"A Lenda do Cavaleiro Verde" é um belíssimo filme, cheio de simbolismo e que retrata a jornada de um homem em busca de auto-conhecimento e que acaba encontrando na reciprocidade as respostas do real significado de "honra". Dirigido pelo talentoso David Lowery, do profundo e cheio de identidade, "A Ghost Story", essa adaptação do conto "Sir Gawain and the Green Knight" é muito mais um profundo drama existencial do que um épico de ação e aventura - mesmo com muitos elementos de fantasia inseridos em um roteiro simplesmente fabuloso, mas difícil (que vai exigir uma busca incansável por interpretações e teorias ao melhor estilo "Mãe!" do Darren Aronofsky).
Sir Gawain (Dev Patel) é um jovem que almeja ser um cavaleiro e que vive à sombra de seu tio, o poderoso Rei Arthur (Sean Harris). Na noite de Natal, uma criatura conhecida como o Cavaleiro Verde (Ralph Ineson) faz um desafio e Gawain aceita, entrando em uma jornada de descoberta e crescimento. Confira o trailer (em inglês):
Apenas para alinharmos as expectativas, é preciso que se diga que o diretor David Lowery tem como característica bastante marcante, imergir pelas mais profundas camadas de um personagem e até criar uma certa relação de enfrentamento com esses fantasmas mais íntimos - essa personalidade cinematográfica, naturalmente, transforma suas narrativas em um processo de identificação mais lento, onde a dinâmica textual se apega muito mais aos detalhes do que ao movimento - digo isso, pois se você está esperando as batalhas medievais de "O Último Duelo"você vai se decepcionar, já que "A Lenda do Cavaleiro Verde" está muito mais para "A Tragédia de Macbeth".
Talvez o maior mérito do roteiro, seja justamente a característica que mais pode afastar a audiência (ou, no mínimo, dividir suas opinões): não estamos falando de um filme onde as perguntas ou as respostas são fáceis. Você não vai encontrar algo claro ou explícito e muito menos entenderá imediatamente o significado de alguns elementos lendários que aparecem pelo caminho de Sir Gawain. Por exemplo: no capítulo "cortesia", Gawain encontra uma cabana que parece abandonada há muito tempo, nela ele se depara com Winifred - e aí vem a riqueza da narrativa: "Winifred" ou Santa Vinifrida (em português) foi uma mártir galesa do século VII que teve a cabeça separada do seu corpo e jogada em um lago, onde depois foi recuperada e ela teria voltado à vida. Esse lago passou a se chamar Holyhead ou Holywell no País de Gales, e acredita-se ter poderes de cura. Você sabia disso? Pois é, eu também não, mas não é incrível enriquecer uma narrativa com tantos elementos desconhecidos e que depois de um aprofundamento maior coloca a história em outro patamar?
"A Lenda do Cavaleiro Verde" tem muito disso: um roteiro complexo, uma direção impecável e atuações "nível Oscar" - Dev Patel mais uma vez está fantástico, seu trabalho de introspecção é algo para se aplaudir de pé e, no mesmo nível, uma Alicia Vikander espetacular para contracenar. Veja, esse é o tipo de filme que nos faz refletir, que nos provoca e que abdica da ação para nos contar uma história de crescimento individual que vai além do que vemos na tela - nada estará em cena por acaso e, do fundo do coração, a experiência de buscar essas repostas é tão empolgante quanto a do protagonista.
Não acho que "A Lenda do Cavaleiro Verde" sirva como um simples entretenimento - o filme segue um caminho que vai além da nossa compreensão inicial, mas que, dispostos a enxergar, nos entrega um conhecimento muito além do óbvio. Vale muito a pena!
"A Lenda do Cavaleiro Verde" é um belíssimo filme, cheio de simbolismo e que retrata a jornada de um homem em busca de auto-conhecimento e que acaba encontrando na reciprocidade as respostas do real significado de "honra". Dirigido pelo talentoso David Lowery, do profundo e cheio de identidade, "A Ghost Story", essa adaptação do conto "Sir Gawain and the Green Knight" é muito mais um profundo drama existencial do que um épico de ação e aventura - mesmo com muitos elementos de fantasia inseridos em um roteiro simplesmente fabuloso, mas difícil (que vai exigir uma busca incansável por interpretações e teorias ao melhor estilo "Mãe!" do Darren Aronofsky).
Sir Gawain (Dev Patel) é um jovem que almeja ser um cavaleiro e que vive à sombra de seu tio, o poderoso Rei Arthur (Sean Harris). Na noite de Natal, uma criatura conhecida como o Cavaleiro Verde (Ralph Ineson) faz um desafio e Gawain aceita, entrando em uma jornada de descoberta e crescimento. Confira o trailer (em inglês):
Apenas para alinharmos as expectativas, é preciso que se diga que o diretor David Lowery tem como característica bastante marcante, imergir pelas mais profundas camadas de um personagem e até criar uma certa relação de enfrentamento com esses fantasmas mais íntimos - essa personalidade cinematográfica, naturalmente, transforma suas narrativas em um processo de identificação mais lento, onde a dinâmica textual se apega muito mais aos detalhes do que ao movimento - digo isso, pois se você está esperando as batalhas medievais de "O Último Duelo"você vai se decepcionar, já que "A Lenda do Cavaleiro Verde" está muito mais para "A Tragédia de Macbeth".
Talvez o maior mérito do roteiro, seja justamente a característica que mais pode afastar a audiência (ou, no mínimo, dividir suas opinões): não estamos falando de um filme onde as perguntas ou as respostas são fáceis. Você não vai encontrar algo claro ou explícito e muito menos entenderá imediatamente o significado de alguns elementos lendários que aparecem pelo caminho de Sir Gawain. Por exemplo: no capítulo "cortesia", Gawain encontra uma cabana que parece abandonada há muito tempo, nela ele se depara com Winifred - e aí vem a riqueza da narrativa: "Winifred" ou Santa Vinifrida (em português) foi uma mártir galesa do século VII que teve a cabeça separada do seu corpo e jogada em um lago, onde depois foi recuperada e ela teria voltado à vida. Esse lago passou a se chamar Holyhead ou Holywell no País de Gales, e acredita-se ter poderes de cura. Você sabia disso? Pois é, eu também não, mas não é incrível enriquecer uma narrativa com tantos elementos desconhecidos e que depois de um aprofundamento maior coloca a história em outro patamar?
"A Lenda do Cavaleiro Verde" tem muito disso: um roteiro complexo, uma direção impecável e atuações "nível Oscar" - Dev Patel mais uma vez está fantástico, seu trabalho de introspecção é algo para se aplaudir de pé e, no mesmo nível, uma Alicia Vikander espetacular para contracenar. Veja, esse é o tipo de filme que nos faz refletir, que nos provoca e que abdica da ação para nos contar uma história de crescimento individual que vai além do que vemos na tela - nada estará em cena por acaso e, do fundo do coração, a experiência de buscar essas repostas é tão empolgante quanto a do protagonista.
Não acho que "A Lenda do Cavaleiro Verde" sirva como um simples entretenimento - o filme segue um caminho que vai além da nossa compreensão inicial, mas que, dispostos a enxergar, nos entrega um conhecimento muito além do óbvio. Vale muito a pena!
Visualmente magnifico e com aquela atmosfera de fantasia que só a Disney é capaz de entregar - talvez não exista forma melhor de definir essa experiência cinematográfica que notavelmente vai além do entretenimento, é afetiva! "A Pequena Sereia", sem dúvida, está entre os maiores acertos da temporada em vários sentidos - mas essencialmente no de nos permitir embarcar em uma jornada tão especial (principalmente para aqueles maiores de 40) como aquela que vivemos com a animação de 1989, dirigida pelo Ron Clements e pelo John Musker, e que ganhou dois Oscars no ano seguinte! Com um roteiro que privilegia o material original, mas sem perder a oportunidade de elaborar melhor algumas passagens da trama, atuações de tirar o fôlego (especialmente de Halle Bailey) e um desenho de produção que, conectado com um ótimo CGI, mergulha fundo na magia dos oceanos, este live-action oferece uma jornada única que cativa e emociona desde o primeiro minuto. Olha, se você já se apaixonou pelas mais recentes adaptações de "A Bela e a Fera" e de "Rei Leão", prepare-se para se encantar novamente porque o filme é realmente lindo!
"A Pequena Sereia" nos leva a um submerso mundo de sonhos, onde Ariel (Bailey), uma jovem sereia curiosa e determinada, anseia por conhecer tudo sobre os humanos. Quando ela se encanta pelo príncipe Eric (Jonah Hauer-King) após salvar a sua vida, Ariel faz um pacto com a bruxa do mar Ursula (Melissa McCarthy) para trocar sua voz por pernas humanas e assim poder tentar encontra-lo novamente. Acontece que Ariel tem apenas três dias para conquistar o coração de Eric, o problema é que ele tem em sua lembrança apenas a voz da pessoa que o salvou. Confira o trailer:
"A Pequena Sereia" é mais um deslumbrante exemplo de como o cinema pode criar mundos mágicos e envolventes de geração em geração. Nessa linha, a direção de Rob Marshall (indicado ao Oscar por "Chicago") merece nosso elogio, pois ele foi capaz de equilibrar habilmente os elementos de fantasia tão particulares da animação, com a profundidade emocional dos personagens que agora parecem reais. Reparem como no roteiro de David Magee (de “O Pior Vizinho do Mundo”), Ariel é uma princesa mais autossuficiente, independente, capaz de mostrar que seu fascínio vai muito além de um interesse amoroso, que sua curiosidade é, de fato, por toda a humanidade e suas complexidades. O ótimo Javier Bardem também entrega um Rei Tritão um pouco mais sensível e (ironicamente) mais humano, enquanto Jonah Hauer-King vive um Príncipe Eric com mais personalidade e até mais encanto que o original - a relação com sua mãe e rainha (Noma Dumezweni), que não existia no filme original, amplia as camadas emocionais de um núcleo que praticamente não tinha força em 89 e funciona demais!
A fotografia do craque Dion Beebe (também de "Chicago" e vencedor do Oscar por "Memórias de uma Gueixa") é simplesmente espetacular - as cores vibrantes e os cenários deslumbrantes nos transportam para um reino submerso com muita naturalidade. Se atentem também em como a cauda de Ariel é retratada, com tons que vão se alterando conforme a luz, se projetando sobre ela, com seu movimento extremamente orgânico, contribuindo ainda mais para que a magia Disney se torna palpável. A trilha sonora, obviamente, é outro ponto alto do live-action, com novas interpretações das icônicas músicas da animação original, bem como canções inéditas que se integram perfeitamente à narrativa - Lin-Manuel Miranda (de “Encanto”) mais uma vez brilha! A combinação de músicas como
"A Pequena Sereia" tem mesmo aquele toque nostálgico e talvez por isso seja capaz de transcender as expectativas de grande parte da audiência. É original? Não - assim como também não foi o "Rei Leão", mas te garanto: continua apaixonante! Pode ter certeza que essa é mais uma experiência proporcionada pela Disney que vai tocar seu coração e te transportar para um mundo de magia e romance com a mesma intensidade e competência que a animação original, mesmo depois de 34 anos!
Vale seu play!
Visualmente magnifico e com aquela atmosfera de fantasia que só a Disney é capaz de entregar - talvez não exista forma melhor de definir essa experiência cinematográfica que notavelmente vai além do entretenimento, é afetiva! "A Pequena Sereia", sem dúvida, está entre os maiores acertos da temporada em vários sentidos - mas essencialmente no de nos permitir embarcar em uma jornada tão especial (principalmente para aqueles maiores de 40) como aquela que vivemos com a animação de 1989, dirigida pelo Ron Clements e pelo John Musker, e que ganhou dois Oscars no ano seguinte! Com um roteiro que privilegia o material original, mas sem perder a oportunidade de elaborar melhor algumas passagens da trama, atuações de tirar o fôlego (especialmente de Halle Bailey) e um desenho de produção que, conectado com um ótimo CGI, mergulha fundo na magia dos oceanos, este live-action oferece uma jornada única que cativa e emociona desde o primeiro minuto. Olha, se você já se apaixonou pelas mais recentes adaptações de "A Bela e a Fera" e de "Rei Leão", prepare-se para se encantar novamente porque o filme é realmente lindo!
"A Pequena Sereia" nos leva a um submerso mundo de sonhos, onde Ariel (Bailey), uma jovem sereia curiosa e determinada, anseia por conhecer tudo sobre os humanos. Quando ela se encanta pelo príncipe Eric (Jonah Hauer-King) após salvar a sua vida, Ariel faz um pacto com a bruxa do mar Ursula (Melissa McCarthy) para trocar sua voz por pernas humanas e assim poder tentar encontra-lo novamente. Acontece que Ariel tem apenas três dias para conquistar o coração de Eric, o problema é que ele tem em sua lembrança apenas a voz da pessoa que o salvou. Confira o trailer:
"A Pequena Sereia" é mais um deslumbrante exemplo de como o cinema pode criar mundos mágicos e envolventes de geração em geração. Nessa linha, a direção de Rob Marshall (indicado ao Oscar por "Chicago") merece nosso elogio, pois ele foi capaz de equilibrar habilmente os elementos de fantasia tão particulares da animação, com a profundidade emocional dos personagens que agora parecem reais. Reparem como no roteiro de David Magee (de “O Pior Vizinho do Mundo”), Ariel é uma princesa mais autossuficiente, independente, capaz de mostrar que seu fascínio vai muito além de um interesse amoroso, que sua curiosidade é, de fato, por toda a humanidade e suas complexidades. O ótimo Javier Bardem também entrega um Rei Tritão um pouco mais sensível e (ironicamente) mais humano, enquanto Jonah Hauer-King vive um Príncipe Eric com mais personalidade e até mais encanto que o original - a relação com sua mãe e rainha (Noma Dumezweni), que não existia no filme original, amplia as camadas emocionais de um núcleo que praticamente não tinha força em 89 e funciona demais!
A fotografia do craque Dion Beebe (também de "Chicago" e vencedor do Oscar por "Memórias de uma Gueixa") é simplesmente espetacular - as cores vibrantes e os cenários deslumbrantes nos transportam para um reino submerso com muita naturalidade. Se atentem também em como a cauda de Ariel é retratada, com tons que vão se alterando conforme a luz, se projetando sobre ela, com seu movimento extremamente orgânico, contribuindo ainda mais para que a magia Disney se torna palpável. A trilha sonora, obviamente, é outro ponto alto do live-action, com novas interpretações das icônicas músicas da animação original, bem como canções inéditas que se integram perfeitamente à narrativa - Lin-Manuel Miranda (de “Encanto”) mais uma vez brilha! A combinação de músicas como
"A Pequena Sereia" tem mesmo aquele toque nostálgico e talvez por isso seja capaz de transcender as expectativas de grande parte da audiência. É original? Não - assim como também não foi o "Rei Leão", mas te garanto: continua apaixonante! Pode ter certeza que essa é mais uma experiência proporcionada pela Disney que vai tocar seu coração e te transportar para um mundo de magia e romance com a mesma intensidade e competência que a animação original, mesmo depois de 34 anos!
Vale seu play!
Verdade seja dita: não é fácil encontrar bons "blockbusters". Histórias batidas, atores no piloto automático e CGI caro/ruim são a receita de dezenas de títulos lançados ano após ano. Felizmente, "Amor e Monstros" é diferente. Em poucos minutos, o filme estabelece o contexto daquele mundo pós-apocalíptico: a humanidade perdeu o topo da cadeia alimentar e a soberania da superfície terrestre. Os poucos que sobraram foram relegados a (sobre)viver em bunkers e abrigos subterrâneos.
Após 7 anos, o medroso Joel (Dylan O’Brien) encarna o Thomas de Maze Runner para correr até a sua amada Aimee (Jessica Henwick). No caminho, encontra alguns aliados e vários monstros. A premissa simples parece uma mistura de Zumbilândia com Sessão da Tarde, mas eu garanto: a execução é impecável! Confira o trailer:
Conhecemos um mundo selvagem, verde, pitoresco e ameaçador. Desde Aniquilação (2018) a natureza anômala não era retratada de forma tão estupenda. Os efeitos visuais, reconhecidos pela academia do Oscar com uma indicação na categoria, são incríveis: da computação gráfica que cria os monstros aos efeitos práticos empregados nas cenas de ação. A facilidade do filme em transitar por vários gêneros chama atenção. Além do "terrir" (terror + comédia), vemos uma aventura cheia de ação e suspense, com um tempero de ficção científica - mérito do diretorMichael Matthews. Destaque para o bom elenco coadjuvante, especialmente Michael Rooker como Clyde e a sagaz Minnow de Ariana Greenblatt, sem falar no "Melhor Cachorro de 2021" - Boy é ótimo!
"Love and Monsters" (título original) pode ainda deixar reflexões sobre a importância da comunicação e do enfrentamento dos medos. Mas antes disso, deve ser encarado como um entretenimento ótimo e empolgante, capaz de assustar e divertir na mesma proporção.
A verdade é que o filme poderia ser uma premiada animação da Pixar - o contexto narrativo da jornada do herói e do auto-conhecimento está todo ali, porém é um "Cinema Pipoca" acima da média, acredite!
