"Corpo e Alma" foi o representante Húngaro na disputa do Oscar 2018. Ele chegou com a validação por ter ganho o Urso de Ouro em Berlin em 2017. O filme conta a história de um homem e uma mulher, colegas de trabalho, que passam a se conhecer melhor e acabam descobrindo que eles sonham as mesmas coisas durante a noite. Com isso, eles decidem tornar essa relação incomum em algo real, apesar das dificuldades no mundo real. Confira o trailer:
"On Body and Soul" (título internacional)é tecnicamente muito bem realizado e tem uma história até que interessante - embora, tenha uma ou outra cena mais chocante envolvendo animais, porém apresentada de forma gratuita - muito mais para chocar do que para mover a história para frente. Até acho que faz algum sentido no contexto cruel daquele universo, mas, admito, marca demais!
Analisando isoladamente é um filme que te prende e te instiga assim que a trama central é apresentada. Os atores húngaros estão muito bem, com destaque para o Géza Morcsányi. Já a Alexandra Borbély, mais experiente, achei um pouco fora do tom, quase esteriotipada, mas como seu personagem pedia isso, certamente foi uma escolha justificada pelo contexto - penso que se não estivesse tão robótica ficaria mais fácil criar uma empatia. O fato é que em nenhum momento torci ou me preocupei com ela, talvez por isso não tenha gostado tanto do filme quanto gostei de "Loveless" e "The Square" que também estão na disputa pelo Oscar.
A diretora, Ildikó Enyedi, já havia ganho a Camera de Ouro em Cannes em 89 e vale a pena conhecer o trabalho dela. Ela não inventa, faz um cinema mais clássico e com muita qualidade. Gostei!
No geral, o filme é bacana. O cinema húngaro foi um novidade para mim, mas eu gostei do que vi e por isso indico tranquilamente!
"Corpo e Alma" foi o representante Húngaro na disputa do Oscar 2018. Ele chegou com a validação por ter ganho o Urso de Ouro em Berlin em 2017. O filme conta a história de um homem e uma mulher, colegas de trabalho, que passam a se conhecer melhor e acabam descobrindo que eles sonham as mesmas coisas durante a noite. Com isso, eles decidem tornar essa relação incomum em algo real, apesar das dificuldades no mundo real. Confira o trailer:
"On Body and Soul" (título internacional)é tecnicamente muito bem realizado e tem uma história até que interessante - embora, tenha uma ou outra cena mais chocante envolvendo animais, porém apresentada de forma gratuita - muito mais para chocar do que para mover a história para frente. Até acho que faz algum sentido no contexto cruel daquele universo, mas, admito, marca demais!
Analisando isoladamente é um filme que te prende e te instiga assim que a trama central é apresentada. Os atores húngaros estão muito bem, com destaque para o Géza Morcsányi. Já a Alexandra Borbély, mais experiente, achei um pouco fora do tom, quase esteriotipada, mas como seu personagem pedia isso, certamente foi uma escolha justificada pelo contexto - penso que se não estivesse tão robótica ficaria mais fácil criar uma empatia. O fato é que em nenhum momento torci ou me preocupei com ela, talvez por isso não tenha gostado tanto do filme quanto gostei de "Loveless" e "The Square" que também estão na disputa pelo Oscar.
A diretora, Ildikó Enyedi, já havia ganho a Camera de Ouro em Cannes em 89 e vale a pena conhecer o trabalho dela. Ela não inventa, faz um cinema mais clássico e com muita qualidade. Gostei!
No geral, o filme é bacana. O cinema húngaro foi um novidade para mim, mas eu gostei do que vi e por isso indico tranquilamente!
Antes de mais nada é preciso dizer que "Culpa" (Den Skyldige, no original) é um filmaço! Mas calma, ele pode não te agradar pela forma, mas nunca pelo conteúdo. Veja, se em "Locke", de 2013, Tom Hardy passou o filme inteiro em uma BMW falando no celular e mais recentemente "Calls"se tornou uma das melhores séries de ficção científica apenas nos mostrando os diálogos de pessoas falando no telefone, é de se esperar que uma dinâmica narrativa bem executada nem sempre precise de ação para contar uma boa história - apenas os diálogos e um bom trabalho do elenco é o suficiente para nos provocar sensações e sentimentos que transformam aquela jornada em uma experiência única.
A "Culpa" é justamente isso: o policial Asger Holm (Jakob Cedergren) está acostumado a trabalhar nas ruas de Copenhagen, mas devido a um conflito ético no trabalho, ele é direcionado para cuidar da mesa de emergências da polícia. Encarregado de receber ligações e transmitir às delegacias responsáveis, ele é surpreendido pela chamada de uma mulher desesperada, tentando comunicar o seu sequestro sem chamar a atenção do sequestrador. Infelizmente, ela precisa desligar antes de ser descoberta, de modo que Asger dispõe de poucas informações para encontrá-la. É aí que começa uma corrida contra o relógio para descobrir onde ela está, para mobilizar os policiais mais próximos e salvar a vítima antes que uma tragédia aconteça. Confira o trailer:
Esse premiadíssimo filme dinamarquês é mais um ótimo exemplo do casamento perfeito entre um roteiro excelente e uma atuação muito acima da média. Jakob Cedergren (Forbrydelsen) dá uma aula de interpretação ao se apropriar do silêncio para expor seus sentimentos mais profundos e, descaradamente, manipular nossas percepções sobre aquela situação que está vivendo. O roteiro escrito pelo diretor Gustav Möller ao lado de Emil Nygaard Albertsen, é extremamente eficiente em pontuar vários momentos de tensão sem ao menos precisar nos mostrar tudo que está acontecendo. O fato da história ser contada pelo olhar de um único personagem a partir do que só ele imagina, cria uma sensação de angustia quase que indescritível. Möller, ainda é muito perspicaz como diretor ao nos conceder algum tempo para que possamos recuperar o fôlego e aí seguir em frente, porém sua gramática cinematográfica só alimenta nossa expectativa e também nos convida a imaginar o que vai acontecer do outro lado linha a cada toque do telefone (ou quando acende a luz vermelha assim que uma chamado acontece). Além de explicar gradativamente o motivo de Asger estar afastado de suas funções, o roteiro constrói sua personalidade sem precisar ser didático demais - o que faz todo sentido pelas atitudes que o protagonista tem durante os 90 minutos de filme.
A montagem de Carla Luffe, que fez sua carreira na publicidade, é outro aspecto que merece bastante destaque - ela é capaz de aplicar aquele conceito do "menos é mais" tão comum quando precisamos contar uma boa história em pouco tempo. Embora a escassez de tempo não fosse uma preocupação aqui, imagine o quão monótono seria um filme onde tudo que vemos se resume a um homem enquadrado atrás de uma mesa com um fone na cabeça. Em "Culpa" não existe monotonia, e sim um mergulho profundo na pré concepção de nossos estigmas e (in)seguranças - por mais incoerente que possa parecer essa definição!
"Culpa" funciona muito bem como um suspense, mas é no drama que o filme ganha outro valor - no drama pessoal mais precisamente! É um exercício cinematográfico dos mais complicados transformar o público em personagens ativos da história e em "Culpa" temos a exata sensação de estar ao lado de Asger Holm, escutando sua conversa, sem saber exatamente o que está acontecendo, mas julgando pelas atitudes dele (que também não tem todas as ferramentas para fazer isso com segurança e... ética)!
Vale muito a pena!
Antes de mais nada é preciso dizer que "Culpa" (Den Skyldige, no original) é um filmaço! Mas calma, ele pode não te agradar pela forma, mas nunca pelo conteúdo. Veja, se em "Locke", de 2013, Tom Hardy passou o filme inteiro em uma BMW falando no celular e mais recentemente "Calls"se tornou uma das melhores séries de ficção científica apenas nos mostrando os diálogos de pessoas falando no telefone, é de se esperar que uma dinâmica narrativa bem executada nem sempre precise de ação para contar uma boa história - apenas os diálogos e um bom trabalho do elenco é o suficiente para nos provocar sensações e sentimentos que transformam aquela jornada em uma experiência única.
A "Culpa" é justamente isso: o policial Asger Holm (Jakob Cedergren) está acostumado a trabalhar nas ruas de Copenhagen, mas devido a um conflito ético no trabalho, ele é direcionado para cuidar da mesa de emergências da polícia. Encarregado de receber ligações e transmitir às delegacias responsáveis, ele é surpreendido pela chamada de uma mulher desesperada, tentando comunicar o seu sequestro sem chamar a atenção do sequestrador. Infelizmente, ela precisa desligar antes de ser descoberta, de modo que Asger dispõe de poucas informações para encontrá-la. É aí que começa uma corrida contra o relógio para descobrir onde ela está, para mobilizar os policiais mais próximos e salvar a vítima antes que uma tragédia aconteça. Confira o trailer:
Esse premiadíssimo filme dinamarquês é mais um ótimo exemplo do casamento perfeito entre um roteiro excelente e uma atuação muito acima da média. Jakob Cedergren (Forbrydelsen) dá uma aula de interpretação ao se apropriar do silêncio para expor seus sentimentos mais profundos e, descaradamente, manipular nossas percepções sobre aquela situação que está vivendo. O roteiro escrito pelo diretor Gustav Möller ao lado de Emil Nygaard Albertsen, é extremamente eficiente em pontuar vários momentos de tensão sem ao menos precisar nos mostrar tudo que está acontecendo. O fato da história ser contada pelo olhar de um único personagem a partir do que só ele imagina, cria uma sensação de angustia quase que indescritível. Möller, ainda é muito perspicaz como diretor ao nos conceder algum tempo para que possamos recuperar o fôlego e aí seguir em frente, porém sua gramática cinematográfica só alimenta nossa expectativa e também nos convida a imaginar o que vai acontecer do outro lado linha a cada toque do telefone (ou quando acende a luz vermelha assim que uma chamado acontece). Além de explicar gradativamente o motivo de Asger estar afastado de suas funções, o roteiro constrói sua personalidade sem precisar ser didático demais - o que faz todo sentido pelas atitudes que o protagonista tem durante os 90 minutos de filme.
A montagem de Carla Luffe, que fez sua carreira na publicidade, é outro aspecto que merece bastante destaque - ela é capaz de aplicar aquele conceito do "menos é mais" tão comum quando precisamos contar uma boa história em pouco tempo. Embora a escassez de tempo não fosse uma preocupação aqui, imagine o quão monótono seria um filme onde tudo que vemos se resume a um homem enquadrado atrás de uma mesa com um fone na cabeça. Em "Culpa" não existe monotonia, e sim um mergulho profundo na pré concepção de nossos estigmas e (in)seguranças - por mais incoerente que possa parecer essa definição!
"Culpa" funciona muito bem como um suspense, mas é no drama que o filme ganha outro valor - no drama pessoal mais precisamente! É um exercício cinematográfico dos mais complicados transformar o público em personagens ativos da história e em "Culpa" temos a exata sensação de estar ao lado de Asger Holm, escutando sua conversa, sem saber exatamente o que está acontecendo, mas julgando pelas atitudes dele (que também não tem todas as ferramentas para fazer isso com segurança e... ética)!
Vale muito a pena!
"Dark" é um original da Netflix que se tornou um sucesso instantâneo, conquistando fãs em todo o mundo. Com uma trama intricada e cheia de reviravoltas, a série explora temas como viagem no tempo, destino e livre arbítrio.
Essa produção alemã se passa em uma pequena cidade, onde um desaparecimento misterioso desencadeia uma série de eventos que levam os personagens a descobrir segredos sombrios sobre suas próprias famílias e a história daquele local. A narrativa é apresentada de forma não-linear, saltando entre diferentes épocas e personagens, o que pode ser um pouco confuso para alguns espectadores, mas que é parte da beleza da série. Confira o trailer:
Os personagens de "Dark" são complexos e bem desenvolvidos, com histórias pessoais que se entrelaçam ao longo da trama. Os atores entregam performances emocionantes, tornando fácil se envolver com cada um deles.
Um dos pontos fortes da série é a sua fotografia. As paisagens da cidade, as cenas noturnas e os efeitos especiais são de tirar o fôlego. A trilha sonora é igualmente impressionante, ajudando a criar uma atmosfera sombria e intensa.
No geral, "Dark" é uma série intrigante e envolvente, que mantém o espectador cativado do início ao fim. É um exemplo de como a televisão pode ser usada para contar histórias complexas e profundas, e é altamente recomendado para aqueles que buscam uma experiência emocionante e intelectualmente estimulante.
PS: Quando assisti a palestra da Kelly Luegenbiehl, executiva da Netflix no Rio Content Market de 2017, ela mostrou uns seis trailers de produções não-americanas para o ano. "Dark" foi disparado a que mais chamou minha atenção. Inclusive ela elogiou demais o Diretor - uma espécie de José Padilha da Alemanha (palavras dela)!!!
"Dark" é um original da Netflix que se tornou um sucesso instantâneo, conquistando fãs em todo o mundo. Com uma trama intricada e cheia de reviravoltas, a série explora temas como viagem no tempo, destino e livre arbítrio.
Essa produção alemã se passa em uma pequena cidade, onde um desaparecimento misterioso desencadeia uma série de eventos que levam os personagens a descobrir segredos sombrios sobre suas próprias famílias e a história daquele local. A narrativa é apresentada de forma não-linear, saltando entre diferentes épocas e personagens, o que pode ser um pouco confuso para alguns espectadores, mas que é parte da beleza da série. Confira o trailer:
Os personagens de "Dark" são complexos e bem desenvolvidos, com histórias pessoais que se entrelaçam ao longo da trama. Os atores entregam performances emocionantes, tornando fácil se envolver com cada um deles.
Um dos pontos fortes da série é a sua fotografia. As paisagens da cidade, as cenas noturnas e os efeitos especiais são de tirar o fôlego. A trilha sonora é igualmente impressionante, ajudando a criar uma atmosfera sombria e intensa.
No geral, "Dark" é uma série intrigante e envolvente, que mantém o espectador cativado do início ao fim. É um exemplo de como a televisão pode ser usada para contar histórias complexas e profundas, e é altamente recomendado para aqueles que buscam uma experiência emocionante e intelectualmente estimulante.
PS: Quando assisti a palestra da Kelly Luegenbiehl, executiva da Netflix no Rio Content Market de 2017, ela mostrou uns seis trailers de produções não-americanas para o ano. "Dark" foi disparado a que mais chamou minha atenção. Inclusive ela elogiou demais o Diretor - uma espécie de José Padilha da Alemanha (palavras dela)!!!
"Dentro da Casa", filme do diretor François Ozon, do também excelente, "O Amante Duplo", brinca com o mesmo elemento narrativo que nos motivou assistir "A Mulher na Janela"e "The Voyeurs" -aquela curiosidade incontrolável de saber o que acontece na vida dos outros, dentro de quatro paredes. Se nos filmes citados o foco era o suspense psicológico, aqui o objetivo é mostrar o poder que as palavras têm na construção de uma imaginação quase literal de uma história! "Dentro da Casa" também provoca um certo desconforto pelo receio de ser descoberto, mas está longe de ser um thriller - eu diria, inclusive, que ele é um ótimo e criativo drama de relações.
