, e que os próprios policiais, muitas vezes, precisam recorrer a decisões moralmente ambíguas para garantir a ordem (e a sobrevivência). Da mesma forma, os criminosos também não são retratados como figuras unidimensionais, mas como produtos de um ambiente e de um contexto que os moldam.
"PlantãoPolicial" não reinventa o gênero, mas traz frescor ao explorar a rotina policial com um olhar humano e sem romantizações, apostando no real e em ótimos gatilhos emocionais para criar uma experiência envolvente e reflexiva que vai fazer valer o seu play!
Se em um primeiro olhar "Quadra de Ouro" parece uma segunda temporada do excelente "O Time da Redenção", posso te garantir que você vai se surpreender, pois essa minissérie da Netflix, produzida por nada menos que Barack Obama, é ainda melhor! Veja, a disputa por uma medalha de ouro no basquete olímpico nunca esteve tão acirrada. Nos últimos anos, a globalização do esporte reduziu as distâncias entre as seleções, tornando cada competição um verdadeiro espetáculo. É dentro desse contexto que "Quadra de Ouro"mergulha em um universo único, com um acesso sem precedentes aos bastidores das quatro seleções mais fortes do torneio de Paris 2024: EUA, França, Sérvia e Canadá. Bem ao estilo narrativo de "Formula 1: Dirigir paraViver" essa produção se apresenta como um registro envolvente do que é preciso para competir, e vencer, no mais alto nível do basquete mundial. Impressionante!
Com seis episódios,"Quadra de Ouro", na verdade, vai além da quadra, mostrando a preparação intensa, os desafios físicos e mentais, as rivalidades crescentes e os momentos de tensão que antecedem os jogos decisivos. Acompanhamos a rotina dos atletas, desde os treinos exaustivos até as conversas estratégicas nos vestiários, além das pressões externas que influenciam o desempenho dentro de quadra. O documentário costura habilmente momentos de bastidores com um recorte histórico do esporte a partir de depoimentos de estrelas como Kevin Durant, Steph Curry, Victor Wembanyama, Shai Gilgeous-Alexander e Bogdan Bogdanovic, além de lendas como Carmelo Anthony, Steve Nash e Tony Parker, que discutem a evolução do basquete internacional. Confira o trailer (em inglês):
O ponto alto de "Court of Gold", no original, está muito no contraste entre as seleções. Os EUA, com um legado dominante e a missão de retomar sua hegemonia, enfrentam uma nova geração de talentos internacionais prontos para desafiar sua supremacia. A França, impulsionada por Wembanyama, joga em casa e sente o peso da expectativa de sua torcida. A Sérvia, uma potência europeia tradicional, aposta na disciplina tática e na experiência de seus astros, especialmente Nikola Jokic; enquanto o Canadá, liderado por Shai Gilgeous-Alexander, representa a ascensão de uma nova força no cenário global. O roteiro da minissérie é muito bem amarrado, explorando a construção das rivalidades e o impacto da cultura esportiva em cada um desses países - especialmente na forma como o basquete é jogado e compreendido. Mais do que um simples registro olímpico, o roteiro é inteligente ao ponto de retratar a jornada a partir de seus ícones e referências, refletindo sobre o crescimento do basquete fora dos Estados Unidos e a democratização do talento de uma forma global.
Embora a minissérie se preocupe em mostrar como o esporte vai além das estatísticas, revelando os sacrifícios pessoais e a resiliência necessária para chegar ao topo, eu diria que a direção de Jake Rogal se preocupa muito mais em garantir um olhar imersivo no coletivo, especialmente por se tratar de um ambiente muito particular - as Olimpíadas de Paris. Nesse sentido, vale destacar que a montagem funciona perfeitamente ao intercalar imagens dos treinos com registros das partidas mais eletrizantes, capturando não apenas a intensidade do jogo, mas também as emoções individuais dos atletas e dos treinadores diante de uma competição tão importante. Ver os atletas americanos acompanhando outras modalidades durante os dias de competições, por exemplo, humaniza essa jornada, funcionando como um certo alívio narrativo para os momentos de maior tensão, como os jogos decisivos, as disputas por medalhas e os reflexos do peso emocional que impactam nas derrotas ou nas vitórias.