Escrito por Ricelli Ribeiro - uma parceria @dicastreaming
Verdade seja dita: não é fácil encontrar bons "blockbusters". Histórias batidas, atores no piloto automático e CGI caro/ruim são a receita de dezenas de títulos lançados ano após ano. Felizmente, "Amor e Monstros" é diferente. Em poucos minutos, o filme estabelece o contexto daquele mundo pós-apocalíptico: a humanidade perdeu o topo da cadeia alimentar e a soberania da superfície terrestre. Os poucos que sobraram foram relegados a (sobre)viver em bunkers e abrigos subterrâneos.
Após 7 anos, o medroso Joel (Dylan O’Brien) encarna o Thomas de Maze Runner para correr até a sua amada Aimee (Jessica Henwick). No caminho, encontra alguns aliados e vários monstros. A premissa simples parece uma mistura de Zumbilândia com Sessão da Tarde, mas eu garanto: a execução é impecável! Confira o trailer:
Conhecemos um mundo selvagem, verde, pitoresco e ameaçador. Desde Aniquilação (2018) a natureza anômala não era retratada de forma tão estupenda. Os efeitos visuais, reconhecidos pela academia do Oscar com uma indicação na categoria, são incríveis: da computação gráfica que cria os monstros aos efeitos práticos empregados nas cenas de ação. A facilidade do filme em transitar por vários gêneros chama atenção. Além do "terrir" (terror + comédia), vemos uma aventura cheia de ação e suspense, com um tempero de ficção científica - mérito do diretorMichael Matthews. Destaque para o bom elenco coadjuvante, especialmente Michael Rooker como Clyde e a sagaz Minnow de Ariana Greenblatt, sem falar no "Melhor Cachorro de 2021" - Boy é ótimo!
"Love and Monsters" (título original) pode ainda deixar reflexões sobre a importância da comunicação e do enfrentamento dos medos. Mas antes disso, deve ser encarado como um entretenimento ótimo e empolgante, capaz de assustar e divertir na mesma proporção.
A verdade é que o filme poderia ser uma premiada animação da Pixar - o contexto narrativo da jornada do herói e do auto-conhecimento está todo ali, porém é um "Cinema Pipoca" acima da média, acredite!
Escrito por Ricelli Ribeiro - uma parceria @dicastreaming
Poucos Estúdios tem a capacidade de gerar sequências tão boas ou melhores que o filme original quanto a Pixar/Disney - e por isso merece muitos elogios! "Divertidamente 2" é um filme para assistir sorrindo, até quando a emoção pede licença e toma conta da nossa alma por saber exatamente onde tocar - é lindo, de verdade! Essa aguardada sequência da aclamada animação de 2015 é dirigida por Kelsey Mann (de "O Bom Dinossauro") e mais uma vez explora as emoções humanas de um forma realmente encantadora e, claro, tocante. Nessa nova jornada, a história continua a acompanhar Riley, agora uma adolescente, e as mudanças emocionais e desafios que vêm com essa fase de transição - os simbolismos do roteiro, olha, são tão especiais quanto do primeiro filme, com o adicional de retratar uma fase que carrega a complexidade que é amadurecer.
Riley está entrando na adolescência, uma fase marcada por novas emoções e mudanças de perspectiva. Os personagens que representam as emoções (Alegria, Tristeza, Raiva, Medo e Nojinho) continuam a acompanhá-la, mas agora são introduzidas novas possibilidades com a Inveja, a Vergonha, o Tédio e a Ansiedade, refletindo a turbulência interna da adolescência. Essas emoções extras criam conflitos e dinâmicas inéditas, com as emoções antigas tentando entender e aceitar suas novas "colegas" no painel de controle da mente de Riley. Confira o trailer:
Kelsey Mann, que assume a direção deixada pelo lendário Pete Docter, mantém a essência do primeiro filme ao mesmo tempo em que expande o universo emocional de Riley. Mann trabalha com sutileza para que a história mantenha o equilíbrio entre a comédia e o drama, capturando os desafios e os momentos de descoberta típicos da adolescência. Ele consegue transmitir de forma inteligente como as emoções se tornam mais complexas e, em muitos momentos, contraditórias, explorando de maneira divertida como a mente precisa se adaptar (e rápido) às mudanças - bem ao estilo "a vida como ela é". O roteiro, assinado por Meg LeFauve (co-autora do primeiro filme), oferece uma narrativa que mistura tanto aventura quanto reflexão - repare como a introdução das novas emoções traz situações inesperadas e com muita semiótica, discute a necessidade de integração para assim lidar com a fase da adolescência. As interações entre as emoções são marcadas por momentos de humor e profundidade, criando uma conexão forte com a audiência, que se vê refletida nas inseguranças e nos desafios enfrentados por Riley - chega a dar um aperto no peito!
O design visual da mente de Riley é outro ponto alto da produção. As novas representações emocionais são visualmente criativas e refletem tanto a estética familiar do primeiro filme quanto um toque inovador que acompanha o amadurecimento da protagonista. A paleta de cores agora está mais rica e variada para refletir essa enxurrada de descobertas, mas sem esquecer de um tom levemente sombrio que surge com as cobranças sociais e intimas desse amadurecimento - aliás, esse contraste conceitual é tão bem desenvolvido e cheio de detalhes que vale a pena até assistir de novo para captar tantas nuances. A trilha sonora, responsabilidade de Andrea Datzman, também merece destaque - ela complementa a jornada emocional de forma muito eficaz, com melodias que variam entre leves e introspectivas, refletindo as flutuações de humor e as incertezas da adolescência. Veja, a música não apenas acompanha a ação, mas intensifica os momentos emocionais, oferecendo uma imersão ainda maior à experiência que é assistir "Divertidamente 2".
Aqui temos um filme que não hesita em explorar a complexidade que é crescer e como essas mudanças afetam a construção da identidade de Riley. Temas sensíveis e que merecem discussões mais profundas como insegurança, aceitação e a necessidade de equilibrar emoções conflitantes, são abordados de forma acessível e envolvente, tanto para a criançada quanto para os adultos - eu diria até que, como o primeiro, esse filme é mais para os pais do que para os filhos. "Divertidamente 2" mostra que, assim como na vida real, a mente é um espaço de adaptação constante, onde as emoções aprendem a conviver e a se ajustar para lidar com novos desafios. O fato é que essa continuação honra, e ainda expande, o legado de seu antecessor, oferecendo uma visão profunda e empática sobre as mudanças que todos nós enfrentamos ao longo da nossa jornada.
Lindo de ver e de viver - e se prepare, vem mais por aí! Imperdível!
Poucos Estúdios tem a capacidade de gerar sequências tão boas ou melhores que o filme original quanto a Pixar/Disney - e por isso merece muitos elogios! "Divertidamente 2" é um filme para assistir sorrindo, até quando a emoção pede licença e toma conta da nossa alma por saber exatamente onde tocar - é lindo, de verdade! Essa aguardada sequência da aclamada animação de 2015 é dirigida por Kelsey Mann (de "O Bom Dinossauro") e mais uma vez explora as emoções humanas de um forma realmente encantadora e, claro, tocante. Nessa nova jornada, a história continua a acompanhar Riley, agora uma adolescente, e as mudanças emocionais e desafios que vêm com essa fase de transição - os simbolismos do roteiro, olha, são tão especiais quanto do primeiro filme, com o adicional de retratar uma fase que carrega a complexidade que é amadurecer.
Riley está entrando na adolescência, uma fase marcada por novas emoções e mudanças de perspectiva. Os personagens que representam as emoções (Alegria, Tristeza, Raiva, Medo e Nojinho) continuam a acompanhá-la, mas agora são introduzidas novas possibilidades com a Inveja, a Vergonha, o Tédio e a Ansiedade, refletindo a turbulência interna da adolescência. Essas emoções extras criam conflitos e dinâmicas inéditas, com as emoções antigas tentando entender e aceitar suas novas "colegas" no painel de controle da mente de Riley. Confira o trailer:
Kelsey Mann, que assume a direção deixada pelo lendário Pete Docter, mantém a essência do primeiro filme ao mesmo tempo em que expande o universo emocional de Riley. Mann trabalha com sutileza para que a história mantenha o equilíbrio entre a comédia e o drama, capturando os desafios e os momentos de descoberta típicos da adolescência. Ele consegue transmitir de forma inteligente como as emoções se tornam mais complexas e, em muitos momentos, contraditórias, explorando de maneira divertida como a mente precisa se adaptar (e rápido) às mudanças - bem ao estilo "a vida como ela é". O roteiro, assinado por Meg LeFauve (co-autora do primeiro filme), oferece uma narrativa que mistura tanto aventura quanto reflexão - repare como a introdução das novas emoções traz situações inesperadas e com muita semiótica, discute a necessidade de integração para assim lidar com a fase da adolescência. As interações entre as emoções são marcadas por momentos de humor e profundidade, criando uma conexão forte com a audiência, que se vê refletida nas inseguranças e nos desafios enfrentados por Riley - chega a dar um aperto no peito!
O design visual da mente de Riley é outro ponto alto da produção. As novas representações emocionais são visualmente criativas e refletem tanto a estética familiar do primeiro filme quanto um toque inovador que acompanha o amadurecimento da protagonista. A paleta de cores agora está mais rica e variada para refletir essa enxurrada de descobertas, mas sem esquecer de um tom levemente sombrio que surge com as cobranças sociais e intimas desse amadurecimento - aliás, esse contraste conceitual é tão bem desenvolvido e cheio de detalhes que vale a pena até assistir de novo para captar tantas nuances. A trilha sonora, responsabilidade de Andrea Datzman, também merece destaque - ela complementa a jornada emocional de forma muito eficaz, com melodias que variam entre leves e introspectivas, refletindo as flutuações de humor e as incertezas da adolescência. Veja, a música não apenas acompanha a ação, mas intensifica os momentos emocionais, oferecendo uma imersão ainda maior à experiência que é assistir "Divertidamente 2".
Aqui temos um filme que não hesita em explorar a complexidade que é crescer e como essas mudanças afetam a construção da identidade de Riley. Temas sensíveis e que merecem discussões mais profundas como insegurança, aceitação e a necessidade de equilibrar emoções conflitantes, são abordados de forma acessível e envolvente, tanto para a criançada quanto para os adultos - eu diria até que, como o primeiro, esse filme é mais para os pais do que para os filhos. "Divertidamente 2" mostra que, assim como na vida real, a mente é um espaço de adaptação constante, onde as emoções aprendem a conviver e a se ajustar para lidar com novos desafios. O fato é que essa continuação honra, e ainda expande, o legado de seu antecessor, oferecendo uma visão profunda e empática sobre as mudanças que todos nós enfrentamos ao longo da nossa jornada.
Lindo de ver e de viver - e se prepare, vem mais por aí! Imperdível!
Talvez o maior mérito do "Cinema" seja nos transportar para dentro da Fantasia com tanta veracidade que as duas horas de uma projeção ficam reverberando na nossa imaginação por muito tempo. "Dumbo" talvez não seja um grande filme no sentido narrativo, mas visualmente é e, mais importante, tem a alma da Disney!!! Tenho a mais absoluta certeza que se Walt fosse vivo, terminaria de assistir "Dumbo", olharia para o lado e diria para seu irmão: "Valeu a pena"!!! "Dumbo" é um filme que equilibra muito bem o que Walt acreditava, seus ideais como criador, com a tecnologia necessária para dar vida para um elefante voador. É impressionante, e te garanto, ele te transporta para um mundo de fantasia já nas primeiras cenas!!
Um circo decadente, passando por dificuldades financeiras acaba encontrando em um elefante recém-nascido, a oportunidade de se reerguer. O pequeno elefante, embora pareça uma aberração por ter orelhas enormes, acaba descobrindo uma capacidade muito curiosa: a de voar! Isso chama atenção de um grande empresário que está inovando o mercado de entretenimento da época com uma espécie de Parque Temático chamado "Dreamland". Ter Dumbo como atração seria a certeza de mais público e, claro, investimentos; mesmo que para isso seja necessário sacrificar o antigo circo e dispensar todos os outros artistas que não empolgariam mais nenhuma platéia!
Dito isso, alguns elementos dessa versão live-action do clássico de 1941 merecem destaque: Eu achei a adaptação muito coerente com os dias atuais e, em alguns momentos, muito corajosa, afinal o "showbiz acima de tudo" nunca pode ser considerado o objetivo principal (tá, eu sei que minha visão é muito romântica...rs). Tim Burton foi muito sagaz em desconstruir o ideal de Walt, mas se apropriando da sua visão empreendedora, para dar vida ao vilão do filme - e olhem só, em um filme da Disney!!! O uso de animais em Circos também já me parece uma discussão batida, mas o filme faz questão de manter viva e faz isso com muita inteligência. A cena do descontrole da mãe de Dumbo ao ver o filho em perigo é muito interessante e faz pensar nas consequências de algumas escolhas. A troca de universos também ficou bem bacana: primeiro a tradição, o clássico que não se renovou, o Circo como entretenimento em tempos de guerra, mesmo com a cor na tela, está menos saturada, mais lavada, com muito marrom no figurino e na cenografia. Já na modernidade ostensiva de "Dreamland", as cores vibram com as luzes, o contraste é muito maior e vivo!!! É um lindo trabalho de direção de arte integrado com a pós produção, uma marca dos filmes do Tim Burton, inclusive!!! A fotografia é muito bonita e traz sensações muito relevantes para quem assiste: reparem na cena em que o personagem do Michael Keaton convida o personagem do Danny DeVito para ser seu sócio - a construção do quadro é perfeita, pois ao mesmo tempo que mostra a beleza da natureza, com um Circo decadente ao fundo, transmite o vazio de uma decisão que deixa de lado a essência da arte pelo dinheiro e pelo sucesso - mérito do inglês Ben Davis, diretor de fotografia de quase todos os filmes da Marvel!!!
Dois pontos acho que mereciam um cuidado maior no filme. O primeiro é a escolha do elenco infantil. Achei os dois atores fracos e sem nenhum carisma. E o outro ponto: o Dumbo aparece em muitas apresentações voando e isso tira um pouco da emoção do 3º ato, onde na história original ele se obriga a voar e enfrentar seus medos para salvar as crianças do incêndio. Não sei, faltou a emoção de um grande final!!!! Na minha opinião, isso não prejudica a experiência de voltar a infância e revisitar uma história que fez parte da vida de todos nós. Vale muito a pena, é um filme para a família e ainda, no final, faz uma linda homenagem ao cinema.
PS: "Dumbo" é quase um ensaio para o que veremos em Rei Leão!!! A Composição dos animais em CG com a integração dos cenários reais, olha, é digna de Oscar, podem anotar!!!
Talvez o maior mérito do "Cinema" seja nos transportar para dentro da Fantasia com tanta veracidade que as duas horas de uma projeção ficam reverberando na nossa imaginação por muito tempo. "Dumbo" talvez não seja um grande filme no sentido narrativo, mas visualmente é e, mais importante, tem a alma da Disney!!! Tenho a mais absoluta certeza que se Walt fosse vivo, terminaria de assistir "Dumbo", olharia para o lado e diria para seu irmão: "Valeu a pena"!!! "Dumbo" é um filme que equilibra muito bem o que Walt acreditava, seus ideais como criador, com a tecnologia necessária para dar vida para um elefante voador. É impressionante, e te garanto, ele te transporta para um mundo de fantasia já nas primeiras cenas!!
Um circo decadente, passando por dificuldades financeiras acaba encontrando em um elefante recém-nascido, a oportunidade de se reerguer. O pequeno elefante, embora pareça uma aberração por ter orelhas enormes, acaba descobrindo uma capacidade muito curiosa: a de voar! Isso chama atenção de um grande empresário que está inovando o mercado de entretenimento da época com uma espécie de Parque Temático chamado "Dreamland". Ter Dumbo como atração seria a certeza de mais público e, claro, investimentos; mesmo que para isso seja necessário sacrificar o antigo circo e dispensar todos os outros artistas que não empolgariam mais nenhuma platéia!
Dito isso, alguns elementos dessa versão live-action do clássico de 1941 merecem destaque: Eu achei a adaptação muito coerente com os dias atuais e, em alguns momentos, muito corajosa, afinal o "showbiz acima de tudo" nunca pode ser considerado o objetivo principal (tá, eu sei que minha visão é muito romântica...rs). Tim Burton foi muito sagaz em desconstruir o ideal de Walt, mas se apropriando da sua visão empreendedora, para dar vida ao vilão do filme - e olhem só, em um filme da Disney!!! O uso de animais em Circos também já me parece uma discussão batida, mas o filme faz questão de manter viva e faz isso com muita inteligência. A cena do descontrole da mãe de Dumbo ao ver o filho em perigo é muito interessante e faz pensar nas consequências de algumas escolhas. A troca de universos também ficou bem bacana: primeiro a tradição, o clássico que não se renovou, o Circo como entretenimento em tempos de guerra, mesmo com a cor na tela, está menos saturada, mais lavada, com muito marrom no figurino e na cenografia. Já na modernidade ostensiva de "Dreamland", as cores vibram com as luzes, o contraste é muito maior e vivo!!! É um lindo trabalho de direção de arte integrado com a pós produção, uma marca dos filmes do Tim Burton, inclusive!!! A fotografia é muito bonita e traz sensações muito relevantes para quem assiste: reparem na cena em que o personagem do Michael Keaton convida o personagem do Danny DeVito para ser seu sócio - a construção do quadro é perfeita, pois ao mesmo tempo que mostra a beleza da natureza, com um Circo decadente ao fundo, transmite o vazio de uma decisão que deixa de lado a essência da arte pelo dinheiro e pelo sucesso - mérito do inglês Ben Davis, diretor de fotografia de quase todos os filmes da Marvel!!!