Um pouco cansado da rotina de professor de literatura francesa, Germain (Fabrice Luchini) chega a atormentar sua esposa Jeanne (Kristin Scott Thomas) com suas reclamações, mas ela também tem seus problemas profissionais para resolver e nem sempre dá a atenção desejada. Até o dia em que ele descobre na redação de um dos seus alunos, o adolescente Claude (Ernst Umhauer), um estilo diferente de escrita, que dá início a um intrigante jogo de sedução entre pupilo e mestre, que acaba envolvendo a própria esposa, a família de um colega de classe e seu dia a dia profissional. Confira o trailer:
Baseado na peça teatral "The Boy in the Last Row" de Juan Mayorga, "Dentro da Casa" tem o mérito de manipular a realidade pelos olhos de vários personagens de uma forma que em muitos momentos nos pegamos contestando se aquilo tudo pode ser verossímil. A cada capítulo escrito (vamos chamar assim) que Claude entrega para Germain ler, somos arremessados para dentro de um contexto palpável, o lar de uma família aparentemente feliz. O interessante é que levada autoral do filme torna impossível cravar o que é real e o que é imaginação nesse mesmo contexto. Se para Germain as histórias do seu aluno não passam de uma pura interpretação de seus desejos mais adolescentes, para sua esposa Jeanne, os detalhes são tão reais que ela mesmo duvida que aquela história possa ser fruto da criatividade de um rapaz tão jovem.
Esse "vai e vem" entre realidade e imaginação, através dos textos de Claude, é muito bem traduzido em imagens por Ozon, que também assinou o roteiro. As intervenções metalinguísticas que o diretor faz durante algumas cenas são sensacionais e tira, mais uma vez, o peso da necessidade de surpreender a audiência com um plot twist matador, típico do suspense, afinal, a cada momento, só temos ferramentas para "supor" e nunca para "afirmar" que aquilo tudo está, de fato, acontecendo. Quando Claude traz para a história suas fantasias adolescentes, é clara a identificação de Germain com seu passado de escritor, ao mesmo tempo quando as soluções de seu aluno são mais trágicas, o que vemos é o medo do professor em assumir que está indo longe demais em pró da sua paixão pela literatura (ou pela reparação de uma frustração antiga).
"Dentro da Casa" parece um jogo, cheio de provocações e fantasias, onde a relação entre as pessoas, em diferente níveis, são expostas de uma forma muito autêntica - é uma verdadeira celebração aos diversos tipos de arte (literatura, cinema, artes plásticas, pintura). Ozon foi muito feliz em usar vários conceitos cinematográficos para incitar nossa imaginação e desejos - Emmanuelle Seigner (Esther) funciona como gatilho para isso, mas seria injusto com todo o excelente elenco dar esse mérito apenas para ela. O filme é tão bom e dinâmico que quando Claude finaliza sua história, surpreendentemente, pouco nos importa se tudo aquilo foi real em algum momento - o que no moveu até ali foram as sensações provocadas, como em um bom livro, aliás.
Vale muito seu play! Filmaço!
"Dentro da Casa", filme do diretor François Ozon, do também excelente, "O Amante Duplo", brinca com o mesmo elemento narrativo que nos motivou assistir "A Mulher na Janela"e "The Voyeurs" -aquela curiosidade incontrolável de saber o que acontece na vida dos outros, dentro de quatro paredes. Se nos filmes citados o foco era o suspense psicológico, aqui o objetivo é mostrar o poder que as palavras têm na construção de uma imaginação quase literal de uma história! "Dentro da Casa" também provoca um certo desconforto pelo receio de ser descoberto, mas está longe de ser um thriller - eu diria, inclusive, que ele é um ótimo e criativo drama de relações.
Um pouco cansado da rotina de professor de literatura francesa, Germain (Fabrice Luchini) chega a atormentar sua esposa Jeanne (Kristin Scott Thomas) com suas reclamações, mas ela também tem seus problemas profissionais para resolver e nem sempre dá a atenção desejada. Até o dia em que ele descobre na redação de um dos seus alunos, o adolescente Claude (Ernst Umhauer), um estilo diferente de escrita, que dá início a um intrigante jogo de sedução entre pupilo e mestre, que acaba envolvendo a própria esposa, a família de um colega de classe e seu dia a dia profissional. Confira o trailer:
Baseado na peça teatral "The Boy in the Last Row" de Juan Mayorga, "Dentro da Casa" tem o mérito de manipular a realidade pelos olhos de vários personagens de uma forma que em muitos momentos nos pegamos contestando se aquilo tudo pode ser verossímil. A cada capítulo escrito (vamos chamar assim) que Claude entrega para Germain ler, somos arremessados para dentro de um contexto palpável, o lar de uma família aparentemente feliz. O interessante é que levada autoral do filme torna impossível cravar o que é real e o que é imaginação nesse mesmo contexto. Se para Germain as histórias do seu aluno não passam de uma pura interpretação de seus desejos mais adolescentes, para sua esposa Jeanne, os detalhes são tão reais que ela mesmo duvida que aquela história possa ser fruto da criatividade de um rapaz tão jovem.
Esse "vai e vem" entre realidade e imaginação, através dos textos de Claude, é muito bem traduzido em imagens por Ozon, que também assinou o roteiro. As intervenções metalinguísticas que o diretor faz durante algumas cenas são sensacionais e tira, mais uma vez, o peso da necessidade de surpreender a audiência com um plot twist matador, típico do suspense, afinal, a cada momento, só temos ferramentas para "supor" e nunca para "afirmar" que aquilo tudo está, de fato, acontecendo. Quando Claude traz para a história suas fantasias adolescentes, é clara a identificação de Germain com seu passado de escritor, ao mesmo tempo quando as soluções de seu aluno são mais trágicas, o que vemos é o medo do professor em assumir que está indo longe demais em pró da sua paixão pela literatura (ou pela reparação de uma frustração antiga).
"Dentro da Casa" parece um jogo, cheio de provocações e fantasias, onde a relação entre as pessoas, em diferente níveis, são expostas de uma forma muito autêntica - é uma verdadeira celebração aos diversos tipos de arte (literatura, cinema, artes plásticas, pintura). Ozon foi muito feliz em usar vários conceitos cinematográficos para incitar nossa imaginação e desejos - Emmanuelle Seigner (Esther) funciona como gatilho para isso, mas seria injusto com todo o excelente elenco dar esse mérito apenas para ela. O filme é tão bom e dinâmico que quando Claude finaliza sua história, surpreendentemente, pouco nos importa se tudo aquilo foi real em algum momento - o que no moveu até ali foram as sensações provocadas, como em um bom livro, aliás.
Vale muito seu play! Filmaço!
Mesmo sendo uma série de 2019, só assista "Departure" se você estiver disposto a fazer uma viagem nostálgica para o final dos anos 90, em uma época pré-streaming, onde a narrativa se permitia criar uma atmosfera de mistério, repleta de reviravoltas, mas completamente distante da realidade. O fato é que essa produção canadense que recebe o selo de original da Peacock (plataforma da NBC ainda inédita no Brasil) é uma espécie de "24 Horas" com "C.S.I" - dinâmica, divertida, interessante, mas claramente feita para a TV aberta.
Após o misterioso desaparecimento do voo 716 no meio do Oceano Atlântico, a investigadora Kendra Malley (Archie Panjabi) é recrutada pelo seu antigo chefe e mentor, Howard Lawson (o saudoso Christopher Plummer em seu último trabalho), para comandar uma equipe de elite e assim tentar descobrir o que de fato aconteceu com aeronave e, quem sabe, localizar possíveis sobreviventes. Confira o trailer (em inglês):
"Departure" segue a cartilha da era de ouro da TV americana, inclusive com um alto nível de produção. Veja, é como se estivéssemos assistindo um episódio de "C.S.I" de 6 horas ou uma temporada de "24 horas" em 6 episódios. O formato de antologia (onde a história se encerra em alguns episódios definidos) se mistura àquela estrutura de procedural (quando o arco principal se encerra em um episódio, mas deixa tramas secundárias para serem desenvolvidas em outros) - e isso é muito importante ressaltar para que as expectativas estejam alinhadas: a trama não tem o menor compromisso em ser 100% realista, o propósito da narrativa é apenas o de te segurar até o último segundo da temporada, mesmo que para isso algumas soluções possam soar absurdas. Os elementos dramáticos desse tipo de formato se repetem em vários títulos, portanto, não se irrite, apenas embarque na proposta e se divirta - muitos de nós fazíamos isso antes de Netflix, Globoplay, Prime Vídeo, etc.
É inegável a qualidade do trabalho de T.J. Scott, um diretor que construiu sua carreira dirigindo episódios de séries (de "Xena: A Princesa Guerreira" à "Star Trek: Discovery") da mesma forma que muitos brasileiros dirigiam novelas antes de buscarem outro caminhos, portanto é natural encontrarmos alguns vícios narrativos de Scott em toda temporada. Praticamente todas as cenas possuem um trilha sonora de fundo para manipular nossas emoções (tensão, drama, mistério, romance, etc), aqueles cortes onde o foco está na reação do personagem depois de uma "grande" descoberta que precedia o intervalo, inúmeras cenas se passam dentro de um mesmo cenário (no caso o QG da equipe - uma espécie de CTU de "24 horas") e até a construção de um arco com o filho adolescente revoltado que só traz problemas para a protagonista que sente dividida entre a família e sua missão profissional.
Além de Panjabi e Plummer, a série ainda conta com um elenco de peso como Kris Holden-Ried (The Umbrella Academy) como Dom, Rebecca Liddiard (Run This Town) como Madelyn, Tamara Duarte (Longmire) como Nadia, Mark Rendall (Versailles) como Theo, Peter Mensah (Midnight, Texas) como Levi e Sasha Roiz (Grimm) como Pavel Bartok; e isso, sem a menor dúvida, ajuda muito no desenvolvimento da história que, acreditem, conquistou a audiência americana, rendendo, inclusive, uma segunda temporada que estreia em 2022 - onde Kendra Malley e sua equipe vão investigar um acidente de trem.
"Departure" é um entretenimento despretensioso, rápido, divertido e até surpreendente, que vai te prender do início ao fim desde que você esteja disposto a acreditar naquela história, sem julgamentos ou preconceitos. Típica série boa para aquele sábado chuvoso onde não queremos nada muito profundo, apenas curtir bons episódios - como fazíamos antigamente com os boxes de DVDs.
Vale o seu play!
Mesmo sendo uma série de 2019, só assista "Departure" se você estiver disposto a fazer uma viagem nostálgica para o final dos anos 90, em uma época pré-streaming, onde a narrativa se permitia criar uma atmosfera de mistério, repleta de reviravoltas, mas completamente distante da realidade. O fato é que essa produção canadense que recebe o selo de original da Peacock (plataforma da NBC ainda inédita no Brasil) é uma espécie de "24 Horas" com "C.S.I" - dinâmica, divertida, interessante, mas claramente feita para a TV aberta.
Após o misterioso desaparecimento do voo 716 no meio do Oceano Atlântico, a investigadora Kendra Malley (Archie Panjabi) é recrutada pelo seu antigo chefe e mentor, Howard Lawson (o saudoso Christopher Plummer em seu último trabalho), para comandar uma equipe de elite e assim tentar descobrir o que de fato aconteceu com aeronave e, quem sabe, localizar possíveis sobreviventes. Confira o trailer (em inglês):
"Departure" segue a cartilha da era de ouro da TV americana, inclusive com um alto nível de produção. Veja, é como se estivéssemos assistindo um episódio de "C.S.I" de 6 horas ou uma temporada de "24 horas" em 6 episódios. O formato de antologia (onde a história se encerra em alguns episódios definidos) se mistura àquela estrutura de procedural (quando o arco principal se encerra em um episódio, mas deixa tramas secundárias para serem desenvolvidas em outros) - e isso é muito importante ressaltar para que as expectativas estejam alinhadas: a trama não tem o menor compromisso em ser 100% realista, o propósito da narrativa é apenas o de te segurar até o último segundo da temporada, mesmo que para isso algumas soluções possam soar absurdas. Os elementos dramáticos desse tipo de formato se repetem em vários títulos, portanto, não se irrite, apenas embarque na proposta e se divirta - muitos de nós fazíamos isso antes de Netflix, Globoplay, Prime Vídeo, etc.
É inegável a qualidade do trabalho de T.J. Scott, um diretor que construiu sua carreira dirigindo episódios de séries (de "Xena: A Princesa Guerreira" à "Star Trek: Discovery") da mesma forma que muitos brasileiros dirigiam novelas antes de buscarem outro caminhos, portanto é natural encontrarmos alguns vícios narrativos de Scott em toda temporada. Praticamente todas as cenas possuem um trilha sonora de fundo para manipular nossas emoções (tensão, drama, mistério, romance, etc), aqueles cortes onde o foco está na reação do personagem depois de uma "grande" descoberta que precedia o intervalo, inúmeras cenas se passam dentro de um mesmo cenário (no caso o QG da equipe - uma espécie de CTU de "24 horas") e até a construção de um arco com o filho adolescente revoltado que só traz problemas para a protagonista que sente dividida entre a família e sua missão profissional.
Além de Panjabi e Plummer, a série ainda conta com um elenco de peso como Kris Holden-Ried (The Umbrella Academy) como Dom, Rebecca Liddiard (Run This Town) como Madelyn, Tamara Duarte (Longmire) como Nadia, Mark Rendall (Versailles) como Theo, Peter Mensah (Midnight, Texas) como Levi e Sasha Roiz (Grimm) como Pavel Bartok; e isso, sem a menor dúvida, ajuda muito no desenvolvimento da história que, acreditem, conquistou a audiência americana, rendendo, inclusive, uma segunda temporada que estreia em 2022 - onde Kendra Malley e sua equipe vão investigar um acidente de trem.
"Departure" é um entretenimento despretensioso, rápido, divertido e até surpreendente, que vai te prender do início ao fim desde que você esteja disposto a acreditar naquela história, sem julgamentos ou preconceitos. Típica série boa para aquele sábado chuvoso onde não queremos nada muito profundo, apenas curtir bons episódios - como fazíamos antigamente com os boxes de DVDs.
Vale o seu play!
Talvez o maior mérito de "Dix pour Cent" seja o fato de ser muito despretensiosa. A série francesa, distribuída pela Netflix, é muito divertida e realmente não se preocupa com os próprios escorregões (literalmente) até encontrar o tom de cada episódio. "Dix pour Cent" é uma série da TV aberta francesa, um procedural (episódios com começo, meio e fim, além de um arco maior que abrange todos os personagens e suas relações), muito parecida com "House of Lies" em sua estrutura narrativa. Enquanto a série da HBO acompanha uma equipe de consultores, "Dix pour Cent" segue quatro agentes de talentos em Paris. Ambas usam a comédia para aliviar o peso dos seus dramas pessoais e cotidianos, às vezes até abusando um pouco do over-acting, mas ok, porque cabe perfeitamente nas situações que os personagens enfrentam na série. Digamos que tudo combina tão bem que nos fisga facilmente!
Embora extremamente bem produzida, tendo Paris como pano de fundo, "Dix pour Cent" é quase um novelão, nem tanto por sua forma (já que fica fácil perceber o cuidado da direção, com a fotografia e o desenho de produção,) mas sim por sua essência (quase cartunesca) - e é nessa busca do equilíbrio entre linguagens que a série sai na frente, pois tudo nos soa muito familiar ao mesmo tempo que é uma grande novidade. Os personagens: Andrea (Camille Cottin), Mathias (Thibault de Montalembert), Gabriel (Grégory Montel) e Arlette (Liliane Rovère) são os sócios minoritários da agência "ASK", e têm que enfrentar um futuro incerto depois que o sócio majoritário, e chefe, Samuel Kerr, morre repentinamente em uma viagem para o Brasil (pois é...rs). Apesar de sócios, a relação entre os quatro protagonistas não é nada saudável e a pressão do dia a dia para não perder seus clientes, estrelas de cinema nada convencionais, criam uma dinâmica muito interessante e divertida para a série.