Com produção da Higher Ground Productions, em parceria com o Olympic Channel e Words + Pictures, "Quadra de Ouro" é uma experiência essencial para os fãs do esporte. A minissérie entrega um registro envolvente e bem produzido da luta pelo ouro olímpico, trazendo à tona não apenas o talento e a estratégia, mas também nuances de comportamento que definem grandes campeões. Com um equilíbrio entre ação, drama e história, esta é uma das produções mais interessantes sobre o esporte que já acompanhamos e certamente vai merecer um lugar ao lado dos grandes documentários da atualidade, como a queridinha "The Last Dance"!
Vale muito o seu play!
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Com seis episódios,"Quadra de Ouro", na verdade, vai além da quadra, mostrando a preparação intensa, os desafios físicos e mentais, as rivalidades crescentes e os momentos de tensão que antecedem os jogos decisivos. Acompanhamos a rotina dos atletas, desde os treinos exaustivos até as conversas estratégicas nos vestiários, além das pressões externas que influenciam o desempenho dentro de quadra. O documentário costura habilmente momentos de bastidores com um recorte histórico do esporte a partir de depoimentos de estrelas como Kevin Durant, Steph Curry, Victor Wembanyama, Shai Gilgeous-Alexander e Bogdan Bogdanovic, além de lendas como Carmelo Anthony, Steve Nash e Tony Parker, que discutem a evolução do basquete internacional. Confira o trailer (em inglês):
O ponto alto de "Court of Gold", no original, está muito no contraste entre as seleções. Os EUA, com um legado dominante e a missão de retomar sua hegemonia, enfrentam uma nova geração de talentos internacionais prontos para desafiar sua supremacia. A França, impulsionada por Wembanyama, joga em casa e sente o peso da expectativa de sua torcida. A Sérvia, uma potência europeia tradicional, aposta na disciplina tática e na experiência de seus astros, especialmente Nikola Jokic; enquanto o Canadá, liderado por Shai Gilgeous-Alexander, representa a ascensão de uma nova força no cenário global. O roteiro da minissérie é muito bem amarrado, explorando a construção das rivalidades e o impacto da cultura esportiva em cada um desses países - especialmente na forma como o basquete é jogado e compreendido. Mais do que um simples registro olímpico, o roteiro é inteligente ao ponto de retratar a jornada a partir de seus ícones e referências, refletindo sobre o crescimento do basquete fora dos Estados Unidos e a democratização do talento de uma forma global.
Embora a minissérie se preocupe em mostrar como o esporte vai além das estatísticas, revelando os sacrifícios pessoais e a resiliência necessária para chegar ao topo, eu diria que a direção de Jake Rogal se preocupa muito mais em garantir um olhar imersivo no coletivo, especialmente por se tratar de um ambiente muito particular - as Olimpíadas de Paris. Nesse sentido, vale destacar que a montagem funciona perfeitamente ao intercalar imagens dos treinos com registros das partidas mais eletrizantes, capturando não apenas a intensidade do jogo, mas também as emoções individuais dos atletas e dos treinadores diante de uma competição tão importante. Ver os atletas americanos acompanhando outras modalidades durante os dias de competições, por exemplo, humaniza essa jornada, funcionando como um certo alívio narrativo para os momentos de maior tensão, como os jogos decisivos, as disputas por medalhas e os reflexos do peso emocional que impactam nas derrotas ou nas vitórias.
Com produção da Higher Ground Productions, em parceria com o Olympic Channel e Words + Pictures, "Quadra de Ouro" é uma experiência essencial para os fãs do esporte. A minissérie entrega um registro envolvente e bem produzido da luta pelo ouro olímpico, trazendo à tona não apenas o talento e a estratégia, mas também nuances de comportamento que definem grandes campeões. Com um equilíbrio entre ação, drama e história, esta é uma das produções mais interessantes sobre o esporte que já acompanhamos e certamente vai merecer um lugar ao lado dos grandes documentários da atualidade, como a queridinha "The Last Dance"!
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