Dois pontos acho que mereciam um cuidado maior no filme. O primeiro é a escolha do elenco infantil. Achei os dois atores fracos e sem nenhum carisma. E o outro ponto: o Dumbo aparece em muitas apresentações voando e isso tira um pouco da emoção do 3º ato, onde na história original ele se obriga a voar e enfrentar seus medos para salvar as crianças do incêndio. Não sei, faltou a emoção de um grande final!!!! Na minha opinião, isso não prejudica a experiência de voltar a infância e revisitar uma história que fez parte da vida de todos nós. Vale muito a pena, é um filme para a família e ainda, no final, faz uma linda homenagem ao cinema.
PS: "Dumbo" é quase um ensaio para o que veremos em Rei Leão!!! A Composição dos animais em CG com a integração dos cenários reais, olha, é digna de Oscar, podem anotar!!!
"Duna" é uma poesia visual! Um verdadeiro épico como poucas vezes assistimos - e aqui eu coloco, sem o menor receio de errar, "Senhor dos Anéis" e "Star Wars" no mesmo nível! Ter um diretor como Dennis Villeneuve no comando de uma obra tão complexa visualmente, e que há pouco tempo dizia-se impossível de transportar para a tela de cinema com o respeito ao texto magistral de Frank Herbert, é posicionar o filme em um outro patamar, daqueles raros artisticamente, claro, mas principalmente, tecnicamente! Sério, se você achou que em "A Chegada" (de 2016) e em "Blade Runner 2049" (de 2017) ele entregou grandes filmes, seja em termos de narrativa ou equilibrando perfeitamente a gramática cinematográfica com uma belíssima fotografia e o uso de computação gráfica, se prepare porque "Duna" vai redefinir o padrão estético para filmes do gênero!
"Duna" conta a história de Paul Atreides, jovem talentoso e brilhante que nasceu com um destino grandioso, para além até da sua própria compreensão. A pedido do Imperador, ele e sua família são convidados a reestabelecer a paz em um dos planetas mais perigosos do universo e assim garantir o futuro de seu povo. Enquanto forças malévolas levam à uma acirrada disputa pelo controle exclusivo do fornecimento do recurso natural mais precioso existente nesse planeta - capaz de liberar o maior potencial da humanidade, apenas aqueles que conseguem vencer seu medo vão sobreviver em um ambiente árido e cheio de desafios. Confira o trailer:
Trata-se de um épico de ficção cientifica? Sim, mas não apenas isso. Ao assistir o filme, não será uma única vez que você vai conectar o mood de "Duna" com séries como "Game of Thrones" ou filmes como "Star Wars" - e aqui não estou estabelecendo nenhum tipo de comparação entre as obras e as especificidades de cada uma, apenas pontuando que vários elementos narrativos vão nos transportar pela memória.
Mais do que apresentar com inteligência um novo universo para aqueles pouco familiarizados com a obra literária, Villeneuve impõe uma visão clássica de "Duna" sem esquecer da dinâmica narrativa referenciada por George Lucas ou R. R. Martin - quando Paul encara o Verme da Areia de Arrakis é como se replicássemos a cena de Drogon pronto para queimar Jon Snow no final de GoT. O fato é que o diretor, ao lado dos roteiristas Jon Spaihts e Eric Roth, não apenas se inspiram na dinâmica, como também tratam de diversos assuntos presentes em ambos universos, como política, religião, economia, geografia e ciência, organizando as ações e batalhas em cima dos gatilhos de três fortes elementos narrativos: conquista, traição e vingança.
Saiba que "Duna"é apenas a primeira parte, então não caia no erro de criticar a história ou pensar nos filmes isoladamente quando, na verdade, será preciso analisar o projeto como um todo -Peter Jackson que não nos ouça. Mesmo Villeneuve entregando um filme com começo, meio e fim, a sensação ao subir o primeiro crédito é que estamos apenas no fim da primeira temporada de uma saga que já tem dia para acabar (ou pelo menos deveria, pois a Warner ainda não confirmou as sequências).
Antes de finalizar, preciso fazer um comentário, reparem nos elementos técnicos e artísticos de "Duna" e aqui eu destaco alguns: a trilha sonora de Hans Zimmer (“Blade Runner 2049”) é algo de se aplaudir de pé; a fotografia de Greig Fraser (“Lion: Uma Jornada para Casa” e “A Hora Mais Escura”) é belíssima; o figurino da Jacqueline West (“O Regresso”) também sensacional e, por fim, o desenho de produção de Patrice Vermette ("A Chegada"), muito criativo e original nos detalhes dentro de tudo que já vimos. Não se surpreendam se "Duna" receber por volta de 15 indicações no Oscar 2022 - e de levar tranquilamente, pelo menos, metade disso.
"Duna" é uma linda adaptação, um espetáculo visual que realmente merece ser assistido em uma tela grande e com o melhor sistema de som possível, mas adianto, mesmo com a satisfação de ter experienciado um filme raro, será preciso ter muita paciência até que o destino de Paul Atreides seja mostrado nos demais filmes - e que assim seja, pois essa ansiedade vai nos incomodar durante os próximos 3 ou 4 anos.
Vale muito a pena!!!
Up-date: "Duna" recebeu 10 indicações, ganhando em seis categorias no Oscar 2022, inclusive Melhor Fotografia.
"Duna" é uma poesia visual! Um verdadeiro épico como poucas vezes assistimos - e aqui eu coloco, sem o menor receio de errar, "Senhor dos Anéis" e "Star Wars" no mesmo nível! Ter um diretor como Dennis Villeneuve no comando de uma obra tão complexa visualmente, e que há pouco tempo dizia-se impossível de transportar para a tela de cinema com o respeito ao texto magistral de Frank Herbert, é posicionar o filme em um outro patamar, daqueles raros artisticamente, claro, mas principalmente, tecnicamente! Sério, se você achou que em "A Chegada" (de 2016) e em "Blade Runner 2049" (de 2017) ele entregou grandes filmes, seja em termos de narrativa ou equilibrando perfeitamente a gramática cinematográfica com uma belíssima fotografia e o uso de computação gráfica, se prepare porque "Duna" vai redefinir o padrão estético para filmes do gênero!
"Duna" conta a história de Paul Atreides, jovem talentoso e brilhante que nasceu com um destino grandioso, para além até da sua própria compreensão. A pedido do Imperador, ele e sua família são convidados a reestabelecer a paz em um dos planetas mais perigosos do universo e assim garantir o futuro de seu povo. Enquanto forças malévolas levam à uma acirrada disputa pelo controle exclusivo do fornecimento do recurso natural mais precioso existente nesse planeta - capaz de liberar o maior potencial da humanidade, apenas aqueles que conseguem vencer seu medo vão sobreviver em um ambiente árido e cheio de desafios. Confira o trailer:
Trata-se de um épico de ficção cientifica? Sim, mas não apenas isso. Ao assistir o filme, não será uma única vez que você vai conectar o mood de "Duna" com séries como "Game of Thrones" ou filmes como "Star Wars" - e aqui não estou estabelecendo nenhum tipo de comparação entre as obras e as especificidades de cada uma, apenas pontuando que vários elementos narrativos vão nos transportar pela memória.
Mais do que apresentar com inteligência um novo universo para aqueles pouco familiarizados com a obra literária, Villeneuve impõe uma visão clássica de "Duna" sem esquecer da dinâmica narrativa referenciada por George Lucas ou R. R. Martin - quando Paul encara o Verme da Areia de Arrakis é como se replicássemos a cena de Drogon pronto para queimar Jon Snow no final de GoT. O fato é que o diretor, ao lado dos roteiristas Jon Spaihts e Eric Roth, não apenas se inspiram na dinâmica, como também tratam de diversos assuntos presentes em ambos universos, como política, religião, economia, geografia e ciência, organizando as ações e batalhas em cima dos gatilhos de três fortes elementos narrativos: conquista, traição e vingança.
Saiba que "Duna"é apenas a primeira parte, então não caia no erro de criticar a história ou pensar nos filmes isoladamente quando, na verdade, será preciso analisar o projeto como um todo -Peter Jackson que não nos ouça. Mesmo Villeneuve entregando um filme com começo, meio e fim, a sensação ao subir o primeiro crédito é que estamos apenas no fim da primeira temporada de uma saga que já tem dia para acabar (ou pelo menos deveria, pois a Warner ainda não confirmou as sequências).
Antes de finalizar, preciso fazer um comentário, reparem nos elementos técnicos e artísticos de "Duna" e aqui eu destaco alguns: a trilha sonora de Hans Zimmer (“Blade Runner 2049”) é algo de se aplaudir de pé; a fotografia de Greig Fraser (“Lion: Uma Jornada para Casa” e “A Hora Mais Escura”) é belíssima; o figurino da Jacqueline West (“O Regresso”) também sensacional e, por fim, o desenho de produção de Patrice Vermette ("A Chegada"), muito criativo e original nos detalhes dentro de tudo que já vimos. Não se surpreendam se "Duna" receber por volta de 15 indicações no Oscar 2022 - e de levar tranquilamente, pelo menos, metade disso.
"Duna" é uma linda adaptação, um espetáculo visual que realmente merece ser assistido em uma tela grande e com o melhor sistema de som possível, mas adianto, mesmo com a satisfação de ter experienciado um filme raro, será preciso ter muita paciência até que o destino de Paul Atreides seja mostrado nos demais filmes - e que assim seja, pois essa ansiedade vai nos incomodar durante os próximos 3 ou 4 anos.
Vale muito a pena!!!
Up-date: "Duna" recebeu 10 indicações, ganhando em seis categorias no Oscar 2022, inclusive Melhor Fotografia.
Lindo e leve como uma animação da Pixar deve ser, mas é preciso que se diga: fica a impressão que faltou alguma coisa! Calma, esse "mas" não impacta em absolutamente nada nossa experiência como audiência se olharmos para o filme isoladamente - o grande problema é justamente quando olhamos para trás e o comparamos com "Divertidamente", por exemplo, já que o conceito narrativo dos dois filmes é muito próximo. De cara, é preciso elogiar a criação do universo de Element City e a forma como o diretor Peter Sohn (de "O Bom Dinossauro") transforma os elementos (fogo, água, terra, ar) em personagens tão simpáticos, no entanto, e tirando a relação entre os protagonistas Faísca (fogo) e Gota (água), parece que falta desenvolvimento para que todos tenham uma importância, de fato, essencial para a história - um detalhe que já pareceu ter sido mais bem cuidado pelo Estúdio.
Na cidade de "Elementos", todos vivem em harmonia desde que respeitem a regra de não se misturar. No entanto, há alguns anos, os pais de Faísca chegaram ao local, como imigrantes, lutando por uma vida melhor. Aos poucos, montaram uma loja e conseguiram sustentar a filha única, que agora deve seguir os passos do pai na administração do negócio de família, porém uma amizade improvável coloca todas as relações daquele universo em uma outra perspectiva. Confira o trailer:
É perceptível nos olhos atentos da audiência o quanto a premissa de "Elementos" soa original e criativa - funcionando como potencial gatilho para que as brechas do roteiro nem ao menos sejam percebidas. A ideia de explorar as relações entre os elementos que vivem em harmonia, mas soam preconceituosos entre eles, é fascinante e abre espaço para uma série de metáforas e reflexões das mais interessantes - ao assistirmos com nossos pequenos, a sensação de estarmos mostrando a realidade e como é importante transforma-la em algo melhor, é realmente potente.
A história escrita por 3 roteiristas (John Hoberg, Kat Likkel e Brenda Hsueh) que nunca trabalharam antes com animações e que possuem uma carreira na televisão, em séries de comédia, ajuda a criar uma fluidez interessante para a narrativa - ela é bem contada e envolvente, com personagens carismáticos e um desenvolvimento emocional sincero, mas que não se apega a tantos detalhes. Veja, o ponto alto do filme parece ser uma linha temática que discute a imigração e as relações sociais entre indivíduos de diferentes raças. Essa abordagem ganha uma representação encantadora na forma gráfica de uma cidade, com bairros completamente diferentes e uma interação igualmente distinta entre os elementos e os espaços urbanos - algo como a mente da garotinha de onze anos, Riley, que ao ser guiada por suas Emoções (Alegria, Nojinho, Medo, Raiva e Tristeza) conectava elementos diferentes em um mesmo universo. A grande diferença, no entanto, é o valor dos detalhes que em "Divertidamente" fazia muito mais sentido, tudo tinha uma razão de ser e o impacto nos personagens - isso, inclusive, criava uma "identificação" com um público maior.
Sinceramente acho que "Elementos" é o tipo da animação que vai agradar a todos, mas vai impactar mais alguns perfis de audiência. Como obra, tem uma história divertida e emocionante (especialmente se você já tiver filhos) que tem muito a dizer sobre aceitação e diversidade. Como não poderia deixar de ser, a trilha sonora é brilhante, com músicas que sabem exatamente onde nos tocar, e o visual, olha, sensacional - quebrando aquele principio que soava como o maior desafio dos animadores: o de replicar a complexidade da água e do fogo em CGI sem parecer papel celofane se mexendo. Lindo de ver!
Vale seu play!
Lindo e leve como uma animação da Pixar deve ser, mas é preciso que se diga: fica a impressão que faltou alguma coisa! Calma, esse "mas" não impacta em absolutamente nada nossa experiência como audiência se olharmos para o filme isoladamente - o grande problema é justamente quando olhamos para trás e o comparamos com "Divertidamente", por exemplo, já que o conceito narrativo dos dois filmes é muito próximo. De cara, é preciso elogiar a criação do universo de Element City e a forma como o diretor Peter Sohn (de "O Bom Dinossauro") transforma os elementos (fogo, água, terra, ar) em personagens tão simpáticos, no entanto, e tirando a relação entre os protagonistas Faísca (fogo) e Gota (água), parece que falta desenvolvimento para que todos tenham uma importância, de fato, essencial para a história - um detalhe que já pareceu ter sido mais bem cuidado pelo Estúdio.
Na cidade de "Elementos", todos vivem em harmonia desde que respeitem a regra de não se misturar. No entanto, há alguns anos, os pais de Faísca chegaram ao local, como imigrantes, lutando por uma vida melhor. Aos poucos, montaram uma loja e conseguiram sustentar a filha única, que agora deve seguir os passos do pai na administração do negócio de família, porém uma amizade improvável coloca todas as relações daquele universo em uma outra perspectiva. Confira o trailer:
É perceptível nos olhos atentos da audiência o quanto a premissa de "Elementos" soa original e criativa - funcionando como potencial gatilho para que as brechas do roteiro nem ao menos sejam percebidas. A ideia de explorar as relações entre os elementos que vivem em harmonia, mas soam preconceituosos entre eles, é fascinante e abre espaço para uma série de metáforas e reflexões das mais interessantes - ao assistirmos com nossos pequenos, a sensação de estarmos mostrando a realidade e como é importante transforma-la em algo melhor, é realmente potente.
A história escrita por 3 roteiristas (John Hoberg, Kat Likkel e Brenda Hsueh) que nunca trabalharam antes com animações e que possuem uma carreira na televisão, em séries de comédia, ajuda a criar uma fluidez interessante para a narrativa - ela é bem contada e envolvente, com personagens carismáticos e um desenvolvimento emocional sincero, mas que não se apega a tantos detalhes. Veja, o ponto alto do filme parece ser uma linha temática que discute a imigração e as relações sociais entre indivíduos de diferentes raças. Essa abordagem ganha uma representação encantadora na forma gráfica de uma cidade, com bairros completamente diferentes e uma interação igualmente distinta entre os elementos e os espaços urbanos - algo como a mente da garotinha de onze anos, Riley, que ao ser guiada por suas Emoções (Alegria, Nojinho, Medo, Raiva e Tristeza) conectava elementos diferentes em um mesmo universo. A grande diferença, no entanto, é o valor dos detalhes que em "Divertidamente" fazia muito mais sentido, tudo tinha uma razão de ser e o impacto nos personagens - isso, inclusive, criava uma "identificação" com um público maior.
Sinceramente acho que "Elementos" é o tipo da animação que vai agradar a todos, mas vai impactar mais alguns perfis de audiência. Como obra, tem uma história divertida e emocionante (especialmente se você já tiver filhos) que tem muito a dizer sobre aceitação e diversidade. Como não poderia deixar de ser, a trilha sonora é brilhante, com músicas que sabem exatamente onde nos tocar, e o visual, olha, sensacional - quebrando aquele principio que soava como o maior desafio dos animadores: o de replicar a complexidade da água e do fogo em CGI sem parecer papel celofane se mexendo. Lindo de ver!
Vale seu play!