Um dos pontos altos é a participação especial de estrelas reais do cinema francês - é claro que seu público nativo se identifica (ou reconhece esses personagens) muito mais que nós brasileiros, mas em episódios que contam com Cécile de France, Nathalie Baye, Isabelle Adjan, Juliette Binochi e até Isabelle Huppert sentimos o gostinho dessa característica tão especial da série - mais ou menos como faz "Ballers" com o esporte americano na HBO. O fato é que essa relação entre uma narrativa de ficção com personagens reais, mas estereotipados, é muito bem aproveitada em "Dix pour Cent" e faz toda a diferença no resultado final!
"Dix pour Cent" tem 6 episódios, de 50 minutos, na sua primeira temporada, mas a Netflix já disponibilizou as três temporadas exibidas na França. Uma quarta já está sendo filmada e a previsão de estréia é para o início de 2020. Olha, vale muito a pena, "Dix pour Cent" é uma série sem compromisso que diverte e vicia! Puro entretenimento!
Talvez o maior mérito de "Dix pour Cent" seja o fato de ser muito despretensiosa. A série francesa, distribuída pela Netflix, é muito divertida e realmente não se preocupa com os próprios escorregões (literalmente) até encontrar o tom de cada episódio. "Dix pour Cent" é uma série da TV aberta francesa, um procedural (episódios com começo, meio e fim, além de um arco maior que abrange todos os personagens e suas relações), muito parecida com "House of Lies" em sua estrutura narrativa. Enquanto a série da HBO acompanha uma equipe de consultores, "Dix pour Cent" segue quatro agentes de talentos em Paris. Ambas usam a comédia para aliviar o peso dos seus dramas pessoais e cotidianos, às vezes até abusando um pouco do over-acting, mas ok, porque cabe perfeitamente nas situações que os personagens enfrentam na série. Digamos que tudo combina tão bem que nos fisga facilmente!
Embora extremamente bem produzida, tendo Paris como pano de fundo, "Dix pour Cent" é quase um novelão, nem tanto por sua forma (já que fica fácil perceber o cuidado da direção, com a fotografia e o desenho de produção,) mas sim por sua essência (quase cartunesca) - e é nessa busca do equilíbrio entre linguagens que a série sai na frente, pois tudo nos soa muito familiar ao mesmo tempo que é uma grande novidade. Os personagens: Andrea (Camille Cottin), Mathias (Thibault de Montalembert), Gabriel (Grégory Montel) e Arlette (Liliane Rovère) são os sócios minoritários da agência "ASK", e têm que enfrentar um futuro incerto depois que o sócio majoritário, e chefe, Samuel Kerr, morre repentinamente em uma viagem para o Brasil (pois é...rs). Apesar de sócios, a relação entre os quatro protagonistas não é nada saudável e a pressão do dia a dia para não perder seus clientes, estrelas de cinema nada convencionais, criam uma dinâmica muito interessante e divertida para a série.
Um dos pontos altos é a participação especial de estrelas reais do cinema francês - é claro que seu público nativo se identifica (ou reconhece esses personagens) muito mais que nós brasileiros, mas em episódios que contam com Cécile de France, Nathalie Baye, Isabelle Adjan, Juliette Binochi e até Isabelle Huppert sentimos o gostinho dessa característica tão especial da série - mais ou menos como faz "Ballers" com o esporte americano na HBO. O fato é que essa relação entre uma narrativa de ficção com personagens reais, mas estereotipados, é muito bem aproveitada em "Dix pour Cent" e faz toda a diferença no resultado final!
"Dix pour Cent" tem 6 episódios, de 50 minutos, na sua primeira temporada, mas a Netflix já disponibilizou as três temporadas exibidas na França. Uma quarta já está sendo filmada e a previsão de estréia é para o início de 2020. Olha, vale muito a pena, "Dix pour Cent" é uma série sem compromisso que diverte e vicia! Puro entretenimento!
"Durante a Tormenta" é mais um daqueles filmes escondidos no catálogo da Netflix que nos perguntamos: "Por que não assisti antes?"
Esse filme espanhol de 2018 é do mesmo roteirista e diretor do excelente "Um Contratempo" - o que de cara já nos gera algum interesse. Mas, claro, os pré-requisitos para um bom filme não param por aí: ao dar o play, já percebemos que, além de muito bem produzido, muito bem dirigido; a história é muito envolvente (e surpreendente) desde o inicio, e ainda trás elementos narrativos que nos remetem à "Dark", uma das melhores séries da história da Netflix!
Ao encontrar algumas fitas VHS velhas em sua nova casa, Vera (Adriana Ugarte) conhece Nico (Julio Bohigas), um garoto que morava com sua mãe na mesma residência há 25 anos atrás. Curiosa, ela faz uma pesquisa na internet sobre o jovem e descobre que ele morreu em um acidente, em uma noite repleta de acontecimentos misteriosos na região. Por conta de um raro evento que quebra a relação "espaço/tempo", os dois conseguem se comunicar rapidamente por meio de uma filmadora ligada na televisão. Sabendo sobre o acidente, Vera aproveita para avisar Nico e assim evitar a sua morte. Acontece que, ao fazer isso, Vera altera vários acontecimentos a partir dali e agora precisa lidar com sua nova realidade enquanto busca uma forma de colocar a história no caminho que, para ela, parecia ser o correto. Confira o trailer:
Antes de mais nada temos que deixar uma coisa bem claro: trata-se de uma ficção cientifica e por isso, embarcar na história vai te exigir uma certa suspensão da realidade! Por mais que algumas soluções narrativas possam parecer frágeis, eu te garanto: trata-se de um roteiro muito bem construído, daquele tipo que não podemos tirar o olho da tela para não se perder nada da história - e isso é entretenimento de primeira!
Oriol Paulo é um diretor talentoso e que já comprovou isso em todos os trabalhos que realizou até aqui - ele domina a gramática cinematográfica do mistério e sabe perfeitamente onde nos levar em suas histórias. Em "Durante a Tormenta" não é diferente, ele joga as peças do quebra-cabeça e nos provoca a montar junto com ele, com isso somos fisgados pela história e a sensação de estarmos diante de algo inteligente e surpreendente é incrível!
Pode dar o play sem receio, sua diversão estará garantida!
"Durante a Tormenta" é mais um daqueles filmes escondidos no catálogo da Netflix que nos perguntamos: "Por que não assisti antes?"
Esse filme espanhol de 2018 é do mesmo roteirista e diretor do excelente "Um Contratempo" - o que de cara já nos gera algum interesse. Mas, claro, os pré-requisitos para um bom filme não param por aí: ao dar o play, já percebemos que, além de muito bem produzido, muito bem dirigido; a história é muito envolvente (e surpreendente) desde o inicio, e ainda trás elementos narrativos que nos remetem à "Dark", uma das melhores séries da história da Netflix!
Ao encontrar algumas fitas VHS velhas em sua nova casa, Vera (Adriana Ugarte) conhece Nico (Julio Bohigas), um garoto que morava com sua mãe na mesma residência há 25 anos atrás. Curiosa, ela faz uma pesquisa na internet sobre o jovem e descobre que ele morreu em um acidente, em uma noite repleta de acontecimentos misteriosos na região. Por conta de um raro evento que quebra a relação "espaço/tempo", os dois conseguem se comunicar rapidamente por meio de uma filmadora ligada na televisão. Sabendo sobre o acidente, Vera aproveita para avisar Nico e assim evitar a sua morte. Acontece que, ao fazer isso, Vera altera vários acontecimentos a partir dali e agora precisa lidar com sua nova realidade enquanto busca uma forma de colocar a história no caminho que, para ela, parecia ser o correto. Confira o trailer:
Antes de mais nada temos que deixar uma coisa bem claro: trata-se de uma ficção cientifica e por isso, embarcar na história vai te exigir uma certa suspensão da realidade! Por mais que algumas soluções narrativas possam parecer frágeis, eu te garanto: trata-se de um roteiro muito bem construído, daquele tipo que não podemos tirar o olho da tela para não se perder nada da história - e isso é entretenimento de primeira!
Oriol Paulo é um diretor talentoso e que já comprovou isso em todos os trabalhos que realizou até aqui - ele domina a gramática cinematográfica do mistério e sabe perfeitamente onde nos levar em suas histórias. Em "Durante a Tormenta" não é diferente, ele joga as peças do quebra-cabeça e nos provoca a montar junto com ele, com isso somos fisgados pela história e a sensação de estarmos diante de algo inteligente e surpreendente é incrível!
Pode dar o play sem receio, sua diversão estará garantida!
"E então nós dançamos" é um belíssimo e sensível filme sobre a aceitação da homossexualidade em diversas esferas da sociedade, bem na linha de "Me chame pelo seu nome" - obviamente que respeitando suas particularidades culturais e talvez esteja aí o grande trunfo do roteiro, já que a história se passa na Geórgia, país extremamente preconceituoso, onde a figura do homem é exaltada e onde até o seu tradicional ballet se baseia em "movimentos masculinizados e de força impositiva".
O jovem Merab (Levan Gelbakhiani) faz parte de uma companhia georgiana de dança folclórica, seguindo os passos do pai. Descontente com a vida de precariedade financeira e o baixo reconhecimento artístico, ele tem sua vida transformada pela chegada de Irakli (Bachi Valishvili), dançarino novato que disputa com ele a mesma vaga em uma importante audição que pode coloca-lo no elenco principal do National Georgian Ensemble. Porém Merab descobre, pela primeira vez, sua paixão por outro rapaz, dentro de um contexto homofóbico e, não surpreendente, violento. Confira o trailer:
Como no já referenciado "Me chame pelo seu nome", esse premiado filme vindo da Geórgia deixa claro, já nos seus primeiros minutos, qual é o seu objetivo: assim que o novato Irakli entra na sala de dança onde se encontra com Merab, sabemos que os dois ficarão juntos em algum momento do filme, mesmo que o diretor sueco Levan Akin (de "O Círculo") sugira que a disputa será pelo protagonismo da companhia de dança. A grande questão, no entanto, ganha mais profundidade quando o comentário sobre um colega gay que foi agredido e expulso da companhia vem à tona - é a partir desse gatilho que Akin começa a construir as angústias e euforias das descobertas de Merab e até de Irakli.
Veja, ao mesmo tempo que Merab descobre uma nova paixão, é o seu amor pela dança que pode afasta-lo da felicidade - e mais uma vez o roteiro se aprofunda em questionar: onde está a felicidade? Essas nuances vão e voltam a cada aproximação entre os personagens em seus diversos ambientes sociais - essa dinâmica faz com que tenhamos a sensação de que, em outro país, o protagonista faria parte um grupo e encontraria seu caminho com mais tranquilidade, mas a barreira está na tradição cultural, na mente fechada da sociedade georgiana. Seja no ambiente familiar, caótico por sinal, no grupo de dança e até nas reuniões com os amigos, a história deixa claro que o homem precisa se relacionar com a mulher. Uma das cenas mais emblemáticas, na minha opinião, é quando Mary (Ana Javakishvili), parceira de dança e amiga intima de Merab, mostra uma camisinha, convidando ele para uma relação sexual casual que, obviamente, ele se esquiva.
"E então nós dançamos" é uma drama de relação onde o pano de fundo é a dança. Dito isso é de se esperar cenas bem coreografadas e culturalmente relevantes para nós que assistimos a produção do outro lado do planeta. Destaco as passagens ao som de ‘Take a Chance on Me’ do ABBA, e ‘Honey’, de Robyn; além da excelente cena final ao melhor estilo "Cisne Negro" / "Flashdance". Muito bem dirigido por Akin (reparem no complexo plano-sequência durante o casamento do irmão do protagonista), o cinema georgiano debuta com classe por aqui e por isso a recomendação - mesmo sabendo que apenas um pequeno nicho dos nosso usuários vão se relacionar bem com a história. Uma pena, já que o filme tem muita qualidade e mereceria maior atenção!
Vale seu play!
"E então nós dançamos" é um belíssimo e sensível filme sobre a aceitação da homossexualidade em diversas esferas da sociedade, bem na linha de "Me chame pelo seu nome" - obviamente que respeitando suas particularidades culturais e talvez esteja aí o grande trunfo do roteiro, já que a história se passa na Geórgia, país extremamente preconceituoso, onde a figura do homem é exaltada e onde até o seu tradicional ballet se baseia em "movimentos masculinizados e de força impositiva".
O jovem Merab (Levan Gelbakhiani) faz parte de uma companhia georgiana de dança folclórica, seguindo os passos do pai. Descontente com a vida de precariedade financeira e o baixo reconhecimento artístico, ele tem sua vida transformada pela chegada de Irakli (Bachi Valishvili), dançarino novato que disputa com ele a mesma vaga em uma importante audição que pode coloca-lo no elenco principal do National Georgian Ensemble. Porém Merab descobre, pela primeira vez, sua paixão por outro rapaz, dentro de um contexto homofóbico e, não surpreendente, violento. Confira o trailer:
Como no já referenciado "Me chame pelo seu nome", esse premiado filme vindo da Geórgia deixa claro, já nos seus primeiros minutos, qual é o seu objetivo: assim que o novato Irakli entra na sala de dança onde se encontra com Merab, sabemos que os dois ficarão juntos em algum momento do filme, mesmo que o diretor sueco Levan Akin (de "O Círculo") sugira que a disputa será pelo protagonismo da companhia de dança. A grande questão, no entanto, ganha mais profundidade quando o comentário sobre um colega gay que foi agredido e expulso da companhia vem à tona - é a partir desse gatilho que Akin começa a construir as angústias e euforias das descobertas de Merab e até de Irakli.
Veja, ao mesmo tempo que Merab descobre uma nova paixão, é o seu amor pela dança que pode afasta-lo da felicidade - e mais uma vez o roteiro se aprofunda em questionar: onde está a felicidade? Essas nuances vão e voltam a cada aproximação entre os personagens em seus diversos ambientes sociais - essa dinâmica faz com que tenhamos a sensação de que, em outro país, o protagonista faria parte um grupo e encontraria seu caminho com mais tranquilidade, mas a barreira está na tradição cultural, na mente fechada da sociedade georgiana. Seja no ambiente familiar, caótico por sinal, no grupo de dança e até nas reuniões com os amigos, a história deixa claro que o homem precisa se relacionar com a mulher. Uma das cenas mais emblemáticas, na minha opinião, é quando Mary (Ana Javakishvili), parceira de dança e amiga intima de Merab, mostra uma camisinha, convidando ele para uma relação sexual casual que, obviamente, ele se esquiva.
"E então nós dançamos" é uma drama de relação onde o pano de fundo é a dança. Dito isso é de se esperar cenas bem coreografadas e culturalmente relevantes para nós que assistimos a produção do outro lado do planeta. Destaco as passagens ao som de ‘Take a Chance on Me’ do ABBA, e ‘Honey’, de Robyn; além da excelente cena final ao melhor estilo "Cisne Negro" / "Flashdance". Muito bem dirigido por Akin (reparem no complexo plano-sequência durante o casamento do irmão do protagonista), o cinema georgiano debuta com classe por aqui e por isso a recomendação - mesmo sabendo que apenas um pequeno nicho dos nosso usuários vão se relacionar bem com a história. Uma pena, já que o filme tem muita qualidade e mereceria maior atenção!
Vale seu play!
"Em Pedaços" conta a história de Katia Sekerci (Diane Kruger), uma alemã que leva uma vida normal ao lado do marido turco Nuri (Numan Acar), e do filho de 7 anos. Certo dia, ela é surpreendida ao descobrir que ambos morreram devido a uma bomba colocada na frente do escritório do marido. Desesperada, Katia decide lutar por justiça ao descobrir que os responsáveis foram integrantes de um grupo neonazista. Veja o trailer:
Olha, "In the Fade" (no original) foi o vencedor do Golden Globe de 2018, foi indicado ao Palme d'Or e vencedor da categoria melhor atriz com Diane Kruger em Cannes. Sério, o filme é imperdível! Tenso do começo ao fim, é extremamente bem dirigido pelo alemão (com descendência turca) Fatih Akin, e tem um roteiro capaz de brincar com nossos sentimentos a cada cena. Chega ser inacreditável que a Diane Kruger não tenha sido indicada ao Oscar de 2008 - reparem como ela está simplesmente perfeita no filme!
A experiência de assistir esse filme sem saber muito sobre ele, é única! Faça isso que você não vai se arrepender!
"Em Pedaços" conta a história de Katia Sekerci (Diane Kruger), uma alemã que leva uma vida normal ao lado do marido turco Nuri (Numan Acar), e do filho de 7 anos. Certo dia, ela é surpreendida ao descobrir que ambos morreram devido a uma bomba colocada na frente do escritório do marido. Desesperada, Katia decide lutar por justiça ao descobrir que os responsáveis foram integrantes de um grupo neonazista. Veja o trailer:
Olha, "In the Fade" (no original) foi o vencedor do Golden Globe de 2018, foi indicado ao Palme d'Or e vencedor da categoria melhor atriz com Diane Kruger em Cannes. Sério, o filme é imperdível! Tenso do começo ao fim, é extremamente bem dirigido pelo alemão (com descendência turca) Fatih Akin, e tem um roteiro capaz de brincar com nossos sentimentos a cada cena. Chega ser inacreditável que a Diane Kruger não tenha sido indicada ao Oscar de 2008 - reparem como ela está simplesmente perfeita no filme!
A experiência de assistir esse filme sem saber muito sobre ele, é única! Faça isso que você não vai se arrepender!
"Encontros", novo filme do diretor francês Cédric Klapisch (Paris) parece um drama mais profundo sobre relações (ou a falta delas) ao melhor estilo "Encontros e Desencontros", mas no final não passa de uma comédia romântica com pitadas de drama, tipo "La délicatesse" ("A Delicadeza do Amor") - não que isso seja ruim, muito pelo contrário, acho que até funcionou, mas é preciso assistir preparado para não se decepcionar.
O filme conta a história de Mélanie (Ana Girardot), uma jovem de 30 anos que se apoia em um app de encontros para superar a solidão após o termino do seu mais recente relacionamento e, principalmente, por ter se distanciado tanto da sua família, ou melhor, da sua mãe que mora em uma outra cidade. Já Rémi (François Civil) carrega a dor de uma perda pessoal e está passando por uma transição profissional pouco inspiradora. Sua enorme dificuldade com o sono o coloca em um estado depressivo que dificulta seus relacionamentos - ele também vive sozinho! O interessante é que Mélanie e Rémi são vizinhos, frequentam o mesmo mercado, tem horários parecidos, mas nunca se conheceram! É nesse contexto que "Encontros" acompanha a vida desses dois jovens tão próximos geograficamente, mas tão distantes fisicamente. Suas histórias são contatadas de forma independente, mostrando os dois juntos apenas nos desencontros pontuais e deixando claro que, "sim", eles vão se encontrar e se conhecer em algum momento, mas que isso na verdade não é o mais importante e sim a jornada de auto-conhecimento que os dois estão passando para poder seguir seus respectivos caminhos - juntos ou separados.
Embora o filme trate de assuntos pesados com uma certa leveza, Klapisch peca em não definir o gênero do filme e isso incomoda um pouco - até o nome do filme mudou em português: começou como (Des)Encontros e passou para Encontros um dia antes da estreia! Eu até acho possível brincar com a audiência ao entregar logo de cara um final óbvio, provocando nossa criatividade para descobrir "como" esse final irá acontecer, porém o filme sofre com a falta de identidade e isso reflete muito na nossa experiência - ele transita muito aleatoriamente entre o drama e a comédia romântica, tornando essa "espera" um pouco cansativa. Talvez lendo algo como esse texto antes de assistir o filme, a percepção melhore, mas não se pode contar com isso!
Ter Paris como cenário faz com que a fotografia seja naturalmente muito bonita - os planos abertos são tão bem trabalhados quanto os fechados e isso trás uma enorme elegância para o filme. Klapisch tem o mérito de usar o cenário apenas como moldura para mostrar um sentimento de solidão da vida adulta dos dois personagens. A cor do filme também é linda! Agora, tecnicamente, existe um erro grave de continuidade quando os personagens entram em seus respectivos prédios de um lado, mas aparecem em lados trocados nas suas janelas - eu diria que é um pouco amador esse tipo de erro, mas acaba não interferindo tanto na história em si. Fica como curiosidade!
"Encontros" tenta se aprofundar nos sentimentos dos personagens, mas com um conceito narrativo mais leve e muitas vezes não dá o "match" ideal, por outro lado é um filme gostoso de assistir, com uma ou outra reflexão mais existencial ou por identificação, mas nada muito profundo. Se você gostou de "500 dias com ela" e "Antes do Pôr do Sol", mesmo eles sendo completamente diferentes, é bem possível que você goste de "Encontros" ou (Des)Encontros - como você preferir!
"Encontros", novo filme do diretor francês Cédric Klapisch (Paris) parece um drama mais profundo sobre relações (ou a falta delas) ao melhor estilo "Encontros e Desencontros", mas no final não passa de uma comédia romântica com pitadas de drama, tipo "La délicatesse" ("A Delicadeza do Amor") - não que isso seja ruim, muito pelo contrário, acho que até funcionou, mas é preciso assistir preparado para não se decepcionar.
O filme conta a história de Mélanie (Ana Girardot), uma jovem de 30 anos que se apoia em um app de encontros para superar a solidão após o termino do seu mais recente relacionamento e, principalmente, por ter se distanciado tanto da sua família, ou melhor, da sua mãe que mora em uma outra cidade. Já Rémi (François Civil) carrega a dor de uma perda pessoal e está passando por uma transição profissional pouco inspiradora. Sua enorme dificuldade com o sono o coloca em um estado depressivo que dificulta seus relacionamentos - ele também vive sozinho! O interessante é que Mélanie e Rémi são vizinhos, frequentam o mesmo mercado, tem horários parecidos, mas nunca se conheceram! É nesse contexto que "Encontros" acompanha a vida desses dois jovens tão próximos geograficamente, mas tão distantes fisicamente. Suas histórias são contatadas de forma independente, mostrando os dois juntos apenas nos desencontros pontuais e deixando claro que, "sim", eles vão se encontrar e se conhecer em algum momento, mas que isso na verdade não é o mais importante e sim a jornada de auto-conhecimento que os dois estão passando para poder seguir seus respectivos caminhos - juntos ou separados.
Embora o filme trate de assuntos pesados com uma certa leveza, Klapisch peca em não definir o gênero do filme e isso incomoda um pouco - até o nome do filme mudou em português: começou como (Des)Encontros e passou para Encontros um dia antes da estreia! Eu até acho possível brincar com a audiência ao entregar logo de cara um final óbvio, provocando nossa criatividade para descobrir "como" esse final irá acontecer, porém o filme sofre com a falta de identidade e isso reflete muito na nossa experiência - ele transita muito aleatoriamente entre o drama e a comédia romântica, tornando essa "espera" um pouco cansativa. Talvez lendo algo como esse texto antes de assistir o filme, a percepção melhore, mas não se pode contar com isso!
Ter Paris como cenário faz com que a fotografia seja naturalmente muito bonita - os planos abertos são tão bem trabalhados quanto os fechados e isso trás uma enorme elegância para o filme. Klapisch tem o mérito de usar o cenário apenas como moldura para mostrar um sentimento de solidão da vida adulta dos dois personagens. A cor do filme também é linda! Agora, tecnicamente, existe um erro grave de continuidade quando os personagens entram em seus respectivos prédios de um lado, mas aparecem em lados trocados nas suas janelas - eu diria que é um pouco amador esse tipo de erro, mas acaba não interferindo tanto na história em si. Fica como curiosidade!
"Encontros" tenta se aprofundar nos sentimentos dos personagens, mas com um conceito narrativo mais leve e muitas vezes não dá o "match" ideal, por outro lado é um filme gostoso de assistir, com uma ou outra reflexão mais existencial ou por identificação, mas nada muito profundo. Se você gostou de "500 dias com ela" e "Antes do Pôr do Sol", mesmo eles sendo completamente diferentes, é bem possível que você goste de "Encontros" ou (Des)Encontros - como você preferir!
"Era uma Segunda Vez" é uma série francesa da Netflix que traz, mais uma vez, um dos assuntos que mais chamam a atenção de quem gosta de uma boa ficção científica: a viagem no tempo! Acontece que "Era uma Segunda Vez", pelo menos nessa primeira temporada, usa o tema apenas como pano de fundo para contar uma conturbada história de amor. Vincent Dauda (Gaspard Ulliel) ainda sofria pelo término do namoro com Louise Arron (Freya Mavor), grande amor de sua vida, quando recebe um estranho pacote juntamente com algumas encomendas que havia feito: nele, um cubo de madeira. Curioso, Vincent entra nesse cubo para analisar o que seria e acaba indo para o passado, 9 meses atrás mais precisamente, quando ainda namorava com Louise. Mesmo sem entender muito bem o que estava acontecendo, Vincent percebe a oportunidade que tem para reconquistar o seu grande amor e evitar assim, os mesmos erros que levaram ao fim do relacionamento. O problema é que, ao priorizar o passado, suas relações com as pessoas que vivem no presente começam a ser afetadas - um dos melhores exemplos, sem dúvida, é a complicada relação que Vincent tem com seu filho Stanley (Sacha Canuyt).
Pessoalmente eu achei a premissa muito interessante, porém me incomodou o fato da série ter uma necessidade absurda de provar, a cada momento, que possuía uma identidade (extremamente autoral) e até uma nova visão sobre o tema - com isso, por muitas vezes, acabou tropeçando na própria pretensão. "Era uma Segunda Vez" não é ruim, mas é lenta! Vai agradar muito mais aos que preferem um drama de relações profundas do que o fã de uma complexa ficção científica. O fato de ter 4 episódios de 50 minutos, em média, nos permite experimentar a série - não esperem uma história tão envolvente como "Dark", mas também não é tão superficial ou cheia de clichês como "Se eu não tivesse te conhecido".
O roteiro de "Era uma Segunda Vez" alterna três linhas temporais: o presente, o passado e as memórias. Sim, pode parecer confuso e muitas vezes é, por isso o diretor Guillaume Nicloux dividiu esses momentos com o auxilio de técnicas de filmagem e finalização. No presente existe um alto contraste e a janela é de 16.9. No passado a janela é 4:3 (por isso das duas colunas pretas nas extremidades da tela) e as imagens parecem mais claras com uma iluminação quase estourada. Já nas memórias vemos o primeiro plano completamente em foco e tudo ao lado e no fundo extremamente desfocado, quase borrado! Esse conceito visual ajuda a localizar onde a história está se passando, pois a montagem muitas vezes não segue a narrativa convencional, linear; ela brinca com elementos como narrações em off ou até cortes rápidos, super clipados e completamente desconexos. A solução de mudar a janela de exibição é interessante, mas tem tantos erros de enquadramentos que me faz acreditar que a solução veio muito mais na sala de montagem do que no planejamento de filmagem. Pelo menos (e isso é um grande elogio) a produção não caiu na tentação de criar algum tipo de efeito especial para mostrar a viagem no tempo! A solução simples, praticamente só no corte, funcionou melhor do que vimos em Dark, por exemplo!
Gaspard Ulliel e Freya Mavor são bons e funcionam juntos, porém não convencem como casal - mais por ela inclusive. Já Sacha Canuyt, dá um show como o filho de Vincent - ele acerta no tom e na forma com muita precisão. Agora, a mãe de Louise, meu Deus, é péssima - extremamente estereotipada! Aliás, o roteiro falha muito nesse quesito - o texto fica duro em muitos atores, pois na ânsia de surpreender ele acaba se apoiando em bengalas que já são muito batidas. O final da temporada, por exemplo, embora funcione como plot twist escancara o problema de falta de identidade e de originalidade.
"Era uma Segunda Vez" deixa mais perguntas do que respostas, se perde no gênero que vai guiar a narrativa, mas mesmo assim não deixa de ser interessante só não sei dizer se as pessoas vão ter paciência para ir até o final. Como drama funciona, mas não encanta. Como ficção, tem boas sacadas, mas também não vão gerar discussões mundo a fora, porém definir a série como ruim, também não seria justo. Agora é esperar uma segunda temporada para sabermos se valeram a pena as quatro horas dessa primeira! Eu me entretive, mas sobreviveria se não tivesse assistido!
"Era uma Segunda Vez" é uma série francesa da Netflix que traz, mais uma vez, um dos assuntos que mais chamam a atenção de quem gosta de uma boa ficção científica: a viagem no tempo! Acontece que "Era uma Segunda Vez", pelo menos nessa primeira temporada, usa o tema apenas como pano de fundo para contar uma conturbada história de amor. Vincent Dauda (Gaspard Ulliel) ainda sofria pelo término do namoro com Louise Arron (Freya Mavor), grande amor de sua vida, quando recebe um estranho pacote juntamente com algumas encomendas que havia feito: nele, um cubo de madeira. Curioso, Vincent entra nesse cubo para analisar o que seria e acaba indo para o passado, 9 meses atrás mais precisamente, quando ainda namorava com Louise. Mesmo sem entender muito bem o que estava acontecendo, Vincent percebe a oportunidade que tem para reconquistar o seu grande amor e evitar assim, os mesmos erros que levaram ao fim do relacionamento. O problema é que, ao priorizar o passado, suas relações com as pessoas que vivem no presente começam a ser afetadas - um dos melhores exemplos, sem dúvida, é a complicada relação que Vincent tem com seu filho Stanley (Sacha Canuyt).
Pessoalmente eu achei a premissa muito interessante, porém me incomodou o fato da série ter uma necessidade absurda de provar, a cada momento, que possuía uma identidade (extremamente autoral) e até uma nova visão sobre o tema - com isso, por muitas vezes, acabou tropeçando na própria pretensão. "Era uma Segunda Vez" não é ruim, mas é lenta! Vai agradar muito mais aos que preferem um drama de relações profundas do que o fã de uma complexa ficção científica. O fato de ter 4 episódios de 50 minutos, em média, nos permite experimentar a série - não esperem uma história tão envolvente como "Dark", mas também não é tão superficial ou cheia de clichês como "Se eu não tivesse te conhecido".
O roteiro de "Era uma Segunda Vez" alterna três linhas temporais: o presente, o passado e as memórias. Sim, pode parecer confuso e muitas vezes é, por isso o diretor Guillaume Nicloux dividiu esses momentos com o auxilio de técnicas de filmagem e finalização. No presente existe um alto contraste e a janela é de 16.9. No passado a janela é 4:3 (por isso das duas colunas pretas nas extremidades da tela) e as imagens parecem mais claras com uma iluminação quase estourada. Já nas memórias vemos o primeiro plano completamente em foco e tudo ao lado e no fundo extremamente desfocado, quase borrado! Esse conceito visual ajuda a localizar onde a história está se passando, pois a montagem muitas vezes não segue a narrativa convencional, linear; ela brinca com elementos como narrações em off ou até cortes rápidos, super clipados e completamente desconexos. A solução de mudar a janela de exibição é interessante, mas tem tantos erros de enquadramentos que me faz acreditar que a solução veio muito mais na sala de montagem do que no planejamento de filmagem. Pelo menos (e isso é um grande elogio) a produção não caiu na tentação de criar algum tipo de efeito especial para mostrar a viagem no tempo! A solução simples, praticamente só no corte, funcionou melhor do que vimos em Dark, por exemplo!