Ao longo do anos, é inegável como algumas animações se destacaram como verdadeiros marcos culturais e visuais, essencialmente se produzidas pelas Disney/Pixar. Seguindo esse raciocínio, é bem possível afirmar que "Divertidamente" vai aparecer em 9 de 10 listas entre as melhores de todos os tempos. Com a premissa de desvendar o que acontece dentro da cabeça de uma pré-adolescente pelo olhar lúdico da "personificação" das emoções, a animação de 2015 conseguiu a proeza de disputar o Oscar de "Melhor Roteiro Original" no ano seguinte - além, obviamente, de levar o prêmio como "Melhor Animação do Ano" (uma barbada). Pois bem, "Emoji - O Filme", dirigido pelo Tony Leondis (de "Kung Fu Panda"), é um filme que basicamente repete os mesmos elementos narrativos, sem tanta genialidade é verdade (mas com ótimas sacadas), em um universo, digamos, mais tecnológico, onde as emoções, nesse caso, não estão personificadas e sim programadas, ou representadas, na forma de "emojis".
O filme se passa dentro do celular de Alex, um tímido adolescente que está descobrindo o amor. Lá, no coração da cidade de Textópolis, onde os emojis vivem e trabalham para cumprir seu papel de comunicar um sentimento, Gene (T.J. Miller), um emoji com uma nova capacidade de mudar de expressão, luta para encontrar seu lugar no mundo - ou, pelo menos, entre os "favoritos" de Alex. Com a ajuda de Hi-5 (James Corden), um emoji já fora de moda, e Jailbreak (Anna Faris), uma pseudo-hacker brilhante, ele embarca em uma jornada épica para encontrar um jeito que o salvará de ser apagado para sempre depois de colocar Alex em uma situação bastante desconfortável perante seu crush. Confira o trailer:
Eu diria que "Emoji - O Filme" é um bom entretenimento, nem tão profundo, nem tão bobinho, ou seja, ele chega até a surpreender por explorar de maneira inteligente um conceito aparentemente simples e transformá-lo em uma experiência visualmente estimulante e emocionalmente envolvente. A primeira coisa que chama a atenção é a qualidade da animação - muito mérito da Sony Pictures Animation que vem em plena ascendência no desenvolvimento de seus projetos. Cada emoji, muito bem detalhado dentro daquele estilo menos rebuscado dos apps de envio de texto, acabam representando um certo contraste com o universo mais tecnológico dentro do celular de Alex. Como em "Divertidamente", é toda aquele cenário mais lúdico que estabelece a aventura dos personagens, surgindo como um verdadeiro espetáculo de cores, texturas e luzes, que cativam a audiência desde o primeiro momento - especialmente aqueles que reconhecem algumas piadas nerds ao melhor estilo "Silicon Valley" (da HBO).
O roteiro de Tony Leondis, Eric Siegel e Mike White me pareceu muito sagaz, criando uma experiência bastante agradável. O filme não se contenta em ser apenas uma história divertida sobre emojis se aventurando pelo desconhecido, mas também é capaz de mergulhar em temas um pouco mais profundos, como a busca pela identidade e a importância de ser autêntico, mas sem soar verborrágico demais. A jornada de Gene para aceitar sua habilidade de ter múltiplas expressões, encontrar seu lugar no mundo, mesmo sob o olhar preocupado de seus pais mais tradicionais, é realmente uma mensagem poderosa para pessoas de todas as idades e que certamente vai te fazer refletir - mais uma vez, como "Divertidamente", é impossível não criar paralelos mentais sobre nossa própria história. Além disso, claro, o elenco de voz é ótimo: T.J. Miller é uma mistura perfeita de vulnerabilidade e humor, enquanto James Corden e Anna Faris acrescentam camadas fascinantes aos seus personagens - do humor "sem noção" ao "mal humor" mais charmoso.
Mesmo que possa parecer redundante, a química entre o elenco, as animações e o contexto estabelecido pelo roteiro, faz com que as emoções dos emojis sejam de fato palpáveis - e eu diria que a trilha sonora vibrante e o desenho de som bem conectados com nossa realidade, só aumentam a diversão dessa jornada. Resumindo, "Emoji - O Filme" não é genial, mas nos leva para uma viagem interessante, divertida e leve através do mundo dos emojis com muita simpatia. Então se você está em busca de uma opção para toda a família, este é o filme que você estava esperando - não será inesquecível, mas também não vai te decepcionar!
Ao longo do anos, é inegável como algumas animações se destacaram como verdadeiros marcos culturais e visuais, essencialmente se produzidas pelas Disney/Pixar. Seguindo esse raciocínio, é bem possível afirmar que "Divertidamente" vai aparecer em 9 de 10 listas entre as melhores de todos os tempos. Com a premissa de desvendar o que acontece dentro da cabeça de uma pré-adolescente pelo olhar lúdico da "personificação" das emoções, a animação de 2015 conseguiu a proeza de disputar o Oscar de "Melhor Roteiro Original" no ano seguinte - além, obviamente, de levar o prêmio como "Melhor Animação do Ano" (uma barbada). Pois bem, "Emoji - O Filme", dirigido pelo Tony Leondis (de "Kung Fu Panda"), é um filme que basicamente repete os mesmos elementos narrativos, sem tanta genialidade é verdade (mas com ótimas sacadas), em um universo, digamos, mais tecnológico, onde as emoções, nesse caso, não estão personificadas e sim programadas, ou representadas, na forma de "emojis".
O filme se passa dentro do celular de Alex, um tímido adolescente que está descobrindo o amor. Lá, no coração da cidade de Textópolis, onde os emojis vivem e trabalham para cumprir seu papel de comunicar um sentimento, Gene (T.J. Miller), um emoji com uma nova capacidade de mudar de expressão, luta para encontrar seu lugar no mundo - ou, pelo menos, entre os "favoritos" de Alex. Com a ajuda de Hi-5 (James Corden), um emoji já fora de moda, e Jailbreak (Anna Faris), uma pseudo-hacker brilhante, ele embarca em uma jornada épica para encontrar um jeito que o salvará de ser apagado para sempre depois de colocar Alex em uma situação bastante desconfortável perante seu crush. Confira o trailer:
Eu diria que "Emoji - O Filme" é um bom entretenimento, nem tão profundo, nem tão bobinho, ou seja, ele chega até a surpreender por explorar de maneira inteligente um conceito aparentemente simples e transformá-lo em uma experiência visualmente estimulante e emocionalmente envolvente. A primeira coisa que chama a atenção é a qualidade da animação - muito mérito da Sony Pictures Animation que vem em plena ascendência no desenvolvimento de seus projetos. Cada emoji, muito bem detalhado dentro daquele estilo menos rebuscado dos apps de envio de texto, acabam representando um certo contraste com o universo mais tecnológico dentro do celular de Alex. Como em "Divertidamente", é toda aquele cenário mais lúdico que estabelece a aventura dos personagens, surgindo como um verdadeiro espetáculo de cores, texturas e luzes, que cativam a audiência desde o primeiro momento - especialmente aqueles que reconhecem algumas piadas nerds ao melhor estilo "Silicon Valley" (da HBO).
O roteiro de Tony Leondis, Eric Siegel e Mike White me pareceu muito sagaz, criando uma experiência bastante agradável. O filme não se contenta em ser apenas uma história divertida sobre emojis se aventurando pelo desconhecido, mas também é capaz de mergulhar em temas um pouco mais profundos, como a busca pela identidade e a importância de ser autêntico, mas sem soar verborrágico demais. A jornada de Gene para aceitar sua habilidade de ter múltiplas expressões, encontrar seu lugar no mundo, mesmo sob o olhar preocupado de seus pais mais tradicionais, é realmente uma mensagem poderosa para pessoas de todas as idades e que certamente vai te fazer refletir - mais uma vez, como "Divertidamente", é impossível não criar paralelos mentais sobre nossa própria história. Além disso, claro, o elenco de voz é ótimo: T.J. Miller é uma mistura perfeita de vulnerabilidade e humor, enquanto James Corden e Anna Faris acrescentam camadas fascinantes aos seus personagens - do humor "sem noção" ao "mal humor" mais charmoso.
Mesmo que possa parecer redundante, a química entre o elenco, as animações e o contexto estabelecido pelo roteiro, faz com que as emoções dos emojis sejam de fato palpáveis - e eu diria que a trilha sonora vibrante e o desenho de som bem conectados com nossa realidade, só aumentam a diversão dessa jornada. Resumindo, "Emoji - O Filme" não é genial, mas nos leva para uma viagem interessante, divertida e leve através do mundo dos emojis com muita simpatia. Então se você está em busca de uma opção para toda a família, este é o filme que você estava esperando - não será inesquecível, mas também não vai te decepcionar!
Olha, "Fallout" é uma série que não decepciona - especialmente para os fãs da aclamada franquia de jogos de videogame da Bethesda. Criada por Geneva Robertson-Dworet (de "Captain Marvel") e Graham Wagner (de "Silicon Valley"), sob a supervisão atenta de Lisa Joy e Jonathan Nolan (de "Westworld"), essa adaptação da Amazon Prime Video traz para as telas a exata atmosfera pós-apocalíptica e a rica narrativa dos jogos de forma magistral. A série consegue capturar a essência do universo "Fallout" com uma combinação impressionante de efeitos visuais excelentes, um enredo dos mais envolventes e personagens muito (mas, muito) bem desenvolvidos. Puxa, que experiência cativante e imersiva! Sensacional!
A trama se desenrola em um futuro devastado pela guerra nuclear, onde os sobreviventes emergem de abrigos subterrâneos chamados Vaults para reconstruir a sociedade em uma terra desolada e cheia de perigos. É nesse contexto que acompanhamos Lucy (Ella Purnell), uma jovem que acaba deixando sua casa para encontrar seu pai (Kyle MacLachlan) que foi sequestrado. Em sua missão, a protagonista acaba descobrindo um mundo pós-apocalíptico perigoso e cheio de monstros, onde conhece o soldado Maximus (Aaron Moten) e um caçador de recompensas morto-vivo conhecido como The Ghoul (Walton Goggins). Confira o trailer:
Com muita inteligência e um pouco de ousadia, Geneva Robertson-Dworet e Graham Wagner evitam adaptar diretamente um dos capítulo da franquia, preferindo assim uma certa liberdade para criar uma história que se passa no universo conhecido dos jogos, mas que não está diretamente conectada a nenhum deles - e funciona. O roteiro sabe do seu potencial como mitologia, com isso equilibra habilmente a ação intensa com o desenvolvimento de personagens dos mais interessantes (e até complexos na sua essência, eu diria). A narrativa escolhida pelo time criativo é estruturada de maneira a manter a audiência constantemente engajado, com reviravoltas inesperadas e momentos de alta tensão - talvez aqui esteja o grande segredo dessa primeira temporada: sua dinâmica bem resolvida.
A direção de arte de "Fallout"é excepcional - ela recria com precisão o visual retrofuturista característico da série de jogos. A atenção aos detalhes, desde os trajes desgastados até os icônicos Pip-Boys, contribui para uma imersão total no mundo devastado da série. Reparem como sua estética que mistura velho-oeste,art déco e um complexo militar-industrial saído diretamente das paranóias da Guerra Fria e do medo da aniquilação nuclear, se conectam com a cultura americana dos anos 50 em seu modernismo atompunk. A atenção aos detalhes vai dos figurinos, das armas, das maquiagens, até a trilha sonora com composições que variam do melancólico ao épico, realçando a atmosfera de desolação e (des)esperança da série. A música, juntamente com uma mixagem de som meticulosa, ajuda a nos transportar para aquele ambiente hostil e vibrante de uma forma bem parecida com o play de um video-game.
"Fallout" é uma adaptação impressionante que faz justiça ao legado dos jogos, oferecendo uma experiência visual e emocionalmente rica. A série é tecnicamente perfeita, ao mesmo tempo que mostra ter "alma". Ao trazer para a jornada de Lucy temas como sobrevivência, moralidade e a luta pelo poder em um mundo sem lei, a série meio que oferece uma reflexão sobre a natureza humana em situações extremas - sem perder de vista seu propósito: entreter com a maior qualidade possível! Sinceramente, "Fallout" é uma das melhores adaptações de games que já foi produzida até aqui - autêntica à essência do seu material de origem, engenhosa e satírica; e criativa ao abraçar uma linguagem narrativa que encontra o seu caminho perante uma temática singular em seu pós-apocalipse bastante bizarro. Bom demais!
Vale muito o seu play!
Olha, "Fallout" é uma série que não decepciona - especialmente para os fãs da aclamada franquia de jogos de videogame da Bethesda. Criada por Geneva Robertson-Dworet (de "Captain Marvel") e Graham Wagner (de "Silicon Valley"), sob a supervisão atenta de Lisa Joy e Jonathan Nolan (de "Westworld"), essa adaptação da Amazon Prime Video traz para as telas a exata atmosfera pós-apocalíptica e a rica narrativa dos jogos de forma magistral. A série consegue capturar a essência do universo "Fallout" com uma combinação impressionante de efeitos visuais excelentes, um enredo dos mais envolventes e personagens muito (mas, muito) bem desenvolvidos. Puxa, que experiência cativante e imersiva! Sensacional!
A trama se desenrola em um futuro devastado pela guerra nuclear, onde os sobreviventes emergem de abrigos subterrâneos chamados Vaults para reconstruir a sociedade em uma terra desolada e cheia de perigos. É nesse contexto que acompanhamos Lucy (Ella Purnell), uma jovem que acaba deixando sua casa para encontrar seu pai (Kyle MacLachlan) que foi sequestrado. Em sua missão, a protagonista acaba descobrindo um mundo pós-apocalíptico perigoso e cheio de monstros, onde conhece o soldado Maximus (Aaron Moten) e um caçador de recompensas morto-vivo conhecido como The Ghoul (Walton Goggins). Confira o trailer:
Com muita inteligência e um pouco de ousadia, Geneva Robertson-Dworet e Graham Wagner evitam adaptar diretamente um dos capítulo da franquia, preferindo assim uma certa liberdade para criar uma história que se passa no universo conhecido dos jogos, mas que não está diretamente conectada a nenhum deles - e funciona. O roteiro sabe do seu potencial como mitologia, com isso equilibra habilmente a ação intensa com o desenvolvimento de personagens dos mais interessantes (e até complexos na sua essência, eu diria). A narrativa escolhida pelo time criativo é estruturada de maneira a manter a audiência constantemente engajado, com reviravoltas inesperadas e momentos de alta tensão - talvez aqui esteja o grande segredo dessa primeira temporada: sua dinâmica bem resolvida.
A direção de arte de "Fallout"é excepcional - ela recria com precisão o visual retrofuturista característico da série de jogos. A atenção aos detalhes, desde os trajes desgastados até os icônicos Pip-Boys, contribui para uma imersão total no mundo devastado da série. Reparem como sua estética que mistura velho-oeste,art déco e um complexo militar-industrial saído diretamente das paranóias da Guerra Fria e do medo da aniquilação nuclear, se conectam com a cultura americana dos anos 50 em seu modernismo atompunk. A atenção aos detalhes vai dos figurinos, das armas, das maquiagens, até a trilha sonora com composições que variam do melancólico ao épico, realçando a atmosfera de desolação e (des)esperança da série. A música, juntamente com uma mixagem de som meticulosa, ajuda a nos transportar para aquele ambiente hostil e vibrante de uma forma bem parecida com o play de um video-game.
"Fallout" é uma adaptação impressionante que faz justiça ao legado dos jogos, oferecendo uma experiência visual e emocionalmente rica. A série é tecnicamente perfeita, ao mesmo tempo que mostra ter "alma". Ao trazer para a jornada de Lucy temas como sobrevivência, moralidade e a luta pelo poder em um mundo sem lei, a série meio que oferece uma reflexão sobre a natureza humana em situações extremas - sem perder de vista seu propósito: entreter com a maior qualidade possível! Sinceramente, "Fallout" é uma das melhores adaptações de games que já foi produzida até aqui - autêntica à essência do seu material de origem, engenhosa e satírica; e criativa ao abraçar uma linguagem narrativa que encontra o seu caminho perante uma temática singular em seu pós-apocalipse bastante bizarro. Bom demais!
Vale muito o seu play!
"Finch" é para você que procura entretenimento leve, com algum laço emocional e um toque de reflexão sobre as relações humanas, mesmo que, mais uma vez, Tom Hanks esteja praticamente sozinho em cena. Veja, se em "Náufrago" (de 2000), Hanks se relacionou com uma bola de vôlei e provou ser possível sobreviver em uma ilha deserta após um acidente aéreo, em "Finch" o conceito é praticamente o mesmo, mas dessa vez o personagem nos entrega uma espécie de manual de sobrevivência no fim do mundo e seus companheiros de jornada são: um cachorro (muito simpático por sinal) e um robô (muito bem desenhado) que está aprendendo a viver.
Na trama, Hanks interpreta Finch, um engenheiro de robótica e um dos poucos sobreviventes de um evento solar cataclísmico que praticamente dizimou a humanidade. Ao adquirir uma doença terminal, ele decide criar um robô (vivido por Caleb Landry Jones) para que ele possa cuidar do seu cachorro, Goodyear, quando morrer. Ao perceber que uma enorme tempestade se aproxima, os três embarcam em uma peculiar jornada de sobrevivência em meio a uma América completamente destruída, onde Finch precisa ensinar para um robô o real significado de ser um humano e como as relações de confiança podem criar laços tão profundos e sentimentais que nos movem na busca de algo maior, e muitas vezes inexplicável. Confira o trailer (em inglês):
Miguel Sapochnik (o cara por trás da Batalha dos Bastardos em "Game of Thrones"), dirige um filme que tinha tudo para ser "mais do mesmo", mas que não é, pela enorme habilidade de um roteiro aqui assinado por Craig Luck e Ivor Powell, que usa de alegorias para construir uma relação imperfeita entre os personagens - como aliás, é na vida real. Se em "Náufrago" o diretor Robert Zemeckis ("De volta para o Futuro") preferiu buscar na fantasia uma condição realista e dramática, Sapochnik faz justamente o caminho inverso ao respeitar a história como uma fantástica jornada de descobertas sem a necessidade de trazer o peso ou impacto dramático além do universo onde os personagens estão inseridos. Como em "O Mágico de Óz", vamos descobrindo os motivos da transformação do mundo em um caos junto com um dos personagens - nossa Dorothy é o robô Jeff. E aqui cabe um elogio: o ator Caleb Landry Jones que dá voz (e vida) ao robô, juntamente com o time de design de produção e de efeitos especiais, conseguem entregar um personagem com verdade, ingênuo até, mas divertido - basicamente um bebê robô perfeito que precisa aprender a se virar em um mundo imperfeito.
Embora você vá encontrar uma ou outra cena com mais ação (eu destacaria a cena do tornado e do hospital), "Finch" é essencialmente um drama existencial dentro de um road movie - um "Amor e Monstros"mais adulto e menos blockbuster. O fato é que Tom Hanks impulsiona a história com sua enorme capacidade de nos tocar, enquanto um time excepcional cria personagens coadjuvantes encantadores, dando um ar de leveza para a trama, mesmo nos momentos mais sensíveis. Sapochnik que sai das grandes séries e praticamente estreia em um longa-metragem, mostra que sua capacidade de construir narrativas visuais que vão além do "movimento"e da "ação" - existe "alma" e "reflexão" no seu trabalho!
Vale o play!
"Finch" é para você que procura entretenimento leve, com algum laço emocional e um toque de reflexão sobre as relações humanas, mesmo que, mais uma vez, Tom Hanks esteja praticamente sozinho em cena. Veja, se em "Náufrago" (de 2000), Hanks se relacionou com uma bola de vôlei e provou ser possível sobreviver em uma ilha deserta após um acidente aéreo, em "Finch" o conceito é praticamente o mesmo, mas dessa vez o personagem nos entrega uma espécie de manual de sobrevivência no fim do mundo e seus companheiros de jornada são: um cachorro (muito simpático por sinal) e um robô (muito bem desenhado) que está aprendendo a viver.
Na trama, Hanks interpreta Finch, um engenheiro de robótica e um dos poucos sobreviventes de um evento solar cataclísmico que praticamente dizimou a humanidade. Ao adquirir uma doença terminal, ele decide criar um robô (vivido por Caleb Landry Jones) para que ele possa cuidar do seu cachorro, Goodyear, quando morrer. Ao perceber que uma enorme tempestade se aproxima, os três embarcam em uma peculiar jornada de sobrevivência em meio a uma América completamente destruída, onde Finch precisa ensinar para um robô o real significado de ser um humano e como as relações de confiança podem criar laços tão profundos e sentimentais que nos movem na busca de algo maior, e muitas vezes inexplicável. Confira o trailer (em inglês):
Miguel Sapochnik (o cara por trás da Batalha dos Bastardos em "Game of Thrones"), dirige um filme que tinha tudo para ser "mais do mesmo", mas que não é, pela enorme habilidade de um roteiro aqui assinado por Craig Luck e Ivor Powell, que usa de alegorias para construir uma relação imperfeita entre os personagens - como aliás, é na vida real. Se em "Náufrago" o diretor Robert Zemeckis ("De volta para o Futuro") preferiu buscar na fantasia uma condição realista e dramática, Sapochnik faz justamente o caminho inverso ao respeitar a história como uma fantástica jornada de descobertas sem a necessidade de trazer o peso ou impacto dramático além do universo onde os personagens estão inseridos. Como em "O Mágico de Óz", vamos descobrindo os motivos da transformação do mundo em um caos junto com um dos personagens - nossa Dorothy é o robô Jeff. E aqui cabe um elogio: o ator Caleb Landry Jones que dá voz (e vida) ao robô, juntamente com o time de design de produção e de efeitos especiais, conseguem entregar um personagem com verdade, ingênuo até, mas divertido - basicamente um bebê robô perfeito que precisa aprender a se virar em um mundo imperfeito.
Embora você vá encontrar uma ou outra cena com mais ação (eu destacaria a cena do tornado e do hospital), "Finch" é essencialmente um drama existencial dentro de um road movie - um "Amor e Monstros"mais adulto e menos blockbuster. O fato é que Tom Hanks impulsiona a história com sua enorme capacidade de nos tocar, enquanto um time excepcional cria personagens coadjuvantes encantadores, dando um ar de leveza para a trama, mesmo nos momentos mais sensíveis. Sapochnik que sai das grandes séries e praticamente estreia em um longa-metragem, mostra que sua capacidade de construir narrativas visuais que vão além do "movimento"e da "ação" - existe "alma" e "reflexão" no seu trabalho!
Vale o play!
“Free Guy" que no Brasil ganhou o subtítulo de "Assumindo o Controle” é uma mistura de vários filmes que deram certo como, por exemplo, “Jogador Nº 1” e “O Show de Truman”, mas as semelhanças vão além!
Na trama, Guy (Ryan Reynalds) é um personagem "não-jogável" (NPC) em Free City, um jogo de RPG online. Sem saber que o mundo em que vive é um videogame, ele trabalha como caixa de banco em uma entediante rotina, que se repete diversas vezes (como no clássico “O Feitiço do Tempo”). No jogo, Millie (Jodie Comer), conhecida como Molotov Girl, chama a atenção de Guy cantando sua música favorita da Mariah Carey, é aí que ele começa a se desviar de sua programação. Mas é quando Guy pega um óculos de um jogador, que ele passa a ver Free City através de uma versão única da interface e, surpreendentemente, acaba virando um jogador. Agora ele precisa aceitar sua realidade e lidar com o fato de que é o único personagem-jogável que pode salvar o mundo. Confira o trailer:
Os clichês frequentes acabam tirando o brilho de um filme que poderia ser tão mais criativo e original quanto “Jogador Nº 1” - ainda mais tendo como um dos roteiristas Zak Penn que também colaborou para o filme de Steven Spielberg. Mas em um longa visualmente atrativo e com os carismáticos Ryan Reynalds e Jodie Comer no elenco, chegar até o final e sentir aquele gostinho de que a aventura tinha muito potencial e foi desperdiçada por excessivos clichês acaba sendo um pouco frustrante.
Ainda assim, os efeitos especiais e visuais são mágicos e criam uma dimensão bastante imersiva. É evidente que a aventura descompromissada funciona e entrega momentos divertidíssimos que incluem ótimas sequências de ação e referências da cultura pop. Uma trilha sonora bem gostosinha (daquelas que procuramos a playlist para ouvir) também é um dos bons ingredientes do filme. A canção “Fantasy” da Mariah Carey gruda como chiclete.
“Free Guy” diverte e garante boas risadas, mas não é nenhuma aventura que você já não tenha visto antes, mas se você gosta do estilo "Ryan Reynalds" de filmes, vale o seu play!
Escrito por Mark Hewes - uma parceria @indiqueipraver
“Free Guy" que no Brasil ganhou o subtítulo de "Assumindo o Controle” é uma mistura de vários filmes que deram certo como, por exemplo, “Jogador Nº 1” e “O Show de Truman”, mas as semelhanças vão além!
Na trama, Guy (Ryan Reynalds) é um personagem "não-jogável" (NPC) em Free City, um jogo de RPG online. Sem saber que o mundo em que vive é um videogame, ele trabalha como caixa de banco em uma entediante rotina, que se repete diversas vezes (como no clássico “O Feitiço do Tempo”). No jogo, Millie (Jodie Comer), conhecida como Molotov Girl, chama a atenção de Guy cantando sua música favorita da Mariah Carey, é aí que ele começa a se desviar de sua programação. Mas é quando Guy pega um óculos de um jogador, que ele passa a ver Free City através de uma versão única da interface e, surpreendentemente, acaba virando um jogador. Agora ele precisa aceitar sua realidade e lidar com o fato de que é o único personagem-jogável que pode salvar o mundo. Confira o trailer:
Os clichês frequentes acabam tirando o brilho de um filme que poderia ser tão mais criativo e original quanto “Jogador Nº 1” - ainda mais tendo como um dos roteiristas Zak Penn que também colaborou para o filme de Steven Spielberg. Mas em um longa visualmente atrativo e com os carismáticos Ryan Reynalds e Jodie Comer no elenco, chegar até o final e sentir aquele gostinho de que a aventura tinha muito potencial e foi desperdiçada por excessivos clichês acaba sendo um pouco frustrante.
Ainda assim, os efeitos especiais e visuais são mágicos e criam uma dimensão bastante imersiva. É evidente que a aventura descompromissada funciona e entrega momentos divertidíssimos que incluem ótimas sequências de ação e referências da cultura pop. Uma trilha sonora bem gostosinha (daquelas que procuramos a playlist para ouvir) também é um dos bons ingredientes do filme. A canção “Fantasy” da Mariah Carey gruda como chiclete.
“Free Guy” diverte e garante boas risadas, mas não é nenhuma aventura que você já não tenha visto antes, mas se você gosta do estilo "Ryan Reynalds" de filmes, vale o seu play!
Escrito por Mark Hewes - uma parceria @indiqueipraver
Existem duas formas de assistir "Halo" da Paramount+. A primeira, obviamente, é para quem conhece o valor estético e narrativo da franquia de videogames da Microsoft. A segunda, por outro lado, é para quem caiu de "para-quedas" na esperança de encontrar uma série de ficção cientifica com uma história interessante e que fosse, de alguma forma, um entretenimento da melhor qualidade. Pois bem, posso te garantir que para ambos, "Halo" cumpre o seu papel! Se em um primeiro olhar o projeto criado pelo Steven Kane (de "Jack Ryan") e pelo Kyle Killen (de "Awake") traz uma premissa mais existencial sobre a humanidade e o seu valor transformador perante o universo (ao melhor estilo "Duna"), rapidamente somos apresentados para uma mitologia complexa e cenas de combate dos mais empolgantes e bem realizados (remetendo ao melhor de "The Mandalorian"). Sim, a série busca expandir o universo dos games com certo equilíbrio, oferecendo uma narrativa rica em ação sem esquecer do drama, explorando com competência os conflitos intergalácticos entre a humanidade e a aliança alienígena (conhecida como Covenant) ao mesmo tempo que nos provoca ótimas reflexões carregadas de muito simbolismo.
A série retrata um período de guerras que acontece durante o século XXVI entre a raça humana, liderada pelo Comando Espacial das Nações Unidas (UNSC), e uma espécie alienígena conhecida como Covenant. Após anos de domínio, quando colônias começam a se rebelar, a liderança dos Covenant declara que humanos são hereges perante seus deuses e inicia uma onda genocida contra a raça humana. Após a redescoberta dos anéis de Halo, o super-soldado Spartan e líder Master Chief (Pablo Schreiber), também conhecido como John-117, ao lado de sua equipe e a inteligência artificial Cortana, tentam destruir o que para os Covenant é um instrumento poderoso. Em contrapartida, os alienígenas também passam por conflitos internos quando um de seus comandantes é exilado e se alia com outros divergentes já do lado dos humanos. Confira o trailer (em inglês):
É realmente muito bacana como a série se propõe a criar mais camadas e assim explorar a jornada pessoal do Master Chief, enquanto ele confronta questões de identidade, lealdade e propósito. Veja, Pablo Schreiber enfrenta o desafio de ser um personagem conhecido por seu silêncio e por sua força inabalável vinda dos jogos, porém, aqui, sua presença física imponente e intensidade dão lugar a sua humanidade e vulnerabilidade - algo que até dividiu os fãs mais puristas, mas que facilitou a conexão com uma nova audiência. Natascha McElhone como Dra. Halsey, a cientista brilhante e moralmente ambígua responsável pelo programa Spartan, ajuda muito nessa linha mais "Robocop" da série - repare como Chief causa o mesmo desconforto e caos do clássico dos anos 80 de Paul Verhoeven quando, em seu ambiente rigidamente controlado, resolve começar a viver e se sentir como uma pessoa normal.
Já na linha mais épica, "Halo" é um verdadeiro espetáculo visual. A direção de arte e os efeitos visuais são de alta qualidade, recriando fielmente o visual dos jogos - é muito curioso como o diretor Jonathan Liebesman mistura os conceitos narrativos e cria um identidade tão dinâmica para sua versão da franquia. Os designs das armaduras Spartan, das naves espaciais e das paisagens alienígenas são impecáveis e verdadeiramente imersivas. A trilha sonora complementa essa proposta com temas que evocam tanto a grandiosidade das batalhas quanto a melancolia dos momentos mais pessoais - a música ajuda a ancorar a série no universo "Halo", mas não deixa de oferecer algo novo. O roteiro de Kane e Killen luta para equilibrar a fidelidade ao material original com a sua versão palpável do sacrifício e do custo da guerra pela perspectiva mais humana.
Se a narrativa pode parecer densa e confusa para aqueles que não estão familiarizados com a extensa mitologia da franquia, "Halo" também sabe que o sucesso de sua jornada está justamente em colocar seus personagens nas posições certas do tabuleiro para que tudo exploda de tempos em tempos e assim possa se reconstruir e manipular a narrativa de acordo com seu interesse. Dito isso e se a promessa de que a série pretende se estabelecer como uma marco da ficção cientifica também no streaming se cumprir, teremos pelo menos umas 4 ou 5 temporadas para discutir e celebrar como essa nova visão revitalizou um universo tão restrito aos jogos de video-game.
Vale muito seu play!
Existem duas formas de assistir "Halo" da Paramount+. A primeira, obviamente, é para quem conhece o valor estético e narrativo da franquia de videogames da Microsoft. A segunda, por outro lado, é para quem caiu de "para-quedas" na esperança de encontrar uma série de ficção cientifica com uma história interessante e que fosse, de alguma forma, um entretenimento da melhor qualidade. Pois bem, posso te garantir que para ambos, "Halo" cumpre o seu papel! Se em um primeiro olhar o projeto criado pelo Steven Kane (de "Jack Ryan") e pelo Kyle Killen (de "Awake") traz uma premissa mais existencial sobre a humanidade e o seu valor transformador perante o universo (ao melhor estilo "Duna"), rapidamente somos apresentados para uma mitologia complexa e cenas de combate dos mais empolgantes e bem realizados (remetendo ao melhor de "The Mandalorian"). Sim, a série busca expandir o universo dos games com certo equilíbrio, oferecendo uma narrativa rica em ação sem esquecer do drama, explorando com competência os conflitos intergalácticos entre a humanidade e a aliança alienígena (conhecida como Covenant) ao mesmo tempo que nos provoca ótimas reflexões carregadas de muito simbolismo.
A série retrata um período de guerras que acontece durante o século XXVI entre a raça humana, liderada pelo Comando Espacial das Nações Unidas (UNSC), e uma espécie alienígena conhecida como Covenant. Após anos de domínio, quando colônias começam a se rebelar, a liderança dos Covenant declara que humanos são hereges perante seus deuses e inicia uma onda genocida contra a raça humana. Após a redescoberta dos anéis de Halo, o super-soldado Spartan e líder Master Chief (Pablo Schreiber), também conhecido como John-117, ao lado de sua equipe e a inteligência artificial Cortana, tentam destruir o que para os Covenant é um instrumento poderoso. Em contrapartida, os alienígenas também passam por conflitos internos quando um de seus comandantes é exilado e se alia com outros divergentes já do lado dos humanos. Confira o trailer (em inglês):
É realmente muito bacana como a série se propõe a criar mais camadas e assim explorar a jornada pessoal do Master Chief, enquanto ele confronta questões de identidade, lealdade e propósito. Veja, Pablo Schreiber enfrenta o desafio de ser um personagem conhecido por seu silêncio e por sua força inabalável vinda dos jogos, porém, aqui, sua presença física imponente e intensidade dão lugar a sua humanidade e vulnerabilidade - algo que até dividiu os fãs mais puristas, mas que facilitou a conexão com uma nova audiência. Natascha McElhone como Dra. Halsey, a cientista brilhante e moralmente ambígua responsável pelo programa Spartan, ajuda muito nessa linha mais "Robocop" da série - repare como Chief causa o mesmo desconforto e caos do clássico dos anos 80 de Paul Verhoeven quando, em seu ambiente rigidamente controlado, resolve começar a viver e se sentir como uma pessoa normal.
Já na linha mais épica, "Halo" é um verdadeiro espetáculo visual. A direção de arte e os efeitos visuais são de alta qualidade, recriando fielmente o visual dos jogos - é muito curioso como o diretor Jonathan Liebesman mistura os conceitos narrativos e cria um identidade tão dinâmica para sua versão da franquia. Os designs das armaduras Spartan, das naves espaciais e das paisagens alienígenas são impecáveis e verdadeiramente imersivas. A trilha sonora complementa essa proposta com temas que evocam tanto a grandiosidade das batalhas quanto a melancolia dos momentos mais pessoais - a música ajuda a ancorar a série no universo "Halo", mas não deixa de oferecer algo novo. O roteiro de Kane e Killen luta para equilibrar a fidelidade ao material original com a sua versão palpável do sacrifício e do custo da guerra pela perspectiva mais humana.