Gaspard Ulliel e Freya Mavor são bons e funcionam juntos, porém não convencem como casal - mais por ela inclusive. Já Sacha Canuyt, dá um show como o filho de Vincent - ele acerta no tom e na forma com muita precisão. Agora, a mãe de Louise, meu Deus, é péssima - extremamente estereotipada! Aliás, o roteiro falha muito nesse quesito - o texto fica duro em muitos atores, pois na ânsia de surpreender ele acaba se apoiando em bengalas que já são muito batidas. O final da temporada, por exemplo, embora funcione como plot twist escancara o problema de falta de identidade e de originalidade.
"Era uma Segunda Vez" deixa mais perguntas do que respostas, se perde no gênero que vai guiar a narrativa, mas mesmo assim não deixa de ser interessante só não sei dizer se as pessoas vão ter paciência para ir até o final. Como drama funciona, mas não encanta. Como ficção, tem boas sacadas, mas também não vão gerar discussões mundo a fora, porém definir a série como ruim, também não seria justo. Agora é esperar uma segunda temporada para sabermos se valeram a pena as quatro horas dessa primeira! Eu me entretive, mas sobreviveria se não tivesse assistido!
"Happy End" foi o filme francês que tentou a indicação ao Oscar 2018 e não conseguiu - na verdade não ficou nem entre os pré selecionados, mas tem uma grife de respeito por trás dele: o diretor austríaco Michael Haneke - vencedor do Oscar com "Amour" em 2013. Foi essa grife que me fez assistir o filme e valeu a pena, mas com algumas ressalvas!
O filme se passa em Calais uma cidade do norte da França. Georges Laurent (Jean-Louis Trintignant) é o patriarca de uma família típica da classe média. Ele está preso em uma cadeira de rodas e sua filha Anne (Isabelle Huppert) ainda mora com ele, porém Thomas (Mathieu Kassovitz), seu filho, acaba de retornar para a casa, junto com a esposa e a filha Eve (Fantine Harduin), cuja mãe faleceu recentemente. É nesse universo que "Happy End" transita - o filme fala sobre a intensa incomunicabilidade entre os membros dessa família, que faz com que todos levem uma vida segundo seus interesses pessoais e esqueçam que existe algo muito mais importante que o próprio umbigo: a empatia! Confira o trailer:
Como Cineasta, Michael Haneke, é um monstro! Ele dá mais uma aula de posicionamento de câmera (como em "Amour") e direção de atores. Haneke tem seu estilo muito bem definido e ele imprime isso em cada cena com muita personalidade e sempre no tom certo. Ele consegue tirar do ator aquilo que ele quer com muita precisão e isso é raro. O filme vale muito por isso - mas será preciso um olhar mais crítico, detalhista e mais paciente com o que comentarei a seguir!
"Happy End" é um filme que não vai agradar a todos. A história me pareceu um pouco fraca, as motivações não se sustentam ao longo do tempo de tela e isso deixa o filme razoavelmente arrastado. Não que seja um filme ruim, porque de fato ele não é, mas você fica sempre esperando algo mais e isso nunca chega - por isso é necessário alinhas as expectativas e embarcar na proposta de Haneke!
Esse filme foi até indicado pra Palme d'Or em Cannes 2017, o que deixa bem claro que ele vai agradar mais aquela audiência que gosta de uma cinema com um conceito narrativo e visual independente, autoral e, claro, para quem está disposto a ir além do que é dito nos diálogos.
"Happy End" foi o filme francês que tentou a indicação ao Oscar 2018 e não conseguiu - na verdade não ficou nem entre os pré selecionados, mas tem uma grife de respeito por trás dele: o diretor austríaco Michael Haneke - vencedor do Oscar com "Amour" em 2013. Foi essa grife que me fez assistir o filme e valeu a pena, mas com algumas ressalvas!
O filme se passa em Calais uma cidade do norte da França. Georges Laurent (Jean-Louis Trintignant) é o patriarca de uma família típica da classe média. Ele está preso em uma cadeira de rodas e sua filha Anne (Isabelle Huppert) ainda mora com ele, porém Thomas (Mathieu Kassovitz), seu filho, acaba de retornar para a casa, junto com a esposa e a filha Eve (Fantine Harduin), cuja mãe faleceu recentemente. É nesse universo que "Happy End" transita - o filme fala sobre a intensa incomunicabilidade entre os membros dessa família, que faz com que todos levem uma vida segundo seus interesses pessoais e esqueçam que existe algo muito mais importante que o próprio umbigo: a empatia! Confira o trailer:
Como Cineasta, Michael Haneke, é um monstro! Ele dá mais uma aula de posicionamento de câmera (como em "Amour") e direção de atores. Haneke tem seu estilo muito bem definido e ele imprime isso em cada cena com muita personalidade e sempre no tom certo. Ele consegue tirar do ator aquilo que ele quer com muita precisão e isso é raro. O filme vale muito por isso - mas será preciso um olhar mais crítico, detalhista e mais paciente com o que comentarei a seguir!
"Happy End" é um filme que não vai agradar a todos. A história me pareceu um pouco fraca, as motivações não se sustentam ao longo do tempo de tela e isso deixa o filme razoavelmente arrastado. Não que seja um filme ruim, porque de fato ele não é, mas você fica sempre esperando algo mais e isso nunca chega - por isso é necessário alinhas as expectativas e embarcar na proposta de Haneke!
Esse filme foi até indicado pra Palme d'Or em Cannes 2017, o que deixa bem claro que ele vai agradar mais aquela audiência que gosta de uma cinema com um conceito narrativo e visual independente, autoral e, claro, para quem está disposto a ir além do que é dito nos diálogos.
Em um primeiro olhar, "Homens à Beira de um Ataque de Nervos" pode parecer aquele tipo de comédia pastelão, já que se apoia em esteriótipos muito bem definidos para contar uma história que soa superficial, mas é muito mais profunda do que aquilo que vemos na tela. A jovem diretora Audrey Dana (de "O que as mulheres querem") sabe muito bem disso e é aí que, de uma forma muito inteligente, ela usa da leveza e do sorriso fácil para nos manter engajados com a história e assim, pouco a pouco, vai no conectando com os dramas dos personagem sem pesar muito a mão. Eu diria que o filme é daqueles entretenimentos gostosos de assistir e que no final deixa uma mensagem bacana. Todos vão gostar? Não, definitivamente não. Começando pelo fato de ser uma produção francesa que traz no seu DNA uma ironia que permite o excesso sem soar idiota para quem embarca na narrativa e isso, sem dúvida, não agrada muita gente.Uma boa referência é "Normandia Nua" - se você gostou desse filme, provavelmente você vai se divertir aqui, caso contrário, melhor partir para o próximo.
Em "Homens à Beira de um Ataque de Nervos" acompanhamos um grupo de homens de diferentes idades que, em crise, se inscrevem para um retiro terapêutico em meio à natureza. O que eles não imaginavam era que essa peculiar jornada de auto-descoberta seria comandada por uma excêntrica mentora chamada Ômega (Marina Hands). Confira o trailer:
O roteiro escrito pela Claire Barré (do premiado "Un monde plus grand") ao lado da própria Dana, embora seja construído com uma base humorística em sua essência, aborda temas profundos e relevantes, oferecendo uma perspectiva sobre a masculinidade contemporânea e os desafios que os homens enfrentam em suas vidas no dia a dia. Dana, com muita sensibilidade, consegue equilibrar com maestria os momentos mais escrachados com passagens mais sensíveis que, mesmo engraçadas, deixam fagulhas que bem trabalhadas entregam uma experiência cinematográfica reflexiva. Um bom exemplo é a discussão sobre a homossexualidade de um dos personagens que ao ser confrontado por um jovem que sofre da "síndrome de Fabry", onde um adulto tem a aparência física de um adolescente, dá uma aula sobre auto-aceitação e preconceito.
Olhando por uma perspectiva mais técnica até, Dana sabe que alternando momentos de humor com introspecção emocional, a audiência tende a se sentir mais tocada. A fotografia do Pierre Aïm (de "Inocência Roubada") merece certa atenção nesse sentido já que ela cria uma atmosfera visualmente envolvente nos planos mais abertos, aproveitando a natureza, mas sempre colocando um personagem em segundo plano, enquanto a ação em si acontece em primeiro plano - o interessante é que essa distância entre os quadros vai diminuindo com o decorrer do filme e no final, todos os personagens estão alinhados no mesmo ponto focal. É como se, visualmente, ficasse claro que embora diferentes em suas dores, no final, todos são iguais. Outro ponto que merece sua atenção, é a trilha sonora - ela é peça fundamental para pontuar as emoções e aqui eu destaco a performance de François-Xavier Demaison (o Antoine) bem no final do filme - muito bonito!
"Homens à Beira de um Ataque de Nervos" usa da qualidade dos seus atores, especialmente de Thierry Lhermitte (Hippolyte) e de Ramzy Bedia (Romain), para nos divertir com algumas das "histerias" mais "normais" do sexo masculino - aliás, essa é uma linha condutora bastante pertinente e proposital que nos remete à antológica comédia espanhola "Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos" de Pedro Almodóvar. No final, o que cada personagem busca, mesmo que de forma inconsciente, é o amor, a alegria e um sentido para continuar vivendo, e a partir do momento em que cada um deles começa a enfrentar seus traumas e rir de suas próprias frustrações, o tão desejado resultado chega - para eles e, essencialmente, para nós.
Vale seu play!
Em um primeiro olhar, "Homens à Beira de um Ataque de Nervos" pode parecer aquele tipo de comédia pastelão, já que se apoia em esteriótipos muito bem definidos para contar uma história que soa superficial, mas é muito mais profunda do que aquilo que vemos na tela. A jovem diretora Audrey Dana (de "O que as mulheres querem") sabe muito bem disso e é aí que, de uma forma muito inteligente, ela usa da leveza e do sorriso fácil para nos manter engajados com a história e assim, pouco a pouco, vai no conectando com os dramas dos personagem sem pesar muito a mão. Eu diria que o filme é daqueles entretenimentos gostosos de assistir e que no final deixa uma mensagem bacana. Todos vão gostar? Não, definitivamente não. Começando pelo fato de ser uma produção francesa que traz no seu DNA uma ironia que permite o excesso sem soar idiota para quem embarca na narrativa e isso, sem dúvida, não agrada muita gente.Uma boa referência é "Normandia Nua" - se você gostou desse filme, provavelmente você vai se divertir aqui, caso contrário, melhor partir para o próximo.
Em "Homens à Beira de um Ataque de Nervos" acompanhamos um grupo de homens de diferentes idades que, em crise, se inscrevem para um retiro terapêutico em meio à natureza. O que eles não imaginavam era que essa peculiar jornada de auto-descoberta seria comandada por uma excêntrica mentora chamada Ômega (Marina Hands). Confira o trailer:
O roteiro escrito pela Claire Barré (do premiado "Un monde plus grand") ao lado da própria Dana, embora seja construído com uma base humorística em sua essência, aborda temas profundos e relevantes, oferecendo uma perspectiva sobre a masculinidade contemporânea e os desafios que os homens enfrentam em suas vidas no dia a dia. Dana, com muita sensibilidade, consegue equilibrar com maestria os momentos mais escrachados com passagens mais sensíveis que, mesmo engraçadas, deixam fagulhas que bem trabalhadas entregam uma experiência cinematográfica reflexiva. Um bom exemplo é a discussão sobre a homossexualidade de um dos personagens que ao ser confrontado por um jovem que sofre da "síndrome de Fabry", onde um adulto tem a aparência física de um adolescente, dá uma aula sobre auto-aceitação e preconceito.
Olhando por uma perspectiva mais técnica até, Dana sabe que alternando momentos de humor com introspecção emocional, a audiência tende a se sentir mais tocada. A fotografia do Pierre Aïm (de "Inocência Roubada") merece certa atenção nesse sentido já que ela cria uma atmosfera visualmente envolvente nos planos mais abertos, aproveitando a natureza, mas sempre colocando um personagem em segundo plano, enquanto a ação em si acontece em primeiro plano - o interessante é que essa distância entre os quadros vai diminuindo com o decorrer do filme e no final, todos os personagens estão alinhados no mesmo ponto focal. É como se, visualmente, ficasse claro que embora diferentes em suas dores, no final, todos são iguais. Outro ponto que merece sua atenção, é a trilha sonora - ela é peça fundamental para pontuar as emoções e aqui eu destaco a performance de François-Xavier Demaison (o Antoine) bem no final do filme - muito bonito!
"Homens à Beira de um Ataque de Nervos" usa da qualidade dos seus atores, especialmente de Thierry Lhermitte (Hippolyte) e de Ramzy Bedia (Romain), para nos divertir com algumas das "histerias" mais "normais" do sexo masculino - aliás, essa é uma linha condutora bastante pertinente e proposital que nos remete à antológica comédia espanhola "Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos" de Pedro Almodóvar. No final, o que cada personagem busca, mesmo que de forma inconsciente, é o amor, a alegria e um sentido para continuar vivendo, e a partir do momento em que cada um deles começa a enfrentar seus traumas e rir de suas próprias frustrações, o tão desejado resultado chega - para eles e, essencialmente, para nós.
Vale seu play!
"Prime Time" (que no Brasil ganhou o sugestivo título de "Interrompemos a Programação") chegou na Netflix com a chancela de ter sido indicado ao Grand Jury Prize de Sundance em 2021, porém, essa produção polonesa, certamente veio para entrar naquela prateleira de "ame ou odeie"!
A premissa é simples, mas excelente: Na véspera do Ano Novo de 1999, um homem armado invade um estúdio de uma TV de Varsóvia, fazendo um segurança e uma apresentadora como reféns, tendo apenas uma única exigência: entrar ao vivo em rede nacional para transmitir uma mensagem. Confira o trailer (dublado):
O Filme é dirigido por Jakub Piatek e conta com Bartosz Bielenia - ator que ganhou muita notoriedade por sua participação no ótimo "Corpus Christi" (de 2019), representante da Polônia na categoria de Melhor Filme Internacional do Oscar 2020. Embora estreante na função, Piatek teve muita personalidade ao escolher o caminho mais difícil para contar uma história aparentemente simples, mas cheia de camadas. Veja, a tensão de "Interrompemos a Programação" não se baseia na ação imersiva como no excelente "Utoya 22 de Julho" e sim na expectativa do que pode acontecer a qualquer momento e por motivos que não sabemos. Ao focar na cadência narrativa, o diretor deixa claro preferir o tom mais autoral, independente, e assume a responsabilidade por inúmeras criticas - muitas de quem via sua obra como uma nova visão de "Jogo do Dinheiro" de 2016, longa com George Clooney e Julia Roberts sobre um rapaz que invade um estúdio de TV armado e faz o apresentador refém.