Se a narrativa pode parecer densa e confusa para aqueles que não estão familiarizados com a extensa mitologia da franquia, "Halo" também sabe que o sucesso de sua jornada está justamente em colocar seus personagens nas posições certas do tabuleiro para que tudo exploda de tempos em tempos e assim possa se reconstruir e manipular a narrativa de acordo com seu interesse. Dito isso e se a promessa de que a série pretende se estabelecer como uma marco da ficção cientifica também no streaming se cumprir, teremos pelo menos umas 4 ou 5 temporadas para discutir e celebrar como essa nova visão revitalizou um universo tão restrito aos jogos de video-game.
Vale muito seu play!
Visualmente espetacular, "Homem-Aranha Através do Aranhaverso" coloca o gênero de longa-metragem de animação em outro patamar, conseguindo o que parecia impossível: ser ainda mais inovador conceitualmente que seu antecessor "Homem-Aranha no Aranhaverso". Sem a menor dúvida que o filme dirigido pelos premiados Kemp Powers e Justin K. Thompson, além do "novato" Joaquim Dos Santos (de Invencível"), mais uma vez, transcende as barreiras do que poderíamos chamar de convencional, com uma narrativa dinâmica que oferece uma experiência ainda mais imersiva, sem esquecer, claro, do princípio básico de nunca se afastar daquele mood de HQ. Obviamente que o que faz o filme se destacar são os elementos visuais, mas a narrativa cativante e a abordagem corajosa da mitologia do Homem-Aranha em seu multiverso também merece destaque - no entanto, e é preciso que se diga, são tantas referências, de tantas fases e formas do herói, que para quem não é tão ligado naquele contexto, pode soar bastante confuso ou no mínimo não tão interessante.
Miles Morales (Shameik Moore), o simpático jovem Homem-Aranha do Brooklyn, é transportado para uma aventura através do tempo e espaço ao lado de sua amiga Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), onde acaba mudando os rumos de um dos universos quando salva um policial da morte. Ao ser confrontado sobre essa atitude impensada por Miguel O’Hara e Jessica Drew, as cabeças por trás da Sociedade Aranha que fiscaliza a integridade do multiverso, Morales fica sabendo que ele é o único Homem-Aranha que não deveria existir e agora, para salvar as pessoas que ele mais ama, ele precisa redefinir o significado de ser um super-herói enquanto luta para encontrar seu lugar no Aranhaverso sem tantos lutos! Confira o trailer:
"Homem-Aranha Através do Aranhaverso" é uma explosão de criatividade visual e narrativa que chega ser difícil até definir, dadas as inúmeras técnicas usadas para contar uma história que parece amarrar muito bem todo esse conceito maluco de multiverso. A proposta de mesclar diferentes estilos de animação, desde o traço mais tradicional da HQ até o visual mais moderno do vídeo-game, sem dúvida que cria uma experiência deslumbrante para a audiência. A direção de arte e as animações em si, são impecáveis, fazendo com que cada cena, cada plano, cada sequência, de fato, pareçam obras de arte em movimento - e o interessante é que isso está no DNA desde a criação do projeto, no entanto, diretores e roteiristas parecem não usar desse deslumbre como bengala para esconder uma trama fraca ou sem sentido. Reparem como a história de conexão entre Miles e Gwenpromove a clássica expansão da mitologia do herói, o que aliás se espera dos segundos filmes de uma trilogia, sem tornar isso um inchaço ou uma barriga narrativa típica de uma continuação mal planejada.
É incrível como "Através do Aranhaverso" também amadureceu, indo além de uma história de herói para explorar temas mais universais como autodescoberta, responsabilidade e pertencimento - tudo está inserido dentro de um objetivo tão maior que, a cada camada, o filme ganha em profundidade, mas sem nunca esquecer da diversão. Aqui, inclusive, a trilha sonora, repleta de batidas pulsantes e músicas envolventes, contribui para essa atmosfera única do filme, dando a exata sensação de que a edição "MTV" quando bem usada, ainda pode trazer muita diversão para o cinema em suas diferentes formas - existe toda uma proposital poluição visual dos infinitos Aranhas, em suas cores e traços, mas depois sempre vem momentos de calmaria como se merecêssemos um certo descanso aos olhos e são nesses alívios que o roteiro reforça os laços relacionais que constroem de maneira tão empática a base dos princípios do herói.
Mesmo sabendo que o filme vai acabar abruptamente, já que um terceiro capitulo sempre foi anunciado como o final definitivo da jornada de Morales (o que eu duvido), "Homem-Aranha Através do Aranhaverso" entrega o que promete e em nenhum momento diminui as conquistas históricas do primeiro filme. A fusão entre inovação técnica, narrativa envolvente e uma abordagem corajosa do personagem, realmente cria uma experiência que ressoa na audiência independente do conhecimento prévio daquele universo. Ajuda ser um super fã? Claro, a trama está cheio de easter eggs, no entanto é o fato do filme ser um deleite para os sentidos que fica impossível não atestar que essa será uma das melhores animações que você assistirá na vida!
Vale muito o seu play!
Visualmente espetacular, "Homem-Aranha Através do Aranhaverso" coloca o gênero de longa-metragem de animação em outro patamar, conseguindo o que parecia impossível: ser ainda mais inovador conceitualmente que seu antecessor "Homem-Aranha no Aranhaverso". Sem a menor dúvida que o filme dirigido pelos premiados Kemp Powers e Justin K. Thompson, além do "novato" Joaquim Dos Santos (de Invencível"), mais uma vez, transcende as barreiras do que poderíamos chamar de convencional, com uma narrativa dinâmica que oferece uma experiência ainda mais imersiva, sem esquecer, claro, do princípio básico de nunca se afastar daquele mood de HQ. Obviamente que o que faz o filme se destacar são os elementos visuais, mas a narrativa cativante e a abordagem corajosa da mitologia do Homem-Aranha em seu multiverso também merece destaque - no entanto, e é preciso que se diga, são tantas referências, de tantas fases e formas do herói, que para quem não é tão ligado naquele contexto, pode soar bastante confuso ou no mínimo não tão interessante.
Miles Morales (Shameik Moore), o simpático jovem Homem-Aranha do Brooklyn, é transportado para uma aventura através do tempo e espaço ao lado de sua amiga Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), onde acaba mudando os rumos de um dos universos quando salva um policial da morte. Ao ser confrontado sobre essa atitude impensada por Miguel O’Hara e Jessica Drew, as cabeças por trás da Sociedade Aranha que fiscaliza a integridade do multiverso, Morales fica sabendo que ele é o único Homem-Aranha que não deveria existir e agora, para salvar as pessoas que ele mais ama, ele precisa redefinir o significado de ser um super-herói enquanto luta para encontrar seu lugar no Aranhaverso sem tantos lutos! Confira o trailer:
"Homem-Aranha Através do Aranhaverso" é uma explosão de criatividade visual e narrativa que chega ser difícil até definir, dadas as inúmeras técnicas usadas para contar uma história que parece amarrar muito bem todo esse conceito maluco de multiverso. A proposta de mesclar diferentes estilos de animação, desde o traço mais tradicional da HQ até o visual mais moderno do vídeo-game, sem dúvida que cria uma experiência deslumbrante para a audiência. A direção de arte e as animações em si, são impecáveis, fazendo com que cada cena, cada plano, cada sequência, de fato, pareçam obras de arte em movimento - e o interessante é que isso está no DNA desde a criação do projeto, no entanto, diretores e roteiristas parecem não usar desse deslumbre como bengala para esconder uma trama fraca ou sem sentido. Reparem como a história de conexão entre Miles e Gwenpromove a clássica expansão da mitologia do herói, o que aliás se espera dos segundos filmes de uma trilogia, sem tornar isso um inchaço ou uma barriga narrativa típica de uma continuação mal planejada.
É incrível como "Através do Aranhaverso" também amadureceu, indo além de uma história de herói para explorar temas mais universais como autodescoberta, responsabilidade e pertencimento - tudo está inserido dentro de um objetivo tão maior que, a cada camada, o filme ganha em profundidade, mas sem nunca esquecer da diversão. Aqui, inclusive, a trilha sonora, repleta de batidas pulsantes e músicas envolventes, contribui para essa atmosfera única do filme, dando a exata sensação de que a edição "MTV" quando bem usada, ainda pode trazer muita diversão para o cinema em suas diferentes formas - existe toda uma proposital poluição visual dos infinitos Aranhas, em suas cores e traços, mas depois sempre vem momentos de calmaria como se merecêssemos um certo descanso aos olhos e são nesses alívios que o roteiro reforça os laços relacionais que constroem de maneira tão empática a base dos princípios do herói.
Mesmo sabendo que o filme vai acabar abruptamente, já que um terceiro capitulo sempre foi anunciado como o final definitivo da jornada de Morales (o que eu duvido), "Homem-Aranha Através do Aranhaverso" entrega o que promete e em nenhum momento diminui as conquistas históricas do primeiro filme. A fusão entre inovação técnica, narrativa envolvente e uma abordagem corajosa do personagem, realmente cria uma experiência que ressoa na audiência independente do conhecimento prévio daquele universo. Ajuda ser um super fã? Claro, a trama está cheio de easter eggs, no entanto é o fato do filme ser um deleite para os sentidos que fica impossível não atestar que essa será uma das melhores animações que você assistirá na vida!
Vale muito o seu play!
"Homem-Aranha no Aranhaverso" é realmente muito bacana. Todos os prêmios que recebeu na temporada, inclusive o Oscar de animação em 2019, foram justíssimos! O filme é muito divertido, cheio de referências, inteligente e muito despretensioso!!! Sério, é como "assistir" uma revista uma HQ!
Se eu tivesse que definir "Homem-Aranha no Aranhaverso" eu diria que é o melhor dos HQs, com a ousadia do video-game e com o que tem de mais criativo em técnicas de animação! Não sei, mas talvez seja o melhor reboot que eu já assisti, pois a maneira que os diretores encontraram para contar uma nova história sem esquecer tudo o que já foi feito, se apropriando dos erros e acertos do passado, tanto no cinema quanto nos quadrinhos, foi genial! Confira o trailer:
O filme basicamente conta a história de um novo homem-aranha, Miles Morales, um jovem negro e de descendência hispânica que mora no Brooklin em NY. Ao ser picado por uma aranha radioativa, ele passa por todas as dúvidas e inseguranças que seu antecessor Peter Parker viveu e que estamos cansados de saber. Porém isso fica ainda mais maluco quando o Rei do Crime usa de uma nova tecnologia para abrir uma espécie de portal entre dimensões para tentar trazer de volta sua família que morreu em um acidente. Da mesma forma que esse "portal" possibilita trazer alguém que já morreu de uma outra dimensão, ele também permite a interação entre os vários "Homens-aranhas" - mais uma referência a alguns universos criados somente para os HQs - desde um original Peter Parker, já mais velho, cansado e fora de forma até um porco que parece ter saído de um desenho "Looney Tunes".
Sim, parece non-sense demais, eu sei!!! E na verdade é, mas essa "viagem" dos roteiristas é tão surpreendente e original que passa a ser o diferencial do filme. Em determinados momentos é quase um sátira de tudo que já foi tentado nas inúmeras versões do herói. Você, fã, vai encontrar elementos de vários universos já criados para o Homem-Aranha e você, que quer apenas assistir uma boa animação, não se preocupe porque está tudo lá: uma boa história com envolvimento emocional e com muita aventura! Olha, foi um grande acerto da Sony - talvez o maior dos últimos tempos, pois o filme agradou todos os públicos, os números comprovam isso!!!
Sobre a animação em si, embora eu não seja um especialista, te garanto: cada quadro está mais lindo que o outro - parece pintado a mão, como um HQ mesmo. Inserções gráficas que, inteligentemente, nos remetem as origens das histórias em quadrinhos e sua transformação com o passar dos anos. São várias técnicas e referências personificadas no traço de cada um dos personagens - que se integram de uma forma tão orgânica com o cenário e com a história que você nem percebe. Sério, é lindo!!! Uma obra-prima!!!
"Homem-Aranha no Aranhaverso" é um marco!!! Abre o olho Pixar/Disney!!!
"Homem-Aranha no Aranhaverso" é realmente muito bacana. Todos os prêmios que recebeu na temporada, inclusive o Oscar de animação em 2019, foram justíssimos! O filme é muito divertido, cheio de referências, inteligente e muito despretensioso!!! Sério, é como "assistir" uma revista uma HQ!
Se eu tivesse que definir "Homem-Aranha no Aranhaverso" eu diria que é o melhor dos HQs, com a ousadia do video-game e com o que tem de mais criativo em técnicas de animação! Não sei, mas talvez seja o melhor reboot que eu já assisti, pois a maneira que os diretores encontraram para contar uma nova história sem esquecer tudo o que já foi feito, se apropriando dos erros e acertos do passado, tanto no cinema quanto nos quadrinhos, foi genial! Confira o trailer:
O filme basicamente conta a história de um novo homem-aranha, Miles Morales, um jovem negro e de descendência hispânica que mora no Brooklin em NY. Ao ser picado por uma aranha radioativa, ele passa por todas as dúvidas e inseguranças que seu antecessor Peter Parker viveu e que estamos cansados de saber. Porém isso fica ainda mais maluco quando o Rei do Crime usa de uma nova tecnologia para abrir uma espécie de portal entre dimensões para tentar trazer de volta sua família que morreu em um acidente. Da mesma forma que esse "portal" possibilita trazer alguém que já morreu de uma outra dimensão, ele também permite a interação entre os vários "Homens-aranhas" - mais uma referência a alguns universos criados somente para os HQs - desde um original Peter Parker, já mais velho, cansado e fora de forma até um porco que parece ter saído de um desenho "Looney Tunes".
Sim, parece non-sense demais, eu sei!!! E na verdade é, mas essa "viagem" dos roteiristas é tão surpreendente e original que passa a ser o diferencial do filme. Em determinados momentos é quase um sátira de tudo que já foi tentado nas inúmeras versões do herói. Você, fã, vai encontrar elementos de vários universos já criados para o Homem-Aranha e você, que quer apenas assistir uma boa animação, não se preocupe porque está tudo lá: uma boa história com envolvimento emocional e com muita aventura! Olha, foi um grande acerto da Sony - talvez o maior dos últimos tempos, pois o filme agradou todos os públicos, os números comprovam isso!!!
Sobre a animação em si, embora eu não seja um especialista, te garanto: cada quadro está mais lindo que o outro - parece pintado a mão, como um HQ mesmo. Inserções gráficas que, inteligentemente, nos remetem as origens das histórias em quadrinhos e sua transformação com o passar dos anos. São várias técnicas e referências personificadas no traço de cada um dos personagens - que se integram de uma forma tão orgânica com o cenário e com a história que você nem percebe. Sério, é lindo!!! Uma obra-prima!!!
"Homem-Aranha no Aranhaverso" é um marco!!! Abre o olho Pixar/Disney!!!
Certamente um dos maiores acertos da Netflix esse ano. "Klaus" é sua primeira animação original em parceria com o The SPA Studios - e olha, não deixa nada a desejar para nenhum outro Estúdio. Mesmo a animação sendo em 2D, com um conceito visual muito usado pela Disney, o filme soube equilibrar muito bem a arte dos traços com um roteiro redondinho. "Klaus" mostra a jornada de Jesper que, por ser um filho muito mimado e que não valoriza o trabalho, é transferido para cuidar de um negócio da família: um Correio na distante Smeerensburg, uma pequena cidade no Círculo Polar Ártico que vive em pé de guerra - baseado em uma tradição histórica de rivalidade entre os Krum (cabelos pretos) e os Ellingboe (cabelos ruivos). Sabendo que só poderia retornar ao conforto do lar após entregar 6.000 cartas, Jesper precisa usar a criatividade (e a ajuda do velho lenhador Klaus) para cumprir sua missão como carteiro e como ser humano - é aí que a Animação vai ganhando força, pois o roteiro usa de situações inusitadas dos dois personagens para contar como cada signo do natal foi criado. É muito interessante e criativo! Além de uma mensagem belíssima, o filme é dinâmico, bonito, inteligente e muito gostoso de assistir! Filme para a família, sem a menor dúvida! Imperdível!
Atual ao discutir a polarização que toma conta do mundo, "Klaus" chega para desconstruir uma expectativa pessimista em relação ao mundo e ao ser humano, através do olhar mais sincero que pode existir: o da criança. Cheio de alegorias, ao melhor estilo "Divertidamente", a animação da Netflix usa da criatividade para construir a jornada de auto-conhecimento de Jesper, mesmo que fantasiada de punição. É bacana que cada detalhe do filme nos faz refletir sobre a forma como encaramos a vida, usando de normas pré-estabelecidas que, na verdade, podem perder o seu significado a partir do momento em que mudamos a maneira como encaramos esses fatos, ou como vamos tomando consciência da necessidade de transformação para vivermos melhor (e em paz)! É claro que o "espírito de natal" cai como uma luva nesse cenário e o diretor Sergio Pablos, que já havia criado a história do "Meu Malvado Favorito", explora perfeitamente cada signo, cada mensagem, cada ideal do natal; como entretenimento de primeira! Sensacional!