Três cenas definem a força da narrativa apoiada nos detalhes e na sensibilidade do elenco. A primeira, sem dúvida, é o embate entre Sebastian e seu pai - se até ali o garoto parecia sem propósito ou força para assumir suas decisões, claramente após essa discussão, tudo ganha um novo rumo. Detalhe para o ótimo trabalho, tanto de Bielenia quanto Juliusz Chrzastowski. Já na outra cena, vemos Mira (Magdalena Poplawska), visivelmente irritada ao ser contrariada pelos seus superiores, ligando para um contato na emissora concorrente, oferecendo uma transmissão exclusiva do seu sequestrador. Para finalizar, reparem na atitude da produtora executiva e diretora do programa de Mira, Laura (Malgorzata Hajewska), em uma das últimas cenas do filme.
Saiba que "Interrompemos a Programação" não é sobre os motivos que levaram Sebastian até ali - isso pouco importa na verdade. O filme é sobre a solidão do ser humano, sobre a vaidade, sobre a incompreensão e sobre o espetáculo, ainda que grotesco, que a mídia tenta impor com a desculpa de fazer jornalismo. Ah, e a critica politica é fácil de ser percebida em vários momentos - dentro e fora do estúdio onde 90% da narrativa acontece!
Eu entendo que pode ficar uma sensação, de certa forma até frustrante, de que o potencial de "Interrompemos a Programação" foi desperdiçado. Para alguns essa percepção será óbvia e o roteiro, em muitos momentos, colabora para esse mal-humor, mas convido nosso leitor a olhar além e buscar entender como o desespero pode nos levar a atitudes impensáveis - seja por medo ou, simplesmente, por vaidade!
Vale o play, mas com todos esses "poréns" bastante particulares que o filme não se preocupa em esconder. Filme para quem gosta do que não é óbvio!
"Prime Time" (que no Brasil ganhou o sugestivo título de "Interrompemos a Programação") chegou na Netflix com a chancela de ter sido indicado ao Grand Jury Prize de Sundance em 2021, porém, essa produção polonesa, certamente veio para entrar naquela prateleira de "ame ou odeie"!
A premissa é simples, mas excelente: Na véspera do Ano Novo de 1999, um homem armado invade um estúdio de uma TV de Varsóvia, fazendo um segurança e uma apresentadora como reféns, tendo apenas uma única exigência: entrar ao vivo em rede nacional para transmitir uma mensagem. Confira o trailer (dublado):
O Filme é dirigido por Jakub Piatek e conta com Bartosz Bielenia - ator que ganhou muita notoriedade por sua participação no ótimo "Corpus Christi" (de 2019), representante da Polônia na categoria de Melhor Filme Internacional do Oscar 2020. Embora estreante na função, Piatek teve muita personalidade ao escolher o caminho mais difícil para contar uma história aparentemente simples, mas cheia de camadas. Veja, a tensão de "Interrompemos a Programação" não se baseia na ação imersiva como no excelente "Utoya 22 de Julho" e sim na expectativa do que pode acontecer a qualquer momento e por motivos que não sabemos. Ao focar na cadência narrativa, o diretor deixa claro preferir o tom mais autoral, independente, e assume a responsabilidade por inúmeras criticas - muitas de quem via sua obra como uma nova visão de "Jogo do Dinheiro" de 2016, longa com George Clooney e Julia Roberts sobre um rapaz que invade um estúdio de TV armado e faz o apresentador refém.
Três cenas definem a força da narrativa apoiada nos detalhes e na sensibilidade do elenco. A primeira, sem dúvida, é o embate entre Sebastian e seu pai - se até ali o garoto parecia sem propósito ou força para assumir suas decisões, claramente após essa discussão, tudo ganha um novo rumo. Detalhe para o ótimo trabalho, tanto de Bielenia quanto Juliusz Chrzastowski. Já na outra cena, vemos Mira (Magdalena Poplawska), visivelmente irritada ao ser contrariada pelos seus superiores, ligando para um contato na emissora concorrente, oferecendo uma transmissão exclusiva do seu sequestrador. Para finalizar, reparem na atitude da produtora executiva e diretora do programa de Mira, Laura (Malgorzata Hajewska), em uma das últimas cenas do filme.
Saiba que "Interrompemos a Programação" não é sobre os motivos que levaram Sebastian até ali - isso pouco importa na verdade. O filme é sobre a solidão do ser humano, sobre a vaidade, sobre a incompreensão e sobre o espetáculo, ainda que grotesco, que a mídia tenta impor com a desculpa de fazer jornalismo. Ah, e a critica politica é fácil de ser percebida em vários momentos - dentro e fora do estúdio onde 90% da narrativa acontece!
Eu entendo que pode ficar uma sensação, de certa forma até frustrante, de que o potencial de "Interrompemos a Programação" foi desperdiçado. Para alguns essa percepção será óbvia e o roteiro, em muitos momentos, colabora para esse mal-humor, mas convido nosso leitor a olhar além e buscar entender como o desespero pode nos levar a atitudes impensáveis - seja por medo ou, simplesmente, por vaidade!
Vale o play, mas com todos esses "poréns" bastante particulares que o filme não se preocupa em esconder. Filme para quem gosta do que não é óbvio!
"Iris" (que em em inglês recebeu o título de "In the Shadow of Iris") é um excelente drama policial francês - daqueles que as informações mais embaralham nossa cabeça, mas que em nenhum momento rouba no jogo. Talvez sem a necessidade de uma suspensão da realidade tão marcante como em "Contratiempo", mas não menos competente na construção de seu mistério - eu diria até que "Iris" vem bem na linha do ótimo "O Amante Duplo".
Iris (Charlotte Le Bon) a linda esposa de Antoine (Jalil Lespert), um banqueiro muito rico e poderoso, desaparece no centro de Paris enquanto esperava do lado de fora de um restaurante enquanto o marido pagava a conta. Depois de apenas algumas horas, um sequestrador exige meio milhão de euros como resgate - a grande questão, porém, é que nem tudo é o que parece quando a corda começa a estourar para lado mais fraco. Confira o trailer com legendas em inglês:
"Iris" que na verdade é um remake do filme "Chaos" (2000), de Hideo Nakata, é instigante desde o primeiro plano. O roteiro do australiano Andrew Bovell vai construindo uma trama que parece previsível, mas que vai nos provocando um certo caos (e aqui fica impossível não citar o acerto do título original). Lespert, que também dirige o filme, foi muito feliz (e corajoso) ao escolher um conceito visual onde os planos (e os cortes) são rápidos e quase sempre "sujos", para justamente nos causar uma sensação de confusão - o fato é que o diretor não deixa de mostrar absolutamente nada durante as cenas, mas nunca ele expõe com clareza a razão de determinados movimentos dos atores em ação.
A dúvida sobre o que assistimos em uma cena, algum relance de personagem ou o que de fato aconteceu como um todo, ganha uma camada ainda mais corajosa quando Lespert não diferencia visualmente as ações na linha do tempo, ou seja, o que é flashback tem exatamente o mesmo conceito estético que o presente. A fotografia do Pierre-Yves Bastard (Versailles) é igualmente linda ao retratar Paris com a mesma competência em que cria esse mood de mistério que o roteiro tanto exige. O elenco também caminha alinhado com essa proposta: Charlotte Le Bon está impecável mais uma vez, mas quem rouba a cena, sem dúvida, é Camille Cottin - ela é uma das melhores atrizes da França na atualidade: versátil e sempre no tom certo!
"Iris" é o tipo do filme que está escondido no catálogo do streaming, mas que vale muito a pena e que é louco para entrar no boca a boca dos amantes de dramas policiais - eu diria, inclusive, que é um thriller que merece ser descoberto e apreciado como um ótimo entretenimento. Saíba que ele é desafiador - um prato cheio para quem gosta de mistério policial com um toque sex appeal!
Vale o play!
"Iris" (que em em inglês recebeu o título de "In the Shadow of Iris") é um excelente drama policial francês - daqueles que as informações mais embaralham nossa cabeça, mas que em nenhum momento rouba no jogo. Talvez sem a necessidade de uma suspensão da realidade tão marcante como em "Contratiempo", mas não menos competente na construção de seu mistério - eu diria até que "Iris" vem bem na linha do ótimo "O Amante Duplo".
Iris (Charlotte Le Bon) a linda esposa de Antoine (Jalil Lespert), um banqueiro muito rico e poderoso, desaparece no centro de Paris enquanto esperava do lado de fora de um restaurante enquanto o marido pagava a conta. Depois de apenas algumas horas, um sequestrador exige meio milhão de euros como resgate - a grande questão, porém, é que nem tudo é o que parece quando a corda começa a estourar para lado mais fraco. Confira o trailer com legendas em inglês:
"Iris" que na verdade é um remake do filme "Chaos" (2000), de Hideo Nakata, é instigante desde o primeiro plano. O roteiro do australiano Andrew Bovell vai construindo uma trama que parece previsível, mas que vai nos provocando um certo caos (e aqui fica impossível não citar o acerto do título original). Lespert, que também dirige o filme, foi muito feliz (e corajoso) ao escolher um conceito visual onde os planos (e os cortes) são rápidos e quase sempre "sujos", para justamente nos causar uma sensação de confusão - o fato é que o diretor não deixa de mostrar absolutamente nada durante as cenas, mas nunca ele expõe com clareza a razão de determinados movimentos dos atores em ação.
A dúvida sobre o que assistimos em uma cena, algum relance de personagem ou o que de fato aconteceu como um todo, ganha uma camada ainda mais corajosa quando Lespert não diferencia visualmente as ações na linha do tempo, ou seja, o que é flashback tem exatamente o mesmo conceito estético que o presente. A fotografia do Pierre-Yves Bastard (Versailles) é igualmente linda ao retratar Paris com a mesma competência em que cria esse mood de mistério que o roteiro tanto exige. O elenco também caminha alinhado com essa proposta: Charlotte Le Bon está impecável mais uma vez, mas quem rouba a cena, sem dúvida, é Camille Cottin - ela é uma das melhores atrizes da França na atualidade: versátil e sempre no tom certo!
"Iris" é o tipo do filme que está escondido no catálogo do streaming, mas que vale muito a pena e que é louco para entrar no boca a boca dos amantes de dramas policiais - eu diria, inclusive, que é um thriller que merece ser descoberto e apreciado como um ótimo entretenimento. Saíba que ele é desafiador - um prato cheio para quem gosta de mistério policial com um toque sex appeal!
Vale o play!
Para quem estava com saudades daquele filme de suspense espanhol com fortes elementos dramáticos que colocaram o país entre os queridinhos dos assinantes de streaming, eu adianto: "Jaula" é imperdível! Produzido pelo talentoso Álex de La Iglesia (de "O Bar"), o filme resgata uma história real absurda para servir de base (apenas de base) para um roteiro muito bem amarrado e que entrega uma trama que transita perfeitamente entre a "tensão" e a "dúvida" a cada cena - sim, a trama é mesmo consistente o suficiente para que você não tire os olhos da tela até o seu final!
Paula (Elena Anaya) e seu marido Simón (Pablo Molinero) estão voltando para casa quando, de repente, encontram uma criança de seis anos vagando sozinha pela estrada. Ao se certificar que ninguém foi atrás dela, o casal decide leva-la para casa temporariamente. O que poderia ser uma alegria para eles, logo se transforma em caos, já que menina é incapaz de sair de um quadrado de giz pintado no chão e misteriosas situações passam acontecer com todos a sua volta. Dado o forte vínculo criado entre a Paula e ela, Paula decide investigar o passado enigmático da garota e sua descoberta acaba colocando ambas em muito perigo. Confira o trailer (em espanhol):
Dirigido pelo Ignacio Tatay (em seu primeiro longa-metragem), "Jaula", de fato, entrega um mistério dos mais intrigantes - é muito interessante como o roteiro do próprio Tatay ao lado da premiada escritora Isabel Peña (do ótimo "Stockholm") brinca com vários gatilhos narrativos que vão do sobrenatural ao psicológico em apenas uma linha de diálogo ou uma troca de enquadramento. Essa dinâmica, aliás, em nada facilita para audiência na resolução do mistério e mesmo que esse mistério não se sustente até o final, ele nos surpreende e acaba nos movendo para uma visão completa de tudo que foi se construindo até ali, sem roubar no jogo - existe um uma troca de perspectiva no terceiro ato que é muito bem encaixada e criativa, e que funciona lindamente no filme.
Na busca por um equilíbrio cirúrgico entre o fantasioso de "O Telefone Preto"e o realismo brutal de "3096 Dias", o filme mais acerta do que erra, mesmo que em alguns momentos os diálogos e os dramas paralelos pereçam não te levar para lugar algum. É verdade que a construção de camadas que supostamente dariam uma profundidade maior para Paula e Simón é pouco aproveitada, por outro lado essa "deficiência" acaba favorecendo o entretenimento, deixando a trama menos "cabeça". Mas não se engane, a história tem uma série de detalhes, principalmente na investigação de Paula, que merecem e precisam muito da sua atenção!
"Jaula" vem na linha de "A Casa" ou "Quem com ferro fere", que chega no streaming sem muito barulho, mas que acaba conquistando uma audiência relevante e fiel às novas propostas do cinema espanhol. A experiência de assistir o filme é ótima, a história é inteligente e envolvente, o mistério é bem arquitetado e a resolução bem satisfatória, mas saiba que muito será apenas sugerido, então não espere tantas explicações - juntar as peças para uma conclusão mais, digamos, completa, será sua função e isso, na minha opinião, é o mais divertido quando nos deparamos com um bom filme do gênero como esse.
Vale muito seu play!
Para quem estava com saudades daquele filme de suspense espanhol com fortes elementos dramáticos que colocaram o país entre os queridinhos dos assinantes de streaming, eu adianto: "Jaula" é imperdível! Produzido pelo talentoso Álex de La Iglesia (de "O Bar"), o filme resgata uma história real absurda para servir de base (apenas de base) para um roteiro muito bem amarrado e que entrega uma trama que transita perfeitamente entre a "tensão" e a "dúvida" a cada cena - sim, a trama é mesmo consistente o suficiente para que você não tire os olhos da tela até o seu final!
Paula (Elena Anaya) e seu marido Simón (Pablo Molinero) estão voltando para casa quando, de repente, encontram uma criança de seis anos vagando sozinha pela estrada. Ao se certificar que ninguém foi atrás dela, o casal decide leva-la para casa temporariamente. O que poderia ser uma alegria para eles, logo se transforma em caos, já que menina é incapaz de sair de um quadrado de giz pintado no chão e misteriosas situações passam acontecer com todos a sua volta. Dado o forte vínculo criado entre a Paula e ela, Paula decide investigar o passado enigmático da garota e sua descoberta acaba colocando ambas em muito perigo. Confira o trailer (em espanhol):
Dirigido pelo Ignacio Tatay (em seu primeiro longa-metragem), "Jaula", de fato, entrega um mistério dos mais intrigantes - é muito interessante como o roteiro do próprio Tatay ao lado da premiada escritora Isabel Peña (do ótimo "Stockholm") brinca com vários gatilhos narrativos que vão do sobrenatural ao psicológico em apenas uma linha de diálogo ou uma troca de enquadramento. Essa dinâmica, aliás, em nada facilita para audiência na resolução do mistério e mesmo que esse mistério não se sustente até o final, ele nos surpreende e acaba nos movendo para uma visão completa de tudo que foi se construindo até ali, sem roubar no jogo - existe um uma troca de perspectiva no terceiro ato que é muito bem encaixada e criativa, e que funciona lindamente no filme.