"Klaus" deixa de lado a tecnologia 3D de "Toy Story" e abusa das texturas e da iluminação, usando uma técnica muito particular para construir os traços de personagens caricatos mas com muita alma! A transformação do cenário, as cores, o tom, tudo surge como uma pintura - é clara a referência do "O Estranho Mundo de Jack". Mesmo não sendo um musical, é impossível não sorrir (ou se emocionar) ao escutar a música Invisibleda sueca Zara Larsson. Eu diria que "Klaus" é um pacote completo, uma animação digna de indicação ao Oscar e, sem dúvida, uma das melhores produções do gênero no ano! Vale muito o seu play!
Certamente um dos maiores acertos da Netflix esse ano. "Klaus" é sua primeira animação original em parceria com o The SPA Studios - e olha, não deixa nada a desejar para nenhum outro Estúdio. Mesmo a animação sendo em 2D, com um conceito visual muito usado pela Disney, o filme soube equilibrar muito bem a arte dos traços com um roteiro redondinho. "Klaus" mostra a jornada de Jesper que, por ser um filho muito mimado e que não valoriza o trabalho, é transferido para cuidar de um negócio da família: um Correio na distante Smeerensburg, uma pequena cidade no Círculo Polar Ártico que vive em pé de guerra - baseado em uma tradição histórica de rivalidade entre os Krum (cabelos pretos) e os Ellingboe (cabelos ruivos). Sabendo que só poderia retornar ao conforto do lar após entregar 6.000 cartas, Jesper precisa usar a criatividade (e a ajuda do velho lenhador Klaus) para cumprir sua missão como carteiro e como ser humano - é aí que a Animação vai ganhando força, pois o roteiro usa de situações inusitadas dos dois personagens para contar como cada signo do natal foi criado. É muito interessante e criativo! Além de uma mensagem belíssima, o filme é dinâmico, bonito, inteligente e muito gostoso de assistir! Filme para a família, sem a menor dúvida! Imperdível!
Atual ao discutir a polarização que toma conta do mundo, "Klaus" chega para desconstruir uma expectativa pessimista em relação ao mundo e ao ser humano, através do olhar mais sincero que pode existir: o da criança. Cheio de alegorias, ao melhor estilo "Divertidamente", a animação da Netflix usa da criatividade para construir a jornada de auto-conhecimento de Jesper, mesmo que fantasiada de punição. É bacana que cada detalhe do filme nos faz refletir sobre a forma como encaramos a vida, usando de normas pré-estabelecidas que, na verdade, podem perder o seu significado a partir do momento em que mudamos a maneira como encaramos esses fatos, ou como vamos tomando consciência da necessidade de transformação para vivermos melhor (e em paz)! É claro que o "espírito de natal" cai como uma luva nesse cenário e o diretor Sergio Pablos, que já havia criado a história do "Meu Malvado Favorito", explora perfeitamente cada signo, cada mensagem, cada ideal do natal; como entretenimento de primeira! Sensacional!
"Klaus" deixa de lado a tecnologia 3D de "Toy Story" e abusa das texturas e da iluminação, usando uma técnica muito particular para construir os traços de personagens caricatos mas com muita alma! A transformação do cenário, as cores, o tom, tudo surge como uma pintura - é clara a referência do "O Estranho Mundo de Jack". Mesmo não sendo um musical, é impossível não sorrir (ou se emocionar) ao escutar a música Invisibleda sueca Zara Larsson. Eu diria que "Klaus" é um pacote completo, uma animação digna de indicação ao Oscar e, sem dúvida, uma das melhores produções do gênero no ano! Vale muito o seu play!
"Lightyear" é um ótimo entretenimento, divertido, dinâmico e tecnicamente impressionante, mas... parece não ter a "alma" da Pixar - pelo menos aquela que nos faz ficar sentados alguns segundos, refletindo ou retomando o ar, assim que os créditos começam a subir. Por outro lado, talvez seja o filme com mais cenas de ação que o Estúdio já produziu - e olha que estamos falando do mesmo universo de Toy Story.
"Lightyear" é uma aventura de ação com toques de ficção científica que apresenta a história de origem de Buzz Lightyear - o herói "real" que inspirou o brinquedo que ganhou fama em Toy Story (1995). O filme segue o lendário Patrulheiro Espacial em uma missão de reconhecimento em um planeta hostil e que, por uma avaliação errada, deixa ele e sua equipe presos e completamente abandonados a 4,2 milhões de anos-luz da Terra. Enquanto Buzz tenta encontrar uma forma de se redimir e voltar para casa através do espaço e do tempo, ele percebe que a cada tentativa que duram horas para ele, representam anos para quem fica no planeta. Para complicar ainda mais a situação, conhecemos Zurg, uma presença alienígena imponente com um exército de robôs implacáveis. Confira o trailer:
“Em 1995, Andy ganhou um brinquedo. O brinquedo era de seu filme favorito. Esse era o filme” - é assim que "Lightyear" nos é apresentado e imediatamente já entendemos exatamente onde o filme quer nos levar (ou pelo menos quais os laços emocionais ele quer estabelecer). Pela primeira vez, a franquia nos coloca na posição do personagemAndy para entender o que ele viveu e não, como de costume, nos provocar na criação de paralelos com nossa própria infância - não que isso não aconteça, mas a dinâmica frenética do filme não nos permite esse exercício (é nesse sentido que comento sobre a "alma" da Pixar). No roteiro não existe tempo para alívios emocionais, é conflito a todo momento. Porém, é inegável que ao terminar o filme, entendemos perfeitamente porquê Andy deixou de lado seu Woody para brincar com seu novo brinquedo, o patrulheiro espacial Buzz Lightyear.
O que eu quero dizer é que, como construção de um universo particular e mesmo depois da conclusão gloriosa de "Toy Story 4", "Lightyear" funciona muito bem como aquela peça que faltava em um enorme quebra-cabeça, porém a grande pergunta que fica é: precisávamos mesmo dessa peça? Muitos vão dizer que não, outros vão afirmar que esse prequel é essencial, mas aquela unanimidade que estamos acostumados a encontrar em cada lançamento de uma animação da Pixar, de fato, não vai existir.
Do ponto de vista técnico, o filme é excepcionalmente bem feito: as texturas são impressionantes e o uso marcante das sombras desperta sensações profundas como se estivéssemos assistindo um live-action. Em muitos momentos você vai colocar em dúvida que se trata de um animação mesmo - apenas para exemplificar, mesmo que pouco relevante para a história, reparem no take onde vemos as engrenagens da nave de "Lightyear" se liberarem para o lançamento. É impressionante a qualidade da animação!
A conclusão é a seguinte: se você estiver procurando por um filme que evoca a imaginação e a memória mais emotiva da mesma forma que Toy Story fez em quatro filmes, você ficará desapontado - "Lightyear" não é e nem se propõe a ser um filme inesquecível. Sua escolha narrativa é quase uma homenagem aos clássicos de ficção científica, com uma dinâmica muito envolvente e com o foco simplesmente na ação e no entretenimento.
Vale muito pela diversão!
"Lightyear" é um ótimo entretenimento, divertido, dinâmico e tecnicamente impressionante, mas... parece não ter a "alma" da Pixar - pelo menos aquela que nos faz ficar sentados alguns segundos, refletindo ou retomando o ar, assim que os créditos começam a subir. Por outro lado, talvez seja o filme com mais cenas de ação que o Estúdio já produziu - e olha que estamos falando do mesmo universo de Toy Story.
"Lightyear" é uma aventura de ação com toques de ficção científica que apresenta a história de origem de Buzz Lightyear - o herói "real" que inspirou o brinquedo que ganhou fama em Toy Story (1995). O filme segue o lendário Patrulheiro Espacial em uma missão de reconhecimento em um planeta hostil e que, por uma avaliação errada, deixa ele e sua equipe presos e completamente abandonados a 4,2 milhões de anos-luz da Terra. Enquanto Buzz tenta encontrar uma forma de se redimir e voltar para casa através do espaço e do tempo, ele percebe que a cada tentativa que duram horas para ele, representam anos para quem fica no planeta. Para complicar ainda mais a situação, conhecemos Zurg, uma presença alienígena imponente com um exército de robôs implacáveis. Confira o trailer:
“Em 1995, Andy ganhou um brinquedo. O brinquedo era de seu filme favorito. Esse era o filme” - é assim que "Lightyear" nos é apresentado e imediatamente já entendemos exatamente onde o filme quer nos levar (ou pelo menos quais os laços emocionais ele quer estabelecer). Pela primeira vez, a franquia nos coloca na posição do personagemAndy para entender o que ele viveu e não, como de costume, nos provocar na criação de paralelos com nossa própria infância - não que isso não aconteça, mas a dinâmica frenética do filme não nos permite esse exercício (é nesse sentido que comento sobre a "alma" da Pixar). No roteiro não existe tempo para alívios emocionais, é conflito a todo momento. Porém, é inegável que ao terminar o filme, entendemos perfeitamente porquê Andy deixou de lado seu Woody para brincar com seu novo brinquedo, o patrulheiro espacial Buzz Lightyear.
O que eu quero dizer é que, como construção de um universo particular e mesmo depois da conclusão gloriosa de "Toy Story 4", "Lightyear" funciona muito bem como aquela peça que faltava em um enorme quebra-cabeça, porém a grande pergunta que fica é: precisávamos mesmo dessa peça? Muitos vão dizer que não, outros vão afirmar que esse prequel é essencial, mas aquela unanimidade que estamos acostumados a encontrar em cada lançamento de uma animação da Pixar, de fato, não vai existir.
Do ponto de vista técnico, o filme é excepcionalmente bem feito: as texturas são impressionantes e o uso marcante das sombras desperta sensações profundas como se estivéssemos assistindo um live-action. Em muitos momentos você vai colocar em dúvida que se trata de um animação mesmo - apenas para exemplificar, mesmo que pouco relevante para a história, reparem no take onde vemos as engrenagens da nave de "Lightyear" se liberarem para o lançamento. É impressionante a qualidade da animação!
A conclusão é a seguinte: se você estiver procurando por um filme que evoca a imaginação e a memória mais emotiva da mesma forma que Toy Story fez em quatro filmes, você ficará desapontado - "Lightyear" não é e nem se propõe a ser um filme inesquecível. Sua escolha narrativa é quase uma homenagem aos clássicos de ficção científica, com uma dinâmica muito envolvente e com o foco simplesmente na ação e no entretenimento.
Vale muito pela diversão!
"Luca" é um graça! A animação da Pixar traz a essência de "Coco"com aquele toque narrativo de "A Pequena Sereia" - e talvez, só por essa definição já dá para se ter uma idéia de quão graciosa é a jornada do pequeno Luca e de seu amigo Alberto em um mundo cheio de descobertas e, principalmente, imaginação!
Veja, Luca (Jacob Tremblay) é um monstro-marinho que vive nos oceanos as responsabilidades colocadas por sua família: pastorear os peixes. Com uma rotina repetitiva, Luca começa a ter curiosidade pela vida da superfície, principalmente ao recolher alguns objetos humanos que caíram no mar. Sem o apoio da zelosa família, Luca anseia pela primeira transformação em humano e ao conhecer Alberto (Jack Dylan Grazer), menino com as mesmas habilidades de Luca, o caminho para a aventura finalmente parece possível. Em uma charmosa vila italiana, Giulia (Emma Berman) entra para o grupo, ensinando os garotos a experimentar novos sentimentos, como colaboração, senso de justiça e até ciúme. É Giulia que também lhes apresenta o "Triatlo de Portorosso", competição que consiste em nadar, comer massa e pedalar, onde o prêmio final possibilitaria Luca e Alberto de realizarem um grande sonho: comprar uma vespa e assim ter a liberdade para conhecer o mundo! Confira o trailer:
É impressionante como toda a construção da história se apoia em arquétipos que, certamente, fizeram parte da vida dos mais velhos - e que farão parte de uma fase muito importante da vida dos mais novos. O filme mostra com muita a sensibilidade a nostalgia da infância, com suas descobertas, emoções e surpresas de uma temporada de verão - nesse caso, inclusive, brilhantemente apropriada das mais belas paisagens do sul da Itália, com suas cores e sabores. Com o perfeito equilíbrio entre a inovação técnica e a tradição narrativa, a Pixar se aproxima da Disney como poucas vezes, entregando uma trama infinitamente mais simples do que "Soul" ou até de "Divertidamente" - e nem por isso menos genial. De fato, me parece que as crianças foram as maiores homenageadas.
"Luca" é para assistir sorrindo! É uma linda e emocionante história de amizade, com muita aventura e que se torna algo maior por mostrar importância de aceitar a diferença, de permitir se relacionar com o novo e de sonhar. A história tem uma forte identidade infantil, mas com os aprendizados que os adultos podem (e devem) nos dar. Eu diria até que "Luca" é um ensaio sobre a construção de caráter e um exemplo de narrativa autobiográfica que o diretor Enrico Casarosa nos presenteou com muita magia!
"Luca" chegou quietinho, mas vai se tornar inesquecível - pode ter certeza! Lindo para se aplaudir de pé!
"Luca" é um graça! A animação da Pixar traz a essência de "Coco"com aquele toque narrativo de "A Pequena Sereia" - e talvez, só por essa definição já dá para se ter uma idéia de quão graciosa é a jornada do pequeno Luca e de seu amigo Alberto em um mundo cheio de descobertas e, principalmente, imaginação!
Veja, Luca (Jacob Tremblay) é um monstro-marinho que vive nos oceanos as responsabilidades colocadas por sua família: pastorear os peixes. Com uma rotina repetitiva, Luca começa a ter curiosidade pela vida da superfície, principalmente ao recolher alguns objetos humanos que caíram no mar. Sem o apoio da zelosa família, Luca anseia pela primeira transformação em humano e ao conhecer Alberto (Jack Dylan Grazer), menino com as mesmas habilidades de Luca, o caminho para a aventura finalmente parece possível. Em uma charmosa vila italiana, Giulia (Emma Berman) entra para o grupo, ensinando os garotos a experimentar novos sentimentos, como colaboração, senso de justiça e até ciúme. É Giulia que também lhes apresenta o "Triatlo de Portorosso", competição que consiste em nadar, comer massa e pedalar, onde o prêmio final possibilitaria Luca e Alberto de realizarem um grande sonho: comprar uma vespa e assim ter a liberdade para conhecer o mundo! Confira o trailer:
É impressionante como toda a construção da história se apoia em arquétipos que, certamente, fizeram parte da vida dos mais velhos - e que farão parte de uma fase muito importante da vida dos mais novos. O filme mostra com muita a sensibilidade a nostalgia da infância, com suas descobertas, emoções e surpresas de uma temporada de verão - nesse caso, inclusive, brilhantemente apropriada das mais belas paisagens do sul da Itália, com suas cores e sabores. Com o perfeito equilíbrio entre a inovação técnica e a tradição narrativa, a Pixar se aproxima da Disney como poucas vezes, entregando uma trama infinitamente mais simples do que "Soul" ou até de "Divertidamente" - e nem por isso menos genial. De fato, me parece que as crianças foram as maiores homenageadas.
"Luca" é para assistir sorrindo! É uma linda e emocionante história de amizade, com muita aventura e que se torna algo maior por mostrar importância de aceitar a diferença, de permitir se relacionar com o novo e de sonhar. A história tem uma forte identidade infantil, mas com os aprendizados que os adultos podem (e devem) nos dar. Eu diria até que "Luca" é um ensaio sobre a construção de caráter e um exemplo de narrativa autobiográfica que o diretor Enrico Casarosa nos presenteou com muita magia!
"Luca" chegou quietinho, mas vai se tornar inesquecível - pode ter certeza! Lindo para se aplaudir de pé!
Prepare-se, você vai assistir "Luck" com um sorriso no rosto, mesmo quando a emoção tomar conta do seu coração! Bem na linha de "Divertida Mente", enorme sucesso de 2015 da Pixar, essa produção do Estúdio Skydance Animation tem o carisma necessário para discutir conceitos complexos e subjetivos através da simbologia e da criatividade. A linha tênue entre a "sorte" e o "azar" (e como esses dois elementos são tão importantes na nossa vida) é uma espécie de fio condutor para uma narrativa muito agradável e bem desenvolvida, que traz de volta John Lasseter ao mundo das animações que ele mesmo ajudou a colocar em outro patamar!
Sam Greenfield (Eva Noblezada) é a pessoa mais azarada do mundo, até que um belo dia ela encontra a desconhecida "Terra da Sorte" graças ao vacilo do rabugento gato preto, Bob (Simon Pegg). Como humanos não são permitidos nesse mundo fantástico, sua única chance é juntar-se às criaturas mágicas que lá vivem para tentar entender como a dinâmica de duas instituições milenares, a Sorte e o Azar, podem influenciar no nosso cotidiano. Confira o trailer:
É inegável que "Luck" possui inúmeras intenções louváveis dentro do seu texto, porém é preciso dizer que, embora parta de uma ideia original, o roteiro soa como uma readaptação clara de "Divertida Mente" - na produção da Pixar se discutia a complexidade e os efeitos da emoção no nosso desenvolvimento como ser humano a partir da semiótica, aqui o que temos é o mesmo conceito, porém com o foco na "sorte" e no "azar". As semelhanças, na minha opinião, mais ajudam do que atrapalha, já que nossa memória emotiva faz com que o envolvimento com a personagem e seus complexos sejam imediatos - o que nos permite mergulhar naquele mundo sem muita preocupação com o que vamos encontrar, afinal, já sabemos que, com Lasseter no comando, criatividade não faltaria. De fato as "sacadas" que simbolizam esse universo fantástico são excelentes.
Escrito por Kiel Murray (de "Raya e o Último Dragão") e dirigido por Peggy Holmes em seu primeiro grande projeto, os "ex-Disney" não decepcionam. "Luck" é tecnicamente muito bem executado e tem personagens bastante carismáticos - Sam, Bob e Gerry (Colin O'Donoghue) cumprem bem esse papel. Talvez o único elemento que ainda precise um pouco mais de cuidado e de trabalho de seus realizadores seja justamente o elo de conexão entre o mágico e o real - aqui temos muitos conceitos jogados no lindo cenário, mas com pouco impacto com o contexto dos personagens. Diferente de "Divertida Mente", algumas boas idéias ficam perdidas, são apenas citadas rapidamente e certamente teriam força para serem melhores aproveitadas - o mundo do "Azar", que vira nossa vida de ponta cabeça, é um desses exemplos.
"Luck" é um filme sem grandes pretensões, quase um teste de fogo da Skydance Animation que mostra muito mais potencial do que grandiosidade nesse debute. Lançado estrategicamente para o streaming, o filme é adorável, bem realizado e nos traz ótimas sensações durante toda a trama. É o tipo da animação que agrada os adultos e as crianças por razões diferentes, mas igualmente importantes e diria até, essenciais para um entretenimento de qualidade em família.
Vale muito o seu play!
Prepare-se, você vai assistir "Luck" com um sorriso no rosto, mesmo quando a emoção tomar conta do seu coração! Bem na linha de "Divertida Mente", enorme sucesso de 2015 da Pixar, essa produção do Estúdio Skydance Animation tem o carisma necessário para discutir conceitos complexos e subjetivos através da simbologia e da criatividade. A linha tênue entre a "sorte" e o "azar" (e como esses dois elementos são tão importantes na nossa vida) é uma espécie de fio condutor para uma narrativa muito agradável e bem desenvolvida, que traz de volta John Lasseter ao mundo das animações que ele mesmo ajudou a colocar em outro patamar!
Sam Greenfield (Eva Noblezada) é a pessoa mais azarada do mundo, até que um belo dia ela encontra a desconhecida "Terra da Sorte" graças ao vacilo do rabugento gato preto, Bob (Simon Pegg). Como humanos não são permitidos nesse mundo fantástico, sua única chance é juntar-se às criaturas mágicas que lá vivem para tentar entender como a dinâmica de duas instituições milenares, a Sorte e o Azar, podem influenciar no nosso cotidiano. Confira o trailer:
É inegável que "Luck" possui inúmeras intenções louváveis dentro do seu texto, porém é preciso dizer que, embora parta de uma ideia original, o roteiro soa como uma readaptação clara de "Divertida Mente" - na produção da Pixar se discutia a complexidade e os efeitos da emoção no nosso desenvolvimento como ser humano a partir da semiótica, aqui o que temos é o mesmo conceito, porém com o foco na "sorte" e no "azar". As semelhanças, na minha opinião, mais ajudam do que atrapalha, já que nossa memória emotiva faz com que o envolvimento com a personagem e seus complexos sejam imediatos - o que nos permite mergulhar naquele mundo sem muita preocupação com o que vamos encontrar, afinal, já sabemos que, com Lasseter no comando, criatividade não faltaria. De fato as "sacadas" que simbolizam esse universo fantástico são excelentes.
Escrito por Kiel Murray (de "Raya e o Último Dragão") e dirigido por Peggy Holmes em seu primeiro grande projeto, os "ex-Disney" não decepcionam. "Luck" é tecnicamente muito bem executado e tem personagens bastante carismáticos - Sam, Bob e Gerry (Colin O'Donoghue) cumprem bem esse papel. Talvez o único elemento que ainda precise um pouco mais de cuidado e de trabalho de seus realizadores seja justamente o elo de conexão entre o mágico e o real - aqui temos muitos conceitos jogados no lindo cenário, mas com pouco impacto com o contexto dos personagens. Diferente de "Divertida Mente", algumas boas idéias ficam perdidas, são apenas citadas rapidamente e certamente teriam força para serem melhores aproveitadas - o mundo do "Azar", que vira nossa vida de ponta cabeça, é um desses exemplos.
"Luck" é um filme sem grandes pretensões, quase um teste de fogo da Skydance Animation que mostra muito mais potencial do que grandiosidade nesse debute. Lançado estrategicamente para o streaming, o filme é adorável, bem realizado e nos traz ótimas sensações durante toda a trama. É o tipo da animação que agrada os adultos e as crianças por razões diferentes, mas igualmente importantes e diria até, essenciais para um entretenimento de qualidade em família.
Vale muito o seu play!
"O Céu da Meia-Noite" é uma difícil adaptação do livro "Good Morning, Midnight " da norte-americana Lily Brooks-Dalton, que trás elementos narrativos similares a filmes como, por exemplo, "Interestelar" (2014), para compor uma história de Ficção Científica, mas que fala mesmo é sobre "solidão" (e, talvez, sobre a necessidade de se perdoar como ser humano e como humanidade) - isso vai ficar muito claro no terceiro ato do filme!
Dirigido e protagonizado pelo George Clooney, o filme acompanha Augustine, um solitário cientista que precisa se comunicar com uma equipe de astronautas que estão em uma missão no espaço e assim impedir que eles retornem para a Terra em meio a uma misteriosa catástrofe ambiental que praticamente dizimou a humanidade. Confira o trailer:
"O Céu da Meia-Noite" é um ótimo entretenimento, mas certamente vai dividir opiniões. Veja, o filme tem cenas de ação que criam aquele senso de urgência, mas também se apoia muito no sentimentalismo e na necessidade de passar uma mensagem de esperança, que, na minha opinião, pareceu sem tanta profundidade e o propósito (até filosófico) de "Interestelar". O que eu quero dizer é que a própria dinâmica narrativa impediu um aprofundamento maior nos dramas de vários personagens (e muitos deles são completamente dispensáveis), já que a história é contada a partir de dois grandes arcos principais: o de Augustine na Terra e o de Sully (Felicity Jones), junto com os astronautas, no espaço - é muita coisa para apenas duas horas de filme! Embora o roteiro use alguns atalhos para minimizar esse problema e nos provocar uma certa empatia com os personagens (alguns vão chamar de "clichês"), faltou tempo de tela para que essa identificação justificasse nossa paixão, nossa torcida.
Tecnicamente o filme tem grandes momentos, conceitos visuais muito bacanas (e outros nem tanto). A ótima trilha sonora ajuda a pontuar nossas emoções que vão nos acompanhar durante todo filme e que, facilmente, nos ajuda encontrar seu ápice no final - o que é ótimo, mas nos dá até a sensação de que o filme é muito melhor do que ele realmente é! Mas é inegável: nos emocionamos sim e ficamos satisfeitos com o filme! É isso que importa!
Vale seu play, mas não espere todas as repostas, o "caos" que acompanhamos é apenas o pano de fundo para refletirmos sobre algumas escolhas e suas consequências!
"O Céu da Meia-Noite" é uma difícil adaptação do livro "Good Morning, Midnight " da norte-americana Lily Brooks-Dalton, que trás elementos narrativos similares a filmes como, por exemplo, "Interestelar" (2014), para compor uma história de Ficção Científica, mas que fala mesmo é sobre "solidão" (e, talvez, sobre a necessidade de se perdoar como ser humano e como humanidade) - isso vai ficar muito claro no terceiro ato do filme!
Dirigido e protagonizado pelo George Clooney, o filme acompanha Augustine, um solitário cientista que precisa se comunicar com uma equipe de astronautas que estão em uma missão no espaço e assim impedir que eles retornem para a Terra em meio a uma misteriosa catástrofe ambiental que praticamente dizimou a humanidade. Confira o trailer:
"O Céu da Meia-Noite" é um ótimo entretenimento, mas certamente vai dividir opiniões. Veja, o filme tem cenas de ação que criam aquele senso de urgência, mas também se apoia muito no sentimentalismo e na necessidade de passar uma mensagem de esperança, que, na minha opinião, pareceu sem tanta profundidade e o propósito (até filosófico) de "Interestelar". O que eu quero dizer é que a própria dinâmica narrativa impediu um aprofundamento maior nos dramas de vários personagens (e muitos deles são completamente dispensáveis), já que a história é contada a partir de dois grandes arcos principais: o de Augustine na Terra e o de Sully (Felicity Jones), junto com os astronautas, no espaço - é muita coisa para apenas duas horas de filme! Embora o roteiro use alguns atalhos para minimizar esse problema e nos provocar uma certa empatia com os personagens (alguns vão chamar de "clichês"), faltou tempo de tela para que essa identificação justificasse nossa paixão, nossa torcida.
Tecnicamente o filme tem grandes momentos, conceitos visuais muito bacanas (e outros nem tanto). A ótima trilha sonora ajuda a pontuar nossas emoções que vão nos acompanhar durante todo filme e que, facilmente, nos ajuda encontrar seu ápice no final - o que é ótimo, mas nos dá até a sensação de que o filme é muito melhor do que ele realmente é! Mas é inegável: nos emocionamos sim e ficamos satisfeitos com o filme! É isso que importa!
Vale seu play, mas não espere todas as repostas, o "caos" que acompanhamos é apenas o pano de fundo para refletirmos sobre algumas escolhas e suas consequências!
"O Homem do Norte" é impressionante visualmente, embora sua narrativa seja um pouco apressada - principalmente no prólogo. E aí, meu amigo, a culpa é do formato de longa-metragem que não permite um cuidado maior na hora de construir uma história repleta de simbolismos que impactam diretamente em inúmeras camadas da personalidade de cada personagem. Em “The Northman” (no original) é possível encontrar todo o talento e a identidade de Robert Eggers, cineasta responsável pelo “A Bruxa” e pelo surreal "O Farol", em uma atmosfera que equilibra perfeitamente fortes elementos teatrais shakespeareanos, ao melhor estilo “A Tragédia de Hamlet”, com épicos de ação, guerra e traição, daqueles grandiosos, como "300" e até "Game of Thrones".
O filme acompanha a história do Príncipe Amleth (Alexander Skarsgard), cuja missão de vida, assim profetizada, é vingar a morte do seu pai, o Rei Aurvandil (Ethan Hawke), que foi covardemente assassinado pelas mãos de seu tio bastardo, Fjölnir (Claes Bang), e assim salvar a sua mãe, a Rainha Gudrún (Nicole Kidman). Vamos ao trailer:
Esse é o primeiro grande filme (em orçamento) de Eggers, um diretor que ganhou notoriedade pela forma como transitou no cinema independente com projetos de gênero (no caso dramas, com fortes referências de terror e suspense psicológico) que fizeram muito sucesso entre os críticos e o público. Aqui, o diretor busca nos contos nórdicos da mitologia viking, um história sangrenta sobre vingança. Aliás, vale dizer que foi Shakespeare quem revisitou a história do Príncipe Amleth e a adaptou aos moldes da sociedade inglesa e não o contrário. Veja, Eggers não reproduz com fidelidade o conto escrito pelo historiador dinamarquês Saxo Grammaticus, que viveu entre os séculos XII e XIII., já que seu Amleth foi, propositalmente, apenas um recorte de uma saga fantástica muito maior, a "Gesta Danorum" - conhecida como a mais importante história medieval da Dinamarca.
Cinematograficamente falando, "O Homem do Norte" chama atenção por alguns elementos que não me surpreenderei se forem lembrados no próximo Oscar. O primeiro, sem dúvida, é a belíssima fotografia do seu parceiro de longa data, Jarin Blaschke - é incrível como Blaschke vai pontuando cada um dos capítulos do filme com cores e enquadramentos que são facilmente percebidos pelo tom dramático da evolução da história. Além de criativo, os planos são perfeitos tecnicamente. O outro ponto que merece nosso aplauso é a trilha sonora - fantástica! Os estreantes Robin Carolan e Sebastian Gainsborough dão um show! E para finalizar, o desenho de produção e o departamento de arte, puxa, impecáveis - reparem como os rituais (que vimos muito na série "Vikings") se integram perfeitamente no cotidiano e nos costumes daquele povo, com o roteiro que respeita a simbologia mitológica da história. A cena em que Björk revela ao Príncipe Amleth sua profecia, talvez seja o maior exemplo disso!
Com elenco afinado e muito bem inseridos na proposta conceitual do diretor, “O Homem do Norte” é um impressionante e verdadeiro espectáculo visual, rico em toda sua essência como obra cinematográfica e honesto com o estilo já estabelecido de Robert Eggers - talvez a única concessão do diretor tenha sido no idioma do filme, que para Eggers faria mais sentido se fosse falado só em nórdico antigo. Em todo caso, você pode esperar uma jornada sangrenta, brutal e empolgante; eu diria que é uma verdadeira viagem no tempo de um trabalho orientado pelos detalhes e pela precisão técnica e artística, mas sem esquecer daquele tempero independente de uma narrativa autoral.
Vale muito a pena!
"O Homem do Norte" é impressionante visualmente, embora sua narrativa seja um pouco apressada - principalmente no prólogo. E aí, meu amigo, a culpa é do formato de longa-metragem que não permite um cuidado maior na hora de construir uma história repleta de simbolismos que impactam diretamente em inúmeras camadas da personalidade de cada personagem. Em “The Northman” (no original) é possível encontrar todo o talento e a identidade de Robert Eggers, cineasta responsável pelo “A Bruxa” e pelo surreal "O Farol", em uma atmosfera que equilibra perfeitamente fortes elementos teatrais shakespeareanos, ao melhor estilo “A Tragédia de Hamlet”, com épicos de ação, guerra e traição, daqueles grandiosos, como "300" e até "Game of Thrones".
O filme acompanha a história do Príncipe Amleth (Alexander Skarsgard), cuja missão de vida, assim profetizada, é vingar a morte do seu pai, o Rei Aurvandil (Ethan Hawke), que foi covardemente assassinado pelas mãos de seu tio bastardo, Fjölnir (Claes Bang), e assim salvar a sua mãe, a Rainha Gudrún (Nicole Kidman). Vamos ao trailer:
Esse é o primeiro grande filme (em orçamento) de Eggers, um diretor que ganhou notoriedade pela forma como transitou no cinema independente com projetos de gênero (no caso dramas, com fortes referências de terror e suspense psicológico) que fizeram muito sucesso entre os críticos e o público. Aqui, o diretor busca nos contos nórdicos da mitologia viking, um história sangrenta sobre vingança. Aliás, vale dizer que foi Shakespeare quem revisitou a história do Príncipe Amleth e a adaptou aos moldes da sociedade inglesa e não o contrário. Veja, Eggers não reproduz com fidelidade o conto escrito pelo historiador dinamarquês Saxo Grammaticus, que viveu entre os séculos XII e XIII., já que seu Amleth foi, propositalmente, apenas um recorte de uma saga fantástica muito maior, a "Gesta Danorum" - conhecida como a mais importante história medieval da Dinamarca.
Cinematograficamente falando, "O Homem do Norte" chama atenção por alguns elementos que não me surpreenderei se forem lembrados no próximo Oscar. O primeiro, sem dúvida, é a belíssima fotografia do seu parceiro de longa data, Jarin Blaschke - é incrível como Blaschke vai pontuando cada um dos capítulos do filme com cores e enquadramentos que são facilmente percebidos pelo tom dramático da evolução da história. Além de criativo, os planos são perfeitos tecnicamente. O outro ponto que merece nosso aplauso é a trilha sonora - fantástica! Os estreantes Robin Carolan e Sebastian Gainsborough dão um show! E para finalizar, o desenho de produção e o departamento de arte, puxa, impecáveis - reparem como os rituais (que vimos muito na série "Vikings") se integram perfeitamente no cotidiano e nos costumes daquele povo, com o roteiro que respeita a simbologia mitológica da história. A cena em que Björk revela ao Príncipe Amleth sua profecia, talvez seja o maior exemplo disso!
Com elenco afinado e muito bem inseridos na proposta conceitual do diretor, “O Homem do Norte” é um impressionante e verdadeiro espectáculo visual, rico em toda sua essência como obra cinematográfica e honesto com o estilo já estabelecido de Robert Eggers - talvez a única concessão do diretor tenha sido no idioma do filme, que para Eggers faria mais sentido se fosse falado só em nórdico antigo. Em todo caso, você pode esperar uma jornada sangrenta, brutal e empolgante; eu diria que é uma verdadeira viagem no tempo de um trabalho orientado pelos detalhes e pela precisão técnica e artística, mas sem esquecer daquele tempero independente de uma narrativa autoral.
Vale muito a pena!
Acesse com o Facebook
Acesse com o Google