Na busca por um equilíbrio cirúrgico entre o fantasioso de "O Telefone Preto"e o realismo brutal de "3096 Dias", o filme mais acerta do que erra, mesmo que em alguns momentos os diálogos e os dramas paralelos pereçam não te levar para lugar algum. É verdade que a construção de camadas que supostamente dariam uma profundidade maior para Paula e Simón é pouco aproveitada, por outro lado essa "deficiência" acaba favorecendo o entretenimento, deixando a trama menos "cabeça". Mas não se engane, a história tem uma série de detalhes, principalmente na investigação de Paula, que merecem e precisam muito da sua atenção!
"Jaula" vem na linha de "A Casa" ou "Quem com ferro fere", que chega no streaming sem muito barulho, mas que acaba conquistando uma audiência relevante e fiel às novas propostas do cinema espanhol. A experiência de assistir o filme é ótima, a história é inteligente e envolvente, o mistério é bem arquitetado e a resolução bem satisfatória, mas saiba que muito será apenas sugerido, então não espere tantas explicações - juntar as peças para uma conclusão mais, digamos, completa, será sua função e isso, na minha opinião, é o mais divertido quando nos deparamos com um bom filme do gênero como esse.
Vale muito seu play!
"Je Suis Karl" é um verdadeiro soco no estômago. Essa produção alemã usa muitos elementos de outros dois grandes sucessos do país: "Em Pedaços"e "Nós somos a Onda" - e aqui não estamos comparando as produções e sim pontuando características que facilmente conseguimos encontrar se olharmos com mais atenção para cada uma delas. Veja, "Je Suis Karl" explora várias camadas de uma complexa discussão sobre a imigração na Europa e seus reflexos em atentados terroristas, seja ele qual for a motivação - é um recorte de quem ataca e de quem é a vítima através de uma visão extremamente delicada sobre o extremismo e a ascensão da ultra direita.
Maxi Baier (Luna Wedler) é uma sobrevivente de um ataque terrorista que matou sua mãe e seus dois irmãos, restando apenas o pai. Em um belo dia, a jovem conhece Karl (Jannis Niewöhner), um sedutor estudante que a convida para um seminário de verão sobre a diversidade. Entretanto, na chamada para o evento destaca-se a frase “assuma o controle”. Juntos, eles se tornam parte de um movimento juvenil europeu que visa tomar, de fato, o poder a partir de ideias extremistas de supremacia branca. Confira o trailer (original):
Chancelado pela seleção no 71ª Festival de Berlin, o filme dirigido magistralmente por Christian Schwochow e escrito por Thomas Wendrich, apresenta uma reflexão sobre uma interpretação deturpada das origens e consequências de uma tragédia pelos olhos (e cliques) irresponsáveis de um grupo supremacista obcecado por suas estratégias de sedução - é impressionante a habilidade com que Schwochow vai quebrando a linha temporal e usando de conceitos estéticos para explorar uma narrativa que sobrepõe a dor com fanatismo, xenofobia e aliciamento, além, claro, da deturpação de valores morais com o único objetivo de mudar a mentalidade de pessoas aparentemente boas, mas facilmente influenciáveis - e aí está o grande problema (da humanidade em tempos de redes sociais).
Além de um roteiro bem redondinho e de uma direção com muita identidade, "Je Suis Karl" tem um conceito estética muito marcante, com uma fotografia deslumbrante que é potencializada por um trabalho de pós-produção das mais interessantes: reparem como as cores e as texturas se encaixam perfeitamente com a ambientação e com o clímax da história, seja em Berlim, Paris ou Praga. Mesmo em alguns momentos acima do tom, Maxi Baier faz um excelente trabalho ao lado de Jannis Niewöhner - mas a performance que mais me chamou a atenção foi a do pai de Maxi, Alex (Milan Peschel). Tem uma dor marcante no seu olhar que corta o coração.
"Je Suis Karl" tem uma levada independente que impacta na história e surpreende pelas escolhas narrativas que Schwochow e Wendrich fizeram. Saiba que o conflito prometido desde o início vai se transformando durante o segundo ato do filme e assim eliminando toda aquela previsibilidade que parecia natural, com isso a progressão das relações entre os personagens vão ganhando força e a interpretação de seus ideais, fatalmente, vai te provocar ótimas de reflexões - e esse é o ponto alto do filme!
Uma boa surpresa que vale cada minuto!
"Je Suis Karl" é um verdadeiro soco no estômago. Essa produção alemã usa muitos elementos de outros dois grandes sucessos do país: "Em Pedaços"e "Nós somos a Onda" - e aqui não estamos comparando as produções e sim pontuando características que facilmente conseguimos encontrar se olharmos com mais atenção para cada uma delas. Veja, "Je Suis Karl" explora várias camadas de uma complexa discussão sobre a imigração na Europa e seus reflexos em atentados terroristas, seja ele qual for a motivação - é um recorte de quem ataca e de quem é a vítima através de uma visão extremamente delicada sobre o extremismo e a ascensão da ultra direita.
Maxi Baier (Luna Wedler) é uma sobrevivente de um ataque terrorista que matou sua mãe e seus dois irmãos, restando apenas o pai. Em um belo dia, a jovem conhece Karl (Jannis Niewöhner), um sedutor estudante que a convida para um seminário de verão sobre a diversidade. Entretanto, na chamada para o evento destaca-se a frase “assuma o controle”. Juntos, eles se tornam parte de um movimento juvenil europeu que visa tomar, de fato, o poder a partir de ideias extremistas de supremacia branca. Confira o trailer (original):
Chancelado pela seleção no 71ª Festival de Berlin, o filme dirigido magistralmente por Christian Schwochow e escrito por Thomas Wendrich, apresenta uma reflexão sobre uma interpretação deturpada das origens e consequências de uma tragédia pelos olhos (e cliques) irresponsáveis de um grupo supremacista obcecado por suas estratégias de sedução - é impressionante a habilidade com que Schwochow vai quebrando a linha temporal e usando de conceitos estéticos para explorar uma narrativa que sobrepõe a dor com fanatismo, xenofobia e aliciamento, além, claro, da deturpação de valores morais com o único objetivo de mudar a mentalidade de pessoas aparentemente boas, mas facilmente influenciáveis - e aí está o grande problema (da humanidade em tempos de redes sociais).
Além de um roteiro bem redondinho e de uma direção com muita identidade, "Je Suis Karl" tem um conceito estética muito marcante, com uma fotografia deslumbrante que é potencializada por um trabalho de pós-produção das mais interessantes: reparem como as cores e as texturas se encaixam perfeitamente com a ambientação e com o clímax da história, seja em Berlim, Paris ou Praga. Mesmo em alguns momentos acima do tom, Maxi Baier faz um excelente trabalho ao lado de Jannis Niewöhner - mas a performance que mais me chamou a atenção foi a do pai de Maxi, Alex (Milan Peschel). Tem uma dor marcante no seu olhar que corta o coração.
"Je Suis Karl" tem uma levada independente que impacta na história e surpreende pelas escolhas narrativas que Schwochow e Wendrich fizeram. Saiba que o conflito prometido desde o início vai se transformando durante o segundo ato do filme e assim eliminando toda aquela previsibilidade que parecia natural, com isso a progressão das relações entre os personagens vão ganhando força e a interpretação de seus ideais, fatalmente, vai te provocar ótimas de reflexões - e esse é o ponto alto do filme!
Uma boa surpresa que vale cada minuto!
"Julho Agosto" (que em algumas plataformas de streaming ganhou o título de "Verão em Família") pode até soar como uma história adolescente com aquele tempero quase independente de um filme francês produzido para encantar o grande público - e de fato o filme escrito e dirigido pelo cineasta francês Diastème traz esses elementos, mas basta alguns minutos para perceber que a proposta é muito mais profunda, pois o roteiro se apoia em diversas camadas para expor um delicado retrato sobre a juventude e como essa realidade pode impactar no relacionamento entre pais (separados) e seus filhos.
As irmãs Laura (Luna Lou) e Josephine (Alma Jodorowsky) vão passar as férias de julho na casa de praia do padrasto. Enquanto a primeira se esforça para esconder uma grave travessura, a mais velha vive a dor e a delícia de uma intensa paixão de verão. No mês seguinte, elas vão visitar o pai em outra região da França e os problemas mudam de figura: enquanto Josephine lida com as consequências inimagináveis de seu romance, Luna se afasta a cada dia da infância em busca de respostas para suas próprias convicções. Confira o trailer:
Veja, "Juillet août" (no original) constrói uma narrativa interessante, mesmo que em alguns momentos pareça se perder na proposta - digo isso pelos caminhos que o roteiro escolhe para criar os conflitos e justificar a relação, essa sim muito mais interessante, entre as irmãs Laura e Josephine com seus pais que não estão mais juntos, mas fazem questão de se mostrar amorosos com elas e respeitosos entre si. Aqui, é bacana relatar que em nenhum momento (ou quase nenhum, graças a personalidade forte de Laura) o embate tem um tom dramático, pelo contrário, Diastème provoca a audiência muito mais por priorizar o diálogo do que por criar cenas impactantes - isso humaniza a relação familiar de tal maneira que fica impossível não nos colocarmos (como pais) nas situações vividas pelos personagens. Não existe a dicotomia usual dos filmes americanos do bom e do mal, ou do certo e do errado - como na vida real, são pontos de vista para uma mesma situação, e a partir daí as demonstrações de carinho, mesmo quando a bronca é necessária, são construídas com o intuito de educar e de encontrar as melhores soluções.
"Julho Agosto" tem o mérito de falar sobre o amadurecimento pelo olhar das jovens protagonistas - e como todos sabem, amadurecer não é um jornada das mais fáceis. O filme é realmente muito feliz ao discutir uma dinâmica de comunicação moderna observando uma nova estrutura familiar, com suas dores, mas também com seus pontos positivos: o papel do padrasto das meninas, é um bom exemplo, já que da sua forma mais simples, ele tenta passar ensinamentos e ainda deixa claro que está sempre disposto a ajudar no que elas precisarem; enquanto, ao mesmo tempo, Laura sente um enorme ciúme do pai e de forma honesta com seu sentimento tenta se colocar entre ele e sua pretendente. Entendem a complexidade das relações, mas com que delicadeza que esse filme trata do tema?
O filme é uma graça, muito mérito do seu roteiro. É incrível como a audiência se sente bem ao lado dos personagens e como eles são carismáticos - não é por acaso que nos interessamos por suas jornadas, entendemos suas motivações e principalmente torcemos para que tudo dê certo em nome da paz para aquela família. A mensagem é das melhores, mesmo que a vida teime em desafiar todos eles.
Vale muito a pena!
"Julho Agosto" (que em algumas plataformas de streaming ganhou o título de "Verão em Família") pode até soar como uma história adolescente com aquele tempero quase independente de um filme francês produzido para encantar o grande público - e de fato o filme escrito e dirigido pelo cineasta francês Diastème traz esses elementos, mas basta alguns minutos para perceber que a proposta é muito mais profunda, pois o roteiro se apoia em diversas camadas para expor um delicado retrato sobre a juventude e como essa realidade pode impactar no relacionamento entre pais (separados) e seus filhos.
As irmãs Laura (Luna Lou) e Josephine (Alma Jodorowsky) vão passar as férias de julho na casa de praia do padrasto. Enquanto a primeira se esforça para esconder uma grave travessura, a mais velha vive a dor e a delícia de uma intensa paixão de verão. No mês seguinte, elas vão visitar o pai em outra região da França e os problemas mudam de figura: enquanto Josephine lida com as consequências inimagináveis de seu romance, Luna se afasta a cada dia da infância em busca de respostas para suas próprias convicções. Confira o trailer:
Veja, "Juillet août" (no original) constrói uma narrativa interessante, mesmo que em alguns momentos pareça se perder na proposta - digo isso pelos caminhos que o roteiro escolhe para criar os conflitos e justificar a relação, essa sim muito mais interessante, entre as irmãs Laura e Josephine com seus pais que não estão mais juntos, mas fazem questão de se mostrar amorosos com elas e respeitosos entre si. Aqui, é bacana relatar que em nenhum momento (ou quase nenhum, graças a personalidade forte de Laura) o embate tem um tom dramático, pelo contrário, Diastème provoca a audiência muito mais por priorizar o diálogo do que por criar cenas impactantes - isso humaniza a relação familiar de tal maneira que fica impossível não nos colocarmos (como pais) nas situações vividas pelos personagens. Não existe a dicotomia usual dos filmes americanos do bom e do mal, ou do certo e do errado - como na vida real, são pontos de vista para uma mesma situação, e a partir daí as demonstrações de carinho, mesmo quando a bronca é necessária, são construídas com o intuito de educar e de encontrar as melhores soluções.
"Julho Agosto" tem o mérito de falar sobre o amadurecimento pelo olhar das jovens protagonistas - e como todos sabem, amadurecer não é um jornada das mais fáceis. O filme é realmente muito feliz ao discutir uma dinâmica de comunicação moderna observando uma nova estrutura familiar, com suas dores, mas também com seus pontos positivos: o papel do padrasto das meninas, é um bom exemplo, já que da sua forma mais simples, ele tenta passar ensinamentos e ainda deixa claro que está sempre disposto a ajudar no que elas precisarem; enquanto, ao mesmo tempo, Laura sente um enorme ciúme do pai e de forma honesta com seu sentimento tenta se colocar entre ele e sua pretendente. Entendem a complexidade das relações, mas com que delicadeza que esse filme trata do tema?
O filme é uma graça, muito mérito do seu roteiro. É incrível como a audiência se sente bem ao lado dos personagens e como eles são carismáticos - não é por acaso que nos interessamos por suas jornadas, entendemos suas motivações e principalmente torcemos para que tudo dê certo em nome da paz para aquela família. A mensagem é das melhores, mesmo que a vida teime em desafiar todos eles.
Vale muito a pena!
Certamente um dos maiores acertos da Netflix esse ano. "Klaus" é sua primeira animação original em parceria com o The SPA Studios - e olha, não deixa nada a desejar para nenhum outro Estúdio. Mesmo a animação sendo em 2D, com um conceito visual muito usado pela Disney, o filme soube equilibrar muito bem a arte dos traços com um roteiro redondinho. "Klaus" mostra a jornada de Jesper que, por ser um filho muito mimado e que não valoriza o trabalho, é transferido para cuidar de um negócio da família: um Correio na distante Smeerensburg, uma pequena cidade no Círculo Polar Ártico que vive em pé de guerra - baseado em uma tradição histórica de rivalidade entre os Krum (cabelos pretos) e os Ellingboe (cabelos ruivos). Sabendo que só poderia retornar ao conforto do lar após entregar 6.000 cartas, Jesper precisa usar a criatividade (e a ajuda do velho lenhador Klaus) para cumprir sua missão como carteiro e como ser humano - é aí que a Animação vai ganhando força, pois o roteiro usa de situações inusitadas dos dois personagens para contar como cada signo do natal foi criado. É muito interessante e criativo! Além de uma mensagem belíssima, o filme é dinâmico, bonito, inteligente e muito gostoso de assistir! Filme para a família, sem a menor dúvida! Imperdível!
Atual ao discutir a polarização que toma conta do mundo, "Klaus" chega para desconstruir uma expectativa pessimista em relação ao mundo e ao ser humano, através do olhar mais sincero que pode existir: o da criança. Cheio de alegorias, ao melhor estilo "Divertidamente", a animação da Netflix usa da criatividade para construir a jornada de auto-conhecimento de Jesper, mesmo que fantasiada de punição. É bacana que cada detalhe do filme nos faz refletir sobre a forma como encaramos a vida, usando de normas pré-estabelecidas que, na verdade, podem perder o seu significado a partir do momento em que mudamos a maneira como encaramos esses fatos, ou como vamos tomando consciência da necessidade de transformação para vivermos melhor (e em paz)! É claro que o "espírito de natal" cai como uma luva nesse cenário e o diretor Sergio Pablos, que já havia criado a história do "Meu Malvado Favorito", explora perfeitamente cada signo, cada mensagem, cada ideal do natal; como entretenimento de primeira! Sensacional!
"Klaus" deixa de lado a tecnologia 3D de "Toy Story" e abusa das texturas e da iluminação, usando uma técnica muito particular para construir os traços de personagens caricatos mas com muita alma! A transformação do cenário, as cores, o tom, tudo surge como uma pintura - é clara a referência do "O Estranho Mundo de Jack". Mesmo não sendo um musical, é impossível não sorrir (ou se emocionar) ao escutar a música Invisibleda sueca Zara Larsson. Eu diria que "Klaus" é um pacote completo, uma animação digna de indicação ao Oscar e, sem dúvida, uma das melhores produções do gênero no ano! Vale muito o seu play!
Certamente um dos maiores acertos da Netflix esse ano. "Klaus" é sua primeira animação original em parceria com o The SPA Studios - e olha, não deixa nada a desejar para nenhum outro Estúdio. Mesmo a animação sendo em 2D, com um conceito visual muito usado pela Disney, o filme soube equilibrar muito bem a arte dos traços com um roteiro redondinho. "Klaus" mostra a jornada de Jesper que, por ser um filho muito mimado e que não valoriza o trabalho, é transferido para cuidar de um negócio da família: um Correio na distante Smeerensburg, uma pequena cidade no Círculo Polar Ártico que vive em pé de guerra - baseado em uma tradição histórica de rivalidade entre os Krum (cabelos pretos) e os Ellingboe (cabelos ruivos). Sabendo que só poderia retornar ao conforto do lar após entregar 6.000 cartas, Jesper precisa usar a criatividade (e a ajuda do velho lenhador Klaus) para cumprir sua missão como carteiro e como ser humano - é aí que a Animação vai ganhando força, pois o roteiro usa de situações inusitadas dos dois personagens para contar como cada signo do natal foi criado. É muito interessante e criativo! Além de uma mensagem belíssima, o filme é dinâmico, bonito, inteligente e muito gostoso de assistir! Filme para a família, sem a menor dúvida! Imperdível!
Atual ao discutir a polarização que toma conta do mundo, "Klaus" chega para desconstruir uma expectativa pessimista em relação ao mundo e ao ser humano, através do olhar mais sincero que pode existir: o da criança. Cheio de alegorias, ao melhor estilo "Divertidamente", a animação da Netflix usa da criatividade para construir a jornada de auto-conhecimento de Jesper, mesmo que fantasiada de punição. É bacana que cada detalhe do filme nos faz refletir sobre a forma como encaramos a vida, usando de normas pré-estabelecidas que, na verdade, podem perder o seu significado a partir do momento em que mudamos a maneira como encaramos esses fatos, ou como vamos tomando consciência da necessidade de transformação para vivermos melhor (e em paz)! É claro que o "espírito de natal" cai como uma luva nesse cenário e o diretor Sergio Pablos, que já havia criado a história do "Meu Malvado Favorito", explora perfeitamente cada signo, cada mensagem, cada ideal do natal; como entretenimento de primeira! Sensacional!
"Klaus" deixa de lado a tecnologia 3D de "Toy Story" e abusa das texturas e da iluminação, usando uma técnica muito particular para construir os traços de personagens caricatos mas com muita alma! A transformação do cenário, as cores, o tom, tudo surge como uma pintura - é clara a referência do "O Estranho Mundo de Jack". Mesmo não sendo um musical, é impossível não sorrir (ou se emocionar) ao escutar a música Invisibleda sueca Zara Larsson. Eu diria que "Klaus" é um pacote completo, uma animação digna de indicação ao Oscar e, sem dúvida, uma das melhores produções do gênero no ano! Vale muito o seu play!
"Lazzaro Felice" é um filme bastante peculiar, principalmente se você embarcar nessa jornada sem a menor expectativa do que vai encontrar. Pode parecer contraditório ler um review sobre o filme ao mesmo tempo que sugiro não se aprofundar na história para escolher o título, mas é isso mesmo que eu proponho nesse texto. Saiba que esse filme italiano de 2018 venceu na categoria "Melhor Roteiro" no Festival de Cannes, "Melhor Filme" no Festival de Chicago e em Rotterdam - onde recebeu a seguinte resenha: "Acreditamos que o "Lazzaro" inspirará um futuro público a ser mais humano e refletir sobre suas experiências e interações diárias".
Pelo trailer já dá para se ter uma ideia de que "Lazzaro Felice" trás um conceito narrativo muito baseado na poesia, na alegoria, o que, certamente, agradará mais o público sensível e disposto a reinterpretar aquilo que assiste na tela, porém é preciso que se diga que o filme da (excelente) diretora italiana Alice Rohrwacher trabalha tão bem as sensações que chega a ser impressionante. "Lazzaro Felice" conta a história de um jovem camponês chamado Lazzaro (Adriano Tardiolo), que por ser tão inocente (e bondoso) acaba sendo explorado por todos da comunidade onde vive, no interior da Itália. Pouco mais de 50 pessoas, entre idosos, crianças e adultos, exercem alguma função para manter o local vivo, embora em condições precárias, essas pessoas sobrevivem como escravos sob as ordens da marquesa Alfonsina De Luna (Nicoletta Braschi) - que acredita que todo e qualquer ser humano deve explorar e ser explorado por alguém, em uma pirâmide social abusiva, hierárquica e viciada em padrões estabelecidos pelo conhecimento e a cultura. Acontece que essa dinâmica acaba sendo desfeita quando a polícia chega na comunidade para investigar o falso sequestro do filho da marquesa e é aí que a história se transforma completamente, transitando entre a fantasia e a realidade de uma forma muito sensível e profunda. Confira o trailer:
"Lazzaro Felice" não vai agradar a todos, isso é um fato, mas se você gostou de "Atlantique" (também na Netflix) é bem provável que se identifique com esse belíssimo filme, pois ele mistura com a mesma eficiência, o drama e o sobrenatural graças a um roteiro muito bem escrito, uma direção extremamente competente e uma fotográfica digna de muitos prêmios! Vale muito a pena - filme independente com carreira consistente em festivais!
Embora o conceito de exploração do mais fraco (defendido pela marquesa) seja o fio condutor de "Lazzaro Felice", é muito curioso a forma como a Rohrwacher usa a figura do protagonista para representar um limite que precisa ser respeitado e que vai nos provocar a reflexão. Estar na base da pirâmide não nos deixa saída, afinal não há em quem se apoiar (ou explorar), porém essa realidade não influencia ou define o caráter de uma pessoa - e o filme usa de vários exemplos, muitos deles apenas em diálogos pontuais ou em ações que parecem despretensiosas, para justificar essa tese. Se uma personagem pode enganar uma pessoa que acabou de ajuda-la só para faturar 30 euros, isso não exime da mesma personagem a escolha de abrir mão de algo quando alguém pede sua ajuda - mesmo que esse "alguém" já tenha mal tratado ela no passado! Essa dualidade do roteiro é explorada a todo momento e ganha ainda mais força quando entendemos a alegoria bíblica que a história se propõe a discutir - existe um Lázaro descrito na Bíblia e como o personagem do filme, ele é alguém que foi ressuscitado por Jesus e que destoa da fragilidade moral do mundo em que vive. Reparem na cena da igreja e vejam como a diretora, em nenhum momento levanta uma bandeira, seja ela politica ou religiosa, sem mostrar o outro lado ou criticar a distorção pela qual o ser humano se apoia!
Filmado 100% em 16 mm, o que dá um aspecto granulado a imagem e sugere uma certa abstração da realidade, e finalizado com uma margem irregular como se estivéssemos assistindo um filme projetado em um pergaminho, "Lazzaro Felice" é um excelente exemplo de como uma identidade narrativa baseada em um conceito fortemente estabelecido com propósito, funciona a favor da história. Nada que acontece na tela é por acaso - da maneira como o protagonista se movimenta, se comunica ou simplesmente observa uma ação, até os planos abertos enquadrando uma geografia rural que vai se desfazer em um cenário urbano caótico e opressor, um pouco mais a frente. É um grande trabalho da fotógrafa Hélène Louvart (de "A vida invisível" do brasileiro Karim Aïnouz). O elenco também está irretocável: Adriano Tardiolo dá uma aula de neutralidade na interpretação, daquelas que o ator fala com os olhos, com a alma, com o sentimento! Tommaso Ragno como o Tancredi adulto também dá um show, mas quem rouba a cena mesmo é a ótima Alba Rohrwacher como Antonia - que trabalho maravilhoso!
"Lazzaro Felice" é um filme autoral de quem conhece a gramática cinematográfica e sabe exatamente onde quer chegar com aquela história. Um show de roteiro que usa da alegoria para tocar em temas delicados e atuais como as consequências do êxodo rural e do desemprego, a violência contra a mulher, a desigualdade social, o capitalismo predatório, etc. Saiba que não será um jornada fácil, a diretora acerta em não nos entregar as informações de mão beijada, nos sugerindo muito mais do que impondo (com excessão da cena posterior a da igreja, onde a música segue os personagens, que destoa das escolhas acertadas até ali). "Lazzaro Felice" pode causar um certo estranhamento inicial, mas que aos poucos vai se encontrando e, claro, nos deixando com mais dúvidas do que certezas e nos tirando de uma zona de conforto como poucas vezes sentimos - a lembrança que me vem a cabeça, respeitando suas peculiaridades de gênero, é a sensação de assistir "Abre los Ojos" do Alejandro Amenábar pela primeira vez!
Não vacile, dê o play!
"Lazzaro Felice" é um filme bastante peculiar, principalmente se você embarcar nessa jornada sem a menor expectativa do que vai encontrar. Pode parecer contraditório ler um review sobre o filme ao mesmo tempo que sugiro não se aprofundar na história para escolher o título, mas é isso mesmo que eu proponho nesse texto. Saiba que esse filme italiano de 2018 venceu na categoria "Melhor Roteiro" no Festival de Cannes, "Melhor Filme" no Festival de Chicago e em Rotterdam - onde recebeu a seguinte resenha: "Acreditamos que o "Lazzaro" inspirará um futuro público a ser mais humano e refletir sobre suas experiências e interações diárias".
Pelo trailer já dá para se ter uma ideia de que "Lazzaro Felice" trás um conceito narrativo muito baseado na poesia, na alegoria, o que, certamente, agradará mais o público sensível e disposto a reinterpretar aquilo que assiste na tela, porém é preciso que se diga que o filme da (excelente) diretora italiana Alice Rohrwacher trabalha tão bem as sensações que chega a ser impressionante. "Lazzaro Felice" conta a história de um jovem camponês chamado Lazzaro (Adriano Tardiolo), que por ser tão inocente (e bondoso) acaba sendo explorado por todos da comunidade onde vive, no interior da Itália. Pouco mais de 50 pessoas, entre idosos, crianças e adultos, exercem alguma função para manter o local vivo, embora em condições precárias, essas pessoas sobrevivem como escravos sob as ordens da marquesa Alfonsina De Luna (Nicoletta Braschi) - que acredita que todo e qualquer ser humano deve explorar e ser explorado por alguém, em uma pirâmide social abusiva, hierárquica e viciada em padrões estabelecidos pelo conhecimento e a cultura. Acontece que essa dinâmica acaba sendo desfeita quando a polícia chega na comunidade para investigar o falso sequestro do filho da marquesa e é aí que a história se transforma completamente, transitando entre a fantasia e a realidade de uma forma muito sensível e profunda. Confira o trailer:
"Lazzaro Felice" não vai agradar a todos, isso é um fato, mas se você gostou de "Atlantique" (também na Netflix) é bem provável que se identifique com esse belíssimo filme, pois ele mistura com a mesma eficiência, o drama e o sobrenatural graças a um roteiro muito bem escrito, uma direção extremamente competente e uma fotográfica digna de muitos prêmios! Vale muito a pena - filme independente com carreira consistente em festivais!
Embora o conceito de exploração do mais fraco (defendido pela marquesa) seja o fio condutor de "Lazzaro Felice", é muito curioso a forma como a Rohrwacher usa a figura do protagonista para representar um limite que precisa ser respeitado e que vai nos provocar a reflexão. Estar na base da pirâmide não nos deixa saída, afinal não há em quem se apoiar (ou explorar), porém essa realidade não influencia ou define o caráter de uma pessoa - e o filme usa de vários exemplos, muitos deles apenas em diálogos pontuais ou em ações que parecem despretensiosas, para justificar essa tese. Se uma personagem pode enganar uma pessoa que acabou de ajuda-la só para faturar 30 euros, isso não exime da mesma personagem a escolha de abrir mão de algo quando alguém pede sua ajuda - mesmo que esse "alguém" já tenha mal tratado ela no passado! Essa dualidade do roteiro é explorada a todo momento e ganha ainda mais força quando entendemos a alegoria bíblica que a história se propõe a discutir - existe um Lázaro descrito na Bíblia e como o personagem do filme, ele é alguém que foi ressuscitado por Jesus e que destoa da fragilidade moral do mundo em que vive. Reparem na cena da igreja e vejam como a diretora, em nenhum momento levanta uma bandeira, seja ela politica ou religiosa, sem mostrar o outro lado ou criticar a distorção pela qual o ser humano se apoia!
Filmado 100% em 16 mm, o que dá um aspecto granulado a imagem e sugere uma certa abstração da realidade, e finalizado com uma margem irregular como se estivéssemos assistindo um filme projetado em um pergaminho, "Lazzaro Felice" é um excelente exemplo de como uma identidade narrativa baseada em um conceito fortemente estabelecido com propósito, funciona a favor da história. Nada que acontece na tela é por acaso - da maneira como o protagonista se movimenta, se comunica ou simplesmente observa uma ação, até os planos abertos enquadrando uma geografia rural que vai se desfazer em um cenário urbano caótico e opressor, um pouco mais a frente. É um grande trabalho da fotógrafa Hélène Louvart (de "A vida invisível" do brasileiro Karim Aïnouz). O elenco também está irretocável: Adriano Tardiolo dá uma aula de neutralidade na interpretação, daquelas que o ator fala com os olhos, com a alma, com o sentimento! Tommaso Ragno como o Tancredi adulto também dá um show, mas quem rouba a cena mesmo é a ótima Alba Rohrwacher como Antonia - que trabalho maravilhoso!
"Lazzaro Felice" é um filme autoral de quem conhece a gramática cinematográfica e sabe exatamente onde quer chegar com aquela história. Um show de roteiro que usa da alegoria para tocar em temas delicados e atuais como as consequências do êxodo rural e do desemprego, a violência contra a mulher, a desigualdade social, o capitalismo predatório, etc. Saiba que não será um jornada fácil, a diretora acerta em não nos entregar as informações de mão beijada, nos sugerindo muito mais do que impondo (com excessão da cena posterior a da igreja, onde a música segue os personagens, que destoa das escolhas acertadas até ali). "Lazzaro Felice" pode causar um certo estranhamento inicial, mas que aos poucos vai se encontrando e, claro, nos deixando com mais dúvidas do que certezas e nos tirando de uma zona de conforto como poucas vezes sentimos - a lembrança que me vem a cabeça, respeitando suas peculiaridades de gênero, é a sensação de assistir "Abre los Ojos" do Alejandro Amenábar pela primeira vez!
Não vacile, dê o play!